“Although it does not appear under this name on the shelves of bookshops or libraries, the literary genre of the phototextual country portrait has an effective reality in children’s literature, with a wide variety of publications. These works are regularly published in periods when children’s books are seen as the engine of a new pacifist humanism. They flourished in different parts of the world after the two world wars, all carrying the same message of hope, transmitting the conviction that the world, in its diversity and complexity, is one: our world. This article juxtaposes the works of the 1920s series “Children of all Lands Stories”, by the American photographer and filmmaker Madeline Brandeis, with those of the “Enfants du monde” collection, carried by photographs by French photographer Dominique Darbois, to discuss how photographs and texts are combined to offer the young reader new views of the Other and thus promote peace between peoples through children’s literature.”
La suite du chapitre que je signe est à lire dans cet ouvrage issu des communications du colloque 2021 de Stockholm. https://benjamins.com/catalog/clcc.17
Le jeu duQui Tu Fus / poèmes de David Dumortier / éditions møtus / 2024 .
(Les images qui illustrent cet entretien sont publiées avec l’autorisation d’Aude Léonard et ne sont pas libres de droits)
Avant l’été, les éditions MeMo reçurent un mail de protestation signé Aude Léonard. La monographie 150 ans de photolittérature pour les enfants avait négligé de signaler la contribution de la maison d’édition møtus à l’histoire de la photolittérature jeunesse.
Cette erreur nous permet aujourd’hui de découvrir avec bonheur le travail de la photographe Aude Léonard.
Aude Léonard, quel est votre parcours ?
Mon entrée dans la filière artistique s’est faite par les arts appliqués : un baccalauréat STI AA à Saint-Etienne, puis un BTS communication visuelle à Besançon. J’aurais adoré fréquenter les grandes écoles d’art comme les arts décoratifs ou les écoles publiques parisiennes, je n’ai pas eu ce privilège, alors j’ai pris les chemins buissonniers. Je n’ai pas étudié la photographie, mais après Besançon, j’ai passé un an aux beaux-arts d’Epinal, et c’est là que je me suis mise à passer de plus en plus de temps au sous-sol, dans le labo-photo.
Comment êtes-vous venue à la littérature de jeunesse ?
À la fin du BTS, même si j’avais pris plaisir à explorer les différents champs de la communication (graphisme, publicité,…) j’ai ressenti la frustration de m’être trop éloignée d’une pratique artistique manuelle, tangible. J’avais envie de dessiner davantage. J’aimais la photographie, la magie du labo car à cette époque on utilisait encore du matériel argentique, mais à aucun moment je n’ai imaginé que je ferai de la photographie mon métier. Cette quête de matérialité m’a conduite au livre. Le livre est devenu objet de désir, et être « illustratrice jeunesse » le rêve à réaliser. Le moment décisif a été la rencontre avec François David, fondateur des éditions Møtus. En découvrant les livres publiés par Møtus, j’ai immédiatement eu un sentiment d’appartenance. J’ai eu le bonheur de signer un premier contrat. Et c’est par la poésie que je suis venue à la littérature jeunesse.
Quelle est la place de la photographie dans votre création ? Dans vos ouvrages ?
Mon médium artistique est la photographie. Mais je me définis plus facilement comme illustratrice que comme photographe, même si j’ai toujours du mal à assumer l’un ou l’autre statut. Pour moi la photographie véhicule encore la nécessité d’une technicité que je n’ai pas. Et quand je me place du côté de l’illustration, j’éprouve le syndrome de l’imposteur lorsque je dois « avouer » que je travaille avec de la photographie ! Ce qui m’a fait douter de ma légitimité d’illustratrice au début, c’est l’absence d’ « originaux » : pas de belles encres ou gouaches à exposer ! Depuis, le numérique ayant permis de tout dématérialiser, les codes ont changé. Mais il y a dix-sept ans, lorsque j’ai commencé à bricoler des images numériquement, l’argentique devenant trop chronophage et onéreux, il était important pour moi de conserver une étape artisanale : je reproduisais mes photos-montages numériques par contact, en argentique; j’obtenais des tirages « uniques », numérotés.
Par ailleurs, je dessine un peu, et dans mon plus récent projet, j’ai intégré du dessin, pour les éléments que je ne pouvais pas photographier (un mammouth par exemple). Mais mon matériau est le réel. Que je transforme, certes. C’est une photographie très travaillée, composée, au moyen de mises en scène et de montages. Je réalise toutes les prises de vues. Et comme j’aime le dire aux enfants, les personnages de mes images sont de vrais gens.
Dernièrement j’ai fait évoluer mon processus de mise en scène vers le pop-up, une technique qui me permet d’installer mes sujets photographiés dans un espace tridimensionnel. Je manipule des photos, mais aussi du papier ; ça répond à mon besoin de matérialité.
Le jeu du Qui Tu Fus / poèmes de David Dumortier / éditions møtus / 2024
Qui sont les grands maîtres qui vous inspirent ? Vous sentez-vous proche d’un photographe en particulier ?
Je n’ai pas une grande culture photographique mais je me souviens avoir été très émue en découvrant le travail de Sarah Moon, particulièrement ses adaptations de contes populaires, dans lesquelles elle mêle images fixes et vidéo, et propose un regard singulier loin des versions édulcorées habituelles. Je pense que les images de Jan Saudek m’ont beaucoup influencée : la composition frontale, la théâtralisation des mises en scène avec un arrière-plan réduit souvent à un mur, une fenêtre : un décor rudimentaire mais très expressif, dont il a fait de multiples variations. Et puis il y a Gilbert Garcin : son travail me touche car il se met en scène dans ses photographies, ainsi que sa femme, et je me retrouve dans cette intimité-là, cette économie de moyen. Ses images sont d’une efficacité redoutable, et tellement drôles !
Comment définiriez-vous votre univers créatif ?
Poétique par définition car j’ai illustré plusieurs recueils de poèmes. C’est très agréable pour moi d’illustrer de la poésie. Il y a beaucoup d’espace pour les images.
On peut aussi définir mon univers comme onirique puisque je transforme le réel, comme si je matérialisais un songe.
Pour moi, il est surtout intimiste, car j’ai toujours travaillé avec des moyens modestes, photographiant mon environnement, mes proches, mes objets. Je me suis beaucoup mise en scène, costumée, jouant tous les rôles. Ma pratique est assez théâtrale. Le spectacle vivant me nourrit. L’atmosphère de mes images est un peu désuète.
En général, vos images viennent-elles avant ou après les mots ? Quelle est la part de co-création avec les écrivains ?
Tout dépend de s’il s’agit d’une commande. Dans ce cas, les mots préexistent, et je procède comme un dessinateur, je fais des esquisses. Puis comme un metteur en scène ou un décorateur, je collecte ce dont j’ai besoin : accessoires, costumes, etc. Puis je réalise des prises de vues. Et pendant ce temps-là, je ne suis pas en relation avec les auteurs des textes. À l’exception des binômes qui ont l’habitude de travailler à quatre mains, dans le monde de l’édition jeunesse la coutume veut que ce soit l’éditeur qui choisisse l’illustrateur d’un texte dont il a acquis les droits. L’auteur du texte n’a pas vraiment droit de regard. On peut questionner cette pratique… Mon constat, c’est qu’un bon éditeur saura trouver l’accord parfait. Et généralement, même si je peux me sentir un peu fébrile, c’est toujours une joie lorsque les images sont dévoilées à l’auteur.
J’ai ressenti l’envie d’écrire mes propres textes.
Comme alors il ne s’agit plus de commandes, c’est l’image qui vient en premier. J’ai de cette façon réalisé plusieurs séries, qui auraient pu devenir des livres si elles avaient fait l’objet de contrats d’édition. Pour l’heure elles ont plutôt été destinées à l’accrochage, pour des expositions.
Et finalement, les textes qui naissent d’une véritable nécessité intérieure, je me suis rendue compte que je ne me sentais pas forcément capable de les illustrer moi-même. J’ai sans doute besoin qu’ils m’échappent. Très vite, en écrivant, d’autres univers graphiques que le mien m’ont entêtée. C’est une sensation étonnante.
Avez-vous rencontré des difficultés à vous faire publier ? Quel est votre regard sur la place actuelle de la production photolittéraire ?
Je n’ai pas eu de difficultés à publier un premier ouvrage car j’ai eu la chance de faire la bonne rencontre au bon moment. En revanche, il m’a été difficile de convaincre d’autres éditeurs par la suite. J’ai perçu de la frilosité vis à vis de la photographie, notamment d’une photographie créative, de fiction, que j’oppose à une photographie documentaire, « d’inventaire ». La photographie a sa place dans les imagiers, et il en existe de très beaux, mais en dehors de cette catégorie de livres, elle est rare, en tous cas depuis quelques décennies. Ayant beaucoup travaillé en noir et blanc, j’ai rencontré une difficulté supplémentaire.
Je regrette que la photographie n’occupe pas davantage de place dans la production littéraire aujourd’hui, car j’aime la photographie, tout simplement. Néanmoins, sa rareté la rend précieuse, et j’aime l’idée d’avoir une pratique singulière.
