Mois : juin 2021

Dernière rencontre avec les auteurs/autrices de la photolittérature jeunesse avant la coupure estivale. C’est  le conte photographique  La petite fille aux allumettes d’après Andersen qui nous a amenés à rencontrer la photographe Yveline Loiseur.  C’est en vérité tout un monde d’images qui se dévoile lorsque l’on tire sur le fil…

Chère Yveline, que répondez-vous à la question « profession ? »

Artiste.

On dirait bien que les enfants, les adolescents sont un de vos sujets de prédilection. Cherchez-vous à fixer des images de l’enfance dans la lignée de grandes femmes photographes ?

Je vais répondre à votre question en deux temps.

L’enfance occupe une place importante dans mon travail artistique depuis de nombreuses années. La série La vie courante a inauguré un long travail sur la fabrication du souvenir d’enfance entre 2002 à 2009, au travers de mises en scène effectuées dans un cercle familial élargi. Il a donné lieu à une publication en 2011 aux Éditions Trans Photographic Press, avec un texte de Michel Poivert (Le happening et la berceuse).

Plus généralement, je cherche à fabriquer des souvenirs d’enfance plutôt qu’à fixer des images de l’enfance. Quel geste, quelle situation, quelle configuration demeurent dans notre mémoire collective? Quelles manières de faire nous renvoient à l’enfance? L’enfance, c’est le temps des expériences, de l’expérience sensible et de l’expérimentation, si proche de celle de l’artiste. Les enfants imaginent de petits protocoles qu’ils mettent en œuvre aussitôt; par exemple, qu’est-ce que cela fait et qu’est-ce que cela me fait si je ferme les yeux en marchant dans le couloir? Quelles sensations me traversent si j’enduis mes mains de farine ou si j’agite une flaque d’eau avec un bâton? C’est retrouver un peu ce que dit la poétesse Andrée Chedid dans Regarder l’enfance: « Singulier et magique/ L’oeil de ton enfance/ Qui détient à sa source/ L’univers des regards ».

Le deuxième temps de votre question évoque la filiation avec des figures féminines majeures issues de l’histoire de la photographie. J’aime effectivement les photographies d’enfants de Julia Margaret Cameron, de Diane Arbus ou de Helen Levitt, mais aussi celles de Emmet Gowin, de Ralph Eugene Meatyard ou de Chris Killip…  

C’est surtout le cinéma qui a constitué mon premier musée imaginaire autour de l’enfance. J’ai été très impressionnée par certains films dont les héros étaient des enfants, comme L’enfance d’Ivan d’Andreï Tarkovski, L’enfance nue de Maurice Pialat ou encore Le passager d’Abbas Kiarostami, et je suis aujourd’hui une inconditionnelle du cinéma de Bruno Dumont et aussi celui de Céline Sciamma ! 

Vos modèles semblent plonger dans une forme de mélancolie, de gravité, loin des joies de l’enfance. Est-ce une volonté de représenter ainsi une enfance pleine d’inquiétude face à un avenir incertain ? Est-ce un souhait de ceux dont vous fixez les portraits ?

Je cite souvent cette phrase du cinéaste Johan Van der Keuken: « Le film n’est pas la vie mais il doit la toucher, c’est une seconde vie ». Cette seconde vie s’installe sur les rivages des songes et de la rêverie, à la lisière des ténèbres et de la lumière; mes portraits sont des mises en scène, inscrites dans des pratiques souvent collaboratives, mêlant théâtre de situation, improvisation, et dramaturgie de plateau. Ces mises en scène induisent de la distance, du jeu, de la composition, de la concentration, c’est davantage la mélancolie du souvenir qu’il faudrait souligner.

Comment passe-t-on des expositions aux livres pour enfants ? Voyez-vous le livre comme un prolongement des murs des salles d’exposition ?

