Les éditions La Partie publie le nouvel ouvrage pour enfants de Bruno Gibert, Le grand livre de l’inutile, qui régale le lecteur avec ses listes de choses qui ne servent à rien, un oreiller pour enfoncer un clou, une machine à compter les petits pois, des gardes suisses, ou ses conseils étonnants comme le “si tu sautes d’un avion sans parachute, bourre tes poches de beurre, de sucre et de farine. Ainsi, à la fin, ça fera un beau gâteau”…
Jeux de mots, mots valise, calembours, détournement de poèmes, conjugaisons nouvelles sont accompagnés d’images hétéroclites, collectées ci et là, détourées, détournées, photomontées et légendées en dépit du bon sens, de la logique, de l’usage… Le tout installé dans une joyeuse mise en page. On nage en plein surréalisme ou “nonsense” à la manière de Lewis Carroll. Le tournage de pages engendre l’étonnement, l’incrédulité, le doute, le rire et chatouille l’imaginaire. Nécessaire.
Entretien très utile avec son auteur.
Bruno Gibert, en quelques mots, quel est votre parcours ?
Je viens d’une école d’arts appliqués. J’ai commencé en tant que graphiste pour la publicité et ensuite je me suis mis à illustrer des livres pour la jeunesse, avant d’écrire mes propres textes.
Quelle est la place pour la photographie dans votre vie, dans vos romans, dans vos ouvrages pour les enfants ?
Je pratiquais beaucoup la photographie quand j’étais adolescent. Je m’intéressais aux photographes contemporains. Cela m’aurait plu d’en faire davantage, mais mon métier de dessinateur a pris rapidement de l’ampleur. J’ai toujours un rapport étroit avec elle. Je vais voir des expositions fréquemment et c”est un média qui m’intéresse.
Dans mes livres pour enfants, je l’ai peu utilisée. Je considère que la photographie est un moyen de montrer des images, sans avoir besoin de les fabriquer, au même titre que les gravures anciennes que j’avais déjà utilisées. Pour ce livre, j’aurais pu dessiner le moule à gâteau. Mais il existe des photographies de moule dans les banques d’images, alors j’en ai détourée une. La photographie me semble aussi plus neutre que le dessin. Elle est plus passe-partout et possède une dimension impersonnelle. Elle ne pose pas de problème aux enfants qui y sont finalement confrontés tous les jours.
D’où viennent les photographies qui sont dans ce livre ? S’agit-il de photos collectées dans votre environnement proche ?
D’un vieux dictionnaire ou d’internet qui est une source inépuisable de photos. Si je veux des photos de Paris, de voitures, des photos contemporaines ou vintage je les trouve sur internet. Je les ai collectées, puis retravaillées pour obtenir des photos génériques, comme celles que l’on trouves dans un dictionnaire. Elles sont en noir et blanc, ce qui permet de garder une unité graphique et retramées pour leur donner un effet contrasté.
Dans votre livre, on trouve des photomontages, des photos de paysage, des photos d’identité, des photomontages, du flou… Aviez-vous la volonté d’exploiter le médium photographique sous tous ses aspects ?
Oui ! Elle sont aussi documentaires. Et puis les légendes les détournent aussi, comme dans cette double page où la Tour Eiffel devient un pylône et le pylône une Tour Eiffel.
Vous déjouez d’ailleurs totalement le rapport classique entre les images et leurs légendes. Quelle réaction attendez-vous de votre lecteur ?
J’attends une relecture de l’image. On peut la détourner de son sens avec une légende inattendue. Une image seule ne dit rien. Il y a une espèce de code invisible à trouver dans ces légendes, comme devant ces noms de personnages célèbres qui n’ont presque rien à voir avec les images. Le travail du rapport entre le texte et l’image est poussé au maximum, totalement distendu.
Qui sont les lecteurs visés ?
Je ne sais pas trop, question délicate. Pas les petits enfants. Le livre circule et les lecteurs de 7-8 ans comprennent parfaitement l’humour de l’absurde. Après j’imagine que les adultes peuvent le lire.
Est-ce que quelques livres photos pour enfants ont pu vous inspirer ? Avez-vous quelques références en matière de photolittérature jeunesse ?
Ils l’ont tous vu, d’Ylla, est un très beau livre. Je me souviens aussi du Ballon rouge et puis de la version en livre de Tintin et les orange bleues. Mais c’est compliqué la photo narrative. ce sont des tableaux vivants. La photographie y est trop réaliste, pas assez ambivalente. La photo y est trop frontale et j’ai un problème avec cela. J’ai l’impression que ce côté frontal ne marche pas. Il faudrait y ajouter du dessin ou de la couleur.
C’est un vieux projet. Il s’agissait de montrer des photos sans les voir, comme si on les montrait à un aveugle. Le texte faisait advenir les images mentalement. Je n’ai sélectionné que des photos déjà vues, aisément identifiables. C’est la même chose pour Le grand livre de l’inutile. Je ne sélectionne que des photos déjà vues, aisément reconnaissables, familières.
J’avais ajouté un chapitre sur les photos de famille qui en fait se ressemblent toutes. Un enfant devant un gâteau d’anniversaire, devant un sapin de Noël, on les a tous dans nos albums de famille, qui d’ailleurs n’existent plus. La Chambre claire de Roland Barthes parle de cela, de la dimension funèbre de la photographie, de sa vocation à apporter une preuve de ce qui a été. Vous l’avez lue aussi, non ?
Couvertures des livres collaboratifs du Projet Tecendo Saberes (“Le tissage des savoirs” avec les communautés locales, traditionnelles, indigènes…)
Marie-AngeBordas est née au Brésil. Elle travaille depuis vingt ans sur la question des réfugiés et déplacés et sur la sauvegarde des patrimoines et savoirs traditionnels des communautés autochtones. Plusieurs albums photo-illustrés réalisés avec les enfants des camps ou des villages indigènes où elle a séjourné sont nés de ces projets collaboratifs. Je la rencontre à Paris, lors du colloque sur la photolittérature jeunesse.
Marie-Ange Bordas, quelle est votre profession ?
Question compliquée ! Je suis journaliste de formation. J’ai commencé la photographie lorsque j’avais 16 ans. J’ai une maîtrise en images et sons obtenue à l’université de Sao Paulo et j’ai fait une école de photo à New York grâce à une bourse. J’ai travaillé dans le cinéma au Brésil et notamment sur des projets de décentralisation de la culture. A New York, où j’ai vécu 5 ans, j’ai développé ma propre carrière artistique ainsi que celle de médiatrice culturelle.
Comment êtes vous venue à la littérature jeunesse ?
J’ai toujours été une grande consommatrice de littérature jeunesse. Quand j’ai commencé mon travail d’artiste, j’ai mis en place des projets collaboratifs. L’artiste est un pont entre plusieurs mondes, les réfugiés et les pays d’accueil, les musées et la forêt, etc… Faire de l’art pour moi est politique. A New York, j’ai collaboré avec des réfugiés dans le cadre d’un projet nommé Déplacement. Moi aussi je suis une “déplacée”. Je suis née au Brésil et j’ai vécu ailleurs. J’avais le sentiment que les médias ne traitaient pas bien du sujet des réfugiés et je ne voulais pas en parler comme une journaliste parachutée dans un lieu. Je voulais écouter les gens, m’intéresser à leurs pratiques artistiques, créer des endroits où ils se sentent bien, bâtir avec eux des expositions conçues à partir des messages qu’ils voulaient adresser aux pays d’accueil. Dans les camps où j’ai séjourné, nous avons créé des laboratoires photos et réalisé des performances. Le livre Dois Meninos de Kakuma découle de ces projets. L’idée est venue du besoin des jeunes de parler de la situation d’un enfant né dans un camp et de la confronter à la vie d’un enfant né dans une ville. Kakuma est une ville dans le comté de Turkana au Kenya. C’est aussi le site d’un camp de réfugiés de l’UNHCR. Les enfants qui y naissent ne connaissent pas leur pays d’origine. Si ces personnages sont fictionnels, le récit est basé sur des histoires de gens que j’ai croisés dans les camps.
Couverture Deux Garçons de Kakuma Photos analogiques prises lors de mon séjour au Kenya (2003-04) avec ajout des dessins/ sculptures produites par des enfants vivant dans le Camp en 2018.
