Je signe dans ce nouvel opus des Cahiers robinson l’article “Les albums photographiques d’Ylla, reflets d’une histoire de la photolittérature pour la jeunesse”
Chats (EOT, 1935), Chiens (EOT, 1938), They all saw it (Harper & Brothers, 1944), Le petit Lion ( Arts et Métiers Graphiques, 1947), Tico-Tico ( Gallimard, 1952), Le Canard blanc (Arthaud, 1952), Deux petits ours (La Guilde du Livre, 1954), Le petit éléphant (La Guilde du Livre, 1955), The Little Elephant, (Harper & Brothers, 1955) mais encore Mères et petits (1958) ou Listen, Listen ( Harper & Brothers, 1969)… Autant de titres signés de la photographe Camilla Koffler, surnommée Ylla, qui figurèrent sur les rayonnages des bibliothèques enfantines des deux côtés de l’Atlantique pendant quarante ans.
Cet article retrace d’abord le parcours de cette photographe animalière qui consacra sa vie à photographier les animaux domestiques et sauvages à travers le monde. Il revient aussi sur la stratégie mise en place par l’artiste pour s’affirmer en tant que photographe dans une profession dominée par le genre masculin. Il met ensuite en évidence l’importance accordée aux images photographiques dans la période des années 1950 et la reconnaissance du photographe en tant qu’auteur à part entière. Il interroge enfin les raisons d’un oubli et les conditions d’une renaissance tardive.
Sauter à cloche-pied. Facile pour Ann, difficile pour Sue. Lacer ses chaussures. Facile ou difficile ? Enfoncer un clou bien droit… Facile ou difficile ?
Ce qui est simple pour l’un peut être compliqué pour l’autre. Et inversement. Quatre enfants racontent ce qui est facile ou difficile pour eux. Certains parviennent à accomplir des actions que d’autres ne maitrisent pas encore. Il y a des choses compliquées pour tout le monde et des choses qui sont dures à réussir seul, mais qui deviennent faciles si l’on s’y met ensemble.
Ce magnifique album photo-illustré paru en 1960 célèbre ce qui rend chaque enfant unique et invite à prendre confiance à tout âge. Une mise en scène minimale et un traitement photographique radical permettent de composer des images très contrastées, proches du travail de silhouette ou d’ombres chinoises, mais tout en conservant les expressions des jeunes enfants. Porté par un texte intemporel et une étonnante modernité graphique, il ravira petits et grands lecteurs.
La longue enquête sur la piste des ayant droits des artistes est racontée dans la postface que je signe. Toutefois, voici quelques éléments biographiques :
Leonard « Len » Gittleman (1932–2022) est un photographe, cinéaste et plasticien américain dont l’œuvre explore différents médiums. Exposé dans de grandes institutions en Europe et aux États-Unis, il est notamment présent dans les collections du MoMA, du Museum of Fine Arts de Boston et de la Smithsonian Institution. Il enseigne la photographie à Harvard de 1963 à 1975. Is It Hard? Is It Easy? (1967) constitue son unique livre pour la jeunesse.
Mary McBurney Green (1896-1985) est une pédagogue-écrivaine, profondément liée au mouvement de Bank Street, qui contribue à transformer le livre pour la petite enfance en un outil à la fois scientifique, expérimental et développemental. Son travail rompt en effet avec une conception prescriptive de la littérature enfantine. Dans la lignée de John Dewey et de Lucy Sprague Mitchell, elle fonde ses projets de livres sur l’observation du réel, l’attention portée à l’« ici et maintenant », l’expérience sensorielle, l’autonomie cognitive et la spécificité psychologique du très jeune enfant. Elle a publié de nombreux titres, dont la série Everybody… dans les années 1950 et 1960.
La communication sur la réalisatrice de films et autrice de livres pour enfants Madeline Brandeis, donnée lors du colloque “Ouvrir sur le monde” est désormais accessible en ligne :
Cet exposé prend sa source dans mes recherches autour des livres photographiques pour enfants et particulièrement autour ce que les chercheurs appellent « portraits de pays », ces ouvrages destinés à faire connaitre aux jeunes lecteurs la vie des enfants des autres pays et publiés essentiellement dans des contexte post-traumatiques.
“Cette communication s’inscrit dans les recherches que je mène depuis 2015 autour de ce champ é”ditorial qu’on appelle photolittérature, recherches qui entendent écrire l’histoire et analyser les dispositifs de ces ouvrages qui accueillent des photographies ou les évoquent.
Aujourd’hui, j’aimerais vous proposer un panorama historique et géographique de ces productions photo-illustrées pour la jeunesse donnant à voir et appréhender le monde rural des années 30 à aujourd’hui, aux Etats unis et en France, pays de production sur lesquels se porte mon travail.
Pourquoi les années 1930 ? Je fais démarrer cette analyse à partir de cette période au cours de laquelle la photographie se répand largement. Des deux côtes de l’Atlantique, elle s’expose dans les galeries, envahit la presse et la publicité, occasionne des collaborations photographes et ecrivains pour des ouvrages photolittéraires, et se développe dans l’edition scolaire et privé pour la jeunesse.
Avant cette période, il existe peu de livres photographiques pour enfants en France, et s’il en existe beaucoup plus aux Etats-Unis, peu abordent le sujet de la ruralité. De la même façon, les années 30 sont aussi celles de la crise économique mondiale qui touche de plein fouet, en Europe comme en Amérique, le secteur agricole.
Il s’agit donc au cours de ce développement de vous présenter quels types de livres sont produits, d’exposer quelles sont les motivations des créateurs pour faire découvrir le monde rural, et enfin d’analyser les dispositifs de ces ouvrages.”
Jeudi 13 novembre, j’interviendrai lors du colloque “Max, Martine, Maya et Cie. Classiques, chefs-d’œuvre, best-sellers pour la jeunesse : quel patrimoine à partager ?” à la BNF pour parler des classiques en photolittérature jeunesse.
En effet, si la photolittérature jeunesse fait l’objet d’un regain d’attention critique depuis quelques années, rares sont ceux qui interrogent les critères selon lesquels certains ouvrages photographiques pour la jeunesse accèdent au statut de classiques.
