Lectures, livres et bibliothèques pour enfants

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L’ouvrage, paru aux éditions de Cercle de la librairie, en 1993, se veut une remise à jour du livre de 1985, Livres et bibliothèques pour enfants.

Sous la direction de Claude-Anne Parmegiani, de nombreux chercheurs analysent dans une première partie l’histoire et l’évolution de la littérature enfantine, son émancipation face au livre scolaire, la place prépondérante accordée à l’image au détriment du texte, les nouveaux thèmes abordés dans le roman, l’explosion des livres sur l’Art et les documentaires et inventorient les périodiques de la presse pour enfants.

La seconde partie traite des mutations des lieux de lecture, bibliothèques de quartiers ou d’établissements scolaires.

L’ouvrage est un peu ancien concernant les études chiffrées. On passera plus de temps sur le chapitre « L’épiphanie des livres d’images », de Claude-Anne Parmegiani, qui décrit très bien l’évolution des rapports entre image et texte dans l’espace de la page, au cours du temps, la recherche progressive d’une image esthétique et non plus didactique, l’inscription du livre pour enfants dans la modernité et la réflexion sur la problématique de l’enfance sous l’influence de la psychanalyse.

Cinquième congrès EAM, Université de Rennes 2

 

Affiche 5e congrès EAM

Le réseau EAM rassemble depuis une dizaine d’année des chercheurs appartenant à une trentaine de pays du monde entier, dont les travaux touchent l’ensemble des questions regroupées autour de l’ avant-garde et du modernisme.

« The fifth EAM congress invites scholars to consider the coupling of the notions of quest and investigation in works of art or movements of the avant-garde or neo-avant-garde, or of the various forms of modernism, even though modernism and the avant-garde seem often to have been constructed in opposition to the spiritual or scientific heritage suggested by these two terms.

The notion of quest suggests a metaphysical beyond informed by mysticism, implying the absence of an end or of a conclusion, whereas the notion of investigation implies a totally rational conception of reality and a process likely to bring a definite result and reach a conclusion. Coupling the two notions, quest/investigation, is therefore an invitation to overcome an initial paradox: the endlessness of the quest as opposed to the fixed scope of the investigation. The co-articulation of the two notions may shed some light on marginal or neglected works. It may also question the dialectical relationship between modern and anti-modern, between avant-garde and rear-guard, between insistent innovations and archaisms, acknowledged or disguised.

Whether dialectical or dynamic, the approach we suggest applies to all the fields or domains of research in the Arts, literature, aesthetics, cinema, photography, drama, T.V. or digital media, architecture, music, design. »

Programme des conférences sur le site : http://www.sites.univ-rennes2.fr/cellam/eam-2016/

 

Dominique Darbois et Francis Mazière en Amazonie

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En 1952, Francis Mazière, ethnologue, Dominique Darbois, photographe et Wladimir Iwanow, cinéaste, relient en pirogue la Guyane française et le Brésil, sur les traces de l’explorateur disparu Raymond Maufrais, lors de l’expédition « Guyane Tumuc-Humac ».

Pendant un an, ils vivent avec les Indiens d’un village de l’Amazonie et nouent des contacts humains, de « confiance », de « respect » et d’« admiration réciproque », selon les propos des voyageurs, dans une interview accordée à Radio Genève en novembre 1953. Dans cet entretien, ils expliquent les difficultés rencontrées lors de ce voyage, s’expriment sur l’hommage qu’ils adressent à Raymond Maufrais en lui dédiant le livre Tumuc-Humac, mais expriment aussi la grande admiration qu’ils ressentent devant le mystère, la beauté et la simplicité d’un peuple confronté à une vie difficile.

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Ils reviennent de cette expédition avec de la musique, un film documentaire, qui obtiendra le prix Louis Liotard en 1952 et de multiples clichés. Trois ouvrages avec les photographies de Dominique Darbois et le texte de Francis Mazière paraissent en 1953, à la suite de cette aventure, Expedition Tumuc Humac chez Robert Lafont, Indiens d’Amazonie, premier ouvrage de la collection « Mondes et visages » chez del Duca et Parana le petit indien, chez Nathan, numéro 1de la collection « Enfants du monde ».

Le livre Expedition Tumuc Humac est destiné à faire « penser et réfléchir » selon les propos de Mazière et n’est pas un livre d’aventures. La préface d’Indiens d’Amazonie, écrite par Bertrand Flornoy confirme cette intention : « Vous comprendrez que ces Indiens sont aussi simples que les gens dont les soucis et les plaisirs vous sont coutumiers. Ils sont Nous, nous sans les machines, sans les articles de la loi et sans les oripeaux qui nous isolent du temps ». Pour la collection « Enfants du Monde », dans lequel s’inscrit Parana, Dominique Darbois dira plus tard, « Tous divers ils se ressemblent, s’enrichissant-et nous enrichissant de leurs différences[1] ».