Vos ouvrages sont donc nés de collaborations avec des enfants ? Ces livres sont aussi des espaces de collaboration entre photos, textes et dessins ?
Au Brésil, en 2008-2009, il n’y avait pas de livres pour les enfants des communautés. Les professeurs de la forêt amazonienne déploraient de ne pas avoir d’ouvrages qui parlent d’eux. Zèbre, rhinocéros figurent dans des livres qui sont utilisés par les enseignants alors que les enfants ne les connaissent pas. J’avais envie de créer des ouvrages sur et pour ces communautés traditionnelles, à partir de ce qui était local. J’ai gagné un prix du Ministère de la culture qui m’a permis de passer cinq ans avec plusieurs communautés indigènes qui vivent entre le Pérou et le Brésil.
La photographie s’imposait. Elle était le moyen le plus adapté pour représenter des enfants noirs, loin des illustrations dessinées stéréotypées. La photo est selon moi un moyen d’avoir une couche de moins de représentation. J’ai collaboré avec les enfants pour les photographier et choisir avec eux ce qu’on allait montrer de leur vie, de leur environnement. Je voulais aussi utiliser les dessins des enfants dans mes livres. Un éditeur a très rapidement accepté ce projet.
A partir de 2012, on a eu une loi qui obligeait les écoles à aborder l’histoire afro-brésilienne. J’ai réalisé un livre bilingue pour conserver les langues locales et permettre à toutes les générations de les connaître. Ce livre est beaucoup utilisé. On y présente les savoirs d’une région que l’on mélange avec les histoires collectées auprès des familles. C’est un mix entre traditions et documentaires.
Page: Almanach des Enfants Huni Kui (Bilingue Portugais / Hatxa Kui) , 2015
Dans le livre qui porte sur les indigènes situé à la frontière avec le Pérou, il y a un texte en portugais imprimé en noir et un autre dans la langue traditionnelle, imprimé en rouge. Les enfants ont fait des photos et des dessins. On y explique les peintures corporelles, la tradition de la pêche. Les enfants sont les protagonistes de ces ouvrages et vont interviewer les membres de leurs familles.
A la fin de l’étape de collecte, je rentre avec plus de mille dessins et des vidéos. Quand le livre est presque fini, je l’envoie pour validation à la communauté. Lorsqu’il est imprimé, on fait le lancement du livre dans la communauté et chaque enfant reçoit un livre. Les professeurs sont ensuite formés pour éduquer à partir des connaissances locales. J’aime quand les gens les plus âgés des communautés sont touchés par les livres. Les savoirs et la culture sont conservés et transmis. Ces ouvrages sont ensuite diffusés dans le reste du pays. Ils doivent servir à casser les stéréotypes.
Page Lendas Amazônicas (Légendes Amazoniennes et d’autres histoires que vous devriez connaître, 2022)
Qu’en est-il de la traduction de ces ouvrages ?
Je rêve qu’ils soient traduits. Mon dernier ouvrage porte sur les légendes d’Amazonie. J’ai repris des légendes très populaires que tout le monde connaît et j’ai ajouté des récits locaux qui parlent de phénomènes incroyables mais qui sont pourtant tout à fait naturels. Chaque légende est complétée de deux pages de documentaires qui expliquent ce qu’il y a derrière les légendes.
Nouveau livre “in process” : Tsonga Animal Tales and Proverbs (en collaboration avec groupes de “elders”Tsonga au Limpopo)
Sugar WOW The Photographer’s Office / 2022 (English)
A n’en pas douter, les enfants apprécient le monde magique de Jan von Holleben, ses créations plastiques colorées et délirantes, ses mondes oniriques et ludiques dont ils sont les aventuriers. Chacun de ses livres invite les enfants, et aussi les adultes, à se laisser surprendre par ces images foisonnantes d’objets en tout genre, ces compositions qui donnent vie à toutes les envies.
Rencontre avec un magicien qui donne vie aux rêves enfantins.
To the question “What is your profession?” What do you answer ?
When I speak English, then I am a photographer. In German I am A photographer and children books illustrator. The English definition is much broader and includes many facets. In German, we are very precise. So a photographer is in fact just someone taking pictures. Noone has any idea what you actually do. That’s when I have to start explaining : I work for books and magazines.. but also for artistic projects and exhibitions, I am curating, editing, … and most of all, I actually make children books.
How long have you been working in children’s literature?
My very first project, before I even considered myself a professional photographer, was Dreams of Flying. I simply played photography with my neighbor’s kids and they told me stories, inspired by children literature and modern heroes. I used a very simple snapchot camera and the ‘shooting from above’-technique to make those dreams come true. This was ours pare time on weekends.
Only by chance, an editor saw those images and posted them on her blog in 2005. In less than 3 months, that project was all over the world on hundreds of blog and I was bombarded with commissions and exhibitions and magazine features, won awards and had to stop being a photo director for a young cooperative and jump into full time ‘being photographer’.
I made a self published first book (out of cardboard in an edition of 500 copies) with those images, which sold out immediately and made a second. Both of those books (2006 and 2007) I always considered to be children books but for adults alike.
Since my first training was teacher for handicaped children and I was meant to become a teacher, I feel that together with photography, I came full circle. I love explaining complicated things in very simple ways. I was always good in that. Since my own high school – my teachers remember. I also have to admit, that my childhood was full of stories, adventures, literature, nature…
Dreams of Flying The Photographer’s Office / 2006 (English)
Do you have models in photography or children’s literature ?
I would always say, that Astrid Lindgren wrote my favorite books. But also Michael Ende, Ottfried Preussler. Also the entire canon of old Disney movies. Today I am also fascinated by more international likes as Doctor Seuss, Eric Carle, Maurice Sendak, ..
In Photography ? Always the narrative based art photographers.
How many books have you produced? Can you give us some other titles?
I made about 25 books over the last 15 years. My favorite is the series of non-fiction books for Thienemann Publishers which was based on my top seller : Does that happen to everybody ? (a philosophical book on puberty). This was followed by 5 other (social)science books on the brain, world religion, internet, politics, divorce.
The books that are closest to me are the creative books I made with my most favorite German publisher Beltz ALWAYS EVERYTHING and MY WILD FURY and I am proudest of the two books that I made with art book publisher Little Steidl, the little offspring of Steidl Publishers, mastered by Nina Holland KOSMOS and most recently THE BLUEBERRY MACHINE
ALWAYS EVERYTHING Tarzipan books / 2019 (no text – universal)
Who are they for?
My books are usually considered to be for anyone who reads visuals/ photographs.
The non-fiction books were primarily made in order to stimulate debates/ conversations between children and parents. And the creative books are really for the kids alone. I think that they really get them. The problem is just always: how to surpass their parents!?
At the moment, I feel that I want to work more and more for the kids only. Tricky, but ultimately I want the parents to trust me (parents are often bad photo readers) and then I can get into a dialogue with the children. Just like when I work with them in my studio. The energy is always high, we all know what we do and once we have to explain it to a parent, the magic is gone. Weird but true.
Let’s talk about the Blueberry Machine: when and how did the idea for this project come about?
I have spent years with my best friend in his home country Norway. He spent summers at his grand parents on a farm, which we visited often. It is in the middle of nowhere in my favourite part of Norway. Olav, who is the main character in the book, lives on that farm with his parents. I saw him growing up. When he was about 4 years old, I spend the summer at their farm and Olav started showing me around. He always walked the dog up and down the hills, checked their sheep and just had a good time. I didn’t speak much Norwegian, but we always had a good non verbal communication. It was on one of those walks, when I understood, that these mountains are Olav’s home and he knows them inside out. In the evenings we sat at the fire and the kids played all sorts of things. Olav was a great builder. And I remembered that I was a fascinated builder in my childhood too. So we connected and built a lot. I wanted to make a project with him.. in his world with all the ideas he and I had together.
The Blueberry Machine Little Steidl / 2022 (English)
How did the collaboration between words and images come about?
That was only after I had made the images. And it was a fascinating process (since usually it works the other way around). I had already written a few lines to each image. But there was no story. When Nina Holland picked up the project, she had the best idea, to get Monte Packham involved. He had never written a children book before, but was a great and fun writer. We all klicked, I told him my thoughts and with a few editing changes in the sequence of the images, an idea unfolded for him, he put it all together added some magic here and there and suddenly we had a beautiful story that I totally fell in love with.
