Voici le dernier né de la maison Le Diplodocus : Cru Cuit, un imagier qui célèbre les aliments et la cuisine et qui titille les cinq sens des plus jeunes lecteurs. Rencontre avec son auteur. 

Matthieu Saintier, quel est votre parcours ?

J’ai étudié la musicologie, période qui m’a permis de réfléchir sur l’art et je me suis ensuite orienté vers le graphisme. Lorsque ma femme a créé sa maison d’édition, j’ai réalisé le logo puis me suis occupé du graphisme des livres. Petit à petit, j’ai pris de plus en plus de place dans la maison et maintenant j’en suis membre à part entière. 

Parlons un peu du Diplodocus. De quand date la maison d’édition ? quelle est sa ligne éditoriale  ? https://www.le-diplodocus.fr/

2015. Nous disons qu’il n’y a pas de ligne éditoriale. Nous publions des livres que nous aimons. C’est le principal moteur de nos choix. Quand on reçoit un livre, s’il nous plaît, si on le trouve intéressant ou beau, on y va. Il n’y a pas de thématique imposée, ni de format. Nos livres s’adressent aux enfants de 0 à 10 ans mais nous n’avons publié que de l’album illustré. En ce moment, nous En ce moment, nous essayons de publier de la BD.  https://www.le-diplodocus.fr/catalogue/la-tempete

Quelle est la place  des livres photos dans votre catalogue ?

Ils ont fait partie de notre catalogue dès le départ. Quand on a monté la maison,  nous cherchions des projets.  J’ai découvert le site de Tineke Meirink Meirink | le diplodocus (le-diplodocus.fr), une artiste hollandaise. On pouvait ajouter  des détails sur des photographies d’éléments d’une ville en bougeant la souris. On s’est dit que cela pourrait faire un super livre pour enfants. De là est née l’envie de développer une collection sur le Street art, afin de favoriser l’accès à cet art. Nous avons donc commencé par l’album Dans la rue, suivi de Dans la ville. https://www.le-diplodocus.fr/catalogue/dans-la-rue

Nous avons eu un peu de mal à trouver d’autres street-artistes parce qu’ils ne pensent pas forcément à se tourner vers la littérature jeunesse. Nous avons publié ensuite un album de coloriage avec Lucie Albon, puis Murmures autour de ses collages photographiques. https://miniphlit.hypotheses.org/7469

Parlons de Cru Cuit. Comment en est venue l’idée ?

Nous réfléchissions à réaliser un livre de recettes de cuisine pour les enfants. Ma femme, Floriane Charron, en a déjà  écrit pour d’autres maisons. Plus le projet avançait, plus on se disait qu’il fallait aller à l’essentiel. Nous avons donc eu assez rapidement l’idée du cru et du cuit. Je voulais que les enfants soient en interaction avec les aliments. J’ai beaucoup de mal avec la nature morte. Il y manque quelque chose. J’avais besoin de la vie autour des aliments. Le personnage principal de la photographie, c’est l’enfant. Je faisais en sorte de prendre les photos au moment où les enfants touchaient les aliments ou bien j’installais de petites mises en scènes. On trouvait également ensemble des moments pour des petites séances photos.

On trouve un mot par double page, dans un coin en bas à droite et en petite taille. Pourquoi ce choix ?

Pour faciliter la lecture des parents. On se rend compte que les albums muets les déstabilisent énormément, bien plus que les professionnels de la petite enfance ou du livre. Pourtant je trouve que les images font venir les mots et les phrases : “qu’est que tu penses ?” “Est que tu as déjà mangé ça ?”. L’enfant verbalise, entre en interaction avec les photos.

 Aviez-vous établi une liste d’aliments ?

Oui. Nous avons essayé avec une liste de dépasser les aliments évidents ou simplement graphiques. On s’est dit aussi qu’on ne pouvait pas parler uniquement du végétal puisque les gens mangent aussi des animaux. Pour autant, je n’avais pas envie de faire figurer une vache en face d’un steack haché  car un animal n’est pas un aliment cru mais un être vivant. J’avais essayé de faire des choses avec l’œuf, mais je n’ai pas été séduit. D’où la page du poisson.

Y a-t-il eu des modifications lors de cette nouvelle édition ?

Il fallait profiter de cette nouvelle édition pour l’améliorer. Je le trouvais un peu petit lors de mes lectures en classe. Il fait désormais 18 x 18, ce qui reste tout à fait manipulable par un petit et facilite sa lecture en classe. On a aussi modifié quelques photographies et donc l’ordre des pages pour ne pas avoir à la suite deux photos sur lesquelles l’enfant coupe par exemple. C’est tout un équilibre à trouver.

Est-ce que vous envisagez de réaliser un autre imagier ?

On m’en a souvent parlé après la sortie de Cru Cuit mais je n’avais alors pas trop d’idées et puis mes enfants ont grandi, du coup je n’avais plus les acteurs sous la main. Cela m’embêtait un petit peu de devoir travailler avec des enfants que je connaissais pas. J’ai ensuite eu d’autres projets de livres photographiques mais il me faut trouver du temps. Nous aimerions bien développer la collection de Street Art.

Merci Matthieu ! 

Sur la couverture, un enfant malicieux nous regarde à travers son viseur. Il nous invite à tourner les pages de son recueil de photographies. C’est que l’appareil a capturé les instants précieux de la première année de trois bébés, mais aussi une année de la nature et de ses transformations. Texte et photographies tissent des liens pour dire le temps qui passe, les métamorphoses, les échos entre les choses. Viens ! est bien plus qu’un imagier. Il offre un parcours sensoriel dans le monde qui nous entoure.

Rencontre avec Ramona Badescu.

Quel est votre métier ? et quel est votre parcours ? 

Je suis artiste-autrice, c’est à dire que je travaille dans un endroit qui relie le texte et l’image. Il m’arrive d’écrire en dialogue avec  des illustrateur.ices mais j’ai aussi ma propre pratique d’autrice, qui, d’abord ancrée dans le théâtre, a glissé vers la photographie et le cinéma documentaire. Mon travail est un travail d’assemblage, de tissage, de dramaturgie entre le texte et l’image que parfois je produis ou avec laquelle j’entre en dialogue.

J’ai fait des études de théâtre à l’université d’Aix-Marseille et j’ai co-fondé une compagnie de théâtre. Assez tôt j’ai publié un premier livre de littérature jeunesse, et cela a ouvert une voie que je n’avais absolument pas envisagé.

Racontez-nous l’aventure de votre premier ouvrage.

C’est un livre qui s appelle Pomelo est bien sous son pissenlit publié aux éditions Albin Michel jeunesse. C’est l’illustrateur Benjamin Chaud qui m’a proposé une collaboration en découvrant ce que j’avais écrit pour le théâtre. Je me suis plongé dans la littérature jeunesse que je méconnaissais assez.

Mon histoire personnelle est marquée par l’exil et une coupure dans la langue. Je suis née en Roumanie sous la dictature et je suis arrivée en France à dix ans. J’ai  passé à cette époque un temps assez long entre deux langues et dans cet entre-deux, il y a eu un long temps consacré à l’observation, à l image. Mon enseignante de CM2 m’a fait découvrir de façon géniale l’histoire de la peinture. Cela a marqué très fort mon imaginaire, mon goût pour la peinture et pour l’image.

Est-ce que ce goût pour l’observation du monde qui nous entoure infuse tout votre travail ? 

Oui je pense. Avec le temps et les expériences parcourues, je constate effectivement que ce que je travaille, c’est ce rapport aux éléments et comment on habite le monde. Une activité tout à fait quotidienne me fascine. Il y a chez moi un questionnement existentiel inépuisable. D’ouvrage en ouvrage, je le partage avec les enfants.  C’est une chance de mon métier de partager ce temps de l’enfance propice à la contemplation et au questionnement. Je considère l’espace du livre comme un espace sécurisé pour être dans l’émerveillement des choses simples et le bouleversement des valeurs. 

Il y a un appareil photographique en couverture. Quel est votre rapport à la photographie ? Que peut-elle dire aux enfants de la sensorialité du monde ? 

J’essaye vraiment de travailler la sensorialité. Convoquer les enfants et les adultes autour du livre c’est ré-ouvrir un espace sensible. La photographie n’est pas simplement un endroit du visible. Je cherche un degré d’intimité avec mes sujets qu’ils soient êtres humains, plantes ou animaux. Je ne fais jamais poser. C’est pour moi une manière d’entrer en connexion, de rentrer dans une bulle d’intimité vibratoire avec un environnement.