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Pour réaliser Parana, ouvrage destiné à des enfants de 5 à 7ans, Dominique Darbois, Francis Mazière et probablement le maquettiste Pierre Pothier, ont puisé dans les mêmes clichés rapportés de Guyane, mais cette création a bien entendu nécessité certains choix.

Alors que pour Indiens d’Amazonie les auteurs décrivent à l’aide des images et du texte, en cinq chapitres, la vie quotidienne et les difficultés d’un village tout entier, pour Parana ils ont calqué la narration sur la journée d’un enfant, du lever au coucher du soleil.

Un choix a été également opéré dans les photographies, afin de mettre en scène un seul enfant qui se transforme en personnage. Cet enfant, qui s’appelait Akaliman dans Indiens d’Amazonie, a été rebaptisé Parana, prénom sans doute plus facilement mémorisable par de jeunes lecteurs. Le petit singe, qui n’était que « simple compagnon » prend lui aussi une identité et devient Yali. Par la voix du narrateur, une plus grande place est aussi donnée aux sentiments de l’enfant.

L’ouvrage a été également repensé dans sa structure. Là où Pierre Jahan pour Indiens d’Amazonie avait réalisé une maquette sage, le texte accompagnant les photographies dans une structure classique, cette-fois, les photographies très expressives de Dominique Darbois sont mises en valeur par des détourages, photomontages, qui mettent en avant l’enfant et fixent l’attention sur lui, par des ajouts de bandes de couleurs, de motifs décoratifs, qui égaient et dynamisent l’ouvrage et par une recherche typographique qui n’hésite pas à s’adapter à la mise en scène graphique.

Le livre, mêlant fiction et documentaire, connaîtra un grand succès à une époque où il n’existait qu’une chaîne de télévision et où les enfants ne voyageaient pas et sera suivi de 19 autres titres, jusqu’en 1978. Il fera l’objet d’une adaptation cinématographique en 1962, dans la série « La lanterne magique » avec voix off à la première personne, ajout de musique et filmage des photographies.

 

Après Parana, Francis Mazière et Dominique Darbois ne retravailleront pas ensembles et réaliseront de leur côté photographies et textes. On pourra s’interroger sur les propos de François Denoyelle qui qualifie Francis Mazière d’« acteur en mal de voyages et d’aventure » dans le texte qu’elle a écrit après le décès de la photographe :

Sur le blog de Michel Puech https://blogs.mediapart.fr/michel-puech/blog

« Dominique Darbois, photographe des enfants du monde, éternelle combattante

Par Françoise Denoyelle

« Jusque dans ses dernières années Dominique Darbois vous accueillait l’œil vif, la voix ferme, la tête pleine de projets, l’éternelle cigarette à la main. Elle n’avait rien perdu de cette énergie au service de valeurs trempées dans des combats qui commencèrent avec la résistance. La guerre terminée, c’est en faveur de la liberté des peuples qu’elle milite. Entre temps, elle est devenue photographe, arpentant le monde avec ses appareils. Le 7 septembre 2014, elle a tiré sa révérence, laissant une œuvre originale par la qualité de son regard et la richesse des sujets abordés.

Dominique Sabret-Stern est née le 5 avril 1925 dans une famille juive alsacienne. Elle était la fille de Philippe Stern, grand spécialiste des arts asiatiques, et de la romancière, Madeleine Sabine. Résistante, elle participe aux Forces françaises libres dès 1941. La jeune fille des beaux quartiers, elle avait alors 16 ans, est  arrêtée avec sa mère par la Gestapo et emprisonnée au camp de Drancy, en 1942. Elle y survivra pendant deux ans en se présentant comme infirmière, sauvant ce qui peut l’être, se rendant indispensable, poursuivant sa résistance. Le camp ouvert, elle participe à la libération de Paris.  Cette terrible épreuve la marque définitivement. Elle ne sort pas indemne de Drancy. Ses valeurs d’humanisme, d’engagement personnel en sont renforcées, mais comment vivre après tant de calvaires, de rendez-vous avec la mort ? Comment utiliser ce « rab de vie » ? En 1945, sous le  pseudonyme de Dominique Darbois qu’elle conservera toute sa vie, elle trafique ses papiers pour se vieillir de 5 ans, intègre l’armée régulière pour le front de l’Est où elle assiste un opérateur radio et participe à la reconquête de l’Alsace-Lorraine. La France libérée, elle part pour l’Indochine et le Tonkin, non pas comme correspondante de guerre, mais comme engagée et à ce titre devient sous-lieutenant. A Hanoi au service du chiffre, à Haiphong pour évacuer les civils, elle revit des scènes déjà connues. Médaille de la résistance, croix de guerre, Dominique Darbois a déjà vécu plusieurs vies, elle n’a qu’une vingtaine d’années.