What is the purpose of this book?
To me, the book is a very classic format of a children’s book. It is the first time, that I have done something like it and I really enjoyed it. The book has a traditional story line, yet combined with the photos, that feature 50% reality and 50% a visionary tale, our story, the book can be read in various ways. Most of all, it gives the children a choice to go beyond the story line and understand the meta levels of imaginary games, fantasy and how to differentiate between them. However you can also just enjoy the story with its educational finale and learn about the best machines of all: your own two hands. Additionally, my photography invites the creativity of kids to learn about image making… so once you are done with the story, you can learn about the individual images, how they are done and be inspired. That part of my photography is always in my work. If it is for magazines, books or clients. I want children to learn about image making. What is photography. What can photography. I want kids to become visual literate.
Where do you find the objects in the images?
Nowadays I have a huge collection of well organized boxes. The content is labelled with screws, balls, feathers, technical things, toys, buttons, hearts, gold, candy, .. all sorts. Its 15 years of keeping my eyes open and simply collecting what I find relevant or interesting. I am no fan of special effects in photography. I want to create things from the ordinary. Things that everybody can understand, remember, detect. I am very democratic in that.
Did you have difficulties finding a publisher?
Yes.. I proposed it to my ‘standard publishers’ and they struggled. But we didn’t have a real text at the time. That is in Germany a real issue. Text is mostly mandatory. I had hoped that a mainstream book publisher would pick up on it. I had worked with Nina Holland at Little Steidl before on KOSMOS, which is a very complex Artist book box made of 6 individual books. She had always worked on books for anyone. When she saw ‘The Blueberry Machine’ images, she took some time for herself to understand that secretly she always wanted to make exclusive children books. She has an amazing collection of historical children books. When working with Little Steidl, that is a long process. So when she finally decided to open up her publishing house to a real children book, it all fell into place. Making the entire book without any compromises on material and design, production and text was the best choice after all.
Do you usually work alone or with a writer for your books?
I usually start by myself. I am very image driven and I am keen to produce work that stimulates children – and myself at the same time. I have a lot of respect for children and hence a good understanding too for what they are interested in. Meaning that I don’t want to please them – no cheap tricks (as the book or toy industry works on mostly) – I want to challenge them on their grounds. I want them to be curious about what I do and I want them to make an effort to get to the bottom of things.
Only once I have decided that the images I made are best placed in a book, I think about the need for text.
What about your next project?
I am working on 8 books at the moment as good examples for your question.
The first book is a dream come true with a new French publisher. I made the work 20 years ago and I am soo excited that the publisher believes that the images are strong enough to make a book without text. Saying that, we will have titles for the images. nothing else. Another book is the sequel to The Blueberry Machine. Since I loved working with Monte on that one so much, I think we shall try to start it off together this time. Let’s see what happens. We are both very creative and flexibel and I am happy to try it differently this time.
Book three: I have been given a carte blanche to work out a book together with an illustrator of my choice, who I found already. We are trying to balance the photography part with the illustrations part, so both get the space they need, in order to be balanced and effective. The illustrator is also a great story writer, and we are still discussing if there is a need for text. At the moment I feel that we could actually tell the story with our two image techniques. Let’s see.
Then I am on book 4 that is a non fiction book. I conceived the idea with a historian and writer and we proposed it to a publisher, who jumped on it. It is the three of us developing the idea further and further and working on it equally. We meet every 3-4 weeks and discuss all of it. That’s very exciting since we all bring our expertise to it in equal parts. It feels like being in a super team with those two. I work mostly from text to image.
Book 5, 6 and 7 are totally free photo books. I will probably publish them myself and don’t want any text in them for now. Then again: Text will be there as title and colophone and usually I give a few lines along.. but no text in a classical sense, accompanying or explaining images)
Book 8 again will be a real challenge for me, since I want to create it by myself without text but work in a clear story line structure.. or at least a message and an understanding of what it is all about. The images can carry most of that, but my challenge is, bringing them into a sequencing and adding in between images to make the jumps from one key image to another. I am very much looking forward to that.
Bottom line I remember a lesson from my university degree, which came from my tutor David Campany: more or less every image/ photo comes with text of some sort. If it is a title, a caption, a memory, a paragraph, … there is always an image text combination present. And as artist/ photographer we need to be aware of that and define the text that we want or need with the images we produce.
Can you find everything? Self published/ 2022
Your universe is very colorful. Is black and white not for children?
I think Black and White works also for kids – still today. Many successful children books prove that. Maybe that’s a compromise in modern times, that parents can accept easier than color photography? (I am convinced that straight color photography still seems to be a threat for many parents when thinking about their kids’ books) B/W always reduces the content of an image. It is also further removed from our modern reality – more abstract. That threat of straight color photography, that I mentioned, is something that I usually try to counter act with my studio photography, where we can focus on content rather than bringing too much reality in (background, light, atmosphere, chance, indexicality in general….). But sometimes I am sneaking in more ‘realistic’ images, just to bring my work back into the reality and the factual lives of those reading kids.
Actes Sud junior, novembre 2022 / 20.00 x 20.00 cm / 48 pages
Qui dort dîne, bonnet blanc blanc bonnet, Etre au pied du mur, etc… autant d’expressions que nous utilisons tous les jours, sans y penser. La photographe Florence Levillain a donné vie à ces mots qu’elle prend… au pied de la lettre et le résultat est surprenant. Nous l’avons interviewée, l’occasion de découvrir le procédé lenticulaire.
Florence Levillain, pourriez-vous nous dire quelques mots de votre parcours professionnel ?
Je suis photographe depuis 30 ans. J’ai commencé par la photographie de presse. Mon travail s’est toujours divisé entre la commande et le travail personnel. Mon reportage, d’abord très porté sur l’étranger, s’est petit à petit orienté vers la vie quotidienne française. Planète mars au bout de votre rue, titre de cette nouvelle orientation, entend faire découvrir des univers que l’on croit connaître mais que l’on ne connaît pas si bien finalement. Cela a commencé par un reportage sur le travail des femmes à Rungis la nuit qui a obtenu le prix Kodak en 2000. J’ai réalisé ensuite une série d’images sur les objets trouvés de la rue des Morillons, puis sur l’herbier du Muséum. En parallèle, mes commandes étaient de moins en moins presse et plus institutionnelles. Mon écriture photographique a petit à petit évolué vers plus de mises en scène. J’ai réalisé aussi des travaux comme Parce qu’ils le valaient bien, une série sur les clients d’un coiffeur qui a intégré les collections du musée de Bièvre. Un de mes derniers reportages portait sur les Bains Publics, travail très social. On ne connait pas cet univers. Les parisiens pensent que les Bains sont justes de très beaux bâtiments à Paris mais ils représentent en fait un million de douches par an ! Je suis allée à la rencontre de ces personnes qui vont y prendre s’y laver et cela a abouti à un petit livre de 75 portraits édité par la région Ile de France.
Comment est née l’idée d’Au pied de la lettre ?
Un jour, un de mes amis m’a dit : « Elle m’ a encore posé un lapin ». Pour la première fois de ma vie, j’ai vu le lapin. Ce type d’expression est un marronnier en illustration car elles sont très imagées et ont été très dessinées. Ce sont des expressions utilisées tous les jours mais auxquelles on ne prête plus attention. L’idée de mettre ces expressions en photo, de leur donner un caractère hyper réaliste leur donnait une valeur supplémentaire de fantasque et de farfelu. Le travail a commencé comme ça.
Au début, j’ai fait ce travail pour moi en réfléchissant à une série. J’ai besoin d’avoir toujours un espace d’expérimentations, de recherche de protocole. J’ai fait des essais, avec des modèles. J’ai trouvé le format, la distance. Je voulais des images en situation réelle mais déconnectées de la réalité, qui puissent être intemporelles, avec un modèle qui soit entre l’enfance et l’âge adulte. Les choses se sont définies peu à peu . Puis j’ai decidé de poser le lapin sur la table d’un restaurant et je me suis retrouvée face à une contradiction : quand on se fait poser un lapin on est seul, mais avec le lapin, mon modèle n’était plus seul ! J’ai cherché un système qui me permette de mettre deux images en une, comme sur celle de la couverture.