Le rapport à la photographie m’est venu à la vingtaine dans un moment de doute avec la peinture. La photographie m’accompagne  dans le quotidien. Je suis celle qui prend les photos quand on se réunit. Je suis un point de mémoire. Je fixe le temps qui passe et l’image de mes proches. Mon compagnon, le photographe et cinéaste Jeff Silva, m’a fourni les aspects techniques. Pour autant la technique me contraint, m’empêche alors je reste sobre, jusque dans mon matériel photographique. Pour ce livre, j’ai utilisé un boitier -Panasonic LUMIX GX85 et trois objectifs fixes 60, 45 et 20.

En ce qui concerne le livre pour enfants, j’ai la volonté très forte de mettre en mouvement ces photographies dans le rythme de la narration, de les voir  se répondre dans la double page.

Parlons de la création de Viens !

Il y a d’abord le temps de la cueillette photographique pendant lequel je suis ouverte à tout ce qui peut arriver. Ce livre n’aurait pu se faire sans l’invitation en résidence de l’association “éclat de lire” dans une résidence. Je venais une semaine par mois à Manosque pour rencontre les trois familles qui avaient accepté de cheminer avec moi pendant l’année de ma résidence. 

Une fois par mois, sans rien préparer, sans crainte des ennuis du quotidien, on prenait rendez-vous. Nous avons créé un espace intime entre nous. J’ai vu ces bébés grandir parfois plus que les membres de leur propre famille. Je prenais en photos les bébés mais je discutais aussi avec les familles des joies et soucis du quotidien. Des moments ont été très forts, avec les mamans comme avec les papas. 

Et comment s’est opérée la sélection ? On retrouve quelques incontournables des imagiers.  

Pour ça j’ai pris une année. J’ai essayé de varier ces grands points de rendez vous qui appartiennent à l’imaginaire collectif : les feuilles jeunes en automne, les cerises en été. J’ai glissé des éléments moins communs, des arbouses, un foulque, et tissé ainsi des éléments connus et inconnus, des éléments abstraits et concrets, des questions liées au net et au flou, des espaces proches ou plus lointains, des photographies de bébé et des photographies de la nature. Chaque nouvelle photographie du bébé permet d’assister à la façon dont le petit être humain se déploie sur cette incroyable première.

J’ai joué avec les images pour essayer de créer des duos, entre une forme et une autre, une couleur et une autre. L’idée est aussi de provoquer l’envie de questionner le hors-champ photographique et au final d’aller soi-même dehors caresser les feuilles ou observer la course des nuages. J’ai aussi photographié de manière répétée la nature, les collines qui entourent les maisons des bébés pour retrouver des éléments récurrents, retrouver leurs différents états et travailler la question du motif et de la transformation. Je voulais fixer différents états de la nature, de feuille, de floraison, du fruit. Ces images provoquent la discussion, des questions entre les parents et les enfants, créent des liens. en tout cas je l’espère)

Parlons de votre premier imagier photographique publié comme celui-ci aux (Grandes Personnes). Avez vous rencontré des difficultés à publier vos livres photographiques ? 

J’ai énormément de chance dans mon parcours professionnel parce qu’en essayant des choses je rencontre des gens à qui mes essais parlent et quicheminent avec moi. Tiens ! a été choisi par la ville de Grenoble pour être offert aux nouveaux nés. Naturellement je suis allé vers Les Grandes Personnes car j’avais repéré leurs lignes éditoriales. J’ai bénéficié d’une grande liberté et d’un grand accompagnement.

Le refus par rapport aux livres photos se situe ailleurs : il faut réfléchir à comment faire pour que des adultes acceptent que le livre photographique puisse être aussi bien que le livre illustré de dessins pour un enfant. J’ai reçu des retours extraordinaires des professionnels de la petite enfance sur mes livres photos. Mais en terme de ventes, c’est compliqué. Sur un salon du livre, les lecteurs se dirigent plus facilement vers mes autres livres. Pour autant il y a de plus en plus d attention porté au livre photo. Notamment grâce aux enfants, qui, eux, les choisissent sans hésiter.

Sur le site des (Grandes Personnes )

Merci Ramona !

La recherche en photolittérature pour la jeunesse c’est notamment découvrir et analyser des ouvrages qui font l’histoire passée et présente  de cette production, questionner ses créateurs, photographes, écrivains…. et éditeurs. Parole à David-Alexandre Guéniot, co-fondateur de la maison GHOST à Lisbonne.

Peut-on présenter rapidement votre maison d’édition ?

Elle a été créée en 2011 à Lisbonne par mon épouse Patricia Almeida, qui était photographe, et moi-même. Je viens plutôt de l’univers de la danse et de la chorégraphie. Ghost est l’acronyme de Guest et Host, manière de montrer la circularité de la position de l’auteur entre le photographe, l’écrivain, le designer, l’éditeur. Le livre est une réunion de plusieurs compétences et de plusieurs apports créatifs. Nous éditons des livres en lien avec la photographie et les arts visuels, notamment  la performance.

Quand vous recevez un projet photographique, qu’est-ce qui retient d’abord votre attention ?

Nous avons avant tout une pensée critique sur l’image, sur les modes de réception et de production d’une image photographique. Cela ne recouvre pas forcément une esthétique particulière. Nous avons une certaine défiance par rapport à la belle image ou à l’image impactante, esthétisante. Nous retenons plutôt des photographies qui intègrent à leur pratique une pensée critique de la représentation photographique.

Je publie deux ou trois projets par année et souvent il s’agit d’artistes que je connais depuis longtemps, avec lesquels il y a une confiance et qui connaissent ma conception du livre, d’une approche éditoriale active, peut-être intrusive pour certains. J’aime créer des livres qui sont  le résultat d’un processus éditorial, et non la production de décisions prises par l’auteur au préalable. J’entends l’édition comme un processus de création. Le plaisir que j’ai à éditer un livre, c’est la partie active de collaboration avec l’auteur, le designer.

Quelle est votre approche de la collaboration texte-image ?

Nous éditons plutôt des livres qui n’ont pas de texte. Il s’agit vraiment d’une réflexion autour de la narration visuelle et comment articuler un discours qui va passer par le montage d’images. Nous avons édité un livre de Catarina Botelho, À sombra do Sol [À l’ombre du Soleil] tiré de sa résidence au Cap vert. Elle y a photographié les rues désertes où  seuls sont présents  des chiens qui dorment. Ces images de chiens assoupis  collaborent avec des morceaux d’architecture. Nous avons intercalé des extraits de son  journal de création, réminiscences de moments de sa vie, comme une narration parallèle, à la manière d’un conte. Elle nous raconte avec cet assemblage son voyage dans un pays où le temps s’est arrêté, où la vie est occupée par des chiens. Les images se promènent sur la double page conçue comme un espace à occuper, à l’image de cette ville désertée. Elles sont toujours en mouvement.

Est-ce que les photographies de vos livres ont fait l’objet d’expositions ? Comment passe-t-on de la des murs à l’espace du livre ?

On n’en tient pas compte du tout. Il y a une autonomie du medium. Exposer, publier, ce ne sont pas les mêmes logiques. Dans un espace, il y a une dramaturgie de l’espace, une échelle qui tient compte de celle du corps humain en mouvement. lorsque l’on monte une exposition, on tient compte de la place de la porte, de la hauteur des murs, de la configuration de l’espace. On organise des itinéraires. Dans le livre, il y a d’autres conventions qui ne sont pas celles d’un espace architectural. La relation proposée au lecteur est aussi différente. Même si le corps du lecteur est toujours présent, il n’est pas dans la même relation physique avec les photographies. On prend en compte les conventions propres au livre en termes de séquençage, de rythme de lecture, d’effets de narration, de relation à l’objet, son format, la technique d’impression utilisée, le type de papier.    

Comment la production pour la jeunesse s’insère-t-elle dans votre production ?