La guerre terminée, les études interrompues depuis si longtemps, il lui faut trouver un travail. Elle devient l’assistante du photographe Pierre Jahan qui l’initie au métier de 1947 à 1948. Et quelle initiation ! Rigueur, travail et poésie.

Elle rencontre alors Francis Mazière, un acteur en mal de voyages et d’aventure. Avec le cameraman  Wladimir Ivanov, ils montent une expédition en Amazonie et en Guyane. Elle en rapporte toute une moisson de photographies. Quatre livres : Parana le petit Indien (1952), Les Indiens d’Amazonie (1954), Mission Tumuc-Humac (1954), Yanamalé village of the Amazon et des publications dans la presse  française et étrangère la font connaître. Le premier ouvrage est traduit en huit langues.

Dominique Darbois commence un travail sur l’enfance du monde et une collaboration, (1952-1978), avec les éditions Fernand Nathan. La collection « Enfants du monde », images et textes de Dominique Darbois, initiée par Claude Nathan, propose en 20 publications un tour de la planète non pas comme une ethnologue, mais comme une photographe allant à la rencontre d’un regard, d’un monde où les enfants ne sont pas tous égaux. Un univers assez loin d’une vision flatteuse de la condition humaine. De la prise de vue au tirage, elle travaille sans relâche, arpente plus de cinquante pays.

Le monde de l’enfance oui, mais pas seulement. Elle rencontre Francis Jeanson. Et de nouveau la résistance, la clandestinité, la justice à ses trousses. En 1960, paraît en Italie Les Algériens en guerre. Un reportage sur le maquis et les camps d’entraînement du FLN en Tunisie. Un brulot interdit en France.

A Cuba avec Fidel et Raoul Castro, en Algérie où le pétrole coule à flot, en Afghanistan où elle photographie, au musée de Kaboul, ce qui sera bientôt la seule trace restante de chef d’œuvres détruits, elle s’intéresse au monde qui bouge comme aux civilisations anciennes. Elle publiera bien plus tard : Kaboul, le passé confisqué. Trésors du musée de Kaboul, 1931-1965 (2002). Dominique Darbois engrange des travaux de commande, comme tous les grands professionnels, mais aussi beaucoup de photographies plus personnelles prises avec son Rollei qu’elle aime particulièrement. « Avec lui, on regarde, on ne vise pas ».

Alors qu’elle pourrait ranger ses appareils, gérer ses archives, une nouvelle fois, elle s’engage au côté des femmes en France, mais aussi en Afrique. Elle publie alors Afrique, terre de femmes (2004). Elle parraine des enfants au sein de la Chaîne de l’Espoir, toujours sur le front des plus démunis. En 2004, elle est l’une des premières photographes à soutenir la défense des fonds de Kertész, Bovis, Voinquel… après la dissolution de Patrimoine photo.

Photographe sans rivage autre que celui de la liberté, femme d’exception au regard sans complaisance et d’une extrême retenue, son dernier livre, Terre d’enfants (2004) avec un texte de Pierre Amrouche est son ultime salut à la vie.

Françoise Denoyelle

11 septembre 2014

Françoise Denoyelle est Chercheur associé au Centre d’histoire sociale du XXe siècle Université de Paris 1, Professeur des universités, Ecole nationale supérieure Louis-Lumière. Elle travaille sur l’Histoire de la photographie du XXe siècle Les usages, la photographie dans la presse La commande, les institutions. »

 

[1] Flash sur le livre de photographies pour enfants, Bibliothèque de La Joie par les livres, p.20

Tana Hoban

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Traces d’ancêtres perdus, Les Trois Ourses, 2001.