Assez facilement de fait. J’aime la photographie pour son caractère protéiforme, c’est un médium vivant qui invite à des expérimentations joyeuses et variées: l’exposition, l’installation, le livre d’artiste, l’album jeunesse… Installée au cœur du réel, la photographie accoste sur les rives de l’imaginaire. Descriptive, elle est aussi fictionnelle, et dans mon travail, elle se regarde dans le miroir de la littérature. C’est une affaire de construction, de poésie et de fragilité.

Mon monde photographique est dessiné comme sur un plan réticulaire, c’est un ensemble mobile et flottant qui fonctionne en réseau, en résonance, dans une porosité des pratiques et des motifs; je tire des fils, certaines lignes s’intensifient et d’autres disparaissent pour revivre plus tard dans une nouvelle configuration.

Le passage entre exposition et livre peut aussi avoir lieu dans l’autre sens. Pour la première fois cette année, j’ai déplié deux de mes livres pour enfants (Le Portrait d’Eugène et Florence et Henri) à Valence, sur des murs du hall du Lux – Scène Nationale, dans le cadre de mon exposition La Cueillaison d’un rêve.

Ces deux livres utilisent la prise de vue et la mise en scène, le découpage, le dessin d’enfant. Ils racontent la réalisation d’un portrait photographique et la révélation d’une image dans le laboratoire; ces deux temps de la fabrication d’une image installée sur les murs étaient en parfaite résonance avec l’esprit du lieu, dont la programmation mêle danse contemporaine, théâtre, cinéma et arts visuels, et montre, dans des spectacles, la production de formes chorégraphiques ou d’ateliers  avec des enfants, des images en train de se faire.

Par ailleurs, les photographies déployées sur les murs étaient d’un grand format (90 cm de haut), de différentes natures (tirages argentiques et dos bleu) et agencés sans texte: sur le mur, le geste photographique se trouvait réactivé; la dimension littéraire s’effaçait, la photographie se détachait de la narration présente dans le livre. 

Dans quelle catégorie rangeriez-vous ces ouvrages d’ailleurs? Conte revisité, manuel d’apprentissage de la photographie, livres d’artistes pour enfants ? Et Florence et Henri ?

Votre question est déjà une réponse, c’est effectivement un peu tout cela!

Conte revisité pour La petite fille aux allumettes, initiation poétique à la fabrication d’un portrait photographique pour Le portrait d’Eugène, doublé d’une postface de Gaëlle Morel qui présente d’un point de vue historique la rencontre d’Eugène Atget et Berenice Abbott.

Florence et Henri est un peu particulier. Publié en 2019 aux Éditions 205, il est constitué d’une chemise qui contient un livret avec une histoire, des planches d’expérimentations, et du petit matériel (miroir, filtres de couleur et outil de recadrage). C’est à la fois un livre d’artiste pour les enfants mais aussi un livre objet qui permet de jouer avec les images. Comme dans les autres livres, ce dernier opus a pour héroïne une femme; comme dans Le portrait d’Eugène, l’héroïne de l’histoire renvoie à une figure historique féminine de la photographie, ici Florence Henri, photographe fortement influencée par ses études au Bauhaus avec Josef Albers et Laszlo Moholy-Nagy.

Le choix des éditeurs détermine aussi la forme et l’esprit des livres; Trans Photographic Press (Dominique Gaessler et Vinca Dupuys Basak) ou Les Éditions 205 (Damien Gautier et Florence Roller) inscrivent leur propos éditorial dans le champ de l’art contemporain ou la photographie contemporaine, ils connaissent bien son histoire et ses enjeux, pensent que la photographie propose une manière particulière de montrer le monde et sont soucieux de la qualité d’impression des images.

Des références aux photographes du passé sont très présentes dans votre œuvre : Atget, Abbott, Julia Margaret Cameron. Pourquoi ceux-là et non d’autres ? Est-ce une volonté aussi de faire découvrir l’Art photographique aux plus jeunes ?