Ces images ont d’abord été vendues en galeries, en tirages lenticulaires numérotés. Avec Signature, mon agence qui fait aussi galerie, nous avons participé à deux salons pour collectionneurs avec cette série de vingt tirages lenticulaires en 40×40 exposés au mur. Le coté lenticulaire me plaisait beaucoup parce que je voulais donner une dimension pédagogique à cette série. En effet, en posant les questions à mes filles, je me suis aperçue que ces expressions étaient souvent désuètes, voire inconnues. Il fallait donner donner un caractère artistique, pédagogique et ludique à cette série destinée au grand public, d’où l’idée du lenticulaire.
Mais qu’est-ce-ce que le lenticulaire ?
C’est le procédé utilisé pour la couverture du livre. Elle contient deux images en une seule. Elles sont entrelacées. Il y a par-dessus un procédé optique, avec des dômes, qui permet de voir une seule image en fonction du déplacement du spectateur.
Ces photographies peuvent aussi être tirées en tirages classiques pour les galeries, imprimées avec une seule image pour la presse. Je voulais qu’une pluri-utilisation soit possible. Le public aime beaucoup le lenticulaire. Mon agence a contacté Actes Sud junior avec l’espoir de faire un livre tout en lenticulaire, mais c’était compliqué techniquement. On s’est rendu compte que l’aspect pédagogique marchait très très bien avec deux images côte à côte, à la manière des jeux des 8 erreurs ou des 7 différences.
On ne voulait pas un grand livre photo. On voulait qu’il se tienne facilement, que l’on puisse le poser aisément quelque part. La couverture avec cette femme au pied du mur plaît beaucoup en galerie. Et puis Au pied du mur pour annoncer Au pied de la lettre était une entrée sympa !
Avoir un cœur d’artichaut / Copyright Florence Levillain
Comment avez-vous sélectionné les expressions qui figurent dans le livre ? Pourquoi une part si peu importante pour les mots ?
Je voulais qu’elles soient très grand public, non vulgaires, non offensantes… Il fallait aussi qu’elles soient visuelles. Certaines sont moins faisables en photographie et se sont éliminées elles-mêmes. Concernant la part du texte, il y avait deux possibilités. Soit le livre comportait plus d’explications avec recours à un spécialiste du langage, soit on décidait d’en faire un livre qui mettrait en valeur un travail photographique avec un texte qui allait apparaître comme une legende. C’est le choix que nous avons retenu. Pour les courts textes, on a entrecroisé les recherches sur ces expressions et on s’en est tenu à ce qui était admis et certain.
Qu’est -ce qui a été difficile dans cette réalisation ?
Pour produire une série comme celle-là, il faut un gros travail de repérage, de stylisme. Je passe aussi beaucoup de temps devant mon ordinateur. Pour la photographie qui accompagne Marcher sur des oeufs, j’avais une centaine d’œufs. J ai réalisé des surimpressions pour étendre la surface occupée par les œufs. j’ai photographié la jeune fille et je l’ai posée en surimpression, en respectant la lumière, la colorimétrie et m’assurant d’une cohérence de cadrage. Pour l’expression Enfoncer une porte ouverte, j’ai planté à 6 heures du matin une porte dans le sable. Pour Se faire remonter les bretelles, la jeune fille ne tient pas au bout d’un fil mais sur un escabeau que j’ai enlevé et il a fallu retouché l’image. Si ce livre semble simple, il y a de nombreuses étapes derrière !
Est-ce faut y voir des références à d’autres ouvrages ou des œuvres picturales ?
Etre collet monté fait référence à l’époque de Marie de Médicis alors j’avais envie d’ un clair obscur, mais sans référence à un tableau en particulier. En grand, les photos donnent vraiment l’impression d’une peinture. C’est le rendu que je cherche, car je veux déranger le spectateur et faire que ce monde enfantin, poétique, onirique soit perturbé.
J’en lisais peu finalement bien que mes parents étaient photographes. J’ai gardé et transmis à mes filles une série d’ouvrages pour découvrir les autres pays à travers le regard d’un jeune enfant. (“Enfants du Monde”, Nathan)
Découvrir l’histoire de la photographie par le jeu.
Nous poursuivons nos entretiens avec les acteurs de la chaîne du livre, les professionnels de la photographie et ceux du monde éducatif qui initient leurs élèves aux techniques et à l’Histoire du médium.
Retour sur un atelier mené dans deux classes de CE2 de Bry sur Marne, ville de Louis Daguerre, par Andrea Eichenberger, photographe.
Qui êtes-vous Andrea Eichenberger ?
Je suis brésilienne et je vis à Paris. J’ai d’abord mené des études d’art au Brésil. Je suis venue en France pour entreprendre des études de photographie mais je ne suis pas arrivée à temps pour m’inscrire au master photo de l’université Paris 8. J’ai ensuite fait un master puis un doctorat en anthropologie à l’université Paris 7 en emportant avec moi la photographie comme objet de recherche . J’ai travaillé sur l’appropriation de la photographie dans une communauté indigène du sud du Brésil. En France, j’ai réalisé un projet photographique en prison, notamment celle de Beauvais, et également au centre psychiatrique de Valenciennes.
En 2017 je suis devenue maman et naturellement je me suis intéressée à la littérature pour enfants et particulièrement aux ouvrages photographiques. Au début de la pandémie de Covid, mon fils avait 2 ans et demi et j’ai commencé à prendre des photos avec lui pour raconter ce qui se passait dans notre vie, avec le projet d’en faire un livre. Après la pandémie, Michel Poivert et Francis Jolly m’ont invitée à travailler avec des enfants à Bry sur Marne, dans le cadre d’un un projet scolaire.
Ouvrage réalisé pendant le confinement
Qu’est-ce que le Collège International de Photographie de Bry sur Marne ?
Michel Poivert a lancé ce projet il y a quelques années. Son idée était de créer un conservatoire de la photographie. Ce n’est pas vraiment un musée pour l’instant. Il faut d’abord restaurer la maison de Daguerre afin de créer un espace pour accueillir des artistes qui pratiquent les anciens procédés photographiques et qui les relient aux nouvelles pratiques. Cet espace accueillerait des résidences d’artistes, un atelier argentique, un atelier numérique. Les connaissances en matière de photographie circuleraient aussi en dehors de ce milieu avec des interventions en milieu scolaire, en maison de retraite, en prison en autres.
Visite de la maison Daguerre à Bry sur Marne
Quel a été votre rôle lors de ces premiers ateliers ?
Ce projet avec deux classes de l’école Daguerre de Bry sur Marne fait partie du programme d’interventions. Au cours de l’année scolaire 2021-22, j’ai mené un atelier sur plusieurs séances avec deux classes de l’école Daguerre située à côté de la maison du même nom. Je leur ai apporté des connaissances techniques et leur ai fait découvrir l’histoire de la photographie, par la manipulation : on a commencé avec la Camera Obscura, pour voir comment l’ image se forme. On a appris l’histoire de la photographie grâce à un jeu de cartes. Nous avons ensuite fabriqué ce petit livret destiné à raconter l’Histoire de la photographie à d’autres enfants. Les enfants ont rejoué l’histoire de la rencontre entre Nicéphore Niepce et Louis Daguerre et l’annonce officielle de l’invention de la photographie.
Ce petit live est une mise en récit de l’histoire de la photographie pour les enfants, faite avec des enfants. Ce livre fonctionne aussi comme une trace de leur travail et il est signé par tous.
Fabrication de chambres noires L’étrange boîte noire, ouvrage collectif réalisé pendant l’année scolaire 2021-22
Avez-vous constaté une évolution des enfants par rapport à la technique photographique, à son langage ?
Ils connaissent très bien le maniement de l’appareil photographique du portable de leurs parents ! Certains ont déjà vu de vieux appareils mais ils ne connaissaient ni la pellicule, ni le développement. Je leur ai montré un négatif, une conversion en positif. Nous avons aussi fait beaucoup de visites puisque nous avons la chance d’être dans le ville de Daguerre. Nous avons visité l’exposition permanente et l’église de Bry qui conserve le dernier diorama. Le fait d’être dans cette ville, de pouvoir venir et revenir sur les lieux liés à l’Histoire de la photo a certainement facilité l’ imprégnation. Certains enfants sont revenus avec leurs parents . Leur faire raconter cette Histoire dans un livre a aussi beaucoup aidé pour qu’ils la retiennent.