Ce sont des photographies de sol au départ. Avec juste un titre. Rien à priori qui ne raconte une histoire. Mais petit à petit, en aiguisant notre regard, l’imagination se déploie, les sensations émergent et les souvenirs d’autres traces, d’autres graffitis, prennent le relais, pour faire venir les mots, inventer des histoires devant ces traces. « On dirait qu’il y a … »

Sur le site de l’Ecole des loisirs : http://www.ecoledesloisirs.fr/auteur/tana-hoban

« Née à Philadelphie, de parents immigrés russes, la prestigieuse photographe américaine, Tana Hoban, internationalement connue, est décédée en janvier 2006 à la veille de son quatre-vingt neuvième anniversaire. Au début des années 70, elle a donné naissance à un genre nouveau dans le domaine de la littérature enfantine, les livres de photos pour enfants. À dix-huit ans, elle entrait à l’École féminine de design de Philadelphie, l’actuel Moore College of Art. Elle y reçut une bourse qui lui permis d’aller étudier en Angleterre et aux Pays-Bas. De retour aux États-Unis, elle travailla comme graphiste et photographe pour divers magazines. Puis, elle délaissa peu à peu l’illustration au profit de la photographie et se spécialisa dans les photos d’enfants. En 1949, ses photographies furent exposées au Musée d’Art Moderne de New York. Edward Steichen, le directeur de la photographie du musée choisit une de ses photographies pour figurer dans la célèbre exposition The Family of Man. Elle collabora à des journaux aussi renommés et prestigieux que « Vogue », « Newsweek », « Life », « Look », « Time »… À partir de 1960, parallèlement à son métier de photographe, Tana Hoban se mit à explorer d’autres directions et se lança dans diverses expériences. Elle réalisa des courts-métrages, inaugura un cours sur la photographie en tant que moyen de communication à l’École Annenberg de l’université de Pennsylvanie, créa une ligne de vêtements originaux, devint bénévole à l’hôpital de Philadelphie… Au début des années 1970, Tana Hoban choisit de ne plus utiliser les enfants comme modèles mais de s’adresser directement à eux à travers ses photos, en faisant des livres. C’est alors qu’elle rencontra Susan Hirschman, éditrice de Macmillan Books for Children. Cette rencontre fut capitale dans la vie de Tana Hoban. Deux albums furent aussitôt publiés : « Look again » et « Shapes and Things ». C’était le début d’une longue et passionnante carrière dans l’édition enfantine. Puis, advint ce que Tana Hoban appela « l’expérience de Bank Street » : des enfants de l’école de Bank Street à New York furent un jour questionnés sur ce qu’ils avaient vu sur leur trajet en venant à l’école. La plupart d’entre eux répondirent « Rien ». C’est alors que Tana Hoban décida de faire des photos qui inciteraient les enfants à regarder différemment le monde qui les entoure et à poser un autre regard sur leur quotidien. De cette expérience sont nés plus de cinquante albums qui constituent de magnifiques outils pédagogiques sur l’observation et la perception, utilisés par les écoles et les bibliothèques à travers l’Europe et les États-Unis. »

Sophie Curtil décortique le travail de la photographe dans un passionnant article :

http://lajoieparleslivres.bnf.fr/simclient/consultation/binaries/stream.asp?INSTANCE=JOIE&EIDMPA=PUBLICATION_3818

D’autres titres de Tana Hoban :

Des couleurs et des choses, Kaléidoscope, 1990

Ombres et reflets, Kaleidoscope, 1991

Où, précisemment, Kaléidoscope, 1992

Regarde bien, Kaleidoscope, diffusion l’école des loisirs, 1999

Exactement le contraire, Kaleidoscope, 2002

Toutes sortes de formes, Kaleidoscope, 2004

Arts et Métiers Graphiques, revue et maison d’éditions

 

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En 1927 naît la luxueuse revue Arts et métiers graphiques, à l’initiative de Charles Peignot, dirigeant des imprimeries Deberny-Peignot. Elle paraîtra tous les deux mois jusqu’en 1939, avec un tirage de 4000 à 5000 exemplaires

Son ambition est clairement d’être la luxueuse vitrine du savoir-faire français  en matière d’imprimerie et de typographie et de s’adresser par ce biais aux industriels du livre et de la publicité.

De nombreux collaborateurs prestigieux viendront ponctuellement participer à l’aventure parmi lesquels André Malraux, Pierre Mac Orlan…et Paul Valéry qui, dans le premier article du premier numéro, « Les deux vertus du livre », rappelle que  « l’esprit de l écrivain se regarde au miroir que lui livre la presse. »

En mars 1930, un numéro spécial est consacré à la photographie, qui, jusqu’à cette date, avait été largement ignorée. 130 clichés choisis par Emmanuel Sougez, parmi les grands noms de la photographie des années 30, accompagnent un texte de Waldemar Georges, « Photographie vision du monde » . Dans ce texte, le critique d’art déplore que l’illustration photographique moderne n’existe qu’à l’état embryonnaire, et prédit qu’ « en tant que corollaire du texte, en tant qu’accompagnement optique d’un art verbal, en tant que libre transmutation de « la substance littéraire », l’illustration par la photographie peut entièrement renouveler l’art du livre. »

Il annonce en conclusion que « notre siècle sera l’âge d’or de la photographie, l’image, cette manifestation de l’idiome visuel triomphe du style écrit, cette traduction abstraite de la pensée ».