On est en bonne compagnie quand on fréquente les cercles photographiques du passé! L’histoire de la photographie est peuplée d’aventurières et d’aventuriers, il suffit de songer à la vie rocambolesque de Gustave Le Gray, celle de Claude Cahun ou de Germaine Krull!

Pour mon second livre, Le portrait d’Eugène, j’ai choisi Eugène Atget et Berenice Abbott parce que c’est une belle histoire de rencontre et de filiation, celle d’une jeune femme photographe désireuse de portraiturer le vieux maitre qui fascine Man Ray et les surréalistes. Pourtant Eugene Atget ne verra jamais les deux portraits qu’elle a réalisés, il décède peu de temps après la prise de vue. Ces deux portraits sont presque les seuls qu’on connait de lui. Berenice Abbott n’aura de cesse de rendre hommage à Atget et de faire connaître aux États-Unis l’œuvre de ce vieil homme qui reste aujourd’hui encore une figure essentielle dans l’histoire de la photographie. Pour Florence et Henri, c’est la dimension plastique de l’oeuvre de Florence Henri qui m’a intéressée, son usage des miroirs et sa manière de composer les images.

Il y a aussi évidemment le souhait de proposer aux enfants des outils de réflexion sur le monde dans lequel ils vivent, qui est un monde d’images!

Pourquoi avoir choisi de réaliser un conte photographique ? Pourquoi avoir choisi de réaliser La petite fille aux allumettes et non un autre conte ? Qu’avez-vous gardé du texte d’Andersen ?

Je souhaitais faire un livre sur la précarité, j’avais été particulièrement touchée par le livre pour enfants Petit Gris d’Elzbieta, qui commence par cette phrase « Quand il était petit, Petit Gris attrapa la pauvreté. Toute la famille l’eut en même temps ». J’ai cherché un texte sur la pauvreté, et pour un premier livre, il m’a semblé plus facile de construire des images à partir d’un texte déjà écrit. Celui de Hans Christian Andersen s’est alors imposé. J’ai gardé la traduction de David Soldi de 1876 en expurgeant le texte des références religieuses. Mais surtout, j’ai repris la construction narrative du texte d’Andersen qui fonctionne dans une alternance de scènes complémentaires: il y a d’une part la présence fantomatique de la petite fille qui erre dans les rues, et d’autre part les apparitions d’images du bonheur que lui procure la flamme des allumettes, la chaleur du feu, le sapin de Noël. C’est l’alliage de ces deux climats différents, la monochromie des ombres et la flamboyance des apparitions, qui a décidé de l’architecture du livre. Le conte d’Andersen rejoue ce qui est à l’oeuvre dans la photographie, la figure du double: la présence et l’absence, l’ombre et la lumière, l’apparition et la disparition, le négatif et le positif…

Quel nom pour ce travail ? re-contage ? réécriture ? refaçonnage ? nouvelles illustrations dans une suite d’illustrations préexistantes ?

Adaptation, pour reprendre un terme technique utilisé dans le vocabulaire cinématographique, adaptation photographique d’un conte. L’éditeur a noté sur la page de titre « d’après » et c’est un terme qui me parait intéressant aussi, car il met en jeu l’emprunt et la temporalité. J’avais à l’esprit évidemment le court métrage de Sarah Moon, Circuss, qui installe la petite fille aux allumettes dans un cirque, ou l’opéra poétique et politique de Helmut Lachenmann; j’ai vu il y a quelques années le Cendrillon de Maguy Marin, elle adapte à la fois le conte de Perrault mais aussi la partition de Prokofiev!

L’adaptation en général est intéressante parce qu’elle convoque la mémoire des récits et des images.

Pourriez-vous illustrer les mots des autres ?

