“En 1988, l’éditeur du Rouergue, Olivier Douzou associe les paroles d’une chanson de Thomas Fersen et les photographies de Robert Doisneau pour l’album Bucéphale. Dès le seuil de l’ouvrage, le lecteur plonge au cœur du monde hippique. La couverture du livre reprend les motifs d’un plateau de jeu de petits chevaux, sur lequel s’inscrivent les noms des deux artistes et le titre évoque le nom de la monture d’Alexandre le grand. Les premières pages de garde accueillent un panneau « Attention chevaux de course » en regard de la liste des chevaux de race trotteuse pour une épreuve hippique à Vincennes, en date du 15 février 1955. On y découvre, comme entouré au crayon de papier, le nom de Hourra Bucéphale, parmi les chevaux de 4 ans. En préambule, quelques lignes de Thomas Fersen finissent de nous préparer à la réception de l’œuvre :
«En décembre 1997, Olivier Douzou m’a envoyé un livre aux pages blanches, sur la couverture duquel il avait écrit mon nom. Il s’agissait de faire un livre pour les enfants. A la même époque, Annette Doisneau me proposait de passer à Montrouge pour consulter les archives de son père. L’idée s’est mise à trotter : à Montrouge, j’ai ouvert la boîte « chevaux…».
Le texte de la chanson, que le lecteur retrouvera dans son intégralité en fin d’ouvrage, narre les aventures d’un parieur qui mise sur les prouesses du cheval Bucéphale. Dans le corps de l’album, la chanson est tronçonnée en strophes ou vers qui courent de page de gauche en page de gauche, en regard d’une sélection de photographies en noir et blanc, tantôt chevaux au galop, tantôt images du monde turfistes, du milieu des années 1940 aux années 1970, d’après les dates figurant à quelques centimètres des images.
Dans le corps de l’ouvrage, la première photographie, placée au centre de la page blanche de droite, donne à voir un cheval et un jeune garçon. En regard, le texte, inscrit au centre de la page blanche, fictionnalise l’image : « Si ce maudit canasson remportait cette courses, ça renflouerait ma bourse et noierait le poisson ». Ce dispositif contribue à faire du jeune garçon le narrateur du premier couplet. Quant au cheval, il ne s’appelle plus autrement que Bucéphale depuis la couverture.
Dans les doubles pages suivantes apparaissent d’autres personnages : spectateurs, parieurs, jockey, lad. Les images sont sélectionnées afin de correspondre à un élément du couplet en placé en regard : le « melon » en regard d’un homme à chapeau-melon, « je fume clope sur clope », en regard d’un maréchal-ferrant allumant une cigarette à l’aide d’un fer à cheval rougeoyant… Parfois, le lecteur ne sait pas bien où se situe le point de rencontre entre le texte et l’image. De pages en pages, citations extraites de la chanson et photographies collaborent pour nous faire entendre les pensées des spectateurs de la course.
Si cet ouvrage nous fait découvrir un pan de l’œuvre de Robert Doisneau, ses photographies, dégagées de leurs attributs artistiques que sont les titres et légendes, deviennent illustrations d’un livre de littérature jeunesse.”
L’ensemble de l’article sera à lire bientôt dans une revue scientifique…
Enfin un documentaire pour enfants consacré à un photographe !
Poursuivant son excellente collection de documentaires dédiée aux courants ou figures du patrimoine artistique mondial, la maison d’édition Milan vient de publier un nouvel ouvrage consacré au grand photographe humaniste Robert Doisneau.
Bien connue des jeunes lecteurs et des enseignants, la collection “Mes docs art” permet aux enfants de découvrir, dès cinq ans, l’œuvre de peintres, Van Gogh, Magritte ou encore Miro, ainsi que des courants artistiques, les impressionnistes ou le Street art. Elle s’autorise aussi quelques incursions vers d’autres arts : le cinéma avec un titre consacré à Charlot à l’occasion des 100 ans du film The Kids ou la sculpture avec les œuvres colorées de Gaudi.
Ce pas de côté en direction de la photographie prend les traits de Robert Doisneau, qui, l’œil bleu malicieux tendu vers le viseur de son appareil et doigt sur le déclencheur, nous accueille en couverture. Quel meilleur choix pour faire découvrir la photographie aux plus jeunes que celui de ce photographe qui a fixé les multiples aspects de l’enfance et que tout le monde connait ? « Ce qui est fascinant avec Robert Doisneau, explique Anne Vila des éditions Milan, c’est que, quel que soit leur âge, les gens le connaissent et l’aiment. Le nom de Robert Doisneau est un nom fort en France ». Un nom symbole d’images iconiques des Français.
Les doubles pages du documentaire accueillent, sur un fond blanc qui la met en valeur, la collaboration des mots, des illustrations et des treize photographies. Clémence Simon, qui signe le texte, est une habituée des titres de la collection. Son récit est écrit dans un langage très simple, même s’il accueille ça et là quelques notions spécifiques au 8ème art : composition, lumière, Rolleiflex, laboratoire, développement…. Pour sa première collaboration avec la maison Milan, l’illustratrice Juliette Boutant donne à voir, avec des illustrations au plus près de la réalité, les lieux, les véhicules, les costumes et les visages des personnes rencontrées. Toutes les deux se sont plongées avec passion dans la vie et l’œuvre de l’artiste et se sont abondamment documentées. Pour les aider, Annette Doisneau et Francine Deroudille, les deux filles du photographe, ont généreusement ressorti les photographies de l’album de famille et partagé leurs connaissances sur les techniques de développement ou les appareils utilisés par leur père.
Comme il est de tradition dans les ouvrages de la collection « mes docs. art » consacrés à un créateur, la première double-page accueille les premières années du photographe. Le jeune lecteur découvre ainsi qu’avant d’être célèbre, l’artiste a eu lui aussi un papa, une maman et connu les joies et malheurs propres à l’enfance.
Au fil du tournage de page, le jeune lecteur avance dans le temps et poursuit sa rencontre avec l’artiste. Il apprend comment Robert Doisneau s’est formé à la photographie. Il découvre qu’il a commencé par réaliser des photographies publicitaires pour des médicaments. Il sait désormais comment il a obtenu ses premières commandes officielles, ses premiers gains avec ses images, comment il a développé des travaux plus personnels. Il découvre aussi son engagement auprès des résistants, sa première collaboration photolittéraire avec Cendrars… Ce faisant, le jeune lecteur plonge dans l’histoire de la photographie du XXème siècle.
Les treize photographies, sélectionnées par l’autrice et l’éditrice Anne Vila dans un demi-siècle de production photographique, sont légendées, installées sur la belle page et accompagnées d’une jeune mascotte incollable sur la vie de l’artiste. Elles offrent une déambulation dans ses sujets de prédilection et sont susceptibles de séduire ou surprendre les enfants : décontraction de l’ouvrier dans La Pause (1938), joie des vacanciers Sur la Dordogne (1939), curiosité des passants dans Le Cheval tombé (1942)… Autant de scènes de la vie quotidienne des français des années 30 à 80. Bien évidemment, les autrices n’ont pu faire l’impasse sur le portrait de Picasso à Vallauris (Les pains de Picasso, 1952), ni sur le Baiser de l’hôtel de ville (1950), Le Cadran scolaire (1956) ou Le Pigeon indiscret (1964) devenus iconiques. La photographie couleur fait aussi son apparition dans le livre avec les Bigoudis du peintre (1960).
Si l’on s’étonne de ne pas rencontrer de portrait ni autoportrait de l’artiste, Anne Vila explique qu’il s’agit de donner à voir au jeune lecteur une production d’un artiste tourné vers les autres et que cela correspond bien au caractère plein d’humilité de l’homme.
Les dernières pages de l’ouvrage rappellent combien l’œuvre de l’artiste a fait l’objet de livres, de films, d’expositions et combien ses photographies narratives et poétiques ont su séduire bien des spectateurs à travers le temps, en France et bien au-delà de nos frontières.