A quelle occasion rencontrez-vous votre public ? Quel est en général sa réaction face à la présence de photographies ? Réalisent-ils immédiatement qu’il s’agit de photographies ?
Je rencontre mon public lors de salons du livre jeunesse, d’expositions, ou lors d’ateliers avec des enfants. Avec les enfants il est très intéressant de questionner leur interprétation des images, leur relation à la photographie ou au dessin, leur compréhension des processus de fabrication. Peut-être qu’au premier regard, pour un enfant d’aujourd’hui, la photographie, banalisée par l’usage du smartphone, n’est pas aussi séduisante qu’un dessin. Mais dès lors qu’on propose un récit, qu’on suggère qu’il pourrait jouer le personnage de l’histoire, et qu’on expérimente le collage, la photographie devient attractive pour l’enfant. Et il est important d’être sensibilisé à la lecture des images.
Pour le regard des adultes, mes images sont ambiguës. Ils ne comprennent pas toujours s’ils voient du dessin ou de la photographie. Ils sont déstabilisés parce que ce n’est pas de la photographie brute. Et le plus difficile, c’est lorsque je dois expliquer mon travail sans pouvoir le montrer ! Mais au bout du compte, je pense pouvoir dire que mes images ont rencontré leur public, peu importe que ce soit dans le champ de l’illustration ou de la photographie.
MAQUETTES POP-UP / Le jeu du Qui Tu Fus / poèmes de David Dumortier / éditions møtus / 2024
Voulez-vous nous présenter votre dernier ouvrage et l’usage que vous faites de la photographie ?
Mon dernier ouvrage est une nouvelle collaboration avec les éditions Møtus. J’ai illustré des poèmes de David Dumortier qui vont être publiés sous la forme d’un jeu de cartes, dans un joli étui, avec pour titre Le jeu du Qui Tu Fus. C’est un projet qui fait suite au Jeu de la bonne aventure (2014, même auteur, même éditeur), dont je n’avais fait que l’habillage graphique. Là, il y aura trente-trois cartes illustrées.
Pour ce projet, en couleur, et toujours en photographie, j’ai exploré le volume. J’ai fabriqué trente-trois petites maquettes en pop-up. La technique du pop-up me permet de mettre en scène des photographies découpées. Ces pop-up, que l’on peut définir comme mes « originaux », je les re-photographie, et ce sont des images en 2D qui seront imprimées. L’intérêt, c’est que la gestion des ombres, de la profondeur de champ, se fait naturellement. Ça revient à faire du photo-montage manuel. Et surtout, j’ai pris beaucoup de plaisir à manipuler le papier. Les étapes successives de prises de vues et d’impressions, en altérant légèrement la définition de l’image, donnent un grain singulier aux images définitives. Le rendu est doux.
C’est donc un travail méticuleux, très long. Pendant la réalisation, j’avais à l’esprit et à cœur d’en faire un objet de transmission : je pense qu’il y aura de multiples façons de partager cela avec des enfants, jeunes et vieux.
Pour les personnages, ça a été une petite entreprise familiale, j’ai sollicité mes enfants. Il est important pour moi de mêler ce quotidien familial à mon activité professionnelle, car être artiste et femme et mère demeure une lutte de chaque jour. Il est impossible de cloisonner. L’usage de la photographie pose la question du droit à l’image, et du consentement. C’est pourquoi pendant longtemps, mon propre corps a été le matériau le plus accessible. Aujourd’hui, avoir des enfants dans mon environnement simplifie les choses. Mais je veille à user de leur image avec délicatesse. Les personnages sont pudiques. Souvent grimés, masqués pour ce projet-ci.
Lisiez-vous des ouvrages photo-illustrés quand vous étiez enfant ?
Et bien, pas vraiment à priori. Il y avait peu d’albums illustrés chez moi.
Par contre, j’ai lu pas mal de presse jeunesse, et de mémoire, la photo documentaire avait la part belle. Je me souviens de beaux reportages photographiques dans Images Doc, que d’ailleurs je prenais plaisir à découper pour les mises en pages de magazines de ma création, auxquels j’abonnais clandestinement ma sœur cadette !
Et pour l’anecdote, je fabriquais aussi des roman-photos en découpant les poupées dans les catalogues de jouets de grands magasins.
En 1975, Marion Durand prétendait qu’aucun album n’avait été confié à un photographe de talent. Les recherches récentes autour de la photolittérature jeunesse, ont permis de contrarier cette sentence sans appel et de mettre dans la lumière l’importante contribution des maîtres du 8ème art à la littérature pour l’enfance.
La liste est longue des photographes, amateurs ou professionnels, tentés par l’aventure du livre pour enfant. Si nombre d’entre eux ne passeront pas à la postérité, bon nombre sont plutôt habitués des cartels des musées ou des pages de magazines : Berenice Abbott, Ansel Adams, Claude Cahun, Edouard Curtis, Dominique Darbois, Robert Doisneau, Tana Hoban, Frank Horvat, Eikoh Hosoe, André Kertész, Ergy Landau, Annette Messager, Duane Michals, Sarah Moon, Alexandr Rodtchenko, Marc Riboud, Emmanuel Sougez, Edward Steichen, Cindy Sherman, William Wegman et bien d’autres.
Pourquoi ces maîtres de la photographie ont-ils un jour décidé de s’adresser à de jeunes lecteurs ? Comment ces ouvrages se sont-ils inscrits dans leur œuvre ? Quelle a été la réaction du public ? C’est en parcourant, en quelques noms, plus d’un siècle d’histoire de la photolittérature que cet article tente de répondre à ces questions.
Dans la Revue des Livres pour enfantsdu CNLJ/ BNF de septembre/octobre 2023, en librairie ce matin, je signe l’article “Grands maîtres de la photographie et littérature jeunesse.”
Je reviens en détail sur la contribution de la photographe Ergy Landau à la photolittérature jeunesse dans cet article du journal Libération, spécial photographie, à l’occasion des Rencontres de la photographie de Arles.
Une année riche en événements photolittéraire se termine, une autre se prépare.
Avec des publications :
-un numéro de la revue Captures consacré aux contes Contes et comptines en habits neufs. La littérature jeunesse patrimoniale à l’ère de la photographie. Nov.2023
-de nouveaux articles en français et en anglais, dans des ouvrages ou des revues, mettant en valeur des ouvrages photolittéraires d’hier et aujourd’hui, d’ici et d’ailleurs et de grands photographes .
Mais aussi :
-une présentation de mes travaux de recherches dans des colloques, journées d’étude et séminaires. Infos à suivre à la rentrée.
-la poursuite du séminaire du Greces-Cellam de l’université Rennes 2 « Archives, collections et petites bêtes en littérature jeunesse : présence et enjeux éditoriaux, Europe/Amériques, XIXe-XXIe siècles ».
Et toujours des interviews d’acteurs de la photolittérature ou de passeurs de la photographie et des analyses d’ouvrages sur ce carnet de recherches !
L’heure est à l’écriture, aux corrections, à la recherche… et aux vacances.
En attendant, retrouvez, à partir du 15 juillet et pour tout l’été, Ergy Landau au Jardin d’Acclimatation avec des images inédites pour l’exposition Les Petits Parisiens au Jardin d’Acclimatation, par Ergy Landau.
Ouvre-toi est le dernier ouvrage né de la collaboration entre Susie Morgenstern et Theresa Bronn, après Pas de bol ! (Actes Sud, 20014) https://miniphlit.hypotheses.org/840, Pas ! (Le Rouergue, 2003), Confessions d’une grosse patate, (La Martinière, 2003) et L’agenda de l’apprenti écrivain (La Martinière, 2005).
Comme d’autres imagiers avant lui, il invite le jeune lecteur à être attentif au monde qui l’entoure grâce à ses cinq sens, au jeu et … à l’image photographique. Celle-ci est omniprésente, au recto et verso de la couverture, sur les pages de garde, sur la “belle page”, sous les rabats des pages de gauche, imprimée en pleine page ou en petits carrés juxtaposés. Il s’agit d’une photographie pure, libérée des graphismes et autres petits personnages dessinés comme dans Pas de Bol !. Elle est mise en valeur par les couleurs chaudes qui lui sont juxtaposées en page de gauche.
Cet album se veut interactif. Dès le seuil, la couverture invite le jeune lecteur à deviner ce qu’il y a derrière elle, avec ses mains qui cachent les yeux sans vraiment le vouloir, cette tête à peine dissimulée derrière un rocher, ces multiples paires d’yeux enfantins qui fixent le lecteur et ce titre qui semble plutôt signifier “Ouvre-moi’. Dans le corps de l’ouvrage, les vers de la comptine Ouvre-Toi, signée Susie Morgenstern, sont imprimés sur des rabats. Ils sont illustrés en page de droite par des portraits en noir et blanc d’enfants, photographiés en très gros plans, qui correspondent à la partie du corps mentionnée dans chaque vers : yeux, nez, dents, mains… Obéissant aux injonctions du poème, le lecteur soulève le rabat coloré pour découvrir de très belles images en couleurs et la seconde partie de la phrase : nuages dans le ciel, abeille qui butine, clochettes de muguet, tartine de miel, poussins, enfants rieurs…
Entretien avec la photographe.