Cette communication proposera donc d’examiner les processus de légitimation à l’œuvre dans ce champ éditorial à partir d’une double interrogation : quels sont les classiques de la photolittérature jeunesse et quels sont les critères qui les définissent comme tels ?
Dans ce livre découvert sur un site d’ouvrages anciens, les images très colorées d’Etienne Delessert, les textes de Betty Jean Lifton et les photographies de Norma Holt collaborent pour raconter les aventures du jeune Ken qui souffre de ne pas avoir de secret, jusqu’à sa rencontre avec un étrange personnage.
Sur le site des éditions MeMo qui ont plusieurs fois réédité ses ouvrages on peut lire : “Né en 1941, Etienne Delessert est un auteur-illustrateur traduit en quinze langues. Dans les années 60 et 70, il travaille dans la publicité en Suisse et aux États-Unis, et son travail d’affichiste est reconnu internationalement. Le musée des Arts décoratifs de Paris lui consacre une rétrospective. En 1967 paraît son premier livre pour enfants. Il a collaboré avec Jean Piaget à plusieurs reprises, une expérience qui l’a rendu familier des profondeurs de l’âme enfantine. Depuis, plus de 80 titres ont été publiés et plusieurs expositions ont fait découvrir la richesse de son trait au plus grand nombre.” https://www.editions-memo.fr/auteurs/delessert-etienne/
Hasard qui n’en est pas un, on découvre également sur le site des éditions MeMo les publications de Betty Jean Lifton : “Betty Jean Lifton (1926-2010) s’est prise de passion pour la culture et le folklore du Japon lorsqu’elle s’y expatria avec son mari, le psychiatre Robert Jay Lifton, au début des années 1960. De cet intérêt sont nés de nombreux livres d’enfants, notamment Kap the Kappa, Joji and the Dragon, The Rice-Cake Rabbit et The Dwarf Pine Tree. En 1967, paraît Taka-chan et moi, le premier ouvrage de Betty Jean Lifton et Eikoh Hosoe. Trois livres photo-illustrés suivront, mettant tous en scène Runcible : A Dog’s Guide to Tokyo, A Place Called Hiroshima et Return to Hiroshima. En 1975, elle publie Twice Born: Memoirs of an Adopted Daughter, qui marque le début d’une seconde carrière en tant qu’autrice, conseillère et défenseure des droits des enfants et adultes adoptés.”https://www.editions-memo.fr/livre/taka-chan-et-moi/
Quant à Norma Holt, je découvre sa photographie : “Norma Holt (1918-2013) was known for her intimate visual style as a photographer. The children, the women, and the hardworking ordinary people she photographed for over 50 years capture the complete integration of her eye for faces and places with her personal humanity and her desire for social justice. Her non-commissioned photography had its roots in New York’s early street photographers of the 1930s and 40s. This style of photography sought to reveal ordinary people and the often poverty-stricken world they inhabited. Holt initially adopted their documentary-style and retained a shared belief that photography could be an instrument for social awareness and progress. Norma’s photos reveal her social activism, her belief in racial equality and women’s rights.” A lire ici https://poba.org/poba_artists/norma-holt/
The Secret Seller est un ouvrage de 58 pages. Il compte 22 photographies en noir et blanc, imprimées presque en pleine page, tant la bande blanche dévolue au texte est minime. Certaines photographies sont imprimées sur l’entièreté de la double-page, d’autres sont détourées.
Il s’agit de portraits d’enfants ou de groupes d’enfants. Les courtes phrases imprimées en regard, au dessus ou en dessous des images, donnent à lire ce que se disent les personnages.
Les illustrations qui vont succéder à cette double-page entièrement photographique vont accueillir progressivement de la couleur avec l’arrivée soudaine d’un drôle de personnage dessiné “The Secret Seller”. Dans une interview de 2011, Etienne Delessert raconte la naissance de ce personnage ancêtre de Yok-Yok, le lutin au chapeau rouge né d’une noix qui emmène les enfants à la découverte de la nature : ” Presque dix ans plus tôt, j’avais réalisé un livre, «The Secret Seller», où un petit personnage intervenait. Une sorte de nain avec un chapeau de champignon, rouge, avec des pustules blanches. J’ai commencé à dessiner ce que pourrait être Yok-Yok. Puis le chapeau a grandi, grandi, pour devenir une sorte de logo.”
Insérées entre ces deux photographies figurant le jeune Ken assis seul sur son banc, sont insérées 12 planches très colorées, entièrement dessinées, dans le style caractéristique d’Etienne Delessert. Ces images et le dialogue entre les deux protagonistes révèlent les secrets et beautés de la nature : écureuils et oiseaux dans leurs nids, fleurs exubérantes butinées par des abeilles, poissons, taupes et rongeurs s’activant sous la surface.
Comme dans de nombreux autres ouvrages, le dessin intervient donc pour donner à voir ce qui se joue dans la tête d’un enfant ou ce que l’on ne peut voir aisément. Ainsi, lorsque Ken retrouve sa nourrice et les enfants du square, les doubles-pages redeviennent entièrement photographiques. On se surprend pourtant à chercher dans la dernière image de l’ouvrage, entre les feuilles de la plante, un petit bonnet rouge à pois blancs.
The Secret Seller est publié par W.W. Norton Company à New York en 1968. C’est un des rares ouvrages photographiques publiés au tournant des années 70. Il s’inscrit dans la suite des ouvrages des années 50 qui donnent la part belle à l’image photographique et précède ceux qui accueilleront plus tard une collaboration de la photographie et du dessin.
Sougez, Doisneau, Horvat, Riboud, Lartigue… nombreux sont les maîtres du 8ème art à avoir collaboré à l’histoire de la photolittérature jeunesse et la liste s’allonge aujourd’hui avec la découverte des ouvrages pour enfants du photographe engagé Hans Silvester, de nombreuses fois exposé et primé. Nous lui avons posé quelques questions au sujet de son incursion dans le monde de la littérature jeunesse qui n’est pas sans rappeler celle de Frank Horvat lorsqu’il réalisa son chat botté. Charles Perrault à l’ère du numérique | Revue Captures
Monsieur Silvester, pourriez-vous me présenter les albums Les chats jonglent avec les chiffres,Les chats s’amusent dans la nature, Les chats sont fous les nuis de lune publiés en 1996 chez La Martinière Jeunesse ?