Souhaitons que cet ouvrage rencontre le succès et contribue à faire découvrir aux plus jeunes l’art photographique. Croisons les doigts pour que la maison Milan ne s’arrête pas en si bon chemin…
Merci chères Francine et Annette de ce très joli cadeau.
En 1965, Bruce et June MacPherson publient A Journey to The red Rock, A Story of Central Australia chez Collins à Londres et Sydney. L’ouvrage narre les aventures et les rencontres de Gail MacPherson, leur fille, dans l’outback, l’arrière pays semi aride d’ Australie.
Dans la double page, pavés de texte et photographies en noir et blanc ou couleurs collaborent pour faire découvrir aux jeunes lecteurs les paysages, les animaux qui y vivent, les coutumes et légendes aborigènes. L’adolescente est souvent seule sur les photographies, comme perdue dans l’immensité du paysage de l’Australie centrale.
Au verso du livre figure le portrait du couple MacPherson au dessus de leur présentation : “Bruce and June MacPherson have already collaborated on three very successful picture books for young children. Before their marriage June MacPherson was one of Australia’s leading mannequins and photographic models but she now works behind the camera and has a keen interest in the outdoors and travel. Bruce MacPherson was for many years a photographer on leading Australian newspapers and magazines. After three years as an advertising executive he became a full time writer-photographer.”
Le couple est en effet à l’origine de plusieurs ouvrages photographiques pour enfants mettant en scène deux personnages récurrents, les fillettes Jenny et Sue, incarnées par deux petites poupées. Ces livres appartiennent à la collection “True Australian Series” publiée par Young Australian Book dans les années 1960 et 70. Elle est identifiable au kangourou reproduit sur la couverture, au logo rouge à la forme du pays accueillant le titre de la collection. Une carte au verso de l’ouvrage donne à voir le pays tout entier, ses découpages régionaux et situe les lieux visités par les personnages. Des dessins traditionnels aborigènes ornent les double-pages et la couverture. Chaque album est dédié à la découverte d’une région comme l’indique chaque sous titre.
Dans The Magic Boomerang, An enchanting Story of the Great Outback (1963), les aventures des deux enfants sont prétextes à découvrir la culture aborigène. Elles rencontrent un personnage couvert de peintures traditionnelles nommé Kinjiwa qui leur fait découvrir de vieilles légendes. Dans The Loast Koala, A Delightful Story of the Auistralian Bush (1962), les deux fillettes volent à la rescousse d’un koala perdu dans le bush. Dans The Jolly Swagman, elles découvrent les élevages de moutons. Dans The White Wallaby (1967) elles rencontrent… un wallaby. Dans The Sea Urchin: A Story on an Australian Beach (1960) puis The Happy Holoday (1972) leurs séjours au bord de l’océan leur donnent l’occasion de rencontrer et discuter avec oursins, mouettes et cormorans. Un encadré en fin d’ouvrage fournit des informations sur les lieux de prise de vue et les animaux qui les peuplent. Dans The Blue Opal, les deux personnages rencontrent une sirène sur une plage de l’île de Nouvelle Guinée.
Dans l’espace de la double page se déploient de deux à trois photographies, en noir et blanc ou en couleur, petit tableaux photographiques sur lesquels on retrouve les personnages plantés dans le décor naturel. Certains éléments sont factices afin d’être adaptés à la taille des deux poupées. Ces images alternent avec les pavés de texte dans lequel sont rapportées les dialogues des personnages. Les couleurs des photographies, très vives, laissent deviner qu’elles ont été colorisées, ce que confirme la mention “colour retouching by” à la fin de plusieurs albums. Les auteurs usent également du photomontage, détourage et collage lorsqu’il s’agit de chevaucher un kangourou ou de discuter avec un chameau.
Si cette réalisation donne un aspect un peu kitsch à l’ensemble, ces ouvrages ont le mérite de faire découvrir le pays, les paysages, les animaux, les traditions aborigènes aux jeunes lecteurs australiens. Ils s’inscrivent dans la tradition des portraits de pays bien que peu d’humains peuplent les régions décrites.
Ces livres, regardés avec nostalgie aujourd’hui et parfois avec mépris lorsqu’ils évoquent une vision passéiste ou colonialiste, ont connu un réel succès.
Remy Charlip, Marie Beth et George Ancona ont signé plusieurs ouvrages photographiques destinés à l’apprentissage de la langue des signes.
Remy Charlip (1929-2012) est danseur, chorégraphe et l’auteur ou l’illustrateur de 38 livres pour enfants dont David’s Little Indian de Margaret Wise Brown (Young Scott Books, 1956), Dress Up and Let’s Have a Party, (Young Scott Books, 1956). Les critiques ont salué le travail de Charlip pour ses jeux de mots créatifs, son humour et, dans le cas de Thirteen en 1975 sa « magie visuelle absolue », selon Milton Glaser dans le New York Times Book Review.
Sa collaboration avec le National Theater for the Deaf en tant que metteur en scène lui a inspiré deux livres d’images sur la langue des signes, Handtalk : An ABC of Finger Spelling and Sign Language (Parents’ Magazine Press, 1974) et Handtalk Birthday : A Number and Story Book in Sign Language (Four Winds Press, 1987), réalisés avec Mary Beth Miller ( – 2019), actrice, écrivaine et enseignante et membre originale du National Theatre of the Deaf et le photographe Georges Ancona ( 1929-2021), auteur de nombreux documentaires et ouvrages photo-illustrés pour enfants publiés des années 1970 à 2010.
“Vous n’avez pas besoin d’utiliser votre voix pour parler. Vous pouvez parler avec vos yeux, votre visage, vos mains, votre corps… C’est le premier livre de ce genre pour les jeunes sur les deux façons dont les sourds parlent : S’ÉLANCER AVEC LES DOIGTS, former des mots lettre par lettre avec les doigts d’une main, et SIGNER, faire une image ou un signe avec une ou deux mains pour chaque mot ou idée.“
Mary Beth Miller et les autres acteurs de la compagnie prêtent leurs traits expressifs, leurs grimaces et leurs mains agiles à ces imagiers en langue des signes destinés à tous. Dans Handtalk : An ABC of Finger Spelling and Sign Language, le lecteur apprend à former des mots lettre par lettre avec les doigts puis à faire des signes avec une ou deux mains pour chaque mot ou idée. Les premières double-pages accueillent d’abord un abécédaire illustré, puis deux pages associant lettre, mot en langue des signes et lettres et la photographie en couleur d’un acteur interprétant le mot. Les pages à suivre proposent aux lecteurs de deviner les mots, puis de mimer des phrases entières en reproduisant des modèles. La chronophotographie permet de décomposer et d’observer le geste à reproduire. Dans Handtalk Birthday : A Number and Story Book in Sign Language, Mary Beth Miller est réveillée par une lampe au dessus de sa tête. Ses amis sont à la porte et viennent lui souhaiter un “Joyeux anniversaire”, l’occasion de partager bonbons et gâteaux et le voeu de pouvoir voler de l’héroïne du jour. Les lecteurs apprennent à signer les nombres et le vocabulaire joyeux de la fête d’anniversaire, grâce aux mots et aux photographies très colorées sur lesquelles les invités miment avec entrain les mots de la fête. Avec ces deux ouvrages, apprendre une nouvelle langue n’a rien de barbant !
Handtalk Birthday a été classé parmi les meilleurs livres pour enfants de l”année 1987 par le New York Times.
En 1930, la Société Parisienne d’Edition publie Choutnik, l’ours, un album illustré de photographies, sans mention d’auteur, ni de photographe. Il s’agit du premier volume de la collection “Histoires de bêtes”. En dernière page, une mention indique que paraîtra prochainement dans la même collection Ong-Bô, l’éléphant. Nul autre titre n’est annoncé.
Les deux couvertures sont presque identiques. Seule varient les arbres en arrière-plan et le titre. Celui-ci est composé d’un nom propre et celui d’une espèce animale. Il permet de nommer le personnage qui figure sur toutes les photographies qui vont suivre, unifiant des images certainement issues de banques d’images.