Qui êtes-vous Theresa Bronn ?
Je suis illustratrice-photographe. Je fais de la littérature jeunesse depuis ma sortie des Arts décoratifs en 2000. J’ai publié une quinzaine d’ouvrages pour la jeunesse, dont Vivre chocolat et Le coquillage qui n’aimait pas la merpour les éditions du Jasmin. La plupart de mes livres ont un lien avec la photographie, qu’elle soit toute petite, en couverture ou en pleine page.
Quand donc est né le projet Ouvre-Toi ?
Cela date ! Je crois que c’était un peu avant le Covid. Susie m’a envoyé son journal intime quotidien et il y avait ce texte à la fin. Susie écrit toujours des poèmes à la fin de son journal. J’ai été séduite et lui ai proposé de réfléchir à un projet en lien avec ce poème pour enfant. Le texte n’était pas rimé à l’origine et l’éditeur nous a suggéré cette modification. Une fois les images réalisées, nous avons encore transformé le texte, car certains vers ne donnaient rien en images. Le poème a été ainsi modifié plusieurs fois.
A l’origine, les rabats étaient différents également. Ils avaient la forme des parties du visage évoquées dans le poème. Cela n’a pas plu aux éditeurs car cela pouvait sembler brutal pour des jeunes lecteurs. Je tenais absolument aux rabats qui correspondent tout à fait à l’idée de cache-cache et de dévoilement évoqués dans le poème.
Qui sont les enfants photographiés ?Comment les avez-vous choisis ?
Mes modèles viennent d’un peu partout. J’ai photographié des enfants lors d’interventions en classe, mais aussi dans les centres de loisirs dans mon quartier. J’ai été aidée par tout un réseau d’intervenants culturels. Il y a aussi des membres de ma famille, des photos de mes filles petites. Le choix des images respecte une mixité de genres et d’origines afin de toucher tout le monde.
Les autorisations parentales pour pouvoir imprimer ces photos ont été très longues à obtenir, ce qui a aussi retardé la publication de cet ouvrage. Pour le réaliser, j’ai pris des centaines de photographies. J’ai sollicité les autorisations de publication dès le départ, pour éviter tout problème de droit à l’image, même pour une simple oreille.
Pour certaines photos, j’ai guidé et imposé des attitudes. J’avais dessiné quelques schémas de ce que je voulais et dressé une liste des différentes parties du corps à photographier. Pour d’autres images, je les ai laissés libres de prendre les poses qu’ils voulaient et certains ont eu de super idées. J’ai ensuite choisi les images, et quand j’avais un doute, une hésitation entre deux photographies, je les soumettais à Susie et Saad, notre éditeur.
Les photographies des parties du corps sont en noir et blanc et les photographies à l’intérieur sont en couleur. Pourquoi ce choix ?
J’adore la photo en noir et blanc et je trouve que les photos de la peau sont plus intéressantes ainsi. Je voulais également que le regard se porte sur la partie du corps photographié et ne se focalise pas sur la couleur. Par contre, quand on ouvre le rabat, l’enfant est surpris par la présence de celle-ci. Elle exprime l’ampleur de ce qu’il y a à voir.
Quelle est donc selon toi la finalité de cet album ?
Comme l’indique le titre, les enfants sont invités à ouvrir leurs cinq sens. Il faut qu’ils soient attentifs au monde qui les entoure. La photographie les oblige à regarder la vraie vie.
Les enfants photographiés vont-ils voir le livre ?
Bien sûr ! Dès qu’on peut on organisera dans le quartier un moment de découverte des photographies, pas seulement celles du livre, mais toutes les photographies que j’ai prises.
Quels sont vos projets à venir ?
Je finis un autre livre avec Susie. Son décor est celui de Nice et il met en scène un Père Noël qui vient prendre du repos dans le sud. La maquette était totalement photographique au début mais, à la demande de l’éditeur, il a évolué vers beaucoup plus de dessins. Aujourd’hui il ne reste que trois photographies. Il sera prêt pour le salon du livre de Saint Laurent du Var.
Avez-vous trouvé difficile de faire publier des livres photos ?
Oui ! et le livre dont je viens de parler en est encore un exemple ! Mais j’y tiens beaucoup et j’ai d’autres projets.
Et voici le nouvel ouvrage du tandem Pierre-Jacques et Jules Ober !
Après avoir évoqué les malheurs de Pierre, jeune soldat de l’armée française dans les tranchées de la Première Guerre mondiale, puis décrit l’enfance sous l’occupation de la petite Jacqueline, voici narrées, dans un format vertical, les aventures de la princesse Mimi, sœur de la future reine Marie-Antoinette et féministe du XVIIIe siècle au caractère bien trempé.
Au soir d’une rencontre avec la Mort, la princesse Marie-Christine Jeanne Joseph Antoinette d’Autriche voit sa vie défiler devant ses yeux : son refus du mariage arrangé et son union par amour, son goût pour les études, la philosophie et l’écriture, son rejet de la cour et de l’étiquette, son empathie pour les moins fortunés, ses fonctions de colonel dans l’armée autrichienne… C’est la mort qui parle et sous nos yeux défilent en images séquentielles, gros plans sur des visages, plans resserrés sur des scènes de cour ou de bataille, des épisodes de la vie de Mimi.
Comme pour Petit soldat et Jacqueline, Pierre-Jacques Ober s’est minutieusement documenté pour connaître la vie de la vraie princesse et intégrer dans ses petits tableaux des détails tout à fait historiques. Comme dans les précédents volumes, l’objectif de Jules Ober fait mouche avec ses gros plans sur les personnages ou les détails qui les rendent soudain plus grands ou son habileté à jouer avec la lumière. Loin d’être figés, ces tableaux photographiques jouent avec la réalité et semblent tout à fait animés.
On note encore que les pages de garde et la typographie déclinent toutes les nuances du rose. Histoire d’attirer l’attention des petites filles sur cette princesse pas très féminine ?
Nouvel entretien avec Pierre-Jacques Ober.
Quelles sont vos sources pour l’histoire de cette princesse rebelle ?
J’ai cette idée dans la tête depuis des années. Cela a commencé avec la lecture d’un petit passage des mémoires du Général Marbot concernant un épisode de la bataille de Wagram.
Deux régiments de cavalerie appartenant au même propriétaire se sont retrouvés face à face et se sont chargés. Un régiment de hussards Saxons et un régiment de cuirassiers Autrichiens. Des membres de la même famille, frères, cousins, père/fils se sont retrouvés à devoir se battre. Le propriétaire était le Prince Albert de Saxony, mari de l’Archiduchesse Marie-Christine d’Autriche. En faisant une recherche rapide, je découvris qu’Albert et Christina s’étaient mariés par amour, le seul mariage d’amour dans la dynastie des Habsbourg. Je me suis dit qu’Albert aurait pu offrir un régiment de cavalerie à son épouse ( cela se faisait beaucoup à l’époque chez les nobles ) et j’ai imaginé ce qui aurait pu se passer.
J’ai également toujours été intéressé par les personnages féminins de l’histoire, les femmes qui ont défié leur époque. Je connaissais donc les princesses philosophes. Quand je me suis aperçu que Isabelle de Bourbon Parme était une amie de Marie-Christine d’Autriche, j’avais un autre élément d’une histoire possible. J’ai lu un livre ( je ne me souviens plus du nom de l’auteure ) “ Je meurs d’Amour pour toi “ présentant les 300 lettres qu’Isabelle envoya à Christina. Enfin, j’ai lu des livres sur la société du 18e siècle.
Est-ce que les personnages et les lieux sont fidèles à la réalité ?
Ils le sont tout en étant saupoudrés de “licence poétique “. Il faut beaucoup condenser et simplifier pour faire un album jeunesse. J’ai décidé de raconter une histoire “générique” car la réalité est bien trop compliquée. Rentrer dans le détail des guerres en dentelles, du pourquoi et du comment de la Guerre de Sept ans par exemple, celle juste après la Guerre de Succession d’Autriche, est impossible. Surtout que les participants et antagonistes font presque toujours parti des mêmes familles par alliance, avec des noms à rallonge très similaires. Tout le monde se souvient du film Fanfan la Tulipe et de la manière humoristique dont fut traité cet imbroglio permanent. Donc ne pas citer de pays, de noms de famille ou de lieux précis évitait ce problème.
J’ai pris quelques libertés avec la réalité historique, juste sur des détails, afin de privilégier une bonne histoire. Je ne les dévoile pas pour justement, préserver l’histoire telle qu’elle est racontée. Mais cela pourrait être un jeu éducatif de “chercher l’erreur volontaire “ à travers le livre.
Combien de temps cale vous a-t-il pris pour réaliser ce livre ?