Ils sont réalisés à partir de photographies de chats transformées avec l’ordinateur. J’étais aux États-Unis l’année précédant leur parution et j’y ai reçu le premier Macintosh, offert par Apple. Avec mon ami Rémi Michel, on s’est amusé avec cet ordinateur. On a détouré mes photographies de chats et ajouté des couleurs. Chaque page du livre est réalisée à partir d’une de mes photographies. En voyant le résultat on s’est dit que c’était pour les enfants. J’ai montré nos créations aux éditions La Martinière qui étaient très emballées et on a réalisé les trois livres à quelques mois d’intervalle. J’avais déjà collaboré avec cette maison pour Les chats du soleil qui a très bien fonctionné.
Pourquoi n’avez vous pas inséré de “vraies” photographies dans ces albums ?
C’était un vrai choix ! Nous voulions vraiment réaliser quelque chose avec les premiers ordinateurs. C’était un jeu passionnant d’essayer de détourer une photographie de chat et de la transformer en un animal abstrait. Cela nous a pris beaucoup de temps. Aujourd’hui c’est fait instantanément mais à l’époque, tout était plus long. C’était le début de cette technologie.
On trouve quand même quelques “vraies” images de plantes dans Les chats s’amusent dans la nature, non ?
Ce sont des plantes que nous avons directement scannées. Notre but à l’époque était d’essayer de jouer avec la technologie. C’était très nouveau et nous étions très en avance là-dessus. Ensuite le nouveau Mac est sorti avec beaucoup plus de possibilités et on l’a utilisé autrement. Moi je suis parti vivre en Éthiopie.
Avez-vous participé à l’écriture des textes ?
J’ai un peu participé à l’écriture des textes de cette série mais, en général, c’est plutôt l’éditeur qui choisit l’auteur des mots. Moi je sélectionne les photographies dans mes livres, à chaque fois.
Comme pour les autres livres pour enfants ? Quels sont-ils ?
Oui ! Il y a eu d’autres livres encore pour les enfants, comme celui sur les chevaux de Camargue ou sur l’Ethiopie. D’abord La Martinière publiait les livres pour adultes, en gros volumes. Ils réalisaient ensuite les livres pour enfants. Ce sont des livres plutôt documentaires.
Aimeriez-vous faire d’autres livres pour enfants ?
C’est très difficile de faire des livres photographiques en ce moment peu importe qu’ils soient pour adultes ou enfants. Le monde du livre est en crise. On peut dire que les livres photos ont presque disparu. Si vous allez dans les librairies, vous ne trouverez presque plus de livres de photos ou de livre d’art. Ils sont chers et il n’y a pas toujours de la place chez les libraires. Evidemment, je continue d’en faire, mais il faut d’abord une exposition, trouver un sponsor. Ce n’est plus du tout comme avant. Le monde de l’édition est devenu très compliqué pour les photographes.
Quelle est votre actualité ?
Je continue d’exploiter mon travail réalisé en Ethiopie, pour témoigner de sa culture populaire qui est en train de disparaître. En ce moment j’expose à Gordes. Cela s’appelle Hans Silvester, le baladin du monde. Il y a un catalogue, réalisé par le village. Mes livres pour enfants n’y seront pas.
Merci Hans Silvester !
Les photographies des pages intérieures sont reproduites avec l’autorisation de l’artiste.
En furetant chez les libraires, j’ai découvert le travail de Judith Chomel qui mêle photographies anciennes et images actuelles pour imaginer des univers joyeux et fantaisistes où tradition et modernité se répondent. Entretien.
Judith Chomel, quel est votre parcours ? J’ai une maîtrise d’histoire de l’art. Je me suis spécialisée dans l’art contemporain, j’ai un master de gestion de conservation et diffusion des œuvres d’art du 20e siècle où j’ai travaillé sur l’édition du livre d’artistes. Ensuite, j’ai travaillé dans une forteresse médiévale. Ensuite j’ai travaillé en ambassade à Rome, en Italie. Et puis je suis devenue musicienne pendant 10 ans, j’ai fait des concerts et des tournées. Je suis arrivée à l’illustration par hasard.
Comment êtes-vous tombée dans la littérature jeunesse ? Je suis tombée dans la littérature jeunesse parce que mon fils a avalé une dent un jour au petit déjeuner. Je lui raconté que j’avais avalé un clou quand j’étais petite. Il l’a expliqué à son institutrice et celle-ci m’a suggéré d’en faire un livre. Je ne savais pas du tout dessiner et je ne savais pas trop comment raconter cela dans un livre. Je me suis dit que le collage était vraiment le médium qui me permettait de tester . J’ai donc réalisé mon premier manuscrit et je l’ai envoyé à plusieurs maisons d’édition, dont Le Poisson soluble qui a répondu positivement et c’est devenu Gloups qui est maintenant épuisé. C’était un petit coup de poker pour cet éditeur de travailler avec moi parce que je n’étais pas du tout du milieu. Depuis, on en a fait deux autres.
Parlons de La vie Rocambolesque de Léon Plouhinec. J’avais envie de parler depuis longtemps des gardiens de phare et du monde de la mer. Je fais beaucoup de projets de territoire sur notre rapport à la mer, à la solitude, à l’imaginaire. Et donc voilà Léon est né de ce travail sur la mer, avec toujours cette ligne de front qu’est la place de l’imaginaire dans notre vie quotidienne et comment on s’évade des problématiques quotidiennes par l’imaginaire.