Exposition Daguerre à la mairie de Bry sur Marne
Connaissaient-ils des livres photographiques ?
Je n’ai pas cette impression. Je leur ai montré celui d’ Yveline Loiseur et celui de Sarah Moon, Le petit chaperon rouge. Peu d ouvrages racontent des histoires avec de la photo, en fait. Au moins, ils ont constaté que les ouvrages pouvaient être illustrés par la photo et pas seulement par le dessin.
Avec vous un projet d’album photolittéraire vous-même ?
Je développe un journal dans ma ville, au Brésil, autour des problématiques politiques. Nous avons ainsi présenté un lieu naturel menacé par la spéculation et une autre fois un projet de destruction d’un élément historique du centre-ville. A chaque fois, le numéro accueille un texte écrit par un architecte urbaniste, mais également un conte écrit par une anthropologue, ainsi qu’une série de photographies.
Bien sûr j’aimerais créer un album photolittéraire pour enfants mais je ne suis pas écrivain et je ne sais pas inventer les histoires. J’attends de rencontrer quelqu’un qui conte !
Les images de cet article ont été prises à l’occasion d’ateliers mis en place et accompagnés par le Collège international de photographie. Elles ne sont pas libres de droits.
Publié en 2018 par les éditions Thierry Magnier, cet ouvrage s’inscrit dans la tendance des ouvrages mêlant photographies et graphismes. Il accueille également des “flaps” à soulever qui cachent graphismes colorés et photos détourées, dévoilant la vie intérieure des lieux dévoilés.
“Le héros de cette histoire part, truffe au vent, à la découverte de Paris. À chaque lieu visité, il envoie une carte postale à sa famille et ses amis et leur raconte les aventures qu’il vit”. Le héros de cette histoire est un chien jaune qui déambule dans les rues d’un Paris en noir et blanc : Ste Eustache, le jardin des Plantes, la place Dauphine, le centre Pompidou, prend le taxi, s’engouffre dans le métro et finit par prendre un peu de repos à la terrasse du Bar du Marché. Chaque lieu visité est pour lui l’occasion d’adresser une carte postale, non signée, aux membres de sa famille restée à Toutouville ou à son ami de Matouville.
Couverture et doubles pages intérieures de l’ouvrage accueillent de grandes photographies en noir et blanc, cadrées de blanc qui offrent des vues des toits de Paris, d’une avenue, d’un quai de la Seine, d’une entrée de station de métro, d’une façade d’un immeuble du quartier de la Défense et instantanés de la vie de parisiens et animaux saisis sur le vif et fixés dans leurs activités. Seul le chien jaune semble continuer de s’agiter aux quatre coins des images.
Les cartes postales, d’une longueur inhabituelle, lui donnent l’occasion de revenir en détails sur les lieux et les gens rencontrés, de livrer ses impressions, entre récit de voyage, journal intime, portrait d’une ville.
Rencontre avec l’artiste Arianna Tamburini.
Quel est votre parcours ?
J’ai fait toutes mes études en Italie à Urbino, dans la ville du peintre Raphaël, une ville d’art. Au lycée, j’ ai suivi un parcours qui m’a permis de découvrir de multiples arts, dont le graphisme, le cinéma, la céramique… J’ai ensuite fait une école de graphisme où je me suis formée à la photographie et à l’illustration. Pour mon projet de fin d’année, je voulais réaliser un livre pour enfant dans lequel se mêleraient photos et graphismes. Avant d’écrire mon mémoire, j’ai fait un stage à l’agence Magnum. Apres cela, j’ai compris que ma place n’était pas parmi les photographes de reportage, mais j’ai tout de même pu rencontrer de nombreux photographes dont Francesco Acerbis qui signe aussi le livre. Il fait une photo en noir et blanc avec de très gros contrastes. https://www.francescoacerbis.com/
Avec l’autorisation d’Ariana Tamburini
Le projet est né lors de cette rencontre ?
Il était jeune papa et il avait lui aussi envie de réaliser un livre de photos pour les enfants. Nous avions l’impression qu’il y avait peu de livres pour enfants et nous cherchions comment marier les deux, le dessin et la photo. Je ne voulais pas dessiner simplement sur les photographies. A Paris, ou ailleurs, comme à chaque fois que je voyage, je regarde par les fenêtres et j’ai eu cette idée des fenêtres à ouvrir qui contiennent tout un monde d’illustrations.
Pourquoi est-il publié chez Thierry Magnier ?
Cet ouvrage a été très difficile à publier. Cela nous a pris au moins deux ans. Les éditeurs nous disaient qu’ il n’y avait pas de public pour la photographie en noir et blanc, que le coût de fabrication était trop élevé. Souvent ils étaient enthousiastes mais considéraient qu’il y avait trop de risques à produire ce livre. Je ne voulais pas abandonner ce projet que j’aime vraiment. Thierry Magnier, qui aime le photos et qui a fait beaucoup de livres photos a accepté de prendre le risque. Il nous a demandé d’ajouter un texte qui a pris la forme de cartes postales pour accompagner le voyage notre personnage. Nous avons choisi ensemble ce format qui permet de faire dialoguer les photographies et les cartes postales en regard. Le cadre blanc autour des photos fait d’ailleurs écho au format des cartes postales.
Avec l’autorisation d’Ariana Tamburini
Comment avez-vous sélectionné les lieux de Paris ? Pourquoi certains endroits plutôt que d’autres ?Nous sommes loin des images habituelles de la capitale.
Nous avons d’abord puisé dans les photos d’archives de Francesco. Nous avons ensuite établi une liste de lieux à photographier. Nous voulions montrer des endroits importants de Paris mais en proposer des vues différentes, amener les enfants à identifier un lieu grâce à un detail, leur permettre de découvrir d’autres types d’images. Ce n’est pas du tout un guide de voyage, ni un livre pour découvrir la ville.
Qui est ce chien jaune en balade et pourquoi n’a-t-il pas de nom ?
C’était le chien que j’avais jeune chez mes parents, un Golden Retriver. J’avais envie qu’il se promène dans Paris. Il n’a pas de nom car on ne voulait pas vraiment créer un personnage, ni une série autour de lui. L’important c’était sa balade, sa découverte, ses émotions.
Pourquoi certains mots dans les textes sont-ils en italiques ? Des références intertextuelles ?
Elles doivent susciter la curiosité et inciter les enfants à bien observer les images et trouver ce que j’y ai caché, la panthère dans un arbre, les lapins…
Avec l’autorisation d’Ariana Tamburini
Pourriez vous faire le portrait d une autre ville ?
On n’en a pas parlé du tout. C’est un livre très cher à fabriquer et je doute qu’un éditeur ait envie de recommencer. Mais évidemment ce serait bien. Je pourrais presenter une ville italienne, pourquoi pas ?
Que lisiez vous enfant ?
Je me souviens du livre Tout toute seule de William Wondriska. J’aimais beaucoup ces photos en noir et blanc mariées avec cet orange. Je m’étais dit que c’était super de marier photo et graphisme. Je n’avais pas vraiment beaucoup de livres. Je me souviens aussi de ceux que ma mère, professeure d’anglais, m’achetait.
Nous poursuivons notre enquête au sein des institutions accueillant du jeune public pour une initiation au 8ème Art. rencontre avec Marie-Jeanne Vanaise, médiatrice culturelle au Musée de la Photographie de Charleroi.
Quel est votre parcours ?
Mon parcours professionnel a débuté dans le centre culturel bruxellois, Art Media. j’ai collaboré avec l’équipe de cinq personnes qui fait fonctionner l’Hôtel Wielemans où sont accueillies de nombreuses expositions. Je suis ensuite entrée au Musée des Arts Contemporains sur le site du Grand-Hornu en mai 2002 afin de constituer l’une des chevilles ouvrières du service culturel. J’ai passé treize années aux côtés de Laurent Busine qui m’a enseigné avec beaucoup de poésie, que «le musée de tous est le musée de chacun». En 2015, quand il est parti en retraite, j’ai rejoint la petite équipe pédagogique du Musée de la Photographie à Charleroi.
Quelle est votre mission au sein du musée de la photographie de Charleroi ?