Il nous est impossible de travailler à plein temps sur un projet car il nous faut également travailler sur des projets plus “alimentaires”. De plus, vivant en Australie et trouvant des miniatures dans le monde entier, je passe beaucoup de temps à attendre les livraisons.
Pour ce projet j’ai demandé à un petit fabriquant de figurines de Dresde en Allemagne de sortir de sa retraite. Ce vieux monsieur a accepté mais ne pouvait pas travailler en été à cause de la chaleur de ses fours. J’ai donc du attendre l’automne et l’hiver. En gros, cela nous prend toujours 2 ans pour faire un livre.
Mise à part l’époque et le genre du personnage principal, quelle est la plus importante différence avec vos précédents albums ?
Etudier la photolittérature jeunesse et préparer simultanément le séminaire de recherches du Greces-Cellam de l’université Rennes 2 autour des petites bêtes amène à avoir l’œil grand ouvert sur les thématiques du printemps et du jardin développées dans les vitrines des librairies. C’est dans une enseigne de Bologne que j’ai découvert les aventures d’Edmond il coniglio, appelé Edmond de la Garenne de ce côté des Alpes..
Tournant les pages beiges de cet album façon cahier “moleskine”(couverture noire, épaisse, cartonnée et élastique rouge), le jeune lecteur découvre des photos et dessins de petites bêtes, agrémentés des commentaires souvent drôles d’Edmond l’explorateur, qui se fait, appareil photo autour du cou et carnet de notes et croquis à la patte, entomologiste.
Abeilles, crapaud, puceron, chenille, fourmi, scarabée… et même oiseaux, sont photographiés dans leur habitat naturel, en gros plan, et régulièrement à hauteur de lièvre. Les photographies sont parfois détourées, posés sur un fond uni, et occupent tout l’espace de la page ou de la double-page. Elles font régulièrement face ou alternent avec des planches accueillant insectes et plus gros animaux esquissés, dessinés ou peints et qui ne sont pas sans rappeler celles d’un botaniste.
Entretien avec l’auteur, Thierry Dedieu, le “photographe attitré des Petites Bêtes” comme il se désigne sur son site personnel avant la sortie imminente du volume 2 de sa série d’ouvrages consacrés aux petits animaux qui nous entourent.
Comment est venue l’idée de ce journal d’une exploration ?
C’était pendant le confinement. Comme tout le monde, j’avais peu de choses à faire et j’ai commencé à explorer mes archives. Je me suis rendu-compte que j’avais énormément de photographies de nature prises lors de séances de footing autour de ma maison. Je me suis dit que c’était vraiment dommage de ne pas les utiliser et j’ai trouvé qu’il serait intéressant de les faire correspondre avec des dessins. J’aime bien qu’il n’y ait pas que de la photo dans les livres mais que les deux soient associés.
Lorsque j’ai commencé à montrer cette compilation à mon entourage, les gens me disaient que cela faisait trop livre d’art. j’ai alors eu l’idée du carnet de voyage.
Aviez-vous une inspiration précise, un modèle ?
Non, aucun en particulier. Ce format s’inspire de ces carnets de voyage avec des images légendées que l’on connaît. Je me suis dit qu’il serait intéressant que l’écrivain-voyageur soit un lapin.
Puisque vous êtes le “photographe attitré des Petites Bêtes”, comment avez vous procédé pour leur tirer le portrait et quelles petites bêtes avez-vous choisies ?
C’est en fonction de mes promenades. Je ne me suis pas dit pas que tel jour j’allais photographier une grenouille ou un criquet. Je suis arrivé sur des lieux où vivaient tel animal et je le prenais en photo.
L’idée n’était donc pas de faire un recensement des petits animaux vivant autour de chez vous ou un documentaire ?
Je l’ai quand même un peu fait, mais avec un regard plus contemplatif. Je n’ai pas eu besoin d’effectuer des recherches. Je connais ces animaux parce que j’ai toujours aimé les petites bêtes, comme vous les appelez. Il faut savoir que je fais aussi des documentaires sur les animaux sous le pseudonyme de Tatsu Nagata depuis vingt ans et donc je les connais bien.
Quelle est la place de la photographie dans votre bibliographie ?
Elle a peu de place. C’est une façon de faire peu acceptée par les parents. Les enfants, du moment qu’on leur raconte une histoire, sont prêts à prendre les images qui viennent avec, mais les parents ont un une idée précise de ce que doit être un livre pour les enfants. Il n’y a pas d’intérêt pour le livre photo. J’ai quand même fait un livre avec des photos il y a vingt ans qui s’appelait Le roi des sables.
et du côté des éditeurs ?
J’ai un éditeur historique, Le Seuil, avec lequel je m’entends très bien. Quand je lui présente un projet, il est attentif à ce que j’ai fait et ne dit pas non d’emblée. Il regarde. On le fait ensuite ensemble et il a été ravi que je lui propose celui-ci.
Combien avez-vous réalisé de photos pour celui-ci ?
Il s’agit de vingt ans de photographies qui n’étaient pas destinées à faire un livre. Dans cet ensemble, j’ai opéré une sélection esthétique, en variant les points de vue. Je photographie avec un matériel très basique. Il s’agit d’un petit Canon, Lexus 110. Ces appareils font des photographies extraordinaires, sans avoir besoin d’objectifs pour faire de la macro. Je retravaille ensuite le contraste, la couleur à l’ordinateur.
Avez-vous d’autres projets à venir avec des photos ?
Je viens de recevoir le nouveau volume consacré aux petites bêtes, Marie Louise Dumarais Carnets de voyage autour de mon étang. Il sera en librairie dans les semaines à venir. Mon éditeur voudrait que je réfléchisse à un troisième tome. Je pense aux petites bêtes de bord de mer et si je le fais, un crabe en sera le héros.
TEXTE ET ILLUSTRATIONS D’ELIS WILK COLLECTION HORS COLLECTION, À partir de 6 ans • FORMAT : 16 x 22 cm • VOLUME : 88 pages
En littérature jeunesse, les photos de famille sont régulièrement convoquées pour évoquer l’enfance, la filiation, le temps qui passe, la mémoire. Détournées, redessinées, retravaillées à l’ordinateur, associées à des graphismes, les techniques sont multiples.
Voici Au loin les lumières, le nouvel album d’Elis Wilk, publié ces jours-ci chez Versant Sud jeunesse. Nous reproduisons, avec l’aimable autorisation de Fanny Deschamps, l’interview que lui a accordée l’artiste. https://versant-sud.com/catalogue/au-loin-les-lumieres/
“Elis, quelle est la genèse d’Au loin, les lumières ?
C’est un album très personnel lié à mon enfance et à un moment important dans ma vie d’alors : mon déménagement à l’âge de huit ans de Paris pour aller nous installer, ma famille et moi, à la campagne, au bord d’une rivière, dans la vallée du Cher. Au début, je voulais faire un album sur la gémellité. Étant moi-même jumelle homozygote, je voulais « casser » les stéréotypes, donner à voir la complexité identitaire liée au fait d’être jumelle, vécue de l’intérieur. Au final, je me trouvais trop à l’étroit dans ce cadre et j’ai ouvert le récit à une expérience plus vaste où la gémellité est présente mais d’une manière diffuse. Elle se « sent » au fil du livre mais elle est secondaire au final, intégrée au récit, disons. Même si je la questionne dans un chapitre, pour une fois, elle est normalisée et remise à sa place dans la vie et ses expériences variées.
L’histoire commence par la prise de conscience, à huit ans, d’un sentiment de tristesse intense, qui n’est alors pas nommable et qui existe au creux du personnage lorsqu’elle aperçoit les lumières du village au loin, dans la plaine noire qui l’entoure. Comme un espoir et comme une connexion à la vie-ville d’avant. Un premier sentiment de « mélancolie », sans doute. Huit ans, un âge de prise de conscience où l’enfance bat son plein et où on commence à mieux comprendre notre monde intérieur et celui qui nous entoure. C’est un peu le chemin de ce livre, je crois.
C’est un livre singulier. Il se démarque de l’album jeunesse par son nombre de pages élevé, sa division en chapitres, son format qui rappelle celui du roman. Pourquoi ces choix ?
J’avais envie que le lecteur « plonge » dans un moment de vie marqué par différentes prises de conscience, aventures, sensations. Des chapitres pour donner à voir, faire vivre une prise de conscience ou une expérience sensorielle, imaginaire ou philosophique. Pour célébrer l’importance de ces moments et recréer une forme d’intimité aussi, au cœur de la vie. Chaque chapitre s’ouvre sur un haïku, comme suspendu à l’atmosphère, en résonance avec la couleur du récit à venir. Peut-être pour donner corps à ce mystère du vivant qui anime notre quotidien, en filigrane. Le chapitre permet aussi de ne pas se limiter à un temps linéaire, narratif, mais d’être dans le rebond, le récit de soi dans sa justesse un peu désordonnée, qui fonctionne par association d’idées plutôt que tenu par la contrainte de l’action. Enfin, au niveau de la temporalité, je crois que j’avais envie de prendre le temps de déployer le récit, de créer, avec le lecteur, un moment propice à un récit-cheminement plus intime.