Dans un nouvel hors-série de 1931, Philippe Soupault prendra le contrepied de Waldemar Georges : « une photographie est avant tout un document et on doit la considérer comme telle. »

La revue tient jusqu’en 1939, grâce à la maison d’éditions fondée parallèlement et qui perdurera jusqu’à son rachat par Flammarion.

Notons que la maison d’éditions a publié plusieurs livres pour enfants illustrés de photographies, dont Le petit lion d’Ylla et Jacques Prévert en 1947, Le petit dan, conte africain en 1948, avec les photographies de Jean Rouch, Le petit python explorateur de Thérèse Le Prat en 1953, Le petit chat  d’Ergy Landau et Maurice Genevoix en 1957.

Pour consulter les différents numéros : http://magazines.iaddb.org/periodicals/AMG

Pour en savoir plus : http://amgweb.rit.edu/

 

« Hors du nid » de Laure Albin Guillot

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En 1934, paraît Hors du nid, roman scolaire destiné aux élèves de Cours Moyen. L’ouvrage, destiné aux élèves de cours moyen, est écrit par Charles ab der Halden, inspecteur d’académie et spécialiste de littérature canadienne. Il a déjà publié  plusieurs ouvrages de morale et d’instruction civique, ainsi que deux autres romans scolaires La Chaumine (1932) et Fauvette et ses frères (1933). Les illustrations de celui-ci sont confiées à Laure Albin-Guillot.

Pourquoi ce recours à la photographie ?

Depuis les années 20, la photographie envahit la mode, la presse, les méthodes éducatives et bientôt l’édition. Les éditeurs se lancent dans le renouvellement de leur catalogue, cherchent de nouveaux lecteurs, repensent le livre pour l’enfant dans son format et ses images. Delagrave publie en 1933 Alphabet et en 1935 15 petites histoires avec des photographies de Pierda. Mame renouvelle ses livres de catéchèse, avec les photographies d’Yvopno pour Heures enfantines et Chrétiennes en 1937. D’autres romans scolaires sont aussi illustrés de photographies. Nathan publie en 1926, Avec l’oncle Emile à travers la France. Images du monde, aventures de deux enfants paraît aux PUF en 1930 et La joie des yeux, lectures suivies sort chez L. Michelet, en1935. L’éditeur Bourrelier, propagandiste des méthodes actives d’enseignement et partisan de la modernisation de la littérature jeunesse, a déjà fait appel à des illustrateurs en vogue comme Gerda Muller. Il s’adresse cette fois à la photographe Laure Albin Guillot, déjà connue pour ses portraits de célébrités, sa photographie décorative, ses nombreux clichés pour la publicité et la presse et ses expositions dans tous les salons de la photographie et  galeries parisiennes. Il sait sans doute qu’elle porte un intérêt à tout ce qui est éducation nouvelle, qu’elle réalise des photographies dans des écoles mixtes, écoles novatrices, et qu’elle expose la même année, au XXIVème salon des artistes décorateurs, un projet de salle de travail et de jeux pour enfant, ainsi que des puzzles, jeux de  cubes et décorations murales. D’autre part, Laure Albin-Guillot a effectué un voyage au Maghreb dans les années 30 et en a ramené de nombreux clichés photographiques qu’elle  destinait à un projet de publication, Alger, Maison carrée, Bou-Saada,  qui ne verra pas le jour. Sa production pouvait donc répondre au texte de Charles Ab Der Halden.

Pourquoi cette dernière se lance-t-elle dans l’aventure ?

La participation a ce projet est, sans doute, en premier lieu, un moyen de gagner de l’argent dans une époque où la photographie, même si elle envahit tous les champs, ne rapporte pas encore suffisamment aux photographes et dans une période de sa vie difficile, après le décès de son mari.

Hors du Nid est sans doute  aussi un premier pas dans le monde de l’édition, un premier rapprochement avec des textes littéraires, avant de travailler avec Chevallier (Nativité en 1946), Daniel-Rops (Missa est en 1951), Montherlant (La déesse Cypris en 1946) et Valéry (Narcisse en 1936).  Une tentative pour faire rivaliser beauté littéraire et beauté plastique, de faire prendre conscience du pouvoir narratif de l’image photographique ?

Lorsque paraît Hors du Nid, Laure Albin Guillot a déjà publié deux ouvrages en 1931 et 1933, Micrographie décorative et Photographie publicitaire,  mais ce dernier s’adresse  aux professionnels de la publicité, pour annoncer le rôle que la photographie va désormais jouer.