Les deux ouvrages de 32 pages sont abondamment illustrés de photographies cernées de noir. Deux par double-page, elles dont parfois redessinées et toujours légendées. La mise en plage est classique. Le texte se lit sur deux colonnes séparées par une photographie ou dans une colonne placée en regard d’une image. Les images sont purement illustratives et accueillent les personnages du récit : le personnage principal, d’autres animaux, des dresseurs, soigneurs, chasseurs, bourreaux, maîtres, spectateurs… Elles sont souvent de mauvaise qualité et on peine à distinguer les traits des visages.
Choutnik l’ours raconte la vie pleine de péripéties d’un ours brun, de sa naissance à sa vieillesse, la séparation violente avec sa mère, ses bonheurs et ses malheurs dans le monde des humains, qu’il soit partie intégrante d’une famille aimante ou maltraité par des bohémiens. Tout finit bien heureusement pour Choutnik devenu vieux, puisque, après bien des malheurs, il termine sa vie en compagnie de son maître Jimmy. Les images retenues le montrent régulièrement en position verticale ou en face à face avec l’homme, dans un échange de regards. Le texte se charge d’anthropomorphiser l’animal avec le récit d’actions et pensées très humaines.
Certaines images sont difficiles à regarder pour un lecteur de 2023, surtout lorsque l’animal est enchaîné ou subit un limage des dents. Même si le texte précise qu’une “dame de la Ligue pour la protection des animaux eut pitié de lui “, on éprouve une réelle peine pour l’animal. Il faut alors faire l’effort de se rappeler que l’ouvrage est le reflet d’une époque où les montreurs d’ours étaient encore fréquents.
In-4 oblong, 32 p. avec illustrations
Si aucun détail ne donne un cadre spatial précis au récit de la vie de Choutnik, ce n’est pas le cas pour celui d’Ong-Bô. D’emblée, on nous précise que le petit éléphant est né dans un pays nommé Annam, devenu Viet Nam et ancien protectorat français. L’histoire d’Ong-Bô, nom générique pour tous les éléphants d’Annam, est présentée d’emblée comme véridique. Le livre raconte le parcours de vie d’un jeune éléphanteau capturé par les hommes, séparé brutalement de sa mère et de son milieu naturel, dressé pour travailler le bois, puis pour la chasse, et enfin emmené dans un zoo américain, avant de terminer sa vie sereinement dans une ferme. Comme dans le précédent ouvrage, le texte apporte des informations scientifiques mêlées habilement au récit et le texte abonde en pensées et sentiments de l’animal.
Autre reflet d’une époque, le texte se charge parfois de préceptes moralisateurs ou leçons de vie : “Chacun de nous, hommes et bêtes, avons sur cette terres, nos aptitudes, qu’il n’est pas bon de contrarier”…
In-4 oblong, 32 p. avec illustrations.
Il ne semble pas que d’autres histoires de bêtes aient enrichi cette collection à découvrir lors de l’exposition prochaine à la Maison Doisneau.
En 1985, les éditions Kinderbuchverlag à Berlin, à l’époque en RDA, publient le livre pour enfants Der alberne Herr Patella, que l’on pourrait traduire par cet idiot de monsieur Patella. Le texte est signé Christiane Grosz, céramiste, poétesse et écrivaine allemande. Les photographies sont de Wolfgang Wandelt qui a fait l’objet d’une rétrospective le mois dernier à Bordeaux :
“La série de photographies Menschenbilder de Wolfgang Wandelt est née du besoin de documenter l’humanité dans sa réalité crue. Ces documents montrent l‘homme dans son intimité, son individualité, dans la diversité des situations sociales. Les photographies, prises entre 1973 et 1985 en RDA, constituent un portrait de ce territoire et de la vie quotidienne ; elles ont donné lieu à la publication d‘un livre aux Editions Reinhold Hug en 1985. « Ce que l‘appareil photo cherche en premier lieu, c‘est l‘image que les gens ont d‘eux-mêmes, entre l’embauche du matin et la fin de la journée, entre le jardin ouvrier et le centre commercial, chez le coiffeur, à la piscine en plein air, en marge d‘une manifestation, après le travail : le vieil oncle et son accompagnatrice de voyage tirée à quatre épingles, les filles de Prenzlauerberg. Ce sont en fait des types que Wandelt photographie. Le type contient toujours une grande part d‘inconvenance, de soif d‘accomplissement personnel, d‘aventure au quotidien. » Richard Hiepe, 1985. Wolfgang Wandelt est né en 1936 à Berlin. Il a suivi des études de graphisme à l’école de publicité de Berlin-Schöneweide.
Jusqu‘en 1968, il travaille en RDA comme réalisateur de courts-métrages et de films publicitaires pour le studio d‘animation de la DEFA, puis comme photographe de mode et de publicité pour de nombreux magazines. Wandelt a effectué plusieurs voyages en Europe. Entre 1991 et 1996, il a séjourné pendant de longues périodes en Suisse et en Italie. Ses photographies ont été présentées dans de nombreuses expositions individuelles en Allemagne et à l‘étranger. Wolfgang Wandelt est décédé en 1996 à Berlin”.
La couverture de Der alberne Herr Patella accueille la photographie détourée et retournée d’un homme qui semble sauter. Elle est placée à l’intérieur d’un cadre vert. On le retrouve en quatrième de couverture, sur une autre photographie détourée mais reproduite en plus petite taille. Il s’insère dans le coin du livre et adopte une nouvelle posture acrobatique.
Les pages de garde accueillent deux photographies en noir et blanc reproduites sur l’ensemble de l’espace. Sur la première, Wolfgang Wandelt a fixé l’image d’un d’un petit groupe d’habitants marchant sur un trottoir de Berlin. On retrouve l’homme de la couverture. Il porte sur la tête une cafetière d’où s’échappe une fumée blanchâtre qui donne un aspect fantastique à l’objet. Il cherche son équilibre. Sur sa gauche, une jeune femme, sac plastique dans une main et enfant dans l’autre, affiche une mine contrariée. On distingue le bras d’un autre personnage hors-champ qui tient également l’enfant par la main. Ces individus ne semblent pas se connaître et sont reliés uniquement par le regard du jeune garçon curieux attiré par le numéro d’équilibriste. En arrière plan, la ville est très présente avec ses bâtiments qui datent de l’après-guerre. Le long des trottoirs sont garées de multiples voitures Traban qui nous plongent dans l’ambiance est-allemande.
Sur la dernière page de garde, on retrouve l’équilibriste. Il tourne le dos à l’objectif et semble absorbé par une tache. Une jeune femme assise sur un muret l’observe, les mains jointes. Ils sont tous les deux installés sur les toits terrasse de la ville. On distingue en arrière plan les poteaux, antennes et les cheminées. Berlin est dans le brouillard.
Entre ces deux épisodes, le narrateur fait le récit d’une dispute de couple, de la quête de l’homme pour trouver l’endroit où pousse le poivre, de ses rencontres avec un homme pressé, une vache peu sympathique, un enfant qui a perdu son chien, une femme qui revient dans son ancien quartier avec ses cartons à chapeaux et pour finir d’une réconciliation. Le texte est imprimé dans des pavés cernés d’un trait vert.