Je serais heureuse d’une collaboration avec un.e auteur.e ou un.e poète.ss.e contemporain.e. A ce titre j’aime beaucoup le livre réédité par Les éditions MeMo: Le cœur de pic, paru en 1937 chez José Corti, qui est composé des poèmes pour enfants de Lise Deharme, poétesse surréaliste, et des photographies de Claude Cahun.

Quelle lectrice étiez-vous enfant ?

Une grande lectrice. La lecture du soir a été un rituel important et attendu dans mon enfance. Je sais gré à ma mère de s’être pliée avec beaucoup de grâce à la lecture à voix haute d’une histoire et de m’avoir donné le goût des livres. Je me souviens très bien du premier texte que j’ai réussi à lire seule, c’était un petit livre que j’avais découpé dans une revue pour enfants et cousu avec du fil. J’aimais beaucoup fabriquer moi-même ces livres et ensuite les lire! Leur format de petite taille, à peine plus grand qu’une main d’enfant, était un émerveillement. J’aime toujours d’ailleurs cette idée du livre à faire, qui n’est pas encore apparu mais qui prend vie sous nos yeux par le geste de la main, le ciseau qui découpe et le fil qui relie.

Une de mes activités favorites lorsque j’étais enfant (et c’est toujours le cas!) était d’emprunter discrètement dans la bibliothèque de mon père pour la feuilleter une grande encyclopédie d’histoire de la peinture, dont chaque volume retraçait un mouvement artistique. Le livre était déjà pour moi un livre d’images. C’est là que j’ai appris à laisser errer mon regard, à suivre la ligne qui trace le corps des personnages et la forme des objets, à reconstruire la trajectoire de la lumière pour me cacher dans les ombres et habiter les images.

Merci chère Yveline ! https://www.yvelineloiseur.com/

 

Miniphlit poursuit sa rencontre avec les créateurs nord-américains.  Charles R. Smith Jr. , l’homme orchestre, a accepté de répondre à nos questions.  Nouvelle interview croisée. 

Miniphlit continues its meeting with North American designers.  Charles R. Smith Jr. the one-man band, agreed to answer our questions.  

Dear Charles Smith, what is your professional background and How long have you been interested in photography?

I have a BA in Photography Illustration from Brooks Institute of Photography in California. I first picked up a camera at the age of 16 and have been hooked ever since.

Who are the photographers who influence you?

So many in so many different ways. August Sander for his simple yet powerful portrait work. Robert Doisneau and Henri Cartier-Bresson for being able to capture a moment. Walter Iooss for his stylish sports work. Roy DeCarava for showing the everyday Black experience. Frantisek Drtikol for his use of shape and light. Gregory Heisler for his use of crafted lighting in portraits.

Cher Charles Smith, quel est votre parcours professionnel et depuis combien de temps vous intéressez-vous à la photographie ?

Je suis titulaire d’une licence en illustration photographique du Brooks Institute of Photography en Californie. J’ai pris un appareil photo pour la première fois à l’âge de 16 ans et j’ai été accroché depuis.

Quels sont les photographes qui vous influencent ?

Il y en a tellement et de tellement de façons différentes. August Sander pour son travail de portrait simple mais puissant. Robert Doisneau et Henri Cartier-Bresson pour leur capacité à capturer un moment. Walter Looss pour son travail sportif élégant. Roy DeCarava pour avoir montré l’expérience quotidienne des Noirs. Frantisek Drtikol pour son utilisation des formes et de la lumière. Gregory Heisler pour son utilisation de la lumière artisanale dans les portraits.

How many children’s books have you published? What is your most recent book and who are your readers?

Over 33. I am a poet and writer as well and my next book is a collection of poems on NBA basketball players called Hoop Kings 2 followed shortly after by a biography on Jimi Hendrix called Song for Jimi.   I have books for babies all the way up to adults but my sweet spot is boys age 8 to about 15.

What are the subjects of your books?

My writing work covers a variety of subjects but for my photography, I focus on sports and showing diversity through cultural connections like food, fashion, music and religion.