C’est en devenant parents que nous avons eu la préoccupation de familiariser notre enfant à la photographie. Quand on pense la photo pour les enfants, il y a l’idée de remettre les choses à plat, d’explorer le degré  zéro de la photographie. Les enfants la découvrent. Il y a l ‘idée (utopique) que tout est possible. A travers la façon dont l’objet est pensé, on pense la réception du lecteur enfant. Je m’interroge beaucoup sur le fait que ce sont les adultes qui conçoivent des livres pour l’enfant alors qu’ils sont sortis de l’enfance. L’adulte projette énormément de choses de lui-même, alors que l’enfant n’a pas vraiment voix au chapitre. Pour résoudre ce dilemme j’ai eu envie de créer des livres jeux.

Nous avons d’abord publié Ollie Ollie Oxen Free – www.ghost.pt, dont le titre vient de l’expression populaire anglaise qui dit dans le jeu de cache-cache que les autres enfants peuvent sortir de leur cachette. Pour créer ce livre, j’ai joué avec mon fils et d’autres enfants dans des environnements domestiques. Ils se cachaient et je les prenais en photo. L’appareil avait la capacité à les capturer, à les figer. Le livre témoigne de ce jeu-là. Le livre est façonné de façon à ce que les enfants soient cachés dans le livre. Il présente des cachettes possibles, penderies, tables lits, et le lecteur doit trouver lui-même les enfants. Les pages sont reliées de façon à laisser un espace avec des enfants cachés.

J’ai réalisé un autre ouvrage inspiré de la façon dont mon fils s’installe pour jouer avec sa console de jeux portable. Je repensais à l’ouvrage de Munari et ses images de positions inconfortables provoquées par les chaises de designer. Seeking Comfort – www.ghost.pt est un peu un remake de cette plaisanterie de Munari sur l’inconfort des chaises. Mais c’est surtout la création d’une partition chorégraphique créée à partir de mouvements générés par un artefact technologique qui n’a pas pour but de créer du mouvement.

Seriez-vous tenté de développer une collection de livres pour enfants ?

A partir du moment où je reçois une proposition qui permet de penser un objet ou qui apporte une manière d’entrer une relation avec un contenu, cela m’intéresse toujours. Tout est possible dès  qu’on entre dans un dialogue critique sur la manière de créer pour l’enfant, de faire de la photo pour l’enfant. Il n y a pas de limite thématique.

Je n’aime pas trop l’idée de collection. Je préfère penser le livre comme une rencontre qui débouche sur une forme unique.

Quelle est selon vous la réception du livre photo pour enfants ?

C’est difficile. Il y a vraiment une tradition du livre pour enfant avec illustration. Le livre photo pour enfant est souvent mal compris. Il souffre de préjugés, liés à la façon dont les parents pensent la photo. Dès trois ans, l’enfant a un rapport au dessin plus direct, alors que la photo peut sembler imposée à l’enfant. Le dessin permet de partager un monde imaginaire de l’ordre de l’irréel, de l’immatériel, alors que la photo impose un effet de réalisme, restreint la capacité de naïveté. C’est une perception adulte de la photographie restreinte  par les adultes. J’ai l’impression (c’est plutôt une intuition) que les adultes invitent les enfants à partager un monde qui est contrôlé par le point de vue de l’adulte. André Bazin disait du cinéma qu’il “substitue à notre regard un monde qui s’accorde à nos désirs”, c’est la question que je me pose avec les livres photo pour enfants: Ne substituent-ils pas au regard de l’enfant un monde qui s’accorde aux désirs de l’adulte? Cela pose des questions non seulement esthétiques mais aussi éthiques et politiques sur la place de l’enfant dans la société, sur le statut de “sa minorité”, par exemple.

Qu’est-ce qui pourrait améliorer la vision des adultes à l’égard de cette production ?

Faire des workshops pour les familiariser à l’utilisation de la photo, installer la photo dans des schémas ludiques, former les parents eux-mêmes.

Est-ce que l’exposition peut être un moyen de vulgariser, de faire découvrir la photolittérature ?

Toutes les occasions sont bonnes pour montrer la richesse du livre photo pour enfants ainsi que tous les schémas narratifs que l’on peut inventer. J’ai monté une exposition à partir de ma collection à Lisbonne en 2015. J’avais envie de faire mieux connaître ces ouvrages. J’avais envie d’habituer les enfants à lire les photographies, les amener à collaborer, critiquer, jouer avec les images. Plusieurs animations étaient proposées. Cela a bien fonctionné.

Le site des éditions GHOST est à découvrir ici https://ghost.pt/About-1

Les images qui accompagnent cet entretien sont reproduites avec l’aimable autorisation des éditions Ghost et ne sont pas livres de droits.

Depuis le début de mes recherches, je suis intriguée par le travail de Bernadette Gervais. J’ai longtemps cru que ses imagiers étaient photographiques tant ses dessins étaient hyper-réalistes. La parution de Mes saisons aux éditions (Les Grandes Personnes), un mixe de  dessins et de photographies en noir et blanc, autant de zooms sur des petites bêtes ou des fleurs et mis en page dans un imagier grand format, m’offre enfin l’occasion d’un entretien.

Bernadette Gervais, est-ce votre premier livre de photographies pour enfants ?

Non, j’ai réalisé l’imagier  Légumes, chez Albin Michel avec Hélène Vincent. 

Quel est votre rapport à la photographie ?

La photographies est apparue dans une période compliquée de ma vie, il y a une dizaine d’années. Elle a fonctionné comme un échappatoire pour moi. Je partais dans la campagne et je photographiais la nature, avec un petit appareil photo. Je n’avais pas et je n’ai toujours pas d’appareil professionnel. A partir de ce moment-là c’est devenu presque obsessionnel ! J’ai toujours un petit appareil avec moi. Je prends des photos tout le temps. 

Avez-vous des maîtres en photographie ?

Il y a des photographes qui m’ont influencée, dont Adget ou Sudek. Ce que j’aime en photographie, c’est le noir et blanc. Leur manière de créer est très émotive et sensuelle. Ils jouent avec la lumière et je trouve cela émouvant. Karl Blossfeldt me plaît énormément avec ses photographies de végétaux. Lors d’une residence au Père Castor, j’ai découvert la série du Montreur d’images et j’ai été séduite à la foi par les photographies et l’intention pédagogique. C’est à partir de cela que j’ai eu envie de faire intervenir la photographie dans un imagier pour enfants. J’ai découvert en bouquinerie de très beaux livres comme ceux d’Ylla et celui de Doisneau Compter en s’amusant.

Parlons de Mes saisons. Quelle a été votre méthode ? Avez-vous établi une liste d’éléments de la nature à ne pas oublier  ? 

Il n’est pas simple de parler de mon organisation. Je réfléchis beaucoup en amont sans faire de projet papier. Quand j’ai décidé d’utiliser des photos noir et blanc et des dessins, j’ai construit mon livre. J’ai organisé le livre sur cette collaboration dessins/images. Chaque double page accueille une photographie et son dessin correspondant, en miroir. J’ai été guidée par mon stock de photographies de la nature emmagasinées depuis des années. Je tenais à utiliser certaines photographies, comme celle du paysage dans le brouillard et elles m’ont aidée à construire le livre. 

Cercope, Clytre, Sympétrome, Tétragnathe, Argiope, certains noms sont bien compliqués. Avez-vous une formation de biologiste ? Et ne craignez-vous pas les difficultés de prononciation ?

J’ai un amour de la nature qui me vient des balades dans la nature avec mon père. On observait tout. J’avais envie de recréer une balade dans la nature, avec des zooms. Quand on se balade on voit des éléments qu’on ne connaît pas et j’avais envie de faire figurer dans mon ouvrage des choses inconnues. Tout le monde connaît le Coquelicot mais peu de gens savent nommer la Silène enflée. C’est vraiment une fleur que l’on rencontre régulièrement tout le temps et j’avais envie de la mettre dans le livre. Les enfants retiennent des choses imprononçables tout le temps et je ne pense pas que les noms scientifiques les dérangent.

Comment faites-vous pour être si précise même avec vos animaux au pochoir ? 

Quand j’interviens dans les classes et que je montre Les choses qui piquent, il y a une guêpe. Les enfants me disent tout le temps “abeille”. J’avais donc envie d’une page qui détaille bien ces insectes différents mais très courants. Je recherche de la documentation sur internet pour pouvoir faire des dessins très précis. 

N’êtes vous jamais frustrée de ne pas expliquer davantage ? 