Des photographies, encadrées elles aussi, s’imbriquent à leur tour dans l’espace de la double page et font face au texte, s’imposent au dessus de lui et parfois le pénètrent. Cette mise en page semble créer un écho avec les briques des façades, celles des cheminées de toits, avec les pavés de la ville, le carrelage de certains murs. Elles font varier les techniques : flou de l’homme pressé, cadrage serré sur la tête de la vache, contre plongée pour photographier un homme en costume, photos séquentielles faisant alterner buste et jambes, photomontage, portrait et plans larges, individu sortant du cadre et dont on ne voit qu’un pied…
Les images illustrent les différents moments du récit et sont à l’image de l’évolution du personnage, qui passe de la fantaisie au sérieux. Herr Patella, bonnet sur la tête semble en effet d’abord beaucoup s’amuser. Il est photographié la tête sous un tapis et on ne voit que son postérieur. Il fait le poirier sur une cheminée, crache de l’eau, discute avec une vache, se déguise en homme d’affaires. A la fin du récit, il tourne le dos au spectateur et semble enfin rentré dans le rang. Sa femme, tablier sur les hanches et fichu sur la tête, s’amuse nettement moins et son emploi du temps est rythmé par le ménage, l’épluchage des légumes dans une cuisine en désordre et par les facéties de son étrange mari. Elle connaît enfin le repos sur la dernière image et sourit pour la première fois. Si, à l’image des individus photographié par Wandelt, Herr Patella a été tenté par l’aventure dans le quotidien, il est désormais bien sage…
Livre sur le couple ? Livre sur la photographie de Wandelt ? Livre témoignage sur la RDA des années 80 ? Malgré son papier de mauvaise qualité, le vert et le rouge un peu kitsch et sa mise en page un peu lourde, cet ouvrage, découvert au musée de la photographie de Berlin, est intéressant à plus d’un titre.
Au moment où la famille Asada connait un beau succès au cinéma avec sa célébration des photos de famille, il est intéressant de se questionner sur la présence de celles-ci dans les ouvrages de littérature jeunesse.
Un rapide recensement évoqué lors du colloque “1, 2, 3 …regarde ! La photo, le livre, l’enfant” fait état de la présence de photographies authentiques ou redessinées dans des documentaires qui racontent la grande Histoire, dans des albums pour raconter les liens familiaux et parfois même dans des livrets d’activités. Voici Albums de Familles, Des photos pour s’amuser d’Arno Dufour et Raphaële Botte, paru chez Actes Sud Junior en 2015.
“Nous avons passé nos vacances dans une grande maison de famille louée pour l’été. Nous ne connaissions pas les propriétaires des lieux et, dès notre arrivée, nous nous sommes demandé qui avait pu vivre entre ces murs. Nous sommes montés au grenier, nous avons fouiné, nous nous sommes déguisés avec des vêtements usés, nous avons lu les vieux journaux…Et puis nous sommes tombés sur une boîte intrigante. Nous n’avons pas pu nous empêcher de l’ouvrir. Elle était remplie…. de photos ! “
Tel est le préambule de ce livret d’activités qui invite les jeunes lecteurs à s’approprier à leur tour les photographies de la mystérieuse boîte et à faire connaissance avec les inconnus qui y figurent en 53 pages et 31 propositions d’activités : jeu des dix différences, association de légende et d’images en désordre, écriture des pensées de personnages ou du texte d’une carte postale, dessin d’un hors-champ photographique, réalisation de photocollages ou création d’un flip-book… Ce faisant, ces activités initient l’enfant au champ lexical, aux usages et à l’histoire de la photographie : portrait en pied ou photo d’identité, photo de famille ou de classe, photo documentaire ou privée, roman-photo, album de famille ou carte postale, retirage, cadre, lecture des images, photographes et appareil…
Raphaële Botte raconte : “Je me suis beaucoup intéressée et j’ai toujours été touchée par les photographies de famille abandonnées que l’on trouve dans les puces. Je suis toujours émue par ce qu’elles racontent. Ma démarche n’est pas de chercher des photographies à dimension sociologiques et historiques. Je fonctionne au coup de cœur face à l’image.
Notre matériau de base pour faire ce carnet a été notre collection de photos trouvées dont des achats dans les brocantes et autres puces… Nous avons glissé deux photos chacun de nos familles respectives, lui sa grand-mère au tennis et moi ma grand-mère et ses frères et sœurs en portrait. Nous pensions que ces photos étaient intéressantes à faire découvrir aux enfants : photos de papier, photos de famille avec des poses et des attitudes différentes de celles d’aujourd’hui. Le cahier propose à la fois des activités autour de l’imaginaire, du romanesque, des activités proches du surréalisme, une exploration du roman-photo…, on voulait être représentatifs des différents points de vue que la photographie propose, sans référence à des artistes précis. Il a été assez facile de trouver un éditeur.
Avec le graphiste, on avait l’impression que le cahier d’activités était une porte d’entrée dans un univers visuel très loin de celui des enfants d’aujourd’hui et on avait envie qu’ils jouent avec leur imagination mais qu’ils se l’approprient aussi par la manipulation. Nous avons même mené des ateliers dans des classes pour le tester. J’aimerais bien retravailler autour des photos de classe, prendre le temps exploiter cet univers. A la différence de beaucoup de gens, je ne trouve pas les photos abandonnées tristes.
Pourquoi ce titre au pluriel ? Parce qu’on voulait donner l’idée que l’on se plongeait dans les albums de plein de familles. Il y avait aussi l’idée de faire découvrir cette pratique révolue de l’album, de montrer la place qu’il avait dans les familles.
Il n’a pas fonctionné. Peut-être à cause de son prix de 15 euros, cher pour un cahier d’activités. Je ne pense pas que la photographie fasse peur. La photo peut jouer à fond son role d’identification pour enfants. Peut-être notre sélection était trop adulte. Aurait-il fonctionné avec des photos contemporaines ? je ne sais pas. Nous avions vraiment la volonté de plonger nos lecteurs dans une autre époque”.
Le livret n’est plus disponible aujourd’hui. Dommage. Dans la lignée des ouvrages d’activités classiques, il offrait aux enfants une approche sensible pour découvrir en jouant tout un pan de l’histoire de la photographie et de ses usages.
Béatrice Schenk de Régniers (1914-2000) est l’autrice américaine d’une cinquantaine d’ouvrages pour enfants publiés des années 1960 à 1980. Elle signe notamment les textes de The Giant Story en 1953 et What Can You Do With a Shoe en 1955 illustrés par Maurice Sendak. Lors de son décès, les articles qui lui sont consacrés soulignent son habileté à recréer la sensibilité d’un enfant, à révéler son petit théâtre intérieur.
Les photographies sont signées Isabel Gordon.
Cet ouvrage accueille 35 photographies en noir et blanc, réparties sur les 32 pages de l’ouvrage en groupe de deux à quatre par double page et deux en frontispice. La double page centrale n’accueille qu’une photographie reproduite sur toute la surface du livre. Le texte est réduit à une portion congrue et est imprimé en regard, au dessus ou en dessous des photographies, dans la partie laissée blanche de chaque page. Clairement, le maquettiste s’est amusé avec la mise en page, a cherché des symétries dans la disposition des images (ombre en haut à gauche-ombre en bas à droite), des prolongements (ombre qui s’étire jusqu’à rejoindre celle de l’image suivante), des échos (ombre d’une plante sur un arbre et ombre d’un arbre) entre les images.
Ces photographies mettent en scène un jeune garçon, parfois accompagné d’une fillette, ou d’un groupe d’enfants. Certaines sont vides de présence humaine et montre des objets ou plantes que l’enfant est en train d’observer, dans une variation de points de vue. Tantôt le lecteur voit avec les yeux de l’enfant, tantôt il est derrières lui et observe la scène de jeu. Les photographies sur lesquelles figurent le ou les enfants les montrent s’appropriant diverses situations de jeux avec une ombre : elle s’étire, elle rétrécit, elle dépend de la source lumineuse, on ne peut l’attraper, elle disparaît les jours de pluie et la nuit…
Le texte est écrit à la première personne. Les courtes phrases fonctionnent comme les légendes de ce que montrent les photographies. Ce dispositif amène à considérer cet ouvrage comme un recueil des observations, questionnements et interprétations autour de l’origine et l’existence des ombres. Néanmoins, les courtes phrases sont plus poétiques que dans un carnet de bord d’expériences scientifiques et n’ont rien de didactiques. Elles laissent également la place à la part d’imaginaire qui occupe le petit théâtre mental de l’enfant lorsqu’il joue.