Dans votre livre, vous remerciez les deux gardiens de phare et écrivains Louis Cozan et Jean Pierre Abraham. Quels ont été leurs apports à ce travail ? J’ai lu leurs livres, notamment celui de Louis Cozan, Un feu sur la mer et ensuite je l’ai rencontré. Il m’a raconté ses 50 années de gardiens de phare, ce que j’ai trouvé extraordinaire. J’avais envie de partager cela et j’ai adapté ce livre en spectacle de papiers découpés. Sur scène, je filme du papier découpé. Je suis accompagnée d’un comédien et un musicien et j’essaie de faire vivre le livre d’une nouvelle manière.
Comment est constitué le livre ? Les livre est construit du matin jusqu’au soir, du pied du phare jusqu’au sommet du phare et du calme jusqu’à la tempête. La double page mère est consacrée à la vie quotidienne réelle des gardiens de phare avec des informations très techniques. Un tout petit détail fait basculer notre héros dans un monde imaginaire. Soit c’est une petite lumière dans le ciel, ou bien des poissons volants, ou encore un container. C’est l’élément de la vie réelle qui permet au personnage principal de “switcher” sur les pages suivantes. Aux informations pratiques sur la vie au phare se succèdent les information sur la personne à qui sont destinées ces lettres. Dans la double page suivante on découvre une aventure rocambolesque. Il y a un systématisme dans la construction du livre et il y a à peu près 200 papiers découpés par Photoshop de manière numérique par page.
D’où viennent les images ? Est-ce que ce sont des photos de famille ? Il y a des photos que j’ai prises, des photos glanées sur Internet, des photos anciennes, et puis surtout c’est énormément de photomontages. Ainsi, pour un personnage, la tête, c’est une photo, et le chapeau, c’est une autre. Sur un personnage, il y a à peu près 6 niveaux d’images différentes. J’ai glané énormément d’images et c’était extrêmement long de faire ce livre.
Je crois que vous animez des ateliers ?
J’anime en effet beaucoup d’ateliers, soit de construction de maquettes, soit de collage. Je travaille aussi beaucoup avec les images d’archives également. Quand je vais sur un territoire, j’appelle les archives afin de constituer un corpus iconographiques des lieux où vivent les enfants. Après on les retravaille, on fait des cartes postales rocambolesques, autour de maquettes loufoques.
Vous venez de publier un nouveau livre.
Il est sorti en 2025, en janvier de cette année. Il s’agit encore une fois de remettre de l’imaginaire dans la vie quotidienne, avec peu d’humour et de légèreté. Dans cet ouvrage, un petit garçon voit sa grand-mère rentrer dans une pièce qu’il ne connaît pas et il imagine plein de choses. Et en fait, la grand-mère est aux toilettes et c’est le moment pour lui de quitter les couches et de découvrir tout ce qui peut se passer dans les toilettes. Ce livre s’appelle Tohu Bohu. Pour la première fois, j’ai utilisé des photos qui m’appartiennent pour les personnages principaux parce que j’avais trop de difficultés à trouver suffisamment d’expressions de visage dans les images anciennes glanées.
Quelles sont vos influences en littérature jeunesse ?
J’ai grandi avec les livres de Frederic Clement, dont Le magasin zinzin qui était mon livre de chevet. C’est une esthétique surannée mais qui m’a marquée. Chez moi il y avait aussi des livres de Max Ernst. Le photomontage était déjà présent dans ma culture visuelle.
Au printemps 2025, La Petite Bibliothèque Ronde lance un tout nouveau format en invitant plusieurs spécialistes pour partager leur expérience de la photographie lors de quatre conférences dispensées dans ses locaux entre mars et mai (de 19h30 à 21h).
Ce cycle de conférences fera écho à une série d’ateliers et de rencontres à la bibliothèque avec Lucile Casanova et Florent Pommier, pour concevoir ensemble des imagiers photographiques et s’initier aux rudiments de la photographie.
Ateliers, lectures et conférences affineront le regard des enfants et celui des adultes sur leur quotidien en mêlant exploration visuelle, sensibilisation artistique et découverte des potentialités de la photo dans les livres pour enfants.
Les conférences sont gratuites et ouvertes à tous, curieux de mettre entre les mains des enfants des ouvrages photographiques.
La 21ème édition du salon du livre d’Erdre et Gesvres en Loire- Atlantique a fait la part belle cette année à l’édition photographique pour la jeunesse, proposant exposition, table ronde, ateliers et rencontres avec les photographes et éditeurs. Jan von Holleben, Claire Dé, Brigitte Morel des (Grandes Personnes) et bien sûr les éditions MeMo ont présenté leur travail d’édition ou de réédition de livres photographiques. Ce fut l’occasion de faire découvrir celle toute nouvelle de l’album à compter 1,2,3,4,5 Compter en s’amusant de Robert Doisneau et Albert Plécy, dont je signe la postface.
L’exposition Regarde ! 150 ans de livres de photographies pour enfants, conçue en partenariat avec la Maison de la Photographie Robert Doisneau et avec le soutien du Fonds patrimonial Heure Joyeuse de la Médiathèque Sagan et de collectionneurs privés, s’installe à la Bibliothèque francophone Multimédia de Limoges, avec de nouveaux ouvrages, des vidéos et une journée d’étude le 16 janvier.
“Au Japon, on croit que toute chose a une âme, même les objets. Passé 100 ans, ils deviennent de bons ou de mauvais esprits selon l’attention et le soin qu’on leur a accordé durant leur vie”.
Et voici chez Seuil Jeunesse le quatrième album né de la collaboration de Pierre-Jacques et Jules Ober. Après nous avoir conté les aventures de Pierre, soldat de la Première Guerre mondiale, puis de Jacqueline, fillette emportée dans la tourmente de la seconde, et encore de la princesse Mimi, sœur de la future reine Marie-Antoinette, c’est une re-création du conte d’Andersen Le Stoïque Soldat de plomb que nous proposent les auteurs. Il était une fois un soldat de plomb amoureux d’une geisha au pays du soleil levant…
Comment est né le projet du vaillant petit soldat ? Et pourquoi le choix de ce conte ? On avait vraiment envie de faire quelque chose de différent pour notre quatrième album. Nous trouvions excitant d’essayer de mettre en scène des figurines dans des décors à notre échelle au lieu de décors miniatures. Un choix qui du coup introduisait automatiquement le fantastique dans notre réalité.