Non, je suis vraiment dans la création d’un imagier. Il s’agit de regarder et de nommer les choses. Ce n’est pas un documentaire. J’étais très frustrée de m’être limitée par contre ! J’avais beaucoup de matière et le choix a été difficile.  J’en fais tellement ! Je peux photographier douze fois un champignon et avoir du mal à choisir la bonne. 

Mes saisons est-il différent de vos précédents imagiers ? 

Ils sont bien différents. Le premier était d’inspiration conventionnelle et j’avais envie de rompre avec cet aspect conventionnel en travaillant le graphisme. Pour le suivant j’avais envie de présenter des objets et j’ai rassemblé des choses improbables dans un classement rigolo et poétique. Pour celui-ci je voulais un imagier-balade, très narratif. 

A l’occasion de vos prises de vue, avez-vous constaté que la nature évoluait ?

J’ai trouvé beaucoup de coquelicots ce qui m’a rassurée. J’étais dans des coins de nature assez fantastique et je ne me suis pas dit qu’elle souffrait. 

Travaillerez-vous de nouveau avec les photos ?

Je vais faire un jeu de loto, avec dessins et photos, sur les chiffres. Je l’espère très graphique et c’est un projet qui m’emballe. Maintenant je compte les choses tout le temps ! Dernièrement, j’ai photographié un paquet avec six œufs pour le chiffre six.

Du noir et blanc encore ? 

Oui ! La couleur, je la réserve pour le dessin. Je trouve que le contraste entre photographies en noir et blanc et dessins en couleurs fonctionne très bien. 

Bernadette Gervais sur le site des (Grandes Personnes) 

https://www.editionsdesgrandespersonnes.com/portfolio_page/gervais/

Les photographies de cet entretien ne sont pas libres de droit. Leur reproduction est autorisée par les éditions des (Grandes Personnes).

Nous poursuivons notre enquête sur les lieux de transmission de l’art photographique, avec une interview d’Alice Rougeulle, médiatrice à l’Institut pour la photographie des  Hauts-de-France .

Présentez-nous l’Institut pour la photographie.

Il a été créé en 2018. Il est né de la volonté de la région Hauts de France de doter le territoire d’un lieu dédié à l’image, en lien avec les questions d’enjeux sociaux que l’image représente. La région a travaillé avec les Rencontres d’Arles afin de définir au mieux les missions d’un nouveau lieu dédié à la photographie. L’institut a cinq grandes missions. D’abord, celle de la conservation. Il n’y a pas de collections permanentes mais nous accueillons des fonds d’archives de photographes. Il y a ensuite une mission de diffusion, qui passe par les expositions sur toute la région. La question de la recherche et de la création est le troisième point : nous accordons quatre bourses par an. Les deux dernières missions sont liées à votre sujet de recherche : le livre photographique et la transmission artistique et culturelle. Notre bibliothèque est bien fournie et s’est enrichie  à partir de dons de collectionneurs. 

Je travaille à l’Institut depuis cinq ans. Je ne viens pas de la photographie mais du spectacle vivant. Je travaillais dans la médiation liée à la danse contemporaine. Quand les premiers postes ont été proposés à l’Institut, j’y ai vu une façon d’explorer d’autres chemins, d’autres questionnements. Je m’occupe du volet transmission culturelle qui s’adresse à de multiples publics. Il s’agit de développer les liens avec différents secteurs, de développer des outils autour de la photo, de coordonner les visites et ateliers pendant notre programmation. La micro-édition y a une place particulière. 

A qui transmettez-vous la photographie et comment vous adressez-vous aux enfants ? 

On travaille beaucoup avec des écoles. Notre enjeu est d’éveiller les enfants à la lecture des images, pas à apprendre à faire des photos. Il s’agit de réfléchir aux images que l’on voit, de développer l’imaginaire en lien avec ces images, de travailler sur l’interprétation qu’on en fait. J’insiste beaucoup sur la lecture de l’image. Cela en passe par des visites d’expos, mais aussi par les ateliers et jeux de société autour des images, notamment avec les livres photos de la section jeunesse de notre bibliothèque. Nous n’utilisons pas des livres spécifiquement destinés aux enfants. Nous explorons tous les livres photos. Nous questionnons la mise en page, le papier, et nous envisageons le livre comme un tout. Quand nous organisons un atelier dans la bibliothèque, nous sélectionnons une trentaine d’ouvrages que l’on feuillette. Je demande aux enfants de s’arrêter sur une image qui leur parle en particulier et qui leur permet  de se présenter, d’évoquer un souvenir, une émotion du moment. Le livre permet de parler de soi avec les images des autres. Ils cherchent, fouillent, tournent les pages et il y a une dimension physique de rapport au livre dans ces moments-là.

Leur proposez-vous d’autres thématiques ? Découvrent-ils des livres anciens ?

Les enfants explorent d’autres thèmes après cette séance de présentation. Ils prennent ainsi conscience de la diversité des formes esthétiques que peuvent prendre les photos : documentaires, fictionnelles,  retravaillées. Concernant la vieille photographie, nous avons peu de livres anciens accessibles. Nous achetons des photographies vernaculaires en vrac pour qu’ils les manipulent et s’expriment à leur contact. Parfois c’est la première fois qu’ils sont en contact avec ces photographies en noir et blanc aux bords dentelés.

Nous leur proposons aussi des ateliers de cyanotype, des ateliers de photographie tactile où ils traduisent des photos par des matières. Ils peuvent aussi travailler avec des appareils numériques sur un sujet donné. Nous avons beaucoup, beaucoup de projets et propositions chaque année.

Rencontrent-ils des auteurs ?

Assez peu. Sauf si on travaille avec un photographe. Nous avons travaillé avec Jean-Michel André après l’ouvrage Border publié chez Actes sud. Il y a eu atelier d’écriture et atelier de prise de vue puis réalisation d’une micro édition. 

Parlez-vous d’histoire de la photographie ? Connaissent-ils de grands noms de la photo ? 

La manipulation de livres photos est l’occasion de les découvrir. Si on travaille sur l’enfance, on ira chercher des photographies de Doisneau ou de Boubat, mais si on travaille sur le développement durable, il faudra leur présenter d’autres photographes. Nous ne leur présentons pas ce qui serait une sorte de synthèse d’histoire de la photo. Si nous travaillons sur un thème, nous découvrons des auteurs qui ont travaillé sur cette question-là. 

Les enfants qui viennent sont ils vierges de tout bagage photographique ? 

Ils ne sont pas vierges de tout bagage, mais leur approche passe en fait par le smartphone. On a beau voir des images partout tout le temps, ils sont quand même intéressés. En fait, dès qu’il y a une image, elles continuent de susciter de l’intérêt. Le livre photo convient assez bien aux enfants allophones, parce que la photo fonctionne comme un langage universel. 

Quel bilan tirez-vous de ces quelques années de médiation ?

Le bilan est positif mais il reste beaucoup à faire. Ce qui est très intéressant dans le fait de travailler avec des enfants ou des adolescents, c’est que cela nous permet de nous rendre compte qu’il y a toujours des lectures multiples d’une image et que nous les adultes avons beaucoup à apprendre de la façon dont les enfants voient les images. La photographie permet une réciprocité des savoirs. 

Quels sont les projets en cours avec vos jeunes publics ? 

Nous construisons actuellement un atelier qui mettra en lien jeunes visiteurs et résidents d’un Ehpad. Nous avons aussi le dispositif “les classes cultures” qui offre à une classe de passer une semaine dans un musée. Les élèves découvrent la structure, ses métiers, vont travailler avec une photographe, vont explorer la bibliothèque. 

Il y a aussi des formations proposées aux enseignants sur leur temps de vacances, complétées de projets mis en place avec leur classe. 

Merci Alice Rougeulle ! 

Lien vers l’institut https://www.institut-photo.com/

Les photographies de cet entretien sont la propriété de l’Institut de la photographie de Lille et ne peuvent être utilisées sans son accord. 

“Je vous transfère ce mail qui peut vous intéresser” m’écrivait il y a quelques semaines Raphaële Botte, au-dessus de l’annonce de la parution de Murmures aux éditions Le diplodocus.

En forme de mise en bouche, la phrase “La ville affiche sa liberté et sa poésie dans un album photo de collages géants” voisinait avec des double-pages extraites de l’album. La rentrée 2023 s’annonçait photolittéraire. 