“Sometimes when you have to stay inside, your shadow can be outside. Or sometimes when you are outside, your shadow can reach in to touch something you would like to touch but you can’t like a sleeping dog.” peut on lire sur la jaquette du livre. Les ombres, bien que liées à leurs propriétaires, semblent matérielles et vivre une vie indépendante, pleine de possibilités.
Mon âne Benjamin, Hans LIMMER, photos de Lennart Osbeck, Paris, Fernand Hazan, c. 1969. 23 cm, 48 p.,
En 1969, les éditions Fernand Hazan publient Mon âne Benjamin, avec le texte de Hans Limmer et les photos de Lennart Osbeck. L’ouvrage de 48 pages est l’édition française d’un ouvrage paru l’année précédente en Allemagne, chez Hanns Reich Verlag Mein Esel Benjamin eine erstaunliche, aber bestimmt wahre Geschichte für Kinder und große Leute, erzählt von Susi (Une histoire extraordinaire mais histoire vraie racontée par petits et grands par Suzie). Le livre est également traduit en plusieurs langues et devient My Donkey Benjamin (Hill and Wang, New York, 1969) en langue anglaise, Mit æsel Benjamin en Danois (Jespersen og Pio, Kbh, 1969)
53 ans plus tard, le livre est considéré comme un classique de l’autre côté du Rhin, a été réédité plus de quarante fois et traduit dans de nombreuses langues.
Terre di Mezzo Editore, 2022, 56 p.
Le Bulletin de la Joie par les Livres le chronique en ces termes dans son numéro 22 de 1970 :” Une toute petite fille, Suzie, trouve un compagnon de jeux et de promenade : l’ânon Benjamin. Les illustrations sont de très jolies photographies, pleines d’air et de soleil : une maison blanche, au sol des galets ronds orné de motifs décoratifs, les jeux des deux amis, la nourriture, la toilette, les rues d’une île méditerranéenne dont on aurait aimé savoir le nom… L’entente de l’enfant et de l’animal fait le charme de cet album. La découverte de Benjamin, un peu d’émotion quand Suzie, au cours d’une escapade, se croit perdue, font la trame légère de cette petite histoire dont on sent que l’essentiel a dû être vécu. Le texte, disposé en lignes courtes de gros caractères, accompagne les images d’un commentaire attribué à la petite fille. Il suit bien les photographies qui, d’ailleurs, parlent d’elles-mêmes. C’est un album réussi qui plaît aux petits et aux grands”.
La photographie de couverture -portrait en plan serré d’une fillette qui enlace tendrement un jeune ânon- donne le ton. Tous deux semblent fixer le lecteur et l’inviter à découvrir un récit d’amitié entre cette petite fille aux joues rebondies et un animal, qu’il faut bien appeler Benjamin puisque son nom figure au dessus du portrait. Ce motif du couple de l’enfant et de son animal, ou de son objet fétiche, est un classique de la littérature de jeunesse et n’est pas sans rappeler les ouvrages photographiques d’Albert Lamorisse publiés à la même époque, Bim le petit âne, Crin Blanc ou Le Ballon rouge, qui narrent eux aussi les aventures de duos inséparables . On pense aussi à la collection “Amis-Amis” parue chez Hatier à la même époque, mais cet ouvrage n’a rien de didactique.
Une autre couverture donne à voir la fillette embrassant l’âne sur son museau, image que l’on retrouve dans le livre, mais ce choix tient davantage le lecteur à distance.
Au verso de l’ouvrage, on retrouve la fillette, dans un portrait en pied (figurant dès la première page) en regard du texte “Benjamin c’est mon ami. Il habite chez nous et il joue avec moi depuis le jour où nous l’avons trouvé. Voici comment les choses sont arrivées… mais non pourquoi les raconter ? Il vous suffit de lire ce livre puisque tout est là. Comment Benjamin est venu chez nous ; ce que nous faisons ensemble et les grandes aventures qui nous sont arrivées”. Ce texte, ainsi que le sous titre “Une histoire extraordinaire mais histoire vraie racontée par petits et grands par Suzie”, semblent indiquer que texte et photographie sont là pour attester de ce qui est arrivé, pour témoigner de cette relation particulière entre l’enfant et l’animal, de leur errance dans l’île et leur retour au foyer.
L’ouvrage accueille 36 photographies en noir et blanc, de une à deux images par double-page, souvent reproduites en pleine page. La fillette et son compagnon figurent sur toutes les images. “Sa fourrure est douce , regardez” ordonne la fillette au lecteur. Et justement, les photographies bénéficient d’une belle qualité d’impression qui donne du relief aux galets, de l’aspérité aux rochers, du velours aux poils de l’animal. Si aujourd’hui ce n’est sans doute pas le cas, la photographie de la fillette nue sur une plage ne devait pas surprendre le lecteur à la fin des années 1960.
Le texte est disposé en regard ou au-dessus des images et complète ce que ne disent pas les photographies avec cette voix de l’enfant qui raconte à la première personne, donne des détails sur ses sentiments, rapporte les dialogues entre elle et son père, parle de l’île sur laquelle ils vivent, évoque le départ familial de la grande ville pour ce village, décrit les jeux et nomme les personnages figurant sur les images.
En 2017, Susanne Schäfer-Limmer racontait à Candice Pires les coulisses de la réalisation de cet album et les conséquences de sa publication dans un article pour The Guardian, “People wanted to meet me and the donkey’: my role in a bestselling children’s book”, à l’occasion de sa réédition par Scribble Publications.
“Susanne Schäfer-Limmer recalls finding a donkey on Rhodes, and how her father turned the story into a simple tale.
Fri 17 Feb 2017
Igrew up in a village on the Greek island of Rhodes. My parents moved there from just outside Cologne in 1966, when I was a year old. They had wanted a more simple life, and they had been to Greece a few times and fallen in love with the Mediterranean light and Greek hospitality. Our house had no running water and only a little electricity, but we lived by the sea and it was beautiful.
One day, when I was two, we found a young donkey in the village. It had probably been abandoned by someone who couldn’t afford to keep it. We christened it Benjamin. I don’t know whose idea it was, but my father, Hans Limmer, and a Swedish friend of his in our village, Lennart Osbeck, thought it would be fun to make a children’s book about it – neither of them had written one before.
My father wrote the story and Lennart took pictures. They used me as the main character. It’s a simple children’s tale about a father and daughter who go for a walk, find a baby donkey and bring him home. The donkey becomes part of the family; the little girl takes him to the hills, to the beach, she shows him her cat, introduces him to her baby sister.
The book was published in Germany in 1968, as Mein Esel Benjamin, and sold well – enough for us to live on – and is now on its 42nd edition; it was also translated into English and other languages, and has sold more than two million copies worldwide.
We didn’t keep the donkey for long. Donkeys were everywhere, and they were very much working animals – there were hardly any cars on the island, so they were mainly a means of transport.
Due to the book’s popularity in Germany, and because our village was easily identifiable in the photographs, we occasionally had people from Germany show up at our house, wanting to meet me and the donkey. I didn’t like it, and would always disappear to my room while my parents would ask them to respect our privacy. The books weren’t published in Greece, so no one at school knew about them.
I never loved the book as a child: I think it was because it was me, but it didn’t feel like me. My childhood might sound idyllic, but we weren’t out picking flowers all the time, and we lived without the luxuries of a washing machine or a telephone. Saying that, we had a lovely time: it was nice to go swimming all summer long.
I left Greece and went back to Germany when I finished school, but my parents stayed on. Now I’m 52. I’ve had four children, but I haven’t read the book to them very often; they’ve never been that interested in it. But lots of people my age remember it. No one would recognise me as this child now.
After this book did so well, my father wrote another: it featured my sister and was called My Pig Paulina – I really like that one. Dad died in Greece two years ago, aged 88. He carried on writing for himself, and I’m still going through all his things. In the new edition, My Donkey Benjamin is called a “Modernist classic”: he’d be tickled by that.”
Hans Limmer publiera d’autres ouvrages photo-illustrés associant un enfant et un animal dont My Pig Paulina etMein Kangurü Fanny.