Après avoir jonglé avec quelques idées d’histoire originale, je me suis souvenu de quelque chose que j’avais découvert dans votre livre “150 ans de Photolittérature pour les enfants“. Hans Christian Andersen avait collaboré avec un ami photographe pour créer ce qui est considéré comme le premier album pour enfant illustré avec des photographies de la vie réelle. Cela m’a instantanément rappelé l’histoire du Stoïque Soldat de Plomb car elle raconte les mésaventures d’un personnage miniature dans le monde à notre échelle. Non seulement ce conte correspondait exactement à ce que je recherchais mais il nous permettait également de rendre hommage à Andersen en explorant un de ses contes à travers la photographie.
Pourquoi avoir choisi de le placer dans cet univers ? Les contes incitent le lecteur à croire à l’irruption du surnaturel dans un cadre réaliste, quotidien. Voulant faire une adaptation à partir de photos du réel, il fallait pouvoir le faire dans un contexte culturel dans lequel le surnaturel est présent. Nous avons tout de suite pensé au Japon. Le cadre animiste construit par Andersen correspond aux croyances animistes du Shintoïsme japonais. C’est un conte dans lequel humains et objets ont une voix et le shintoïsme croit que les êtres animés et inanimés ont une âme. Cela correspondait parfaitement. Et puis le personnage du conte se situe à l’opposé du héros d’action. Au contraire, le soldat de plomb incarne en fait une posture proche de celle d’un moine bouddhiste faisant zazen, lorsqu’il est interdit de bouger un muscle. Enfin, les contes d’Andersen datent du 19ème siècle et sont toujours illustrés par des images recréant les décors, costumes et ambiances de cette époque. Voulant faire une adaptation à partir de photos du réel, il était important que les décors, bien que photographiés de nos jours, ne soient pas modernes. D’où Kyoto, ville du Japon traditionnel. Tout cela nous permettaient de donner une autre dimension à cette adaptation et d’emmener les enfants dans un autre univers pour cette histoire danoise.
Qu’est ce qui est gardé du conte original ? Je dirais que notre adaptation est en fait assez fidèle à l’histoire originale. J’ai gardé le schéma narratif de l’histoire: situation initiale, élément perturbateur, péripéties, élément de résolution, situation finale. Et les quatre éléments ( l’air, la terre, l’eau et le feu) qui font avancer l’histoire. Mais dans l’original, Andersen cultive le doute. Tout n’est que hasard et coïncidences. La passivité des personnages et leur acceptation aveugle des aléas du destin causent leur perte. C’est l’histoire d’un amour qui n’existe que dans l’imagination du personnage. Nous avons préféré créer un conte à lire comme une poignante histoire d’amour. Angèle Cambournac, notre éditrice chez Seuil Jeunesse, ne voulait pas laisser le lecteur avec un simple tas de cendres désespérant. Mais n’étant pas Walt Disney, nous voulions rester néanmoins fidèles à la fin tragique du conte d’Andersen. Nous avons donc construit celle-ci comme le climax romantique d’une belle histoire dans laquelle rien n’est jamais perdu, rien ne disparaît. Seulement continue à exister sous une autre forme. En y apportant le cinquième élément primordial présent dans la culture Japonaise – le vide. Associé au ciel, à la foudre ou au paradis. Au Japon, les éléments sans formes telles que la sensation, l’identification, la conscience n’ont pas de vacuité. Elles existent, pures, hors du domaine des sens. Ce cinquième élément primordial peut très bien représenter l’amour pur, éternel, seul survivant des flammes qui détruisent le soldat et la geisha.
Connaissiez-vous déjà les légendes et monstres japonais ? Oui. J’ai toujours adoré les monstres et j’ai toujours trouvé l’animisme beaucoup plus logique, compréhensible et poétique que les religions, surtout monothéistes. A l’occasion de précédents voyages au Japon, nous avons découvert que dans ce pays, monstres et animisme faisaient partie de la vie quotidienne. Les concepts japonais se vivent et s’éprouvent davantage qu’ils ne s’expliquent. Cela a été facile pour nous de les ressentir. Et puis nous adorons les histoires loufoques et les japonais ont une imagination débridée. Un de mes regrets sur ce projet est de ne pas avoir pu donner plus de place à Kappa, une créature rencontrée au fil de l’eau par le soldat de plomb. Ce monstre des rivières a un bol sur la tête, rempli de son liquide de vie. Mis à part lui offrir un concombre dont il raffole, la seule manière de lui échapper est de le saluer en faisant la courbette japonaise. Etant extrêmement poli, il fait aussi la courbette et du coup verse son liquide de vie hors de son bol et devient incapable de bouger. Ce qui donne le temps de lui échapper. Notre soldat de plomb ne pouvant que rester droit et stoïque, refuse de se courber… C’était une scène drôle que nous n’avons pas eu la place de garder dans l’histoire. Le Kappa est un Yōkai. Les Yōkai sont des êtres flottant à la frontière entre fiction et réalité, entre doute et conviction, entre bien et mal. Ils constituent un bestiaire complexe de créatures mystiques que les Japonais ont craint pendant des siècles. Ils peuplent encore de nos jours la culture populaire du Japon et leurs représentations font partie de la vie quotidienne. Ils ne sont pas seulement des monstres. Ils ont une fonction. Celle de permettre aux parents de donner des leçons, conseils et principes moraux aux enfants. Pour avertir les enfants de ne pas trop s’approcher de l’eau, on trouve encore aujourd’hui d’anciens panneaux près des rivières avec l’inscription « Attention à Kappa ». Je me suis servi d’eux comme éléments perturbateurs et créateurs de mouvement.
Comment avez-vous choisi le décor des aventures du petit soldat ? Pour le décor intérieur, j’ai trouvé la boutique en faisant une recherche sur le net. Je cherchais soit un magasin de jouets anciens ou d’antiquités. Quand j’ai découvert des images de la boutique Maïko Antiques j’en suis tombé par terre. C’est un endroit tellement extraordinaire, tellement unique, il fallait absolument que l’histoire se déroule là. D’autant que la boutique se trouvait dans le quartier de Gion, le quartier des geishas, un des plus vieux de Kyoto au niveau architectural. Pour les décors extérieurs, Jules a fait beaucoup de repérages à travers la ville.