Rencontre avec Lucie Albon. 

Quelle est votre profession Lucie Albon ?

Je me présente comme autrice-illustratrice mais j’ai pas mal de casquettes : je fais de la fresque également et j’explore tout ce qui touche à la création.

J’ai conçu mes premières maquettes d’album jeunesse lorsque j’avais quinze ans et la première fois que je suis allée voir un éditeur jeunesse, j’en avais seize.  C’était un livre avec du papier déchiré. Il n’a pas été retenu car l’éditeur cherchait de l’aquarelle. Mais cela m’a plu d aller au bout de la démarche de création d’un livre pour enfants.

Et quel est votre premier ouvrage édité ?

C’était de la photo ! Un lapin dans la main en 2000. Il s’agissait de photographies de mes mains. Je peignais sur mes doigts et je me servais de mes mains un peu comme de marionnettes. Il fallait que je gère la photo, la lumière et mes mains. On était en argentique à l’époque et j’ai beaucoup recommencé parce que, quand je recevais mes photos, ce n’était pas exactement ce que je voulais. Il fallait souvent tout refaire. J’avais une idée très précise de ce que je voulais obtenir. J’ai beaucoup appris sur la technique photographie à ce moment là.

Quelle est votre relation à la photographie ?

Enfant, je faisais de la photo en noir et blanc avec les appareils de mon papa et également de la peinture en parallèle. Mais je ne me suis jamais dit que j’allais être photographe. J’aimais toutefois jouer avec les cadrages et  les contrastes.

Est-ce que vos ouvrages photographiques ont toujours reçu un bon accueil par les éditeurs à qui vous les proposiez ?

Oui, mais sans doute parce que je photographiais de l’illustration. Ma main était un volume. Je composais une saynète, un peu comme un théâtre. Les images étaient dessinées sur mes mains et je les prenais en photo. 

Par la suite, j’ai réalisé un livre de coloriage. Quand je fais des grands dessins dans la rue, ils interagissent avec le lieu, avec les gens. La photographie est idéale pour  fixer dans la mémoire ces dessins réalisés au papier collé et qui sont éphémères. Plusieurs fois, mes créations ont été gribouillées, peintes, coloriées. Cela m’a donné l’idée de créer un livre de coloriages à partir de ces grands dessins sur les murs. Il s’appelle Des villes à colorier chez Le diplodocus. (Image ci-dessus)

Comment définiriez-vous votre univers créatif ?

Toujours un peu mélangé et curieux. Je compose actuellement des livres avec des reflets et des miroirs. C’est le cas du prochain chez Albin Michel. J’en ai fait beaucoup avec ce principe de prolongement d’une page sur l’autre par le biais du reflet. C’est souvent par la manipulation, l’expérimentation que j’avance avec une technique. J’aime explorer tout ce qui existe, sans être attachée à l’une ou l’autre en particulier. On peut dire que la main a occupé un long moment mon univers. Il y a eu les mains peintes, les empreintes de la main. J’essaye aussi de faire un livre en céramique. J’ai également créer des ouvrages de bande dessinée en carte à gratter. La photo est un outil parmi les autres outils.

Parlons du dernier livre, de son aventure, de votre collaboration avec un photographe.

Les photographies de Murmures sont signées Matthieu Perret. Elles ne reflètent pas forcément l’étendue ni la beauté de son travail car elles sont très didactiques. Pour l’album, elles montrent, de façon neutre, et laissent le personnage dessiné sur les murs prendre la place. Très souvent j’aide Matthieu sur ses prises de vue et il m’aide sur mes projets. On a énormément d’échanges. Il a aussi une carrière en photographie et en vidéo.

Murmures est né d’une rencontre avec l’auteur Thomas Scotto  sur un salon. Nous avons beaucoup aimé nos univers respectifs et décidé de faire un ouvrage ensemble, Nous avions envie d’un ouvrage à partir des images que je réalise pour la rue. A cause du confinement, nous avons travaillé d’une drôle de façon. J’ai créé mon histoire de mon côté, en repérant des murs dans la ville de Lyon avec Matthieu Perret. J’ai posé mes personnages sur ces espaces. Je ne lui ai pas donné à lire immédiatement mon histoire. Matthieu l’a prise en photo et c’est cette matière qui a été confiée à Thomas. Il en a fait une histoire complètement différente de celle que j’avais imaginée. Pour moi c’était l’histoire d’un personnage qui s’émancipe, sort des murs, est accepté comme art et retourne en galerie. Une allégorie du Steet Art. Thomas en a fait une histoire poétique, une quête plutôt. 

En avez-vous terminé avec la photographie ? 

Merci Lucie ! 

Le site de Lucie Albon c’est ici https://www.luciealbon.net/-livres-

Celui des éditions Le Diplodocus est là https://www.le-diplodocus.fr/auteur/lucie-albon

Les photographies de cet entretien sont extraites de Des villes  colorier  et de Murmures et ne sont pas libres de droit. Elles sont reproduites avec l’accord de l’artiste. 

Le jeu du Qui Tu Fus / poèmes de David Dumortier / éditions møtus / 2024 . 

(Les images qui illustrent cet entretien sont publiées avec l’autorisation d’Aude Léonard et ne sont pas libres de droits)

Avant l’été, les éditions MeMo reçurent un mail de protestation signé Aude Léonard. La monographie 150 ans de photolittérature pour les enfants avait négligé de signaler la contribution de la  maison d’édition møtus à l’histoire de la photolittérature jeunesse.

Cette erreur nous permet aujourd’hui de découvrir avec bonheur le travail de la photographe Aude Léonard. 

Aude Léonard, quel est votre parcours ?

Mon entrée dans la filière artistique s’est faite par les arts appliqués : un baccalauréat STI AA à Saint-Etienne, puis un BTS communication visuelle à Besançon. J’aurais adoré fréquenter les grandes écoles d’art comme les arts décoratifs ou les écoles publiques parisiennes, je n’ai pas eu ce privilège, alors j’ai pris les chemins buissonniers. Je n’ai pas étudié la photographie, mais après Besançon, j’ai passé un an aux beaux-arts d’Epinal, et c’est là que je me suis mise à passer de plus en plus de temps au sous-sol, dans le labo-photo.

Comment êtes-vous venue à la littérature de jeunesse ?

À la fin du BTS, même si j’avais pris plaisir à explorer les différents champs de la communication (graphisme, publicité,…) j’ai ressenti la frustration de m’être trop éloignée d’une pratique artistique manuelle, tangible. J’avais envie de dessiner davantage. J’aimais la photographie, la magie du labo car à cette époque on utilisait encore du matériel argentique, mais à aucun moment je n’ai imaginé que je ferai de la photographie mon métier. Cette quête de matérialité m’a conduite au livre. Le livre est devenu objet de désir, et être « illustratrice jeunesse » le rêve à réaliser. Le moment décisif a été la rencontre avec François David, fondateur des éditions Møtus. En découvrant les livres publiés par Møtus, j’ai immédiatement eu un sentiment d’appartenance. J’ai eu le bonheur de signer un premier contrat. Et c’est par la poésie que je suis venue à la littérature jeunesse.

Quelle est la place de la photographie dans votre création ? Dans vos ouvrages ?

Mon médium artistique est la photographie. Mais je me définis plus facilement comme illustratrice que comme photographe, même si j’ai toujours du mal à assumer l’un ou l’autre statut. Pour moi la photographie véhicule encore la nécessité d’une technicité que je n’ai pas. Et quand je me place du côté de l’illustration, j’éprouve le syndrome de l’imposteur lorsque je dois « avouer » que je travaille avec de la photographie ! Ce qui m’a fait douter de ma légitimité d’illustratrice au début, c’est l’absence d’ « originaux » : pas de belles encres ou gouaches à exposer ! Depuis, le numérique ayant permis de tout dématérialiser, les codes ont changé. Mais il y a dix-sept ans, lorsque j’ai commencé à bricoler des images numériquement, l’argentique devenant trop chronophage et onéreux, il était important pour moi de conserver une étape artisanale : je reproduisais mes photos-montages numériques par contact, en argentique; j’obtenais des tirages « uniques », numérotés.