· Picolo et Piccolette à Paris, Jean Image – Éditeur : Hachette, collection : Les Grands Albums, 32 pages, 1965
En 1965, Hachette publie dans sa collection “Grands Albums” l’ouvrage Picolo et Piccolette à Paris. La couverture accueille sur un bandeau jaune la mention “D’après les dessins animés diffusés par la télévision française”, avec le logo de l’ORTF.
Cet album, signé Jean Image, reprend les personnages et les décors des épisodes parisiens de sa série de 26 dessins animés de cinq minutes Picolo le Petit Peintre puis Picolo et Piccolette diffusés à partir de l’automne 1964. Dans la série, comme dans l’ouvrage, les décors dans lesquels évoluent des personnages sont des photographies en noir et blanc de la capitale. https://www.youtube.com/watch?v=I9ywekmPYvQ
Bien évidemment la sélection des photographies de Paris n’échappe pas aux stéréotypes. On y retrouve plusieurs vues de la Tour Eiffel, dont une en couverture, d’autres de Notre-Dame, un aéroport et un avion de la compagnie Air France, une vue de l’Arc de triomphe, des Champs-Elysées, du Pont-Neuf, de l’extérieur et de l’intérieur du Louvre -La Joconde n’avait pas encore été mise derrière une vitre- du Sacré Cœur, de l’Opéra, des bouquinistes et d’une terrasse de bistrot parisien.
La mise en page de ces photographies varie entre la pleine double-page et les deux images par double-page pour accueillir texte ou dessins. Les photographies sont reproduites dans un ton gris qui écrase tout volume et semble envelopper la capitale d’une légère brume qui convient à l’irréalité des scènes.
Ces photographies vides de tout humain grouillent en revanche d’une multitude de personnages colorés, au corps triangulaire, aux membres dessinés d’un simple trait noir et aux bouches édentées. Ces ajouts dessinés s’intègrent généralement parfaitement aux décors photographiés, mais parfois offrent quelques défauts de perspective, qui ne sont pas sans rappeler les tentatives de plaçage de personnages dans les cahiers de gommettes.
On y croise donc une ribambelle de personnages caricaturaux, parmi lesquels des touristes du Maghreb en djellaba et babouche, une écossaise en kilt et béret à rayures, un riche homme d’affaire avec cigare, un anglais à parapluie et des joueurs de guitare à la frange trop longue…
De page en page, le lecteur suit les aventures des personnages principaux : Picolo, un petit peintre (on dirait un des amoureux de Raymond Peynet), Picolette, sa fiancée qui d’une page à l’autre ne quitte si son rouge à lèvre ni son étoile sur la tête comme toute “vedette”, et leur chien Polka. Ce faisant, il participe à une visite guidée de Paris, accompagnée par la voix d’un narrateur-guide aux commentaires un peu didactiques : ” Pour visiter la Tour Eiffel, on peut utiliser les escaliers ou l’ascenseur”, “La Cour Carrée du Louvre est un chef d’œuvre d’architecture”, ou encore “Nous voici maintenant dans le célèbre musée du Louvre où des milliers de tableaux, de statues et d’œuvres d’art sont exposés”. Chaque découverte d’un lieux de la capitale est toutefois immanquablement perturbée par la présence intrigante d’un étrange personnage déguisé muni d’un appareil photo (mais qui est-il ?) ou la survenue d’un évènement rocambolesque, comme l’arrivée d’une souris qui sème la pagaille dans les couloirs du Louvre.
Il y a du Où est Charlie dans cet ouvrage lorsque le lecteur est invité par le narrateur à dénicher Picolo et Piccolette dans la foule qui se presse à Montmartre ou ce mystérieux photographe qui se cache. Il faut encore retrouver à quelles pages de l’album correspondent des vignettes-photographies de Piccolette qui figurent dans l’ultime page de garde. Les double-pages fourmillent de détails amusants qu’il faut prendre le temps de chercher. Il y a également de la bande -dessinée dans cette novellisation, avec ces personnages dessinés bien sur, mais aussi avec ces bulles qui les surplombent parfois, ces variations de typographie.
La série des Picolo a connu un grand succès et entraîné la vente de nombreux produits dérivés : cartes postales, porte-clés, figurines, disques, jeux de cartes et une série d’ouvrages dans laquelle s’inscrit cet album.
Même si aujourd’hui ces images nous semblent bien désuètes, stéréotypées, voire mal imprimées, il se dégage de ces images du Paris des années 60 une certaine poésie, un charme suranné et beaucoup d’humour. Une jolie découverte.
Graphiste, auteur et illustrateur de livres pour enfants, William Wondriska est né à Chicago en 1931. Après avoir obtenu un BAE du Chicago Art Institute en 1953, il étudie la conception graphique à la Yale School of Art. Après son service militaire, il travaille dans l’entreprise du graphiste Lester Beall à Wilton, puis enseigne à l’école d’art de Hartford.
En 1961, il fonde Wondriska Associates, un bureau de design qui se fait connaître en développant des programmes d’image et de marketing pour des géants de l’entreprise et des institutions artistiques et éducatives, parmi lesquels la Walt Disney Company, le Wadsworth Museum of Art ou le Museum of Fine Arts de Boston. Son entreprise remporte de nombreux prix d’excellence créative et ses productions figurent dans de nombreuses publications professionnelles au niveau mondial.
Plusieurs de ses ouvrages ont été primés et certains ont été utilisés en classe. Sept de ses livres pour enfants ont récemment été réédités en plusieurs langues, notamment All The Animals Were Angry ( Corraini Edizioni, 2011), All By Myself (Holt, 1963 ; Corraini Edizioni, 2010), A Long Piece of String (Chronicle Books, 2008) et Puff (Corraini Edizioni, 2013 ; Rizzoli International Publications, 2015). William Wondriska est décédé en 2016.
Faire simple, bannir le verbiage excessif, utiliser le design comme une aide à la communication sont les principes créatifs qui gouvernent son travail. L’ouvrage Tutto da Me en est l’illustration.
“C’era una volta una bambina di nome Alison, che sapeva fare tante cose da sola.” Dans Tutto da Me, (All by Myself), William Wondriska enregistre les émotions de sa petite fille de cinq ans, Alison, qui découvre le plaisir de faire des activités toute seule, entre réalité et imagination : manger une glace, ouvrir des lettres, réciter l’alphabet, compter jusqu’à dix… mais aussi écouter la pluie, piloter un avion, chevaucher un éléphant et aller sur la lune…
William Wondriska consacre ce livre entier à sa fille qui figure sur tous les espaces , de la couverture aux pages intérieures, en passant par les pages de garde : portraits photographiques de la fillette en pied, détourés, avec ou sans accessoire, debout ou assise, fixant le lecteur ou photographiée de profil, simples visages insérés dans des graphismes.. Le lecteur n’a aucun doute sur l’origine de la voix qui s’exprime, avec cette narration à la première personne- “Io so”-, avec ce prénom dans la première phrase et ses portraits omni-présents. Il suit ses activités, comme il consulterait un journal de bord… Pour autant, le processus d’identification fonctionne. Textes et images se combinent pour dire la vie quotidienne et le théâtre intérieur de n’importe quel enfant.
Si le texte, très musical, occupe l’essentiel de l’espace livresque dans les premières pages, il cède petit à petit la place à des créations graphiques, jeux et variations typographiques, complétés de photographies de la jeune Alison (ou de son père en chauffeur de car scolaire), qui occupent l’essentiel du cadre, au fur et à mesure que l’imaginaire l’emporte. L’ouvrage est mentionné chez ses éditeurs comme étant un des premiers livres pour enfants mêlant graphismes et photographies.
Kittens and Cats, A First Reader (ou a Book of Tales) est publié en 1911 chez HOUGHTON MIFFLIN COMPANY aux Etats-Unis. Il est signé EULALIE OSGOOD GROVER (1873-1958), autrice des séries THE SUNBONNET BABIES’ PRIMER et THE OVERALL BOYS, livres illustrés de dessins pour les premiers lecteurs et qui connurent un grand succès.