Son nom n’apparaît pas sur la couverture, même si son statut d’illustratrice est officialisé à la deuxième page, avec la mention « Illustration photographique de Laure Albin Guillot ». Charles Ab der Halden parle, lui, de « parure » de son texte, dans la préface et remercie conjointement tous les « artistes ».

Cinq des treize photographies semblent avoir été créées spécialement pour ce roman. Elles reproduisent des scènes du récit dans une continuité narrative, avec photographies des personnages récurrents, Marguerite et Jacques, à qui la photographe donne ainsi corps. Tentatives d’introduire la fiction dans le réel, de passerelle entre la fiction et la réalité, car ces photographies, même si elles se réfèrent à l’histoire, sont trop peu dynamiques, pour être réalistes. Il n’y a qu’à voir les poses figées des enfants dans des attitudes accablées ou la photographie en studio de Jacques, skiant. Il n’y a qu’à lire aussi les questions qui accompagnent les photographies et qui s’évertuent à faire le lien avec le texte. Ainsi à propos de la photographie d’une vitrine de boulangerie, l’auteur demande au lecteur à la page 76 : « A quoi peut bien penser le petit garçon derrière la vitre ? Quelle est la personne qui l’accompagne ? A qui vous-fait-il penser ? ». Le lecteur est obligé de penser au héros du livre par cette question, car rien dans la photographie ne s’y réfère.

Les autres clichés sont de l’ordre du documentaire. Les vues de la Suisse et du port d’Alger ont un pur rôle informatif, comme les cartes qui accompagnent le récit, et, même si Charles Ab der Halden s’en défend dans la préface,  « Il ne faut pas chercher dans ces aventures des prétentions encyclopédiques », nous sommes bien en présence d’un ouvrage destiné à la classe. D’autres photographies, clichés de mains qui cousent, gros plan sur un stylo et du papier à lettre, semblent avoir été puisées dans un stock que la photographe aurait pu réaliser pour la publicité, pratique courante à l’époque.Les archives Roger-Violet ne nous apportent aucune information complémentaire, à ce sujet.

La photographie, si elle illustre le texte, n’a pas, dans cet ouvrage, un haut pouvoir narratif. Il faudra attendre d’autres ouvrages de Laure Albin Guillot pour trouver une cohérence esthétique entre l’écriture photographique et l’écriture romanesque.

Biographie de Laure Albin Guillot sur le site internet de l’agence Roger-Violet.fr :

Née en 1879, Laure Albin Guillot se distingue par la longévité et la variété de sa production. Epouse d’un diplômé en médecine, elle invente dans les années 1920 le terme de « micrographie » pour qualifier ses œuvres nées de photographies réalisées au microscope. Elle reçoit en 1922 la médaille d’or du concours de la Revue française de photographie et organise rapidement de nombreuses expositions personnelles, exposant dès 1925 à l’exposition des Arts industriels et modernes. Elle devient dès lors une photographe de renom, publiant ses travaux dans les revues Arts et métiers graphiques et Vu. Pendant les années 1930, elle multiplie les portraits et les nus, tout en travaillant de manière lucrative pour la publicité, la mode et comme photographe de quartier. Proche des artistes, musiciens et écrivains, elle réalise de nombreuses illustrations de tirés à part comme le Narcisse de Paul Valéry (1936), les Chansons de Bilitis de Pierre Louÿs (1937) ou les Préludes de Debussy (1948). Archiviste en chef du service des Archives photographiques de la direction des Beaux-Arts, elle milite en faveur de la reconnaissance officielle de la photographie et organise dès 1933 le projet de Cinémathèque nationale au Palais de Chaillot, envisageant même la création d’un Musée de la Photographie. Laure Albin Guillot disparaît en 1962, laissant une œuvre riche de quelques 50.000 photographies acquises par l’Agence Roger-Viollet.

 

« Enorme », d’ Arno Bertina

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L’ouvrage paru en 2009, aux Editions Thierry Magnier, s’inscrit dans la collection Photo Roman, dont le concept est défini au verso du livre  : « Une série de photographies dont il ignore tout est confiée à un écrivain. Il s’aventure alors dans l’écriture d’un roman, où ces photographies croiseront la vie du héros pour la transformer.»

Arno Bertina a travaillé avec les élèves d’une classe de quatrième pour écrire ce texte, mais a finalement publié sa propre version chez Thierry Magnier. On retrouve dans cet ouvrage des thèmes qui lui sont chers : la solitude, le mouvement, la transformation des êtres, leur confrontation au monde qui les entoure. Il a écrit d’autres romans en liens avec des travaux photographiques, La Borne SOS 77 et Numéro d’écrou 362573, parus aux éditions du Bec en l’air[1].