Qui est ce monsieur Isekai ? Mr Isekai est le propriétaire de Maïko Antiques, la boutique dans laquelle nous avons travaillé. Son véritable nom est Hōga Shōto (Hōga étant le nom de famille ). Monsieur Hōga ne sonnant pas très bien, nous avons cherché un nom qui sonne bien et qui en plus a une signification intéressante pour l’histoire. Nous avons décidé d’appeler le propriétaire de la boutique Monsieur Isekai. Isekai signifie “autre monde”, “monde parallèle“. Isekai est aussi un genre de manga, à la mode au Japon, qui s’est largement développé sur l’idée que monsieur tout-le-monde pouvait se réincarner et avoir droit à une vie plus excitante. Il était tout à fait naturel que Shōto San joue son propre rôle. Pour commencer nous ne voulions pas d’un vieil oncle Gepetto et il est relativement jeune (la quarantaine). Mais surtout, dans son cas, la réalité dépasse la fiction. Chaque matin en ouvrant la boutique, il salue respectueusement les objets qui la remplissent pour leur souhaiter une excellente journée et, pour certains d’entre eux, une nouvelle vie. Chaque soir à la fermeture, il les remercie pour leur participation à son business. Leur souhaitant une bonne nuit et en leur demandant de ne pas faire trop de bêtises.
Qu’est-ce qui différencie cet album des précédents ? le format déjà… Oui en effet, il est de format carré. Mais c’est l’objet lui-même qui est particulier. Jules a émis le souhait d’avoir une reliure à plat permettant de pouvoir regarder une double page sans l’effet en V des reliures normales. Angèle, notre éditrice, a passé beaucoup de temps à trouver la solution idéale. Le livre a ce qui s’appelle une reliure tibétaine. Sa tranche est brodée ! C’est magnifique. Même le titre et un petit soldat de plomb sont brodés sur la tranche et dans les pages intérieures c’est un fil rouge qui sert de reliure. C’est vraiment un hommage à l’amour de l’objet, de l’esthétique, de l’attention au détail des japonais.
Quelle difficulté avez-vous rencontré au cours de sa conception ? Ou quelle heureuse surprise ? Nous avions un grand respect à la fois pour l’œuvre originale et pour la culture d’accueil que nous avions choisie. Une réflexion a donc été nécessaire sur comment adapter ce conte et s’approprier l’histoire sans dénaturer un chef-d’œuvre. Et comment utiliser une culture très riche sans pour autant faire de la “cultural appropriation“ comme disent les anglo-saxons. C’est grâce à une bourse de création que nous avons pu réaliser cet ouvrage. Nous n’aurions pas eu les moyens de passer deux mois à Kyoto pour raconter cette histoire sans le soutien du CNL. Deux mois semblent confortables mais les premières semaines ont été consacrées à faire la connaissance du propriétaire de la boutique et de son épouse. Sans pouvoir communiquer par le langage ! Les règles de politesse au Japon prennent beaucoup de temps et nous voulions être les plus respectueux possibles. Avoir un impact minimal. Jules s’est donc retrouvée sous pression car nous avions au final un temps limité. La boutique est extraordinaire mais c’est un décor très étroit, débordant d’objets du sol au plafond. Sans compter qu’elle était fermée les journées de pluie ! En extérieur il y a toujours le problème des raccords de lumière et les prises de vues se déroulaient souvent au milieu d’une foule. Les japonais sont très curieux et n’hésitaient pas à se mettre à quatre pattes ou même allongé au sol avec nous pour voir ce qu’on voyait. Souvent ils demandaient à regarder dans l’objectif. Il fallait donc rester concentré tout en acceptant l’intérêt que l’homme de la rue a pour la créativité. C’était toujours joyeux et respectueux mais cela prend plus de temps. Au final, l’approche légère et instinctive que Jules a de la photographie lui a fait surmonter tous les obstacles. Mais le travail fut intense. On construit toujours l’histoire au fur et à mesure. Ce qui veut dire passer la journée à photographier et les nuits à débattre et à éditer à l’ordinateur. Quand aux heureuses surprises, il y a eu avant-tout la rencontre de cœur et d’esprit entre nous et ce couple japonais. Sans pouvoir communiquer autrement que par le regard, l’émotion, le feeling. C’était absolument magique. Nous leur avons offert nos livres et à partir de là, il n’y a eu que du ressenti. Pas de contrat, pas d’assurances, juste une relation basée sur la confiance pure. La reconnaissance immédiate d’âmes-soeurs. Rien que de l’écrire j’en ai la chair de poule. Si rare de nos jours…
Qu’est ce que la collaboration de la conteuse a changé à votre travail ? à quel moment est-elle intervenue dans sa réalisation ? La collaboration avec Muriel Bloch, la conteuse, n’a pas changé notre travail car elle est intervenue tard dans le projet. L’idée était d’ajouter une sonorité finale à cette adaptation. Sa tâche ne fut donc pas facile car il lui a fallu harmoniser une volonté d’oralité dans le cadre de notre technique de narration visuelle à partir d’une histoire en fait déjà racontée. Finalement, le texte se lit bien. J’imagine assez facilement un père ou une mère lisant le texte pendant que l’enfant regarde les images. Cela pour les plus petits. Pour les plus grands, j’imagine que les images viendront en premier, soulignées ensuite par le texte et retour à l’image. Comme pour nos précédents albums.
Merci Pierre-Jacques !
Les photographies sont publiées avec l’autorisation des auteurs.
“Il reste aujourd’hui environ 350 000 éléphants sauvages en Afrique (l’équivalent de la population de la ville de Nice) –ils étaient encore plus d’un million il y a quarante ans… Cet album grand format, tout carton, avec des photographies pleine page, part à la rencontre de cet animal extraordinaire dans son environnement naturel.” lit-on sur le site de la maison d’édition (Les Grandes Personnes).