Chaque chapitre est consacré à un thème. Qu’as-tu voulu exprimer à travers ceux-ci ?
La nature qui emplit la nouvelle vie de la narratrice est primordiale au début. Puis, petit à petit, j’ai resserré sur l’intériorité du personnage. On passe de la prise de conscience du déménagement et des nouvelles sensations avec cette nature omniprésente (« Au loin les lumières »), au rôle de la rivière – autre « personnage » important- avec le chapitre « La crue », puis à l’appropriation de l’environnement par le jeu, l’aventure, (« Nous sommes des Indiennes ») à une forme d’intimité qui se resserre avec « Un petit rayon de soleil » et « Comme deux gouttes d’eau », deux chapitres qui parlent de la sororité et de la gémellité d’une manière drôle et décalée, pour finir sur un questionnement vraiment identitaire voir imaginaire et une nouvelle « ouverture » au monde avec « Un être mystérieux ». Bon, j’ai refait tout le déroulé là je crois !
Si ce livre est autobiographique, il est aussi marqué par l’onirisme et l’imaginaire. Pourquoi et comment doser ces différents aspects ?
J’ai essayé de trouver un équilibre entre plusieurs approches qui, pour moi, sont à l’œuvre dans l’existence et l’être au monde de tout un chacun. Une approche sensorielle, une autre plus réflexive-philosophique, une approche plus narrative qui passe par l’action, évidemment, et le côté imaginaire-onirique propre à l’enfant. J’ai cherché à mêler ces approches dans le ton, l’oralité un peu « littéraire », poétique et spontanée de la narratrice. J’avais envie aussi que l’on sente le côté « brut » et vivant de l’enfance. L’onirisme, je crois que c’est un aspect qui m’intéresse tout particulièrement. Le rêve est ce qui nous reste de l’imaginaire enfantin, une fois adulte. C’est un moment d’une richesse et d’une créativité hors-norme, surnaturel presque, qui nous déborde. Les enfants le vivent encore dans leur quotidien et ça c’est incroyable, je trouve. Donc, l’intégrer au récit et aux images me semble aller de soi si l’on veut évoquer l’enfance.
Peux-tu nous expliquer le mélange de techniques que tu as utilisées ?
Je suis revenue au collage numérique, comme dans mon précédent album, L’appel de la lune, avec un mélange de photographies et de matières, textures, que je fonds ensemble, en créant des couches sur Photoshop. Cela me permet de partir du réel (la photographie) pour m’en échapper, l’évoquer sans être « contrainte » par la réalité. Cela va dans le sens de cet imaginaire qu’il me semble important de célébrer, de laisser vivre dans mes livres. Cela peut aussi créer une forme de trouble, car on ne sait plus à quel niveau de réalité on se situe, et alors on peut commencer à se questionner. L’étrangeté va interpeler le lecteur et le rendre plus actif, il me semble. Les matière peintes me permettent aussi de renforcer le côté sensoriel et poétique, via les couleurs diffuses et le grain, les textures moins figées que la photographie, plus picturales.
D’où viennent les photos que l’on voit dans le livre ?
Les photos proviennent en grande partie de mon album de famille. Pour une question pratique mais pas que. J’avais aussi envie de rendre hommage à ma famille et de jouer avec mes proches, les transformer et les faire exister différemment. Donner à voir cette tranche de vie pas banale et la rendre universelle. Et puis les photos sont transformées et le récit aussi, bien sûr, même si le tout s’inspire directement de la matière de mon propre vécu. De fait, je m’inspire souvent de choses liées à la réalité : anecdotes, évènements, échanges pour créer mes histoires…
Où pourra-t-on te rencontrer prochainement ?
Le 7 juillet, je serai au Quartier de l’Étang, à Genève, pour le vernissage de l’exposition « Derrière les murs » qui mêle les photographies grand formats des habitants réalisées par le photographe Guillaume Perret et le livret que j’ai réalisé pour cette occasion avec les photographies de Guillaume, les illustrations et récits de vie que j’ai créées-récoltés lors de notre résidence croisée. Et puis ici et là, au gré des salons d’automne et des séances de dédicaces à venir (que je suis encore en train d’organiser).”
Pour découvrir maquette et photos originelles, rendez-vous sur le site de Versant Sud Jeunesse.
Les éditions La Partie publie le nouvel ouvrage pour enfants de Bruno Gibert, Le grand livre de l’inutile, qui régale le lecteur avec ses listes de choses qui ne servent à rien, un oreiller pour enfoncer un clou, une machine à compter les petits pois, des gardes suisses, ou ses conseils étonnants comme le “si tu sautes d’un avion sans parachute, bourre tes poches de beurre, de sucre et de farine. Ainsi, à la fin, ça fera un beau gâteau”…
Jeux de mots, mots valise, calembours, détournement de poèmes, conjugaisons nouvelles sont accompagnés d’images hétéroclites, collectées ci et là, détourées, détournées, photomontées et légendées en dépit du bon sens, de la logique, de l’usage… Le tout installé dans une joyeuse mise en page. On nage en plein surréalisme ou “nonsense” à la manière de Lewis Carroll. Le tournage de pages engendre l’étonnement, l’incrédulité, le doute, le rire et chatouille l’imaginaire. Nécessaire.
Entretien très utile avec son auteur.
Bruno Gibert, en quelques mots, quel est votre parcours ?
Je viens d’une école d’arts appliqués. J’ai commencé en tant que graphiste pour la publicité et ensuite je me suis mis à illustrer des livres pour la jeunesse, avant d’écrire mes propres textes.
Quelle est la place pour la photographie dans votre vie, dans vos romans, dans vos ouvrages pour les enfants ?
Je pratiquais beaucoup la photographie quand j’étais adolescent. Je m’intéressais aux photographes contemporains. Cela m’aurait plu d’en faire davantage, mais mon métier de dessinateur a pris rapidement de l’ampleur. J’ai toujours un rapport étroit avec elle. Je vais voir des expositions fréquemment et c”est un média qui m’intéresse.
Dans mes livres pour enfants, je l’ai peu utilisée. Je considère que la photographie est un moyen de montrer des images, sans avoir besoin de les fabriquer, au même titre que les gravures anciennes que j’avais déjà utilisées. Pour ce livre, j’aurais pu dessiner le moule à gâteau. Mais il existe des photographies de moule dans les banques d’images, alors j’en ai détourée une. La photographie me semble aussi plus neutre que le dessin. Elle est plus passe-partout et possède une dimension impersonnelle. Elle ne pose pas de problème aux enfants qui y sont finalement confrontés tous les jours.
D’où viennent les photographies qui sont dans ce livre ? S’agit-il de photos collectées dans votre environnement proche ?
D’un vieux dictionnaire ou d’internet qui est une source inépuisable de photos. Si je veux des photos de Paris, de voitures, des photos contemporaines ou vintage je les trouve sur internet. Je les ai collectées, puis retravaillées pour obtenir des photos génériques, comme celles que l’on trouves dans un dictionnaire. Elles sont en noir et blanc, ce qui permet de garder une unité graphique et retramées pour leur donner un effet contrasté.
Dans votre livre, on trouve des photomontages, des photos de paysage, des photos d’identité, des photomontages, du flou… Aviez-vous la volonté d’exploiter le médium photographique sous tous ses aspects ?
Oui ! Elle sont aussi documentaires. Et puis les légendes les détournent aussi, comme dans cette double page où la Tour Eiffel devient un pylône et le pylône une Tour Eiffel.
Vous déjouez d’ailleurs totalement le rapport classique entre les images et leurs légendes. Quelle réaction attendez-vous de votre lecteur ?
J’attends une relecture de l’image. On peut la détourner de son sens avec une légende inattendue. Une image seule ne dit rien. Il y a une espèce de code invisible à trouver dans ces légendes, comme devant ces noms de personnages célèbres qui n’ont presque rien à voir avec les images. Le travail du rapport entre le texte et l’image est poussé au maximum, totalement distendu.
Qui sont les lecteurs visés ?
Je ne sais pas trop, question délicate. Pas les petits enfants. Le livre circule et les lecteurs de 7-8 ans comprennent parfaitement l’humour de l’absurde. Après j’imagine que les adultes peuvent le lire.
Est-ce que quelques livres photos pour enfants ont pu vous inspirer ? Avez-vous quelques références en matière de photolittérature jeunesse ?
Ils l’ont tous vu, d’Ylla, est un très beau livre. Je me souviens aussi du Ballon rouge et puis de la version en livre de Tintin et les orange bleues. Mais c’est compliqué la photo narrative. ce sont des tableaux vivants. La photographie y est trop réaliste, pas assez ambivalente. La photo y est trop frontale et j’ai un problème avec cela. J’ai l’impression que ce côté frontal ne marche pas. Il faudrait y ajouter du dessin ou de la couleur.