Mat Jacob, photographe du collectif Tendance Floue, a opéré un choix, parmi les clichés de plusieurs photographes, pour proposer ces images, sans lien chronologique entre elles, sans personnage récurrent et avec des styles différents. Point communs entre ces clichés ? La vie bouillonnante, la jeunesse, l’incertitude qu’induit l’usage du flou, la capture d’instants dans la vie des sujets. Elles sont placées dans le livre, à intervalles irréguliers : portraits, photos de groupe, noir et blanc ou couleur, photos de mouvements, réel qui bouge.

Le livre entremêle plusieurs récits : celui de Marion, collégienne, qui écrit à la première personne, à la manière d’un journal intime, le journal intime du père, que la narratrice lit en cachette, la biographie de Christine de Pizan racontée par la narratrice et la voix des images.

Comment la photographie se mêle-t-elle au verbe ? Comment le texte travaille-t-il avec l’image ?

Photo / Roman. La photographie est le point de départ. Elle doit déclencher, inspirer le récit. Elle est le pré-texte. Ces photographies mélancoliques, esthétiques, floues, fragments volés au temps qui passe, à la vie de sujets,  donnent à l’auteur l’occasion de broder la vie de personnages, de dépasser ce qui saute aux yeux à la première rencontre avec le cliché, de déclencher un imaginaire que l’on dénie en général à la photographie dans le livre pour la jeunesse.

Le verbe va pourtant prendre le dessus. L’écriture fait le lien, comble le vide des photographies elles-mêmes, le vide entre elles. D’ailleurs, le roman commence par la voix de la jeune fille. Son image n’interviendra que plus tard. Cette photo est floue, comme le personnage, sujet pas bien défini, paralysé au milieu des mouvements des autres, qui va se construire au fil du récit, rassembler son être par le biais du journal intime. Est-ce elle qui a retenu l’attention de l’écrivain dans le paquet de photographies ?

Une a été « féconde », selon les propos de l’auteur, « celle des deux jeunes filles, cheveux au vent : « La découvrant je me suis dit : je voudrais écrire un roman qui raconte comment on peut en venir à un si bel éclat de rire, à un si beau moment d’amitié ou d’adolescence. »

Parfois, certaines photographies semblent embarrasser l’auteur qui s’impose d’écrire une scène pour satisfaire à la présence forcée de l’image. Avec une photo d’un doigt qui dessine dans la buée sur la vitre d’un abribus, il imagine une scène sentimentale, dans laquelle le propriétaire de la main trace le contour du visage de la jeune fille. Avec une photographie de néons en forme d’étoiles, il situe le récit au moment de Noël, dans un centre commercial, à moins que ce ne soit les étoiles que voient les victimes des jeunes filles, après avoir été frappés. Le lecteur, habitué à la correspondance entre l’image et le texte, peut être perplexe, déstabilisé. Tant mieux.

La rencontre se fait entre texte et image surtout lorsque ils ne disent pas la même chose, lorsque d’un portrait photographique d’une jeune fille blanche, il écrit celui de « Manthita la Renoi », lorsque d’un fauteuil jaune, il fait un fauteuil vert. Arno Bertina le dit lui-même : « Dans un duo, si les deux chanteurs chantent le même texte tout au long de la chanson, et en même temps, quelque chose cloche. La dimension polyphonique est sabotée si les voix disent la même chose et de la même façon, au lieu de se compléter en prenant chacune en charge différents pans du réel, au lieu de s’enrichir et d’enrichir l’œuvre en se posant des problèmes l’une à l’autre[2] »

Cette distorsion n’est-elle pas, celle qui existe parfois entre le souvenir qui s’imprime dans notre mémoire et la réalité telle qu’elle est rendue par l’appareil photographique ?

Ces photographies, un peu flou, de moments partagés, de gens rencontrés, fonctionnent comme des traces enregistrés par la narratrice, photographies qu’elle aurait pu prendre elle-même ou impressions qui se seraient imprimées dans sa mémoire. D’autres photographies, glissées entre les pages, ravivent l’émotion qu’elle a ressentie devant une photo scannée dans un livre de classe, devant une couverture de roman. Elle les glisse là, dans son journal intime, en guise de madeleine, rappel de ses émotions, compléments à ses mots, comme d’autres collent des pétales de fleurs, ou des billets de concert.

C’est un tour de force de la part de l’auteur. Point de départ de l’écriture, les photographies viennent, au final,  compléter les mots.

 

Autres ouvrages d’Arno Bertina :

Le dehors ou la migration des truites, Actes Sud, 2001.

Appoggio, Actes Sud, 2003.