Combien de livres pour enfants avez-vous publiés. Quel est votre livre le plus récent et qui sont vos lecteurs ?

Plus de 33. Je suis également poète et écrivain et mon prochain livre est un recueil de poèmes sur les joueurs de basket-ball de la NBA intitulé Hoop Kings 2, suivi de peu par une biographie de Jimi Hendrix intitulée Song for Jimi.   J’ai des livres pour les bébés et les adultes, mais je préfère créer des livres pour les garçons de 8 à 15 ans.

Quels sont les sujets de vos livres ?

Mes travaux d’écriture couvrent une grande variété de sujets, mais pour mes photographies, je me concentre sur le sport et la présentation de la diversité à travers des liens culturels comme la nourriture, la mode, la musique et la religion.

What place does photography have in your books?

Photography has served multiple purposes in my work. My very first book, Rimshots, was a collection of poems on basketball illustrated with sepia-toned black and white photography. This allowed for a modern connection to the game since it was real action and not an artist rendering. Since Rimshots was black and white photos with poems, I decided to have my next book be over the top color with stories. It was called Tall Tales and I used infrared film to help the “tall tales” live up to their grandiose name.

Other books have used photography to show point of view, such as Loki & Alex, about a boy and his dog. When the boy, Alex, speaks, his point of view is in color on one side of the spread. When Loki, the dog, speaks, his point of view is on the other side in black and white since dog’s see the world in what’s closer to black and white.

I have two “I Am” books that focus on cultural differences and how our differences make us who we are. I Am America shows what our country has given to the world in terms of style and music, but also shows the variety of races and religions that exist here as well. I Am The World focuses on what the world has given to our country to make it unique, like food, music, clothing and a variety of languages. In my book, My People, I used sepia toned portraits to showcase the black people, young and old, that Langston Hughes wrote so fondly of. That’s the long answer.

The short answer is that photography serves the purpose I want it to serve. Sometimes it’s the catalyst that generates poems and stories. Sometimes it’s the reference, giving a visual to a written line or sentence. But each image is always done with the style and craft of a photographer using light, shadow, movement and representation of reality to capture the reader’s eye and attention.

Quelle place la photographie occupe-t-elle dans vos livres ?

La photographie a servi à de multiples usages dans mon travail. Mon tout premier livre, Rimshots, était un recueil de poèmes sur le basket-ball illustré par des photographies en noir et blanc aux tons sépia. Cela permettait d’établir un lien moderne avec le jeu, puisqu’il s’agissait d’une action réelle et non d’un rendu d’artiste. Comme Rimshots était constitué de photos en noir et blanc accompagnées de poèmes, j’ai décidé que mon livre suivant serait en couleur avec des histoires. Il s’appelait Tall Tales et j’ai utilisé un film infrarouge pour que les “grands récits” soient à la hauteur de leur nom grandiose.

D’autres livres ont utilisé la photographie pour montrer le point de vue, comme Loki & Alex, sur un garçon et son chien. Lorsque le garçon, Alex, parle, son point de vue est en couleur sur un côté de la page. Quand Loki, le chien, parle, son point de vue est en noir et blanc de l’autre côté, car les chiens voient le monde en noir et blanc.

Ma collection de livres “I Am”  traite des différences culturelles et de la façon dont ces différences font de nous ce que nous sommes. I Am America montre ce que notre pays a donné au monde en termes de style et de musique, mais aussi la variété des races et des religions qui existent ici. I Am The World se concentre sur ce que le monde a donné à notre pays pour le rendre unique, comme la nourriture, la musique, les vêtements et une variété de langues. Dans mon livre My People, j’ai utilisé des portraits aux tons sépia pour présenter les Noirs, jeunes et vieux, dont Langston Hughes a tant parlé. C’est la réponse longue.