Par ailleurs, je dessine un peu, et dans mon plus récent projet, j’ai intégré du dessin, pour les éléments que je ne pouvais pas photographier (un mammouth par exemple). Mais mon matériau est le réel. Que je transforme, certes. C’est une photographie très travaillée, composée, au moyen de mises en scène et de montages. Je réalise toutes les prises de vues. Et comme j’aime le dire aux enfants, les personnages de mes images sont de vrais gens.

Dernièrement j’ai fait évoluer mon processus de mise en scène vers le pop-up, une technique qui me permet d’installer mes sujets photographiés dans un espace tridimensionnel. Je manipule des photos, mais aussi du papier ; ça répond à mon besoin de matérialité.

Le jeu du Qui Tu Fus / poèmes de David Dumortier / éditions møtus / 2024

Qui sont les grands maîtres qui vous inspirent ? Vous sentez-vous proche d’un photographe en particulier ?

Je n’ai pas une grande culture photographique mais je me souviens avoir été très émue en découvrant le travail de Sarah Moon, particulièrement ses adaptations de contes populaires, dans lesquelles elle mêle images fixes et vidéo, et propose un regard singulier loin des versions édulcorées habituelles. Je pense que les images de Jan Saudek m’ont beaucoup influencée : la composition frontale, la théâtralisation des mises en scène avec un arrière-plan réduit souvent à un mur, une fenêtre : un décor rudimentaire mais très expressif, dont il a fait de multiples variations. Et puis il y a Gilbert Garcin : son travail me touche car il se met en scène dans ses photographies, ainsi que sa femme, et je me retrouve dans cette intimité-là, cette économie de moyen. Ses images sont d’une efficacité redoutable, et tellement drôles !

Comment définiriez-vous votre univers créatif ?

Poétique par définition car j’ai illustré plusieurs recueils de poèmes. C’est très agréable pour moi d’illustrer de la poésie. Il y a beaucoup d’espace pour les images.

On peut aussi définir mon univers comme onirique puisque je transforme le réel, comme si je matérialisais un songe.

Pour moi, il est surtout intimiste, car j’ai toujours travaillé avec des moyens modestes, photographiant mon environnement, mes proches, mes objets. Je me suis beaucoup mise en scène, costumée, jouant tous les rôles. Ma pratique est assez théâtrale. Le spectacle vivant me nourrit. L’atmosphère de mes images est un peu désuète.

Le sous-marin de papier / poèmes de Werner Lambersy / éditions møtus / 2017 https://editions-motus.com/produit/le-sous-marin-de-papier/

En général, vos images viennent-elles avant ou après les mots ? Quelle est la part de co-création avec les écrivains ?

Tout dépend de s’il s’agit d’une commande. Dans ce cas, les mots préexistent, et je procède comme un dessinateur, je fais des esquisses. Puis comme un metteur en scène ou un décorateur, je collecte ce dont j’ai besoin : accessoires, costumes, etc. Puis je réalise des prises de vues. Et pendant ce temps-là, je ne suis pas en relation avec les auteurs des textes. À l’exception des binômes qui ont l’habitude de travailler à quatre mains, dans le monde de l’édition jeunesse la coutume veut que ce soit l’éditeur qui choisisse l’illustrateur d’un texte dont il a acquis les droits. L’auteur du texte n’a pas vraiment droit de regard. On peut questionner cette pratique… Mon constat, c’est qu’un bon éditeur saura trouver l’accord parfait. Et généralement, même si je peux me sentir un peu fébrile, c’est toujours une joie lorsque les images sont dévoilées à l’auteur.

J’ai ressenti l’envie d’écrire mes propres textes.

Comme alors il ne s’agit plus de commandes, c’est l’image qui vient en premier. J’ai de cette façon réalisé plusieurs séries, qui auraient pu devenir des livres si elles avaient fait l’objet de contrats d’édition. Pour l’heure elles ont plutôt été destinées à l’accrochage, pour des expositions.

Et finalement, les textes qui naissent d’une véritable nécessité intérieure, je me suis rendue compte que je ne me sentais pas forcément capable de les illustrer moi-même. J’ai sans doute besoin qu’ils m’échappent. Très vite, en écrivant, d’autres univers graphiques que le mien m’ont entêtée. C’est une sensation étonnante.

Avez-vous rencontré des difficultés à vous faire publier ? Quel est votre regard sur la place actuelle de la production photolittéraire ?

Je n’ai pas eu de difficultés à publier un premier ouvrage car j’ai eu la chance de faire la bonne rencontre au bon moment. En revanche, il m’a été difficile de convaincre d’autres éditeurs par la suite. J’ai perçu de la frilosité vis à vis de la photographie, notamment d’une photographie créative, de fiction, que j’oppose à une photographie documentaire, « d’inventaire ». La photographie a sa place dans les imagiers, et il en existe de très beaux, mais en dehors de cette catégorie de livres, elle est rare, en tous cas depuis quelques décennies. Ayant beaucoup travaillé en noir et blanc, j’ai rencontré une difficulté supplémentaire.

Je regrette que la photographie n’occupe pas davantage de place dans la production littéraire aujourd’hui, car j’aime la photographie, tout simplement. Néanmoins, sa rareté la rend précieuse, et j’aime l’idée d’avoir une pratique singulière.

Le parapluie de monsieur Roland / texte d’Ariane Duclert / éditions La marmite à mots / 2016 https://www.la-marmite-a-mots.fr/nos-albums/le-fil-d-ariane-d%C3%A8s-6-ans/le-parapluie-de-monsieur-roland/

A quelle occasion rencontrez-vous votre public ? Quel est en général sa réaction face à la présence de photographies ? Réalisent-ils immédiatement qu’il s’agit de photographies ?

Je rencontre mon public lors de salons du livre jeunesse, d’expositions, ou lors d’ateliers avec des enfants. Avec les enfants il est très intéressant de questionner leur interprétation des images, leur relation à la photographie ou au dessin, leur compréhension des processus de fabrication. Peut-être qu’au premier regard, pour un enfant d’aujourd’hui, la photographie, banalisée par l’usage du smartphone, n’est pas aussi séduisante qu’un dessin. Mais dès lors qu’on propose un récit, qu’on suggère qu’il pourrait jouer le personnage de l’histoire, et qu’on expérimente le collage, la photographie devient attractive pour l’enfant. Et il est important d’être sensibilisé à la lecture des images.

Pour le regard des adultes, mes images sont ambiguës. Ils ne comprennent pas toujours s’ils voient du dessin ou de la photographie. Ils sont déstabilisés parce que ce n’est pas de la photographie brute. Et le plus difficile, c’est lorsque je dois expliquer mon travail sans pouvoir le montrer ! Mais au bout du compte, je pense pouvoir dire que mes images ont rencontré leur public, peu importe que ce soit dans le champ de l’illustration ou de la photographie.

MAQUETTES POP-UP / Le jeu du Qui Tu Fus / poèmes de David Dumortier / éditions møtus / 2024

Voulez-vous nous présenter votre dernier ouvrage et l’usage que vous faites de la photographie ?

Mon dernier ouvrage est une nouvelle collaboration avec les éditions Møtus. J’ai illustré des poèmes de David Dumortier qui vont être publiés sous la forme d’un jeu de cartes, dans un joli étui, avec pour titre Le jeu du Qui Tu Fus. C’est un projet qui fait suite au Jeu de la bonne aventure (2014, même auteur, même éditeur), dont je n’avais fait que l’habillage graphique. Là, il y aura trente-trois cartes illustrées.

Pour ce projet, en couleur, et toujours en photographie, j’ai exploré le volume. J’ai fabriqué trente-trois petites maquettes en pop-up. La technique du pop-up me permet de mettre en scène des photographies découpées. Ces pop-up, que l’on peut définir comme mes « originaux », je les re-photographie, et ce sont des images en 2D qui seront imprimées. L’intérêt, c’est que la gestion des ombres, de la profondeur de champ, se fait naturellement. Ça revient à faire du photo-montage manuel. Et surtout, j’ai pris beaucoup de plaisir à manipuler le papier. Les étapes successives de prises de vues et d’impressions, en altérant légèrement la définition de l’image, donnent un grain singulier aux images définitives. Le rendu est doux.

C’est donc un travail méticuleux, très long. Pendant la réalisation, j’avais à l’esprit et à cœur d’en faire un objet de transmission : je pense qu’il y aura de multiples façons de partager cela avec des enfants, jeunes et vieux.