Il s’agit de faire découvrir la photographie à tous, d’un point de vue historique et pratique, à travers des visites guidées, des laboratoires photographiques et l’élaboration d’outils d’aide à la visite pour les individuels tel que la Photo Poche destinée aux enfants. Mon défi est d’ouvrir ce musée de l’image aux personnes déficientes visuelles et aux tout-petits.
Copyright Musée de la Photographie de Charleroi
Depuis quand le musée développe-t-il une politique d’animations envers le jeune public ?
Depuis que le musée est implanté dans l’ancien carmel de Mont-sur-Marchienne en 1987. Un Parcours Découverte expliquant le pourquoi et comment de la photographie a été aménagé. France Hanin, avec qui j’ai travaillé durant des années au MAC’s, fut à l’initiative de cet espace. Aujourd’hui, ce dernier est en plein remaniement toujours dans cette même philosophie d’expliquer concrètement ce qu’est une photographie.
Quelles sont les activités proposées aux enfants ? Quelle est la finalité de ces activités ?
Outre la visite guidée classique des collections qui retrace l’histoire de la photographie ou encore la découverte des expositions temporaires, le musée propose également une visite-atelier combinant à la fois le « Voir » et le « Faire ». Ainsi la visite guidée est couplée à une expérience pratique en chambre noire. C’est la formule adéquate pour aborder des questions fondamentales comme par exemple: Quand les images sont-elles nées ? A quoi ressemble un ancien studio photo ? Comment fonctionne notre œil ? Comment prend-on des photos ? Depuis quand peut-on truquer les photos ?
Copyright Musée de la Photographie de Charleroi
Quels sont les âges des enfants en général ? Pourquoi viennent-ils ?
Nous accueillons les enfants dès la troisième maternelle. Cependant, nous avons des projets ponctuels avec des classes inférieures et même avec l’ONE (Office de la naissance et de l’enfance). Par exemple, nous avons chaque année un projet avec une classe de deuxième maternelle qui consiste en une découverte photographique sur une thème choisi par l’institutrice.
Ont-ils déjà un bagage en photographie ?
Nul besoin de connaître la photographie pour venir au musée. D’ailleurs, c’est toujours émouvant de voir l’émerveillement des jeunes et moins jeunes devant une image qui se révèle sous la lumière inactinique de la chambre noire.
Copyright Musée de la Photographie de Charleroi
De manière générale, très peu savent comment l’image se forme dans un appareil photo. C’est lorsque les jeunes entrent dans la caméra obscura, intégrée dans le Parcours Découverte, qu’ils comprennent que sans la lumière, aucune photographie n’est possible. Ils vivent dès lors une véritable expérience physique.
Dans quel espace se déroulent ces activités ?
En plus du Parcours Découverte qui permet de comprendre la photographie par l’expérimentation et la manipulation, nous avons la chance d’avoir deux laboratoires photos: l’un argentique où l’on réalise tout le processus de développement d’une photographie en chambre noire et le second numérique qui est consacré aux différentes manipulations de l’image via Photoshop par exemple.
Comment l’Histoire de la photographie s’intègre -t-elle dans leur parcours ?
L’histoire de la photographie est intrinsèquement liée à la collection permanente qui débute de l’origine au XIXIe siècle jusqu’à l’époque contemporaine. Des premières photographies sur plaques d’étain en passant par les premières photographies couleurs sur plaques de verre, le musée présente également l’évolution des appareils photographiques.
Afin d’améliorer notre pédagogie, nous somme sur le projet d’une ligne du temps qui parcourrait les salles. Mais, nous n’en sommes encore qu’au stade préliminaire.
Copyright Musée de la Photographie de Charleroi
Créent-ils ? Exposent-ils ? Quelles traces gardent-ils de leur passage par tes ateliers ?
Toutes les photographies réalisées en chambre noire sont emportées par les participants. C’est la trace gardée d’une belle expérience qu’ils peuvent ensuite exposer à la maison et surtout un support esthétique qui permet d’expliquer ce qu’ils ont vécu.
Lors de projets ponctuels sur une période déterminée, nous aimons exposer le fruit du travail au sein même du musée. Nous avons d’ailleurs un espace dédié à cela. C’est toujours un plaisir d’observer la fierté des jeunes face à leur production et encore plus de les voir expliquer le travail accompli aux parents .
Travaillez-vous avec d’autres partenaires ? Mairie ou écoles ?
En plus des écoles, nous travaillons avec l’Article 27, une association qui met en lien le monde culturel et les personnes précarisées. Depuis quelques années, nous avons également un partenariat avec l’ONE (Office de la naissance et de l’enfance) qui nous permet d’adapter notre discours aux tout-petits et leurs parents. Chose peut commune pour un musée de l’image, nous collaborons également avec Les Amis des Aveugles afin de rendre le musée accessible aux déficients visuels.
Pourriez-vous dresser un bilan de ces activités ?
Le travail de médiateur est en constante évolution comme la société. Les publics évoluent et nous devons sans cesse nous renouveler, nous tenir à la page sur les nouvelles pratiques de médiation. Aujourd’hui, le défi du Musée de la Photographie est d’amorcer le virage numérique avec pertinence et dans une juste mesure. Actuellement, nous planchons sur un jeu virtuel de type murder party. L’enquête débute de manière virtuelle chez soi, mais pour connaître le coupable, il faudra venir sur place. En bref, c’est un appel ludique à la découverte du musée car, rien ne vaut que l’approche physique et concrète d’une oeuvre.
Une des missions de ce carnet est de s’interroger sur le rapport parfois conflictuel des passeurs d’ouvrages avec le livre de photographies destiné aux enfants, dans un monde empli d’images photographiques. “Les enfants ne savent pas lire la photographie”, “elle n’est pas faite pour eux”, “elle bride l’imaginaire”… Et si l’habitude de fréquenter des livres photo-illustrés en passait par une initiation au regard, au langage de l’image photographique, à l’Histoire du medium, dès le plus jeune âge ?
Nous poursuivons notre questionnement sur les modes de transmission du 8ème art dans l’enceinte scolaire. Après avoir rencontré un professeur du Lycée Brassaï, nous interrogeons Daniela Matiz Borda, médiatrice culturelle à la maison Robert Doisneau de Gentilly.
Quel est votre parcours et quelle est votre mission au sein de la maison Robert Doisneau?
Je suis médiatrice culturelle spécialisée en Photographie. J’ai un master Photographie et Art Contemporain de l’Université Paris 8. J’ai également un pratique artistique personnelle qui comprend la photographie et le dessin.
Depuis janvier 2020, je travaille en tant que médiatrice culturelle à la Maison Doisneau-Lavoir Numérique. Je réalise des visites des expositions présentées dans nos murs et j’anime des ateliers de pratique photographique et découverte de l’image avec plusieurs publics. Je participe également à la coordination du programme d’éducation à l’image “Photographie à l’école”, entre autres.
Depuis quand la maison Doisneau développe-t-elle une politique d’animations envers le jeune public ?
Le programme “Photographie à l’école” existe depuis l’année 2001 et il a été initié par l’ancienne directrice de la Maison Doisneau, Annie-Laure Wanaverbecq. Elle a fait appel à deux photographes : Yve Flatard et Jean-Jacques Grezet, qui ont eu la mission de sensibiliser des jeunes élèves au monde de la photographie pendant plus de dix ans.
Copyright Maison Doisneau
Quelles sont les activités proposées aux enfants et quelle en est la finalité ?
Les élèves découvrent la photographie en plusieurs phases. Actuellement nous travaillons avec différents photographes qui adaptent les temps d’atelier aux âges et niveaux scolaires pour lesquels ils interviennent. En général, tous les élèves commencent par une introduction au vocabulaire photographique de base et découvrent ensuite des images référentes liées à la thématique de l’année. Lors du temps de pratique ils manipulent tous des appareils photographiques compacts ou reflex et réalisent des images. Souvent ils sont également amenés à construire des petits studios photographiques et à assumer plusieurs rôles lors des prises de vue : photographe, assistant lumière, modèle, etc. Plus tard, des séances d’editing sont proposées afin d’observer les images réalisées, les analyser et faire des choix. Les élèves sont invités à exprimer de façon orale et par écrit leur ressenti et leurs réactions après les ateliers et par rapport aux images réalisées.
Qui décide du programme des ateliers et qui les anime ?