Cet ouvrage de 104 pages accueille 41 portraits ou mises en scène photographiques de chats costumés, dont un en frontispice et un autre en médaillon inséré en page de garde. Selon la page de garde, ils sont signées de la Rotograph CO. éditeur de cartes postales, mais certains sont clairement attribuables à Harry Whittier Frees.
Dans ce livre pour enfants, ces portraits sont cernés d’un cadre floral et animalier qui accueille le nom de l’animal portraituré : “The Queen”, “Granny Gray”, “The sweet singer”, ou une légende :”I have a new Bonnett” ou encore “we are all here”. Ces mots imposent un nouveau sens ou une nouvelle lecture aux images.
The Mouse Trap, n.p.The Dandy of the village, Harry Whittier Frees, 1906
Parfois, le texte se charge de faire une allusion aux photographies comme lorsque le chat emprunte le pantalon de son père et demande l’avis de la reine, et ce faisant des lecteurs : “I think i look fine, don’t you !”
Ces tableaux de chats photographiés sur fond noir ou dans un décor à leur taille, imprimés en quart de page ou en pleine page, accompagnent de petits poèmes en regard ou en-dessous, dont le premier semble écrit par la reine des chats en personne :
“I am the Queen of all the Kittens.
I am the Queen! the Queen!
Come, all you kittens and cats.
Hear what I have to say.
To-morrow I give a grand party.
The party will be in my palace.
You are all invited from the biggest to the littlest,
from the oldest to the youngest,
from the blackest to the whitest.
So wash your paws and shine your fur.
Forget your naughty tricks and do not one of you dare be late to your Queen’s party.
To-morrow at one o’clock.
Dans les pages à suivre, d’autres chats, grands ou petits, se succèdent et prennent la parole pour narrer à la première personne leurs essayages de toilettes pour le grand jour, leurs tentatives pour échapper à la corvée, leurs regrets de ne pouvoir assister à la fête. D’autres encore content une histoire à la reine ou lui chantent de petites comptines rimées et rythmées. Les animaux sont anthropomorphisés à la fois par leur costume, le décor à leur taille dans lequel ils évoluent, leur attitude humaine et le discours qu’ils tiennent.
Hickory, dickory, dock,
The mouse ran up the clock;
The clock struck one,
And down he run,
Hickory, dickory, dock.’
ou encore
Did you ever see the kittens three
That lost their mittens so red?
They hopped in chairs and looked about,
And ‘mee-ow’ and ‘mee-ow,’ they said.
Le récit de cette folle soirée se termine sur :
“The book is done, the tales are told;
Don’t wake me with your noise.
For I’m as tired,—as tired, I guess,
As many girls and boys”.
Comme l’indique la postface “A Word to the Teacher”, ce livre est destiné à la lecture scolaire et s’adresse aux enseignantes à la recherche pour leurs élèves d’ “une saine stimulation de la pensée et du plaisir”, d’ “une instruction et une aide précieuses dans les mécanismes de la lecture”, d”un livre suffisamment littéraire dans son style et artistique dans sa forme pour susciter le respect et l’amour des enfants”, d’un ouvrage suggestif, dramatique et éthiquement sain” .
EULALIE OSGOOD GROVER explique ensuite que le recours aux chats, un des meilleurs compagnons de jeu de l’enfant, ne peut que susciter l’intérêt ce dernier qui s’en trouvera stimulé et aura plus de facilités dans l’apprentissage de la lecture.
L’autrice propose encore quelques pistes d’exploitations possibles de l’ouvrage. Les institutrices sont invitées à faire d’abord parler les enfants à partir de leur propre expérience avec leurs chats. Elles peuvent également proposer à leurs élèves de constituer des frises avec les portraits de chats (les images étaient-elles donc amovibles ?). Elles peuvent même créer un spectacle à l’issue de la lecture de l’ouvrage.
A la suite de ces conseils, l’autrice conclut : “Books of this nature have proved a great stimulus to thoughtful and fluent reading, which, after all, is the high aim in primary work.” (Les livres de cette nature se sont révélés être un grand stimulant pour une lecture réfléchie et fluide, ce qui, après tout, est le but principal du travail primaire).
Que veut dire “de cette nature ” ? Il n’est pas fait clairement mention de l’intérêt de l’usage de la photographie dans les apprentissages. On notera néanmoins que sa présence dans un livre pour enfants ne vient en rien contrecarrer l’idée que l’on se fait d’un bon et beau livre pour les plus jeunes, puisqu’il est question d'”intérêt artistique” et de “saine stimulation”. Et même on peut lire, devant ces pages les enfants “se délectent de leurs histoires ou de leurs images”.
Notons enfin que, si l’autrice puise, entre autres, dans des photographiées réalisées par Harry Whittier Frees qui s’est fait une spécialité de ses images d’animaux costumés, elle exprime néanmoins un souci de la cause animale lorsqu’elle écrit en postface : “Ils sont vivants. Ils doivent être traités avec gentillesse. Ils ne supporteront pas les mauvais traitements et la négligence dont sont victimes de nombreuses belles poupées. Ils demandent de l’attention et de la compagnie, et ils retournent une véritable dévotion pour la gentillesse et les soins”.
Paris, R. Laffont (Impr. la Sapho), 1955. In-4°, non paginé, fig., pl., couv. en coul
En plein âge d’or de l’album photographique, les éditions Robert Laffont publie Rodolphe et Berlingot, un grand ouvrage photo-illustré qui accueille les aventures du jeune Rodolphe et de son compagnon le chien Berlingot. Si le récit est assez familier-un jeune garçon se lie d’amitié avec un animal, le perd et le retrouve grâce à l’intervention d’un tiers- cet ouvrage est intéressant à plus d’un titre.
La préface de l’ouvrage indique que “Rodolphe “est un petit garçon que tout le monde a vu au cinéma, que tout le monde a entendu à la radio”. Quelques recherches permettent de découvrir que Rodolphe n’est pas juste un personnage dont on fait connaissance dès la couverture de l’album. Dans une France qui découvre le marketing publicitaire, Rodolphe est aussi l’égérie de la marque Dop et l’image du berlingot de shampoing depuis 1952. Fils de François Clauteaux, chef de la publicité de L’Oréal et créateur du journal Pilote, le jeune Rodolphe Clauteaux est bien connu des Français qui l’appellent ” Le petit Rodolphe”. Déguisé en cow-boy, scout ou monsieur Loyal, il accompagne toutes les publicités, cartes postales à collectionner, films réalisés par la maison de produits d’hygiène. On peut encore entendre sa voix à la radio dans de petits sketchs de l’émission “Salut Marcel !”, ou lançant sur les ondes son slogan “Moi je veux un berlingot !”. http://www.culturepub.fr/videos/dop-shampoing-l-ecole/
Sa bouille ronde et son nom sont entrés dans tous les foyers et le livre pourrait apparaître comme un produit dérivé d’un succès commercial. On peut d’ailleurs s’interroger sur la présence de ces carrés multicolores sur la couverture. Faut-il y voir un clin d’œil à la petite poche de shampooing bleu, jaune, rouge, vert ou violet de deux à trois centimètres carrés vendue dans de grands pots en verre ?