Pour les personnages, ça a été une petite entreprise familiale, j’ai sollicité mes enfants. Il est important pour moi de mêler ce quotidien familial à mon activité professionnelle, car être artiste et femme et mère demeure une lutte de chaque jour. Il est impossible de cloisonner. L’usage de la photographie pose la question du droit à l’image, et du consentement. C’est pourquoi pendant longtemps, mon propre corps a été le matériau le plus accessible. Aujourd’hui, avoir des enfants dans mon environnement simplifie les choses. Mais je veille à user de leur image avec délicatesse. Les personnages sont pudiques. Souvent grimés, masqués pour ce projet-ci.

Lisiez-vous des ouvrages photo-illustrés quand vous étiez enfant ?

Et bien, pas vraiment à priori. Il y avait peu d’albums illustrés chez moi.

Par contre, j’ai lu pas mal de presse jeunesse, et de mémoire, la photo documentaire avait la part belle. Je me souviens de beaux reportages photographiques dans Images Doc, que d’ailleurs je prenais plaisir à découper pour les mises en pages de magazines de ma création, auxquels j’abonnais clandestinement ma sœur cadette !

Et pour l’anecdote, je fabriquais aussi des roman-photos en découpant les poupées dans les catalogues de jouets de grands magasins.

Merci Aude !

Aude Léonard / / / illustratrice-photographe (audeleonard.fr)

Marie-Ange Bordas est née au Brésil. Elle travaille depuis vingt ans sur la question des réfugiés et déplacés et sur la sauvegarde  des patrimoines et savoirs traditionnels des communautés autochtones. Plusieurs albums  photo-illustrés réalisés avec les enfants des camps ou des villages indigènes où elle a séjourné sont nés de ces projets collaboratifs. Je la rencontre à Paris, lors du colloque sur la photolittérature jeunesse.

Marie-Ange Bordas, quelle est votre profession ?

Question compliquée ! Je suis journaliste de formation. J’ai commencé la photographie lorsque j’avais 16 ans. J’ai une maîtrise en images et sons obtenue à l’université de Sao Paulo et j’ai fait une école de photo à New York grâce à une bourse. J’ai travaillé dans le cinéma au Brésil et notamment sur des projets de décentralisation de la culture.   A New York, où j’ai vécu 5 ans, j’ai développé ma propre carrière artistique ainsi que celle de médiatrice culturelle.

Comment êtes vous venue à la littérature jeunesse ?

J’ai toujours été une grande consommatrice de littérature jeunesse. Quand j’ai commencé mon travail d’artiste, j’ai mis en place des projets collaboratifs. L’artiste est un pont entre plusieurs mondes, les réfugiés et les pays d’accueil, les musées et la forêt, etc… Faire de l’art pour moi est politique. A New York, j’ai collaboré avec des réfugiés dans le cadre d’un projet nommé Déplacement. Moi aussi je suis une “déplacée”. Je suis née au Brésil et j’ai vécu ailleurs. J’avais le sentiment que les médias ne traitaient pas bien du sujet des réfugiés et je ne voulais pas en parler  comme une journaliste parachutée dans un lieu. Je voulais écouter les gens, m’intéresser à leurs pratiques artistiques, créer des endroits où ils se sentent bien, bâtir avec eux des expositions conçues à partir des messages qu’ils voulaient adresser aux pays d’accueil.  Dans les camps où j’ai séjourné, nous avons créé des laboratoires photos et réalisé des performances. Le livre Dois Meninos de Kakuma découle de ces projets. L’idée est venue du besoin des jeunes de parler de la situation d’un enfant né dans un camp et de la confronter à la vie d’un enfant né dans une ville. Kakuma est une ville dans le comté de Turkana au Kenya. C’est aussi le site d’un camp de réfugiés de l’UNHCR. Les enfants qui y naissent ne connaissent pas leur pays d’origine.  Si ces personnages sont fictionnels, le récit  est basé sur des histoires de gens que j’ai croisés dans les camps.

Vos ouvrages sont donc nés de collaborations avec des enfants ? Ces livres sont aussi des espaces de collaboration entre photos, textes et dessins ?

Au Brésil, en 2008-2009, il n’y avait pas de livres pour les enfants des communautés.  Les professeurs de la forêt amazonienne déploraient de ne pas avoir d’ouvrages qui parlent d’eux. Zèbre, rhinocéros figurent dans des livres qui sont utilisés par les enseignants alors que les enfants ne les connaissent pas. J’avais envie de créer des ouvrages sur et pour ces communautés traditionnelles, à partir de ce qui était local. J’ai gagné un prix du Ministère de la culture qui m’a permis de passer cinq ans avec plusieurs communautés indigènes qui vivent entre le Pérou et le Brésil.

La photographie s’imposait. Elle était le moyen le plus adapté pour représenter des enfants noirs, loin des illustrations dessinées stéréotypées. La photo est selon moi un moyen d’avoir une couche de moins de représentation. J’ai collaboré avec les enfants pour les photographier et choisir avec eux ce qu’on allait montrer de leur vie, de leur environnement. Je voulais aussi utiliser les dessins des enfants dans mes livres.  Un éditeur a très rapidement accepté ce projet.

A partir de 2012, on a eu une loi qui obligeait les écoles à aborder l’histoire afro-brésilienne. J’ai réalisé un livre bilingue pour conserver les langues locales et permettre à toutes les générations de les connaître. Ce livre est beaucoup utilisé.  On y présente les savoirs d’une région que l’on mélange avec les histoires collectées auprès des familles.  C’est un mix entre traditions et documentaires.

Dans le livre qui porte sur les indigènes situé à la frontière avec le Pérou, il y a un texte  en portugais imprimé en noir et un autre dans la langue traditionnelle, imprimé en rouge. Les enfants ont fait des photos et des dessins.  On y explique les peintures corporelles, la tradition de la pêche. Les enfants sont les protagonistes de ces ouvrages et vont interviewer les membres de leurs familles.

A la fin de l’étape de collecte, je rentre avec plus de mille dessins et des vidéos. Quand le livre est presque fini, je l’envoie pour validation à la communauté. Lorsqu’il est imprimé, on fait le lancement du livre dans la communauté et chaque enfant reçoit un livre. Les professeurs sont ensuite formés pour éduquer à partir des connaissances locales. J’aime quand les gens les plus âgés des communautés sont touchés par les livres. Les savoirs et la culture sont conservés et transmis. Ces ouvrages sont ensuite diffusés dans le reste du pays. Ils doivent servir à casser les stéréotypes.

Qu’en est-il de la traduction de ces ouvrages ?

Je rêve qu’ils soient traduits. Mon dernier ouvrage porte sur les légendes d’Amazonie. J’ai repris des légendes très populaires que tout le monde connaît et j’ai ajouté des récits locaux qui parlent de phénomènes incroyables mais qui sont pourtant tout à fait naturels. Chaque légende est complétée de deux pages de documentaires qui expliquent ce qu’il y a derrière les légendes.

A n’en pas douter, les enfants apprécient le monde magique de Jan von Holleben, ses créations plastiques colorées et délirantes, ses mondes oniriques et ludiques dont ils sont les aventuriers. Chacun de ses livres invite les enfants, et aussi les adultes, à se laisser surprendre par ces images foisonnantes d’objets en tout genre, ces compositions  qui donnent vie à toutes les envies. 

Rencontre avec un magicien qui donne vie aux rêves enfantins.

To the question “What is your profession?” What do you answer ?

When I speak English, then I am a photographer. In German I am A photographer and children books illustrator. The English definition is much broader and includes many facets. In German, we are very precise. So a photographer is in fact just someone taking pictures.  Noone has any idea what you actually do. That’s when I have to start explaining : I work for books and magazines.. but also for artistic projects and exhibitions, I am curating, editing, … and most of all, I actually make children books.

How long have you been working in children’s literature?

My very first project, before I even considered myself a professional photographer, was Dreams of Flying. I simply played photography with my neighbor’s kids and they told me stories, inspired by children literature and modern heroes. I used a very simple snapchot camera and the ‘shooting from above’-technique to make those dreams come true. This was ours pare time on weekends.

Only by chance, an editor saw those images and posted them on her blog in 2005. In less than 3 months, that project was all over the world on hundreds of blog and I was bombarded with commissions and exhibitions and magazine features, won awards and had to stop being a photo director for a young cooperative and jump into full time ‘being photographer’.