C’est un vieux projet. Il s’agissait de montrer des photos sans les voir, comme si on les montrait à un aveugle. Le texte faisait advenir les images mentalement. Je n’ai sélectionné que des photos déjà vues, aisément identifiables. C’est la même chose pour Le grand livre de l’inutile. Je ne sélectionne que des photos déjà vues, aisément reconnaissables, familières.
J’avais ajouté un chapitre sur les photos de famille qui en fait se ressemblent toutes. Un enfant devant un gâteau d’anniversaire, devant un sapin de Noël, on les a tous dans nos albums de famille, qui d’ailleurs n’existent plus. La Chambre claire de Roland Barthes parle de cela, de la dimension funèbre de la photographie, de sa vocation à apporter une preuve de ce qui a été. Vous l’avez lue aussi, non ?
En 1930, la Société Parisienne d’Edition publie Choutnik, l’ours, un album illustré de photographies, sans mention d’auteur, ni de photographe. Il s’agit du premier volume de la collection “Histoires de bêtes”. En dernière page, une mention indique que paraîtra prochainement dans la même collection Ong-Bô, l’éléphant. Nul autre titre n’est annoncé.
Les deux couvertures sont presque identiques. Seule varient les arbres en arrière-plan et le titre. Celui-ci est composé d’un nom propre et celui d’une espèce animale. Il permet de nommer le personnage qui figure sur toutes les photographies qui vont suivre, unifiant des images certainement issues de banques d’images.
Les deux ouvrages de 32 pages sont abondamment illustrés de photographies cernées de noir. Deux par double-page, elles dont parfois redessinées et toujours légendées. La mise en plage est classique. Le texte se lit sur deux colonnes séparées par une photographie ou dans une colonne placée en regard d’une image. Les images sont purement illustratives et accueillent les personnages du récit : le personnage principal, d’autres animaux, des dresseurs, soigneurs, chasseurs, bourreaux, maîtres, spectateurs… Elles sont souvent de mauvaise qualité et on peine à distinguer les traits des visages.
Choutnik l’ours raconte la vie pleine de péripéties d’un ours brun, de sa naissance à sa vieillesse, la séparation violente avec sa mère, ses bonheurs et ses malheurs dans le monde des humains, qu’il soit partie intégrante d’une famille aimante ou maltraité par des bohémiens. Tout finit bien heureusement pour Choutnik devenu vieux, puisque, après bien des malheurs, il termine sa vie en compagnie de son maître Jimmy. Les images retenues le montrent régulièrement en position verticale ou en face à face avec l’homme, dans un échange de regards. Le texte se charge d’anthropomorphiser l’animal avec le récit d’actions et pensées très humaines.
Certaines images sont difficiles à regarder pour un lecteur de 2023, surtout lorsque l’animal est enchaîné ou subit un limage des dents. Même si le texte précise qu’une “dame de la Ligue pour la protection des animaux eut pitié de lui “, on éprouve une réelle peine pour l’animal. Il faut alors faire l’effort de se rappeler que l’ouvrage est le reflet d’une époque où les montreurs d’ours étaient encore fréquents.
In-4 oblong, 32 p. avec illustrations
Si aucun détail ne donne un cadre spatial précis au récit de la vie de Choutnik, ce n’est pas le cas pour celui d’Ong-Bô. D’emblée, on nous précise que le petit éléphant est né dans un pays nommé Annam, devenu Viet Nam et ancien protectorat français. L’histoire d’Ong-Bô, nom générique pour tous les éléphants d’Annam, est présentée d’emblée comme véridique. Le livre raconte le parcours de vie d’un jeune éléphanteau capturé par les hommes, séparé brutalement de sa mère et de son milieu naturel, dressé pour travailler le bois, puis pour la chasse, et enfin emmené dans un zoo américain, avant de terminer sa vie sereinement dans une ferme. Comme dans le précédent ouvrage, le texte apporte des informations scientifiques mêlées habilement au récit et le texte abonde en pensées et sentiments de l’animal.
Autre reflet d’une époque, le texte se charge parfois de préceptes moralisateurs ou leçons de vie : “Chacun de nous, hommes et bêtes, avons sur cette terres, nos aptitudes, qu’il n’est pas bon de contrarier”…
In-4 oblong, 32 p. avec illustrations.
Il ne semble pas que d’autres histoires de bêtes aient enrichi cette collection à découvrir lors de l’exposition prochaine à la Maison Doisneau.
En 1985, les éditions Kinderbuchverlag à Berlin, à l’époque en RDA, publient le livre pour enfants Der alberne Herr Patella, que l’on pourrait traduire par cet idiot de monsieur Patella. Le texte est signé Christiane Grosz, céramiste, poétesse et écrivaine allemande. Les photographies sont de Wolfgang Wandelt qui a fait l’objet d’une rétrospective le mois dernier à Bordeaux :
“La série de photographies Menschenbilder de Wolfgang Wandelt est née du besoin de documenter l’humanité dans sa réalité crue. Ces documents montrent l‘homme dans son intimité, son individualité, dans la diversité des situations sociales. Les photographies, prises entre 1973 et 1985 en RDA, constituent un portrait de ce territoire et de la vie quotidienne ; elles ont donné lieu à la publication d‘un livre aux Editions Reinhold Hug en 1985. « Ce que l‘appareil photo cherche en premier lieu, c‘est l‘image que les gens ont d‘eux-mêmes, entre l’embauche du matin et la fin de la journée, entre le jardin ouvrier et le centre commercial, chez le coiffeur, à la piscine en plein air, en marge d‘une manifestation, après le travail : le vieil oncle et son accompagnatrice de voyage tirée à quatre épingles, les filles de Prenzlauerberg. Ce sont en fait des types que Wandelt photographie. Le type contient toujours une grande part d‘inconvenance, de soif d‘accomplissement personnel, d‘aventure au quotidien. » Richard Hiepe, 1985. Wolfgang Wandelt est né en 1936 à Berlin. Il a suivi des études de graphisme à l’école de publicité de Berlin-Schöneweide.
Jusqu‘en 1968, il travaille en RDA comme réalisateur de courts-métrages et de films publicitaires pour le studio d‘animation de la DEFA, puis comme photographe de mode et de publicité pour de nombreux magazines. Wandelt a effectué plusieurs voyages en Europe. Entre 1991 et 1996, il a séjourné pendant de longues périodes en Suisse et en Italie. Ses photographies ont été présentées dans de nombreuses expositions individuelles en Allemagne et à l‘étranger. Wolfgang Wandelt est décédé en 1996 à Berlin”.
La couverture de Der alberne Herr Patella accueille la photographie détourée et retournée d’un homme qui semble sauter. Elle est placée à l’intérieur d’un cadre vert. On le retrouve en quatrième de couverture, sur une autre photographie détourée mais reproduite en plus petite taille. Il s’insère dans le coin du livre et adopte une nouvelle posture acrobatique.
Les pages de garde accueillent deux photographies en noir et blanc reproduites sur l’ensemble de l’espace. Sur la première, Wolfgang Wandelt a fixé l’image d’un d’un petit groupe d’habitants marchant sur un trottoir de Berlin. On retrouve l’homme de la couverture. Il porte sur la tête une cafetière d’où s’échappe une fumée blanchâtre qui donne un aspect fantastique à l’objet. Il cherche son équilibre. Sur sa gauche, une jeune femme, sac plastique dans une main et enfant dans l’autre, affiche une mine contrariée. On distingue le bras d’un autre personnage hors-champ qui tient également l’enfant par la main. Ces individus ne semblent pas se connaître et sont reliés uniquement par le regard du jeune garçon curieux attiré par le numéro d’équilibriste. En arrière plan, la ville est très présente avec ses bâtiments qui datent de l’après-guerre. Le long des trottoirs sont garées de multiples voitures Traban qui nous plongent dans l’ambiance est-allemande.
Sur la dernière page de garde, on retrouve l’équilibriste. Il tourne le dos à l’objectif et semble absorbé par une tache. Une jeune femme assise sur un muret l’observe, les mains jointes. Ils sont tous les deux installés sur les toits terrasse de la ville. On distingue en arrière plan les poteaux, antennes et les cheminées. Berlin est dans le brouillard.
Entre ces deux épisodes, le narrateur fait le récit d’une dispute de couple, de la quête de l’homme pour trouver l’endroit où pousse le poivre, de ses rencontres avec un homme pressé, une vache peu sympathique, un enfant qui a perdu son chien, une femme qui revient dans son ancien quartier avec ses cartons à chapeaux et pour finir d’une réconciliation. Le texte est imprimé dans des pavés cernés d’un trait vert.