Le nom de l’auteur sur la couverture retient également toute notre attention. Francis Mazière n’est pas un inconnu. Il a participé à plusieurs expéditions en Afrique et en Amérique du Sud. Avec le cameraman Wladimir Ivanov et la photographe Dominique Darbois, ils ont monté une expédition en Amazonie, pour se lancer à la recherche de Raymond Maufrais, l’explorateur disparu, et étudier les Indiens d’Amazonie ensuite. Ils sont revenus sans Raymond Maufrais, mais avec de la musique enregistrée un film documentaire ethnographique, et de multiples clichés qui seront publiés dans cinq ouvrages : ExpeditionTumuc Humac chez Robert Lafont, Indiens d’Amazonie, premier ouvrage de la collection « Mondes et visages » chez Del Duca, Derrière le miroir, dessins indiens du Tumuc Humac, qui allie photographie et dessins de peintures rituelles, Parana le petit Indien, chez Nathan, premier numéro de la collection « Enfants du monde »et Yanamalé village of the Amazon, publié chez Collins, à Londres. Dominique Darbois et Francis Mazière ont ensuite signé les titres de la collection de portraits de pays “Enfants du Monde”chez Nathan, ensemble puis chacun de leur côté. Loin de l’Amazonie, Francis Mazière installe ce nouveau récit dans le décor de Paris : on retrouve les autobus à plateforme qui conduisent à la Gare de l’Est, les voiliers du jardin des Tuileries, les quais de la Seine et le Pont Neuf… Il ne manque qu’un ballon rouge traversant le ciel de Paris…
Les pages de garde, photographiques, accueillent l’image d’un mur sur lequel un graffiti a été soigneusement dessiné à la craie. On y lit un autre nom, celui de Pierre Pothier. Celui-ci n’est pas non plus un inconnu, même si, opérant dans l’ombre, son nom est moins familier des lecteurs. Il signe en effet les couvertures et la mise en page de presque tous les albums de la collection “Enfants du Monde”. On retrouve ainsi dans Rodolphe et Berlingot tout ce qui a fait l’originalité et la force de cette collection : détourage des photographies, insertion de motifs géométriques qui font écho aux décors des clichés, lignes qui mettent en avant le couple chien-enfant, révèlent les échanges de regard entre les personnages, images séquentielles qui lient l’ouvrage au roman photo en vogue, insertion de morceaux de texte dans les motifs géométriques…
La conjonction de coordination “et” placée en page de garde le désigne comme le auteur à part égale de l’album, et à juste titre. Il a fait de l’espace de la double-page un lieu d’expression plastique qui guide et capte l’attention du lecteur et donne du peps à cet album.
Clic Clac, Ou qu’est-ce que c’est ?, Tomi Ungerer, L’Ecole des Loisirs, 140 pages
ou Qu’est- ce que c’est ?
“Clic Clac” : Le titre de l’ouvrage évoque immanquablement l’univers de la photographie et le bruit des vieux appareils Kodak.
Dans la longue bibliographie de l’artiste Tomi Ungerer, on découvre ce Clic-Clac, ou qu’est-ce que c’est ?, un ouvrage de 140 pages, vides de mots mais pleines de dessins-collages-photographies qui font jaillir les questions et les réactions.
« Livre de formation, livre de transformation », « leçon de créativité », « soyons sérieux : jouons » écrit l’éditeur en quatrième de la couverture cartonnée.
Tomi Ungerer prélève des extraits du réel, découpe dans des photographies, les prolonge par un trait de crayon. Il crée un mille-pattes saucisse, une paire de ciseaux à œil, un chien à tête de soulier. Découpage, graphisme, substitution … une cartouchière accueille désormais des tubes de rouge à lèvre, une grosse brioche est bien plus moelleuse qu’un édredon, un capot de voiture accueille désormais un coffre à bijoux… Et si les phares des voitures étaient vraiment des yeux ?
A la manière des surréalismes, il propose de voir autrement le monde qui nous entoure avec loufoquerie, humour et parfois gravité. Ces créations surprennent, dérangent parfois, donnent vie à notre imaginaire. Elles font surtout réagir et peut-être agir, en tendant des invitations pour s’emparer à notre tour des ciseaux et crayons.
«Si j’ai conçu des livres d’enfants, c’était d’une part pour amuser l’enfant que je suis, et d’autre part pour choquer, pour faire sauter à la dynamique (sic) les tabous, mettre les normes à l’envers: brigands et ogres convertis, animaux de réputation contestable réhabilités… Ce sont des livres subversifs, néanmoins positifs » écrivait Tomi Ungerer. Soyons sérieux , jouons.
…C’est Zaa le petit chameau blanc, Claude Roy, photographies de Denise Bellon , d’après le film de Yannick Bellon sur un scénario de Claude Roy, Yannick Bellon et Jean Salvy, Paris, Hachette, 1962, 46 pages
Le film Zaa le petit chameau est réalisé dans cette période des années 50-60 où se développe le cinéma français pour enfants, et l’on a déjà présenté ici les films Albert Lamorisse, Bim le petit âne, Crin Blanc et Le Ballon Rouge[1]. Ces films mettent à chaque fois en scène un personnage-enfant et son compagnon (objet ou animal), que des forces extérieures s’évertuent à séparer. Dans Zaa le petit chameau, le duo est composé cette fois d’un jeune garçon et de son animal, un dromadaire. Leurs aventures sont cette fois l’occasion d’arpenter la Tunisie, comme Pascal et son ballon nous faisaient découvrir Paris et Folco et Crin Blanc, la Camargue.
Sur le site du CNC on peut lire : “Dans le Sud tunisien, Brahim a pour ami inséparable Zaa, un chamelon blanc, qui passe le chercher chaque jour à l’école. Mansour, un marchand, l’achète un jour pour la revente. A Djerba, où ses congénères sont condamnés à l’irrigation et au battage, l’air de “La Clé des champs” fait naître en lui la nostalgie de l’école d’Aïdi. Il s’enfuit. Ali, un potier d’art, l’utilise pour écouler sa production sur le continent. Il lui fausse compagnie. D’El-Djem, il va à Monastir, y rencontre un photographe, qu’il quitte à Sidi-bou-Saïd. Il croise alors Bechir, jeune guide des vestiges de Dougga, qui le met dans le train de Tozeur. Il se retrouve à Kairouan, la ville sainte. Asna, une petite tisserande, s’y attache à lui. Mis à une roue de noria par son père, elle le délivre, invoque longuement les djinns dans la Grande Mosquée et exauce son voeu de retour.”
Il est réalisé par Yannick Bellon sur un scénario de Claude Roy et Jean Salvy. La photographe Denise Bellon réalise les photographies de plateau en vue de la novellisation qui sort chez Hachette en 1962.
Le livre s’ouvre sur la comptine “Qui est-ce qui a ?”entendue dans le court-métrage. La réponse “C’est Zaa le petit chameau blanc” devient le titre de l’ouvrage.
Les photographies de Denise Bellon occupent l’essentiel de l’espace du livre. En noir et blanc ou en couleur, elles sont présentes sur les seuils de l’ouvrage puis sur chaque page, en abondance. En pleine page, débordant sur la seconde, reproduite sur toute la double page, en vignettes ordonnées en séries, collées sur d’autres photographies plus grandes, en détourage de personnages… Si le tout manque d’uniformité ou de réel travail sur la mise en page, le lien avec le grand écran cinématographique est bien maintenu !
Si les photographies permettent bien évidemment de retrouver le personnage principal, Zaa le chamelon blanc, elles donnent aussi à voir un potier au travail, une tisserande de tapis, les marchands du souk, une oasis, les toits d’une médina, des maisons anciennes, un oued, les ruelles de Sidi Ben Saïd et Hammamet et même des ruines romaines ! Le visionnage du film est d’ailleurs recommandé par la revue pédagogique L’ Educateur en 1968, pour accompagner des activités de géographie visant à faire découvrir la Tunisie. Il reçoit également le soutien du ministère du tourisme tunisien.
Cet aspect de doit pas faire oublier la poésie du texte de Claude Roy. On y croise jeux de mots et reprises de formules de contes ou de comptines traditionnelles adaptées aux aventures de Zaa le chameau. La magie de l’ouvrage est le fruit de la collaboration entre les mots et les images dépaysantes.
[1] Publication imminente de l’article que je signe : « Du poème filmique au livre illustré de photographies, les films d’Albert Lamorisse », collection « Texte-Image », Académia, Louvain-la-Neuve
Licence creative commons
Ces billets sont mis à disposition selon les termes de la Licence Creative Commons: reprise autorisée avec attribution du texte à son auteur; pas d’utilisation commerciale; pas de modification.