J’ai appris à ne pas rire du démon, Naïve, 2006.

Anima Motrix, Verticales, 2006.

Ma solitude s’appelle Brando, Verticales, 2008.

Dompter la baleine, Thierry Magnier, 2012.

 

 

[1] La Borne SOS 77, Le bec en l’air, 2009.

Numéro d’écrou 362573, Le bec en l’air, 2013.

[2] Arno Bertina, SebecoroChambord, Ciclic, 2013, p.16.

 

William Wegman, the »dog artist »

 

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William Wegman est peintre, vidéaste et photographe. Photographié dans dans des vêtements et des attitudes très humaines, son chien, Man Ray, en hommage au célèbre photographe, est au centre de son oeuvre .

William Wegman a publié de nombreux livres photographiques pour enfants , abécédaires, livres à compter et réadaptation de contes populaires,  Little Red Riding Hood (Le Petit Chaperon rouge  ) ou Cindirella ( Cendrillon), dans lesquels les successeurs de Man Ray jouent les personnages. L’humour y est souvent au rendez-vous comme lorsque le chien-petit chaperon rouge dit au loup « Grand mother, she said, you look different » et « What big ears you have ! »

Dans sa série Flo & Wendell, il combine photographie et peinture.

Sur le blog de l’artiste :

http://www.wegmanworld.com/about-the-artist/

« William Wegman was born in 1943, in a small town in Massachusetts. He spent most of his time in the woods with his dog Wags, looking for rabbits, squirrels, deer, and chickadees. He fished, built tree houses, searched for quicksand, and painted watercolors with his mother. He loved the Hardy Boys, a series of mystery novels, and stayed up late reading them by flashlight. In school, he was shy, and known for his artwork.

Thanks to the encouragement of his high school art teacher, Mrs. Laramee, Wegman went to art school where he studied painting. He then went to graduate school and became interested in many things besides painting. He began doing performance art, and making videos, some of which featured his first Weimaraner Man Ray. Soon he began taking photographs, too, first starting with making black-and-white prints, and then experimenting with an enormous Polaroid camera the size of a refrigerator.

After Man Ray, he adopted a dog he called Fay Ray, and began photographing her using the Polaroid camera. Fay had puppies, Fay’s puppies had puppies, and Wegman photographed, and made videos, of them all. He made a series of children’s books, beginning with fairy tales: Cinderella and Red Riding Hood. His videos were featured on Sesame Street.

During this time with Fay, and her daughter Batty, Wegman began painting again, finding subject matters similar to the guide books and encyclopedias he had pored over as a child. Over the next few years, the paintings evolved and he began using images he found, like pages from books, images from magazines, and postcards.

Now, Wegman continues to paint and take photographs of his dogs Bobbin, Candy, Flo and Topper, who were the inspiration for his new book. Flo & Wendell combines Wegman’s photographs and his painting, and was inspired by his dogs Flo and Topper. »

Harry Whittier Frees, bien avant William Wegman

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En interrogeant la base de la Library of Congress, j’ai découvert de très intéressants clichés d’Harry Whittier Frees, (1879-1953), tombé dans la photographie d’animaux par accident, en photographiant un chat affublé d’un chapeau de papier, au cours d’une fête d’anniversaire, au début du siècle dernier.

Le cliché ayant rencontré le succès auprès d’un marchand de cartes postales qui lui en commanda d’autres, Frees consacra sa vie à photographier chiens, chats et lapins, et même cochons, habillés comme des humains et prenant la pose dans des situations très humaines, faisant la cuisine, de la balançoire, jouant du piano, prenant des photographies, ….ou réinterprétant des scènes tirés de la littérature classique américaine.

Dès 1915, il publia son premier ouvrage pour enfants, accompagné de ses propres textes Little Folks of Animal Land chez Lothrop, Lee and Shepard. De multiples titres suivirent chez Rand McNally entre autres, dont Four Little KittensFour Little Puppies and Four Little Bunnies, des années 30 à 50.

Dans la préface de Animal Land on the Air, publié en 1929, il s’explique sur son travail :

« Rabbits are the easiest to photograph in costume, but incapable of taking many ‘human’ parts. Puppies are tractable when rightly understood, but the kitten is the most versatile animal actor, and possesses the greatest variety of appeal. The pig is the most difficult to deal with, but effective on occasion. The best period of young animal models is a short one, being when they are from six to ten weeks of age. An interesting fact is that a kitten’s attention is best held through the sense of sight, while that of a puppy is most influenced by sound, and equally readily distracted by it. The native reasoning powers of young animals are, moreover, quite as pronounced as those of the human species; and relatively far surer. »

 

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Figure 1 : Article du magazine Life, mars 1937