Des photographies, encadrées elles aussi, s’imbriquent à leur tour dans l’espace de la double page et font face au texte, s’imposent au dessus de lui et parfois le pénètrent. Cette mise en page semble créer un écho avec les briques des façades, celles des cheminées de toits, avec les pavés de la ville, le carrelage de certains murs. Elles font varier les techniques : flou de l’homme pressé, cadrage serré sur la tête de la vache, contre plongée pour photographier un homme en costume, photos séquentielles faisant alterner buste et jambes, photomontage, portrait et plans larges, individu sortant du cadre et dont on ne voit qu’un pied…
Les images illustrent les différents moments du récit et sont à l’image de l’évolution du personnage, qui passe de la fantaisie au sérieux. Herr Patella, bonnet sur la tête semble en effet d’abord beaucoup s’amuser. Il est photographié la tête sous un tapis et on ne voit que son postérieur. Il fait le poirier sur une cheminée, crache de l’eau, discute avec une vache, se déguise en homme d’affaires. A la fin du récit, il tourne le dos au spectateur et semble enfin rentré dans le rang. Sa femme, tablier sur les hanches et fichu sur la tête, s’amuse nettement moins et son emploi du temps est rythmé par le ménage, l’épluchage des légumes dans une cuisine en désordre et par les facéties de son étrange mari. Elle connaît enfin le repos sur la dernière image et sourit pour la première fois. Si, à l’image des individus photographié par Wandelt, Herr Patella a été tenté par l’aventure dans le quotidien, il est désormais bien sage…
Livre sur le couple ? Livre sur la photographie de Wandelt ? Livre témoignage sur la RDA des années 80 ? Malgré son papier de mauvaise qualité, le vert et le rouge un peu kitsch et sa mise en page un peu lourde, cet ouvrage, découvert au musée de la photographie de Berlin, est intéressant à plus d’un titre.
Le 13 mai à Nantes, à l’invitation des PUI, je présentais mes recherches sur les contes photo-illustrés à un public d’enfants, l’occasion de revenir sur les aspects du métier de chercheur et de présenter le travail de quelques photographes inspirés par la littérature patrimoniale.
Franc succès pour cette journée autour de la photographie : ateliers de créations de cyanotypes, de réalisation d’images photographiques, de créations d’histoires photo-illustrées avec Yveline Loiseur, de lectures de contes, ….les jeunes spectateurs ont été sensibilisés aux différentes techniques et aspects du 8ème art.
Couvertures des livres collaboratifs du Projet Tecendo Saberes (“Le tissage des savoirs” avec les communautés locales, traditionnelles, indigènes…)
Marie-AngeBordas est née au Brésil. Elle travaille depuis vingt ans sur la question des réfugiés et déplacés et sur la sauvegarde des patrimoines et savoirs traditionnels des communautés autochtones. Plusieurs albums photo-illustrés réalisés avec les enfants des camps ou des villages indigènes où elle a séjourné sont nés de ces projets collaboratifs. Je la rencontre à Paris, lors du colloque sur la photolittérature jeunesse.
Marie-Ange Bordas, quelle est votre profession ?
Question compliquée ! Je suis journaliste de formation. J’ai commencé la photographie lorsque j’avais 16 ans. J’ai une maîtrise en images et sons obtenue à l’université de Sao Paulo et j’ai fait une école de photo à New York grâce à une bourse. J’ai travaillé dans le cinéma au Brésil et notamment sur des projets de décentralisation de la culture. A New York, où j’ai vécu 5 ans, j’ai développé ma propre carrière artistique ainsi que celle de médiatrice culturelle.
Comment êtes vous venue à la littérature jeunesse ?
J’ai toujours été une grande consommatrice de littérature jeunesse. Quand j’ai commencé mon travail d’artiste, j’ai mis en place des projets collaboratifs. L’artiste est un pont entre plusieurs mondes, les réfugiés et les pays d’accueil, les musées et la forêt, etc… Faire de l’art pour moi est politique. A New York, j’ai collaboré avec des réfugiés dans le cadre d’un projet nommé Déplacement. Moi aussi je suis une “déplacée”. Je suis née au Brésil et j’ai vécu ailleurs. J’avais le sentiment que les médias ne traitaient pas bien du sujet des réfugiés et je ne voulais pas en parler comme une journaliste parachutée dans un lieu. Je voulais écouter les gens, m’intéresser à leurs pratiques artistiques, créer des endroits où ils se sentent bien, bâtir avec eux des expositions conçues à partir des messages qu’ils voulaient adresser aux pays d’accueil. Dans les camps où j’ai séjourné, nous avons créé des laboratoires photos et réalisé des performances. Le livre Dois Meninos de Kakuma découle de ces projets. L’idée est venue du besoin des jeunes de parler de la situation d’un enfant né dans un camp et de la confronter à la vie d’un enfant né dans une ville. Kakuma est une ville dans le comté de Turkana au Kenya. C’est aussi le site d’un camp de réfugiés de l’UNHCR. Les enfants qui y naissent ne connaissent pas leur pays d’origine. Si ces personnages sont fictionnels, le récit est basé sur des histoires de gens que j’ai croisés dans les camps.
Couverture Deux Garçons de Kakuma Photos analogiques prises lors de mon séjour au Kenya (2003-04) avec ajout des dessins/ sculptures produites par des enfants vivant dans le Camp en 2018.
Vos ouvrages sont donc nés de collaborations avec des enfants ? Ces livres sont aussi des espaces de collaboration entre photos, textes et dessins ?
Au Brésil, en 2008-2009, il n’y avait pas de livres pour les enfants des communautés. Les professeurs de la forêt amazonienne déploraient de ne pas avoir d’ouvrages qui parlent d’eux. Zèbre, rhinocéros figurent dans des livres qui sont utilisés par les enseignants alors que les enfants ne les connaissent pas. J’avais envie de créer des ouvrages sur et pour ces communautés traditionnelles, à partir de ce qui était local. J’ai gagné un prix du Ministère de la culture qui m’a permis de passer cinq ans avec plusieurs communautés indigènes qui vivent entre le Pérou et le Brésil.
La photographie s’imposait. Elle était le moyen le plus adapté pour représenter des enfants noirs, loin des illustrations dessinées stéréotypées. La photo est selon moi un moyen d’avoir une couche de moins de représentation. J’ai collaboré avec les enfants pour les photographier et choisir avec eux ce qu’on allait montrer de leur vie, de leur environnement. Je voulais aussi utiliser les dessins des enfants dans mes livres. Un éditeur a très rapidement accepté ce projet.
A partir de 2012, on a eu une loi qui obligeait les écoles à aborder l’histoire afro-brésilienne. J’ai réalisé un livre bilingue pour conserver les langues locales et permettre à toutes les générations de les connaître. Ce livre est beaucoup utilisé. On y présente les savoirs d’une région que l’on mélange avec les histoires collectées auprès des familles. C’est un mix entre traditions et documentaires.
Page: Almanach des Enfants Huni Kui (Bilingue Portugais / Hatxa Kui) , 2015
Dans le livre qui porte sur les indigènes situé à la frontière avec le Pérou, il y a un texte en portugais imprimé en noir et un autre dans la langue traditionnelle, imprimé en rouge. Les enfants ont fait des photos et des dessins. On y explique les peintures corporelles, la tradition de la pêche. Les enfants sont les protagonistes de ces ouvrages et vont interviewer les membres de leurs familles.
A la fin de l’étape de collecte, je rentre avec plus de mille dessins et des vidéos. Quand le livre est presque fini, je l’envoie pour validation à la communauté. Lorsqu’il est imprimé, on fait le lancement du livre dans la communauté et chaque enfant reçoit un livre. Les professeurs sont ensuite formés pour éduquer à partir des connaissances locales. J’aime quand les gens les plus âgés des communautés sont touchés par les livres. Les savoirs et la culture sont conservés et transmis. Ces ouvrages sont ensuite diffusés dans le reste du pays. Ils doivent servir à casser les stéréotypes.
Page Lendas Amazônicas (Légendes Amazoniennes et d’autres histoires que vous devriez connaître, 2022)
Qu’en est-il de la traduction de ces ouvrages ?
Je rêve qu’ils soient traduits. Mon dernier ouvrage porte sur les légendes d’Amazonie. J’ai repris des légendes très populaires que tout le monde connaît et j’ai ajouté des récits locaux qui parlent de phénomènes incroyables mais qui sont pourtant tout à fait naturels. Chaque légende est complétée de deux pages de documentaires qui expliquent ce qu’il y a derrière les légendes.
Nouveau livre “in process” : Tsonga Animal Tales and Proverbs (en collaboration avec groupes de “elders”Tsonga au Limpopo)
Sugar WOW The Photographer’s Office / 2022 (English)
A n’en pas douter, les enfants apprécient le monde magique de Jan von Holleben, ses créations plastiques colorées et délirantes, ses mondes oniriques et ludiques dont ils sont les aventuriers. Chacun de ses livres invite les enfants, et aussi les adultes, à se laisser surprendre par ces images foisonnantes d’objets en tout genre, ces compositions qui donnent vie à toutes les envies.
Rencontre avec un magicien qui donne vie aux rêves enfantins.
To the question “What is your profession?” What do you answer ?
When I speak English, then I am a photographer. In German I am A photographer and children books illustrator. The English definition is much broader and includes many facets. In German, we are very precise. So a photographer is in fact just someone taking pictures. Noone has any idea what you actually do. That’s when I have to start explaining : I work for books and magazines.. but also for artistic projects and exhibitions, I am curating, editing, … and most of all, I actually make children books.