Ce livre est d’abord un ouvrage militant. Au-delà de l’invitation à redécouvrir les éléphants, il nous met aussi en garde contre leur extinction prochaine.
Cet album ravive ensuite le souvenir de collections entières de livres photographiques consacrés à la présentation d’animaux domestiques ou sauvages et publiés des années 60 à 80, la collection “Ami-amis” chez Hatier en tête. A la différence de ces ouvrages, on ne partage plus ici le point de vue d’un enfant mais celui d’un photographe amoureux de la nature. Les grandes doubles pages accueillent uniquement des photographies et non plus des vignettes. Le texte est relégué en fin d’ouvrage et sa lecture ne rivalise plus avec celle des images. Le lecteur, plus ou moins jeune, a donc ainsi toute liberté pour s’émerveiller à haute voix, sans être guidé par les mots, devant les belles images du photographe animalier Franck Bordas.
Rencontre.
Quel est votre métier ?
Après avoir appris très jeune le métier de lithographe auprès de mon grand-père, j’ai ouvert mon propre atelier de litho. D’abord imprimeur, je suis vite devenu éditeur, pour réaliser avec des artistes les projets d’estampes et de livres d’art dont j’avais envie. Après plus de vingt ans d’activités en litho, au tournant des années 2000, je me suis orienté vers les techniques alors nouvelles de l’impression numérique, pour travailler avec d’autres outils et rencontrer de nouveaux créateurs. C’est à cette époque que j’ai collaboré avec de nombreux photographes. Parallèlement, j’ai toujours pratiqué la photo et j’ai réalisé deux livres-photos avec Ianna Andréadis. Une année en forêt (Édition du Panama en 2006) et Bêtes de brousse, (Éditions des Grandes Personnes en 2012), un livre réalisé avec nos enfants durant plusieurs voyages au Parc Kruger, en Afrique du Sud. Aujourd’hui, j’ai cessé mon activité d’atelier d’impression pour me consacrer à mes projets personnels, entre autres, l’observation et l’étude de la faune sauvage en Afrique.
Copyright Ianna Andréadis
Quel est votre lien à la littérature pour la jeunesse ? professionnellement et personnellement ?
Les livres jeunesse ont accompagné toute mon enfance, dans les années 60 et 70. J’ai découvert la faune africaine dans les albums illustrés, mais aussi la bande dessinée dont j’étais passionné. Né dans une famille d’éditeur, il y avait beaucoup de livres à la maison et je me nourrissais de tous les univers graphiques des illustrateurs et photographes de cette époque. Professionnellement, j’ai édité un livre de contes pour enfants du peintre suédois Bengt Lindström, Histoires d’Orren Jarka. Il s’agissait d’un album en litho avec des histoires inspirées des contes de Laponie inventés par l’artiste. J’ai également travaillé avec Paul Cox, qui a réalisé en litho un livre pour les enfants, Ces Nains portent quoi ???????, édité aux Éditions du Seuil. Avec Ianna Andréadis, nous avons édité des coloriages que j’imprimais en lithographie et le Bestiaire de la préhistoire, édité aux Éditions des Trois Ourses et à la Fabrique du Pont d’Aleyrac.
Après Bêtes de brousse et la savane d’Afrique du sud, vous faites découvrir aux plus jeunes la beauté et la vie des éléphants. Pourquoi cet animal plus qu’un autre ?
Les éléphants m’ont toujours fasciné. Le plus grand mammifère terrestre, un animal extraordinaire, une espèce clé de voûte de toute la faune sauvage. La fascination pour les éléphants a toujours été très présente dans l’humanité et depuis les origines, des peintures rupestres, jusqu’aux divinités indiennes et statuaires et masques des cultures africaines, en passant par les albums de Babar ! Aujourd’hui, où le monde sauvage et tout l’équilibre des écosystèmes de notre planète sont tellement menacés, il me semble essentiel, plus que jamais de présenter ces animaux extraordinaires aux enfants et leur faire ressentir cette fascination pour le monde sauvage qui subsiste dans les derniers espaces protégés de la planète.
Où ont été prises les photographies ? Cet album est-il une compilation de vos photos de pachydermes ou le fruit d’un reportage unique ?
Les photos de cet album font partie d’un ensemble d’images que je réalise depuis maintenant plusieurs années. Il s’agit pour moi d’une sorte d’inventaire, ou plutôt de campagne des principaux sites, parcs nationaux et réserves, dans plusieurs pays d’Afrique, en Afrique de l’Est et en Afrique australe, où vivent encore les derniers rassemblements de ces grands animaux. Je voyage très régulièrement et depuis des années en Afrique et je poursuis mes visites, tout spécialement sur les traces des populations d’éléphants. Chacune a une histoire différente, selon les lieux, l’environnement, l’histoire et l’évolution des pays et des régions où ils vivent.
Combien de photographies avez vous prises initialement ? Et comment s’est opérée la sélection pour le livre ?
Ce sont des milliers d’images d’éléphants que j’ai faites lors de nombreuse observations depuis ces 10 dernières années. Certaines sont à propos de comportements spécifiques, d’autres sont des vues des animaux dans leurs différents paysages. La sélection s’est faite autour de la construction du livre, je voulais à la fois restituer leur apparition dans le paysage, tel qu’on les découvre quand lors des rencontres à bonne distance, mais aussi pouvoir s’approcher au plus près, pour montrer les relations entre les différents individus d’un groupe. Il s’agit d’une espèce très sociale, avec beaucoup d’interactions entre les membres d’une même famille. Pour restituer en quelques images, à la fois la sensation de l’approche, la fascination face à ces géants, mais aussi la sensation de proximité à l’intérieur d’un groupe, comme si l’on pouvait communiquer avec eux.
Quelle part a pris l’ONG Save the elephants dans la réalisation de ce livre ?