Depuis l’édition 2021-2022, la responsable du Pôle pédagogique et moi-même proposons aux photographes-intervenant·e·s une thématique générale à partir de laquelle ils et elles doivent nous proposer un déroulé d’ateliers adapté au niveau de la classe dans laquelle ils interviennent. Actuellement nous travaillons avec 5 photographes dans dix classes de l’ancienne communauté d’agglomération Val-de-Bièvre : trois photographes qui interviennent en solo (Laure Pubert, Alexandra Serrano et Laure Ledoux) et deux qui interviennent en binôme (Gilberto Güiza-Rojas et Rafael Serrano). Gilberto Güiza-Rojas et Rafael Serrano ont animé les ateliers dans l’ensemble des 10 classes et proposé les thématiques annuelles entre 2016 et 2020.
Copyright Maison Doisneau
Qui sont les enfants qui s’inscrivent au programme ?
Depuis 2021, le programme s’adresse à tous les niveaux scolaires dès la grande section de maternelle jusqu’au Lycée. Ces enfants habitent dans le territoire où la Maison Doisneau est ancrée et ils bénéficient du programme “Photographie à l’école” dans le cadre de leur scolarité. Chaque année, la Maison Doisneau fait un appel à candidature à l’ensemble d’enseignant·e·s du territoire et dix classes sont retenues à chaque rentrée.
Ont-ils déjà un bagage en photographie ?
Les élèves qui participent ont des bagages très différents, cela dépend souvent de leur niveau scolaire. Suite aux retours des photographes-intervenants, nous constatons que dès le plus jeune âge les enfants comprennent rapidement le fonctionnement des outils qui produisent des images et les prennent en main tout aussi rapidement. Le défi est de les amener vers le décryptage et la compréhension des images qu’ils produisent ainsi que des images qui circulent autour d’eux dans leur quotidien.
Dans quel espace prennent place ces ateliers ?
Le programme se déroule dans les établissements scolaires où les photographes qui interviennent se déplacent avec du matériel prêté par la Maison Doisneau. Ce programme est entièrement financé par la Maison Doisneau. Parfois nous sommes amenés à travailler en partenariat avec les mairies ou structures des villes des écoles participantes, comme c’est le cas cette année avec la Médiathèque l’ECHO du Kremlin-Bicêtre, où les images réalisées par une classe de 5e de l’École Albert Cron seront exposées.
Copyright Maison Doisneau
Comment l’Histoire de la photographie, les expositions proposées à la maison ou au Lavoir s’intègrent-t-elles dans leur parcours ?
Chaque année l’édition de “Photographie à l’école” porte sur une thématique globale. À partir de cette thématique, le Pôle pédagogique de la Maison Doisneau et les photographes-intervenant·e·s proposent des exemples et références de l’Histoire de la photographie afin de donner plusieurs pistes d’entrée aux élèves. À la fin de chaque édition du programme, une exposition valorisant leurs productions est présentée au mois de mai à la Maison Doisneau. Les dix classes participantes visitent cette exposition et découvrent leurs images exposées.
Quelles traces gardent-ils de leur passage par ces ateliers ?
Les enfants produisent des images qui sont exposées à la fin de l’année scolaire à la Maison Doisneau. Leurs photographies sont également valorisées dans un magazine édité tous les ans depuis 2017. Certaines classes réalisent également des leporelli ou des petites expositions dans les écoles. La Maison Doisneau donne également aux élèves, dès le début des ateliers, un livret d’accompagnement qui leur permet de suivre les concepts photographiques de base et les différents axes de la thématique globale. Ce livret est un support où ils peuvent s’exprimer et garder des traces écrites ou dessinées de leurs ateliers, ainsi que revenir vers les activités hors les temps d’atelier, avec l’enseignant référent.
Pourriez-vous dresser un bilan de ces activités ?
Nous avons eu le plaisir de revoir des élèves ayant participé à des éditions passées de “Photographie à l’école”, dans le cadre de sorties scolaires à d’autres expositions, ou pendant d’autres ateliers à destination du grand public, et ils ont toujours parlé avec enthousiasme de leur expérience. Ils ont retenu une grande partie du vocabulaire et des notions acquises, ce qui souligne pour nous l’importance de ce programme. Nous sommes très satisfaits de l’avoir ouvert à des niveaux scolaires autres que l’école primaire car nous pouvons ainsi nous fixer et développer des plus nombreux objectifs d’éducation à l’image.
Depuis le début de ce carnet de recherches, nous nous interrogeons sur la méconnaissance, voire la défiance à l’égard du livre de photographies. Une des raisons envisagées pourrait être l’ignorance de l’art photographique par les plus jeunes. Après avoir interrogé des éditeurs, des photographes, des auteurs, nous nous questionnons sur les modes de transmission du 8ème art dans l’enceinte scolaire.
Rémy Péquignot, photographe et professeur au Lycée professionnel parisien Brassaï (Quel beau nom ! ) a accepté de répondre à nos questions et ses élèves nous ont permis de dévoiler leurs créations.
Quelle est votre formation et qu’enseignez-vous au sein du lycée Brassaï ?
Au départ, j’ai une formation universitaire en Physique fondamentale. Ensuite ma passion pour la photographie m’a conduit à l’Ecole Nationale Supérieure Louis Lumière au sein de laquelle j’ai étudié trois ans en option Prise de Vue jusqu’à la rédaction de mon mémoire de fin d’études en 2000. L’enseignement a pris assez rapidement une part très importante dans ma vie professionnelle. Mon activité de photographe se poursuit aujourd’hui mais est essentiellement consacrée à des projets personnels, en vue de l’édition d’ouvrages ou d’expositions.
Au Lycée Brassaï, comme la plupart de mes collègues enseignants en photographie, je donne des cours dans un large éventail de matières. J’enseigne en Studio pour une classe de terminale, en reportage pour une autre, en traitement et tirage numériques pour une classe de première. Mais également un cours théorique de Technologie pour une classe de terminale. Ensuite j’interviens dans différents cours ou dispositifs comme l’Accompagnement personnalisé (où je parle beaucoup de livres), mais également le cours consacré au Chef d’œuvre en terminale. J’ai donné pendant très longtemps des cours d’Histoire de la Photographie et d’autres de laboratoire argentique.
Copyright Nola Gonzales
Les élèves admis au lycée Brassaï sont-ils recrutés sur dossier ?
Nos élèves ne sont pas recrutés sur dossier. Ils font, comme la plupart des collégiens, des vœux d’orientation par la procédure classique. Certains dispositifs sont mis en place comme la procédure pass-pro qui permet à ceux qui le souhaitent de passer un entretien avec des professeurs du lycée pour échanger autour de leur motivation et répondre à toutes les questions qu’ils peuvent se poser. Certains élèves de troisième viennent également faire des mini stages d’une journée dans les cours de matières professionnelles. Mais au final, nous n’avons pas la main sur le recrutement.
Nous accueillons également directement en première des élèves dits « passerelles », se réorientant à la sortie d’une seconde générale, d’un CAP ou d’un autre baccalauréat professionnel.
Doivent-ils avoir déjà des compétences en photographie ?
Pas forcément. Ils doivent surtout avoir de l’intérêt, de la curiosité pour le monde de l’image, de la création et globalement pour le secteur culturel. Une pratique photographique est bien sûr un plus.
Constatez-vous chez eux un déficit de connaissance sur l’histoire/ le vocabulaire/la technique photographique quand ils arrivent ? D’où vient-il selon vous ?
Il y a certainement un déficit dans ces domaines lorsque les élèves arrivent au Lycée. La plupart du temps tout est à apprendre et construire, dans le domaine technique mais également sur l’histoire et le vocabulaire lié à l’image. Leur pratique de l’image est essentiellement liée à l’utilisation de leur téléphone sur lequel ils n’ont finalement que peu de choses à paramétrer avant de déclencher. Un petit nombre a déjà utilisé un boîter plus perfectionné ou en possède un mais c’est assez rare à leur arrivée. Ce que nous attendons au départ c’est surtout de la curiosité dans le domaine de l’image, de l’envie. Ensuite vient le travail pour leur permettre d’être plus autonomes et pertinents dans la construction de leurs images, l’acquisition d’un vocabulaire technique assez pointu et difficile.