How long have you been working in children’s literature?
My very first project, before I even considered myself a professional photographer, was Dreams of Flying. I simply played photography with my neighbor’s kids and they told me stories, inspired by children literature and modern heroes. I used a very simple snapchot camera and the ‘shooting from above’-technique to make those dreams come true. This was ours pare time on weekends.
Only by chance, an editor saw those images and posted them on her blog in 2005. In less than 3 months, that project was all over the world on hundreds of blog and I was bombarded with commissions and exhibitions and magazine features, won awards and had to stop being a photo director for a young cooperative and jump into full time ‘being photographer’.
I made a self published first book (out of cardboard in an edition of 500 copies) with those images, which sold out immediately and made a second. Both of those books (2006 and 2007) I always considered to be children books but for adults alike.
Since my first training was teacher for handicaped children and I was meant to become a teacher, I feel that together with photography, I came full circle. I love explaining complicated things in very simple ways. I was always good in that. Since my own high school – my teachers remember. I also have to admit, that my childhood was full of stories, adventures, literature, nature…
Dreams of Flying The Photographer’s Office / 2006 (English)
Do you have models in photography or children’s literature ?
I would always say, that Astrid Lindgren wrote my favorite books. But also Michael Ende, Ottfried Preussler. Also the entire canon of old Disney movies. Today I am also fascinated by more international likes as Doctor Seuss, Eric Carle, Maurice Sendak, ..
In Photography ? Always the narrative based art photographers.
How many books have you produced? Can you give us some other titles?
I made about 25 books over the last 15 years. My favorite is the series of non-fiction books for Thienemann Publishers which was based on my top seller : Does that happen to everybody ? (a philosophical book on puberty). This was followed by 5 other (social)science books on the brain, world religion, internet, politics, divorce.
The books that are closest to me are the creative books I made with my most favorite German publisher Beltz ALWAYS EVERYTHING and MY WILD FURY and I am proudest of the two books that I made with art book publisher Little Steidl, the little offspring of Steidl Publishers, mastered by Nina Holland KOSMOS and most recently THE BLUEBERRY MACHINE
ALWAYS EVERYTHING Tarzipan books / 2019 (no text – universal)
Who are they for?
My books are usually considered to be for anyone who reads visuals/ photographs.
The non-fiction books were primarily made in order to stimulate debates/ conversations between children and parents. And the creative books are really for the kids alone. I think that they really get them. The problem is just always: how to surpass their parents!?
At the moment, I feel that I want to work more and more for the kids only. Tricky, but ultimately I want the parents to trust me (parents are often bad photo readers) and then I can get into a dialogue with the children. Just like when I work with them in my studio. The energy is always high, we all know what we do and once we have to explain it to a parent, the magic is gone. Weird but true.
Let’s talk about the Blueberry Machine: when and how did the idea for this project come about?
I have spent years with my best friend in his home country Norway. He spent summers at his grand parents on a farm, which we visited often. It is in the middle of nowhere in my favourite part of Norway. Olav, who is the main character in the book, lives on that farm with his parents. I saw him growing up. When he was about 4 years old, I spend the summer at their farm and Olav started showing me around. He always walked the dog up and down the hills, checked their sheep and just had a good time. I didn’t speak much Norwegian, but we always had a good non verbal communication. It was on one of those walks, when I understood, that these mountains are Olav’s home and he knows them inside out. In the evenings we sat at the fire and the kids played all sorts of things. Olav was a great builder. And I remembered that I was a fascinated builder in my childhood too. So we connected and built a lot. I wanted to make a project with him.. in his world with all the ideas he and I had together.
The Blueberry Machine Little Steidl / 2022 (English)
How did the collaboration between words and images come about?
That was only after I had made the images. And it was a fascinating process (since usually it works the other way around). I had already written a few lines to each image. But there was no story. When Nina Holland picked up the project, she had the best idea, to get Monte Packham involved. He had never written a children book before, but was a great and fun writer. We all klicked, I told him my thoughts and with a few editing changes in the sequence of the images, an idea unfolded for him, he put it all together added some magic here and there and suddenly we had a beautiful story that I totally fell in love with.
What is the purpose of this book?
To me, the book is a very classic format of a children’s book. It is the first time, that I have done something like it and I really enjoyed it. The book has a traditional story line, yet combined with the photos, that feature 50% reality and 50% a visionary tale, our story, the book can be read in various ways. Most of all, it gives the children a choice to go beyond the story line and understand the meta levels of imaginary games, fantasy and how to differentiate between them. However you can also just enjoy the story with its educational finale and learn about the best machines of all: your own two hands. Additionally, my photography invites the creativity of kids to learn about image making… so once you are done with the story, you can learn about the individual images, how they are done and be inspired. That part of my photography is always in my work. If it is for magazines, books or clients. I want children to learn about image making. What is photography. What can photography. I want kids to become visual literate.
Where do you find the objects in the images?
Nowadays I have a huge collection of well organized boxes. The content is labelled with screws, balls, feathers, technical things, toys, buttons, hearts, gold, candy, .. all sorts. Its 15 years of keeping my eyes open and simply collecting what I find relevant or interesting. I am no fan of special effects in photography. I want to create things from the ordinary. Things that everybody can understand, remember, detect. I am very democratic in that.
Did you have difficulties finding a publisher?
Yes.. I proposed it to my ‘standard publishers’ and they struggled. But we didn’t have a real text at the time. That is in Germany a real issue. Text is mostly mandatory. I had hoped that a mainstream book publisher would pick up on it. I had worked with Nina Holland at Little Steidl before on KOSMOS, which is a very complex Artist book box made of 6 individual books. She had always worked on books for anyone. When she saw ‘The Blueberry Machine’ images, she took some time for herself to understand that secretly she always wanted to make exclusive children books. She has an amazing collection of historical children books. When working with Little Steidl, that is a long process. So when she finally decided to open up her publishing house to a real children book, it all fell into place. Making the entire book without any compromises on material and design, production and text was the best choice after all.
Do you usually work alone or with a writer for your books?
I usually start by myself. I am very image driven and I am keen to produce work that stimulates children – and myself at the same time. I have a lot of respect for children and hence a good understanding too for what they are interested in. Meaning that I don’t want to please them – no cheap tricks (as the book or toy industry works on mostly) – I want to challenge them on their grounds. I want them to be curious about what I do and I want them to make an effort to get to the bottom of things.
Only once I have decided that the images I made are best placed in a book, I think about the need for text.
What about your next project?
I am working on 8 books at the moment as good examples for your question.
The first book is a dream come true with a new French publisher. I made the work 20 years ago and I am soo excited that the publisher believes that the images are strong enough to make a book without text. Saying that, we will have titles for the images. nothing else. Another book is the sequel to The Blueberry Machine. Since I loved working with Monte on that one so much, I think we shall try to start it off together this time. Let’s see what happens. We are both very creative and flexibel and I am happy to try it differently this time.
Book three: I have been given a carte blanche to work out a book together with an illustrator of my choice, who I found already. We are trying to balance the photography part with the illustrations part, so both get the space they need, in order to be balanced and effective. The illustrator is also a great story writer, and we are still discussing if there is a need for text. At the moment I feel that we could actually tell the story with our two image techniques. Let’s see.
Then I am on book 4 that is a non fiction book. I conceived the idea with a historian and writer and we proposed it to a publisher, who jumped on it. It is the three of us developing the idea further and further and working on it equally. We meet every 3-4 weeks and discuss all of it. That’s very exciting since we all bring our expertise to it in equal parts. It feels like being in a super team with those two. I work mostly from text to image.
Book 5, 6 and 7 are totally free photo books. I will probably publish them myself and don’t want any text in them for now. Then again: Text will be there as title and colophone and usually I give a few lines along.. but no text in a classical sense, accompanying or explaining images)
Book 8 again will be a real challenge for me, since I want to create it by myself without text but work in a clear story line structure.. or at least a message and an understanding of what it is all about. The images can carry most of that, but my challenge is, bringing them into a sequencing and adding in between images to make the jumps from one key image to another. I am very much looking forward to that.
Bottom line I remember a lesson from my university degree, which came from my tutor David Campany: more or less every image/ photo comes with text of some sort. If it is a title, a caption, a memory, a paragraph, … there is always an image text combination present. And as artist/ photographer we need to be aware of that and define the text that we want or need with the images we produce.
Can you find everything? Self published/ 2022
Your universe is very colorful. Is black and white not for children?
I think Black and White works also for kids – still today. Many successful children books prove that. Maybe that’s a compromise in modern times, that parents can accept easier than color photography? (I am convinced that straight color photography still seems to be a threat for many parents when thinking about their kids’ books) B/W always reduces the content of an image. It is also further removed from our modern reality – more abstract. That threat of straight color photography, that I mentioned, is something that I usually try to counter act with my studio photography, where we can focus on content rather than bringing too much reality in (background, light, atmosphere, chance, indexicality in general….). But sometimes I am sneaking in more ‘realistic’ images, just to bring my work back into the reality and the factual lives of those reading kids.