Durant mes voyages, j’ai pu rencontrer différents chercheurs, ONG et organisations qui étudient et protègent les éléphants. Leurs recherches ont permis de découvrir de nombreuses facultés de communication ou d’organisation sociale qui étaient tout à fait méconnues il y a encore quelques années. Les études d’éthologie poussées sur le terrain n’ont vraiment commencé que dans les années 60. Cette génération de chercheurs a été pionnière dans la meilleure connaissance des espèces sauvages. À l’instar de Jane Goodall pour les chimpanzés, ou de Dian Fossey pour les gorilles, Iain Douglas-Hamilton a été l’un des premiers chercheurs à étudier le déplacement des éléphants, les routes ancestrales qu’ils utilisent. C’est lui qui a créé l’ONG Save The Elephants qui aujourd’hui fait beaucoup pour la meilleure cohabitation des animaux sauvages avec les communautés humaines qui vivent à proximité des réserves. Je tenais donc à ce que ce livre contribue à l’effort des cette ONG. Beaucoup de photographes, de cinéastes, de voyageurs et de touristes viennent en Afrique pour admirer ces animaux. Je trouve important de pouvoir ainsi contribuer à leur protection et à la conservation du monde sauvage. Les réserves africaines aident à développer le tourisme, mais il est difficile de faire cohabiter développement, amélioration des conditions de vie pour les habitants et protection de la faune. Cela devient même l’un des principaux enjeux de la conservation avec le développement des zones urbaines et de l’agriculture. Les autorités des pays concernés font face à des problématiques politiques extrêmement complexes. Les ONG aident à la meilleure connaissance et donc à la meilleure organisation des politiques locales. Quand on compare avec ce qui se passe en France, à propos des pressions pour faire abattre les 200 loups qui circulent en France, on se dit que les pays africains pourraient beaucoup nous apprendre à propos du partage et de la cohabitation avec les espèces sauvages…
Est-ce que les animaux se sont laissés approcher facilement ?
Les éléphants sont des animaux sauvages dotés d’une force extraordinaire, il faut donc respecter les distances et les approcher très prudemment. Cela dit, ce sont des animaux extrêmement intelligents, qui savent parfaitement apprécier les intentions de ceux qui les approchent. Si l’on est très calme, apaisé et qu’ils vous ont vu arriver, on peut très bien être entouré par des familles dont les petits, toujours curieux viennent vous renifler de la trompe. Mais ce sont eux qui décident, il ne faut pas s’imposer et surtout pas les prendre par surprise. Avec l’expérience, on peut très bien reconnaitre l’humeur d’un groupe ou d’un individu. Quand ils sont calmes ou nerveux. Il ne faut pas s’approcher d’une mère avec ses petits qui sera sur la défensive. Il y a aussi des mâles qui parfois sont dans des périodes d’intenses activités hormonales et qui peuvent être agressifs si on se trouve sur leur passage. Il peut y avoir malheureusement des accidents, ce sont souvent lors de rencontres fortuites, mais si l’on respecte des mesures de précautions évidentes, on peut très bien approcher les éléphants, spécialement dans les zones dans lesquelles ils sont protégés et où ils ne craignent pas de se faire tuer par des chasseurs ou des braconniers. C’est tout à fait différent dans les zones de chasse où ils s’enfuient dès qu’ils entendent une voiture ou la voie humaine. Il y a des régions où on les appelle des “éléphants fantômes”, car on sait qu’ils sont là, mais on ne les voie jamais. C’est d’ailleurs incroyable le don qu’ils ont pour se cacher et se rendre furtifs dans les zones boisées.
Qui signe les textes en fin d’ouvrage ? Pourquoi ce choix d’une postface plutôt que d’un texte qui accompagnerait le tournage de pages ?
J’ai écrit ce texte, pour donner des informations à propos du mode de vie des animaux. Après l’émerveillement de la rencontre, par les photos et la sympathie immédiate pour ces « bons géants », je voulais donner des précisions supplémentaires à propos des connaissances récentes sur leur comportement. L’idée est de faire une première lecture, où on les découvre, puis de pouvoir le relire en comprenant ce que les photos illustrent. Chaque image révèle une attitude typique de l’espèce. Pour réaliser que derrière chacun de ces grands animaux, il y a une personnalité, un caractère et un monde de langage, bien différent de celui des humains, mais très élaboré et ce que l’on pourrait appeler des « super-pouvoirs » qui nous échappent complètement.
A qui s’adresse donc ce livre ?
Je crois que les très jeunes lecteurs peuvent très bien comprendre le monde des éléphants, les adultes qui leur font la lecture pourront, eux aussi, en apprendre davantage et j’espère réaliser à quel point les espèces animales sont précieuses pour notre monde. La carte de l’Afrique permet aussi de situer où vivent encore ces animaux, il n’y a plus d’éléphants sur tout le continent, mais seulement dans quelques zones qu’il faut absolument préserver.
Pourquoi ce format d’ouvrage ? Est-ce une idée de l’éditeur ?
Il fallait un beau et grand format pour le plus grand animal terrestre ! C’est l’éditrice, Brigitte Morel, qui dès notre première discussion a imaginé ce grand format. Elle voulait ces grandes images et qu’on puisse voir tous les détails sur les photos, de la texture de la peau, des défenses, mais aussi des paysages dans lesquels vivent ces animaux. Elle voyait ce livre avant qu’il existe, quelle chance de s’entendre aussi bien et de voir grand !
Merci cher Franck !
Les photographies sont reproduites avec l’autorisation du photographe.
Nombreux sont les ouvrages de littérature jeunesse permettant d’appréhender les notions de famille, de transmission des savoir-faire et des traditions. Ce faisant, un certain nombre s’appuient sur les écrits du for privé et sur les objets vecteurs de mémoire que sont les albums et les photographies de famille. L’article s’attache à deux ouvrages particuliers, Incroyable mais vrai d’Éva Janikovszky et László Réber paru en 1966 aux éditions Móra Könyvkiadó, réédité par La Joie de lire en 2011, et L’album de famille de Frédéric Kessler et Princesse Camcam, paru aux éditions Autrement en 2012. Il examine l’usage particulier que ces livres font des collections de photographies familiales, et analyse comment le dispositif photolittéraire est mis au service de l’écriture du récit familial et du tissage des liens intergénérationnels.