La réponse courte est que la photographie sert le but que je veux qu’elle serve. Parfois, elle est le catalyseur qui génère des poèmes et des histoires. Parfois, elle est la référence, donnant un aspect visuel à une ligne ou une phrase écrite. Mais chaque image est toujours réalisée avec le style et le savoir-faire d’un photographe qui utilise la lumière, l’ombre, le mouvement et la représentation de la réalité pour capter l’œil et l’attention du lecteur.

Did you find it difficult to get your books with photographs accepted? Do you produce them alone?

No, because I wasn’t trying to do a book. I was hoping to do a book cover when the art director saw my collection of basketball images and thought they would be a great book. Talk about preparation meeting opportunity!

For the most part, yes. When I need people as subjects, I simply ask friends and colleagues for recommendations since I use real people not models.

Are they translated in other countries?

Some of my written work has been, like my biography on Muhammad Ali, Twelve Rounds to Glory and my book on Black History month, 28 Days, was translated into Japanese. It was very cool to see my words as Japanese characters, title and all.

Avez-vous eu des difficultés à faire accepter vos livres avec photos ? Les produisez-vous seul ?

Non, car je n’essayais pas de faire un livre. J’espérais faire une couverture de livre lorsque le directeur artistique a vu ma collection d’images de basket-ball et a pensé qu’elles feraient un excellent livre. C’est comme si la préparation rencontrait l’opportunité !

Dans la plupart des cas, oui. Lorsque j’ai besoin de trouver des vraies personnes pour incarner mes personnages, je demande simplement à des amis et à des collègues de m’aider, car j’utilise de vraies personnes et non des modèles.

Sont-ils traduits dans d’autres pays ?

Certains de mes écrits l’ont été, comme ma biographie sur Muhammad Ali, Twelve Rounds to Glory, et mon livre sur le mois de l’histoire des Noirs, 28 Days, qui a été traduit en japonais. C’était très cool de voir mes mots en caractères japonais, le titre et tout le reste.

Could you tell us about prizes you won?

 I have won the Coretta Scott King (CSK) Author Honor Award (runner up) in 2008 for writing Twelve Rounds to Glory, the aforementioned bio on Muhammad Ali. In 2010, I won the CSK Illustrator Award (1^st place!) for My People, the aforementioned poem by Langston Hughes. I’m particularly proud of that one because I was the first American photographer and only the second photographer ever to win the award and the first to do it with portraits. I’m super proud to be one of just three people to win that award for writing AND illustration, in my case, with photography.

Which reader were you as a child ?

Voracious. I spent a lot of time inside due to where we lived so I read books all the time. Especially comic books. I think that’s where my visual sense began to develop. I loved reading mysteries and adventure stories and also learning about subjects through non-fiction.

Pouvez-vous nous parler des prix que vous avez gagnés ?

 J’ai remporté le Coretta Scott King (CSK) Author Honor Award (second prix) en 2008 pour avoir écrit Twelve Rounds to Glory, la biographie de Muhammad Ali mentionnée plus haut. En 2010, j’ai remporté le CSK Illustrator Award (première place !) pour My People, le poème de Langston Hughes mentionné plus haut. J’en suis particulièrement fier parce que j’ai été le premier photographe américain et seulement le deuxième photographe à remporter ce prix, et le premier à le faire avec des portraits. Je suis très fière d’être l’une des trois seules personnes à avoir remporté ce prix pour l’écriture ET l’illustration, dans mon cas, avec la photographie.

Quel lecteur étiez-vous dans votre enfance ?

Vorace. Je passais beaucoup de temps à l’intérieur en raison de l’endroit où nous vivions, alors je lisais des livres tout le temps. Surtout des bandes dessinées. Je pense que c’est là que mon sens visuel a commencé à se développer. J’aimais lire des mystères et des histoires d’aventure, mais aussi me renseigner sur des sujets par le biais des documentaires.

 

To see more : http://www.charlesrsmithjr.com and http://youtube.com/charlesrsmithjr

Many thanks dear Charles !