I made a self published first book (out of cardboard in an edition of 500 copies) with those images, which sold out immediately and made a second. Both of those books (2006 and 2007) I always considered to be children books but for adults alike.

Since my first training was teacher for handicaped children and I was meant to become a teacher, I feel that together with photography, I came full circle. I love explaining complicated things in very simple ways. I was always good in that. Since my own high school – my teachers remember. I also have to admit, that my childhood was full of stories, adventures, literature, nature…

Do you have models in photography or children’s literature ?

I would always say, that Astrid Lindgren wrote my favorite books. But also Michael Ende, Ottfried Preussler. Also the entire canon of old Disney movies. Today I am also fascinated by more international likes as Doctor Seuss, Eric Carle, Maurice Sendak, ..

In Photography ? Always the narrative based art photographers.

How many books have you produced? Can you give us some other titles?

I made about 25 books over the last 15 years. My favorite is the series of non-fiction books for Thienemann Publishers which was based on my top seller : Does that happen to everybody ? (a philosophical book on puberty). This was followed by 5 other (social)science books on the brain, world religion, internet, politics, divorce.

The books that are closest to me are the creative books I made with my most favorite German publisher Beltz ALWAYS EVERYTHING and MY WILD FURY and I am proudest of the two books that I made with art book publisher Little Steidl, the little offspring of Steidl Publishers, mastered by Nina Holland KOSMOS and most recently THE BLUEBERRY MACHINE

Who are they for?

My books are usually considered to be for anyone who reads visuals/ photographs.

The non-fiction books were primarily made in order to stimulate debates/ conversations between children and parents. And the creative books are really for the kids alone. I think that they really get them. The problem is just always: how to surpass their parents!?

At the moment, I feel that I want to work more and more for the kids only. Tricky, but ultimately I want the parents to trust me (parents are often bad photo readers) and then I can get into a dialogue with the children. Just like when I work with them in my studio. The energy is always high, we all know what we do and once we have to explain it to a parent, the magic is gone. Weird but true.

Let’s talk about the Blueberry Machine: when and how did the idea for this project come about?

I have spent years with my best friend in his home country Norway. He spent summers at his grand parents on a farm, which we visited often. It is in the middle of nowhere in my favourite part of Norway. Olav, who is the main character in the book, lives on that farm with his parents. I saw him growing up. When he was about 4 years old, I spend the summer at their farm and Olav started showing me around. He always walked the dog up and down the hills, checked their sheep and just had a good time. I didn’t speak much Norwegian, but we always had a good non verbal communication. It was on one of those walks, when I understood, that these mountains are Olav’s home and he knows them inside out. In the evenings we sat at the fire and the kids played all sorts of things. Olav was a great builder. And I remembered that I was a fascinated builder in my childhood too. So we connected and built a lot. I wanted to make a project with him.. in his world with all the ideas he and I had together.

How did the collaboration between words and images come about?

That was only after I had made the images. And it was a fascinating process (since usually it works the other way around). I had already written a few lines to each image. But there was no story. When Nina Holland picked up the project, she had the best idea, to get Monte Packham involved. He had never written a children book before, but was a great and fun writer. We all klicked, I told him my thoughts and with a few editing changes in the sequence of the images, an idea unfolded for him, he put it all together added some magic here and there and suddenly we had a beautiful story that I totally fell in love with.

What is the purpose of this book?

To me, the book is a very classic format of a children’s book. It is the first time, that I have done something like it and I really enjoyed it. The book has a traditional story line, yet combined with the photos, that feature 50% reality and 50% a visionary tale, our story, the book can be read in various ways. Most of all, it gives the children a choice to go beyond the story line and understand the meta levels of imaginary games, fantasy and how to differentiate between them. However you can also just enjoy the story with its educational finale and learn about the best machines of all: your own two hands.  Additionally, my photography invites the creativity of kids to learn about image making… so once you are done with the story, you can learn about the individual images, how they are done and be inspired. That part of my photography is always in my work. If it is for magazines, books or clients. I want children to learn about image making. What is photography. What can photography. I want kids to become visual literate.

Where do you find the objects in the images?

Nowadays I have a huge collection of well organized boxes. The content is labelled with screws, balls, feathers, technical things, toys, buttons, hearts, gold, candy, .. all sorts. Its 15 years of keeping my eyes open and simply collecting what I find relevant or interesting. I am no fan of special effects in photography. I want to create things from the ordinary. Things that everybody can understand, remember, detect. I am very democratic in that.

Did you have difficulties finding a publisher?

Yes.. I proposed it to my ‘standard publishers’ and they struggled. But we didn’t have a real text at the time. That is in Germany a real issue. Text is mostly mandatory. I had hoped that a mainstream book publisher would pick up on it.
I had worked with Nina Holland at Little Steidl before on KOSMOS, which is a very complex Artist book box made of 6 individual books. She had always worked on books for anyone. When she saw ‘The Blueberry Machine’ images, she took some time for herself to understand that secretly she always wanted to make exclusive children books. She has an amazing collection of historical children books. When working with Little Steidl, that is a long process. So when she finally decided to open up her publishing house to a real children book, it all fell into place. Making the entire book without any compromises on material and design, production and text was the best choice after all.

Do you usually work alone or with a writer for your books?

I usually start by myself. I am very image driven and I am keen to produce work that stimulates children – and myself at the same time. I have a lot of respect for children and hence a good understanding too for what they are interested in. Meaning that I don’t want to please them – no cheap tricks (as the book or toy industry works on mostly) – I want to challenge them on their grounds. I want them to be curious about what I do and I want them to make an effort to get to the bottom of things.

Only once I have decided that the images I made are best placed in a book, I think about the need for text.

What about your next project?

I am working on 8 books at the moment as good examples for your question.

The first book is a dream come true with a new French publisher. I made the work 20 years ago and I am soo excited that the publisher believes that the images are strong enough to make a book without text. Saying that, we will have titles for the images. nothing else. Another book is the sequel to The Blueberry Machine. Since I loved working with Monte on that one so much, I think we shall try to start it off together this time. Let’s see what happens. We are both very creative and flexibel and I am happy to try it differently this time.

Book three: I have been given a carte blanche to work out a book together with an illustrator of my choice, who I found already. We are trying to balance the photography part with the illustrations part, so both get the space they need, in order to be balanced and effective. The illustrator is also a great story writer, and we are still discussing if there is a need for text. At the moment I feel that we could actually tell the story with our two image techniques. Let’s see.

Then I am on book 4 that is a non fiction book. I conceived the idea with a historian and writer and we proposed it to a publisher, who jumped on it. It is the three of us developing the idea further and further and working on it equally. We meet every 3-4 weeks and discuss all of it. That’s very exciting since we all bring our expertise to it in equal parts. It feels like being in a super team with those two. I work mostly from text to image.

Book 5, 6 and 7 are totally free photo books. I will probably publish them myself and don’t want any text in them for now. Then again: Text will be there as title and colophone and usually I give a few lines along.. but no text in a classical sense, accompanying or explaining images)

Book 8 again will be a real challenge for me, since I want to create it by myself without text but work in a clear story line structure.. or at least a message and an understanding of what it is all about. The images can carry most of that, but my challenge is, bringing them into a sequencing and adding in between images to make the jumps from one key image to another. I am very much looking forward to that.

Bottom line I remember a lesson from my university degree, which came from my tutor David Campany: more or less every image/ photo comes with text of some sort. If it is a title, a caption, a memory, a paragraph, … there is always an image text combination present. And as artist/ photographer we need to be aware of that and define the text that we want or need with the images we produce.

Your universe is very colorful. Is black and white not for children?

I think Black and White works also for kids – still today. Many successful children books prove that. Maybe that’s a compromise in modern times, that parents can accept easier than color photography? (I am convinced that straight color photography still seems to be a threat for many parents when thinking about their kids’ books)
B/W always reduces the content of an image. It is also further removed from our modern reality – more abstract. That threat of straight color photography, that I mentioned, is something that I usually try to counter act with my studio photography, where we can focus on content rather than bringing too much reality in (background, light, atmosphere, chance, indexicality in general….). But sometimes I am sneaking in more ‘realistic’ images, just to bring my work back into the reality and the factual lives of those reading kids.

Merci Jan !!

Pour découvrir son travail  : https://www.janvonholleben.com/