Copyright Valentin Coustenoble
Savoir lire, comprendre les images et en dégager les enjeux n’est pas simple non plus. Ils sont sans doute confrontés à ces enseignements dans les cycles précédents mais c’est un gros travail dans l’ensemble de nos matières photo, en particulier en Histoire de la Photographie ou dans les cours de Méthodologie de projet.
Mais je pense que c’est normal car ils sont encore très jeunes et nous sommes là pour leur transmettre les savoir-faire et les connaissances.
A quels métiers se destinent-ils ?
L’orientation à l’issue du baccalauréat est assez difficile à cerner. Beaucoup continuent leurs études, certains dans le domaine de la photographie (le BTS photographie qui est la poursuite logique pour quelques-uns, des écoles privées en photographie, l’université dans les domaines des arts ou de l’image), d’autres dans le domaine de l’audiovisuel qui est une branche qui les intéresse et les motive également (BTS audiovisuel), d’autres dans des domaines liés à l’image ou aux arts appliqués (graphisme etc) et d’autres enfin dans des champs totalement différents en lettres, en sociologie, en langues à l’université. Certains choisissent de rentrer dans la vie active. Quelques-uns ont l’opportunité chaque année de partir étudier la photographie au Canada au sein du CEGEP de Matane.
Les métiers que nos élèves vraiment motivés par la photographie exercent dans une période plus ou moins longue après le bac sont : l’assistanat de photographes puis l’activité de photographe en elle-même (indépendant, photographe publicitaire, de mode, la photographie d’entreprise, plus rarement le reportage), les métiers liés à la retouche et au traitement des images. Certains peuvent être amenés à travailler dans des laboratoires.
A quoi sont-ils formés dans le domaine de la photographie ?
En matière de photographie, les élèves du Lycée Brassaï sont formés aux techniques de prise de vue dans différents domaines : en studio où ils ont la chance d’avoir un très bel équipement (dos numériques, flashs). Ils abordent la nature morte, le portrait, la photographie de mode. En reportage (réalisations des prises de vue, méthodologie, editing et agencement de séquences narratives, photographies d’actualité). Ils ont bien entendu des cours de traitement numérique, d’infographie et de tirage. Nous nous battons également pour conserver des cours de tirage argentique noir et blanc. En ce qui me concerne, beaucoup de photographes que je leur fais découvrir travaillent en argentique et on peut s’apercevoir que c’est aujourd’hui un secteur, en plus de l’intérêt pédagogique indéniable, qui parle beaucoup aux jeunes auteurs d’images.
Copyright Nathalie Gin
La plupart de leurs sujets sont réalisés en projets, intégrant des cours d’Arts Appliqués, des phases de réflexion et de recherches dans des cours de Méthodologie de Projet, la réalisation et le traitement numérique. Les sujets que nous écrivons donnent la possibilité aux élèves d’acquérir les compétences tout en développant leur créativité. En plus des composantes technique et professionnelle, nous nous attachons à stimuler les élèves par une forte composante artistique et culturelle.
D’autres cours théoriques sont axés sur la Technologie des équipements, sur l’Histoire de l’Art et de la Photographie mais nous abordons également des notions liées à la gestion de l’activité.
Rencontrent-ils des photographes ?
Ils rencontrent surtout des photographes durant leurs stages mais également au sein du Lycée lors de présentations ponctuelles : A titre d’exemple, il y a quelques années Paolo Roversi a fait quelques interventions. Dans le cadre des cours de reportage ils ont pu rencontrer le photographe William Daniels et plus récemment Cyrus Cornut (lauréat du prix HSBC 2021) ainsi que Carole Bellaiche qui leur ont présenté leur travail.
Ils rencontrent également des photographes parmi leurs professeurs, mais la relation n’est pas tout à fait la même.
Copyright Mohamed KHADHRI, The Street
Ils peuvent également rencontrer des auteurs, artistes venus de d’autres champs créatifs. En 2020-2021 le lycée a accueilli en résidence Rodolphe Alexis, designer sonore, artiste et enseignant qui a créé avec deux classes d’élèves les contenus d’une application géolocalisée mêlant sons et photographies.
Font-ils des stages ?
Oui, bien sûr. Les périodes de formation en entreprise font partie intégrante de leur cursus. Ils font en moyenne deux périodes de quatre semaines par an dans des entreprises du secteur de la photographie (boutiques, studios, photographes indépendants, laboratoires, retoucheurs, collectivités mais également dans des entreprises hors champ photographique mais toujours en lien avec l’image fixe ou animée).
Ont-ils une pratique de l’exposition de photographies ?
Durant leur formation nos élèves ont des expériences multiples liées aux expositions de photographies. C’est une part importante dans notre pédagogie. Leur permettre de se confronter aux tirages, aux photographies « physiques » et de sortir un peu de l’univers des réseaux sociaux.
Nous organisons régulièrement des visites d’expositions dans différents lieux parisiens (par exemple cette année au Jeu de Paume, à la Maison Européenne de la Photographie lors de l’exposition de Daido Moriyama, ou dans des galeries comme la galerie XII pour l’exposition 25 Bd Beaumarchais de Carole Bellaïche). Depuis quelques années certains élèves ont également l’opportunité de visiter Paris Photo au Grand Palais. Le lycée entretient une relation étroite depuis plusieurs années avec le Jeu de Paume au sein duquel nos élèves sont confrontés aux accrochages d’expositions de photographies patrimoniales (comme les Chefs d’œuvres photographiques du MOMA cette année) ou de recherches et productions très contemporaines. Le projet que nous menons en partenariat avec cette institution permet à tous les élèves du lycée de suivre des visites conférences consacrées aux expositions de l’année mais également à deux classes de première de réaliser une production photographique en vue d’une restitution sous forme d’exposition. Nous avons ainsi eu la chance de pouvoir accrocher et montrer le travail de nos élèves à plusieurs reprises au sein du Jeu de Paume. C’est une expérience passionnante et très valorisante pour eux.
Copyright Hélio-Luis, KHAIR
A titre personnel je les encourage très régulièrement à aller voir des expositions qui m’ont touché, ému et je commence la plupart de mes cours par un conseil d’exposition, une critique, une projection d’images en lien avec l’accrochage présenté.
Il ne faut pas oublier non plus le moment très important que constituent les Journées portes ouvertes du lycée Brassaï, dont les murs se couvrent de tirages, réalisés et accrochés par nos élèves.
Quelles sont les épreuves en photographie lors des éxamens du bac ?
Le baccalauréat Professionnel Photographie est un diplôme très exigeant qui comporte un grand nombre d’épreuves. En ce qui concerne les matières professionnelles les élèves passent la majorité de leurs épreuves à l’oral. Ils présentent ainsi deux portfolios lors de deux épreuves très importantes : un portfolio professionnel montrant l’ensemble de leurs savoir-faire (nature morte publicitaire, reportage, portrait, mode) et un portfolio plus personnel, aboutissement d’un travail photographique de plusieurs mois sur un thème national imposé. Au sein de celui-ci ils doivent trouver une approche personnelle et réaliser un ensemble cohérent de prises de vue et de tirages d’exposition. Une troisième épreuve orale leur permet également de réaliser une synthèse de leurs périodes de formation en entreprise. Toutes ces épreuves constituent des moments forts à l’issue de leur formation, d’autant plus qu’elles se déroulent en présence de professionnels invités, extérieurs au lycée. Ils passent bien sûr des épreuves écrites, notamment en Histoire de l’Art et de la Photographie, en technologie des équipements. Une nouvelle épreuve s’est greffée à cela depuis cette année avec la constitution et la soutenance du « Chef d’œuvre ».
Rencontrent-ils des livres de photographies pendant leur formation chez vous ? Avez-vous des exemples ?
Ils rencontrent des livres pendant leur formation. Il n’y a pas de manuels scolaires en ce qui concerne l’enseignement de la photographie, sinon quelques livres techniques de référence. Les élèves abordent l’histoire de la photographie en cours et ont à leur disposition un CDI bien fourni et dont le fond s’enrichit régulièrement. Ils ont dans leur sac pour les trois ans les livres de Quentin Bajac dans la collection Découvertes Gallimard.
A mes débuts il y a une vingtaine d’années je ne disposais pas de vidéoprojecteurs ou de tableaux numériques et n’avais souvent pas le temps de faire des reproductions. Mes anciens élèves gardent le souvenir des piles de livres de photographie qui servaient de support à mes cours d’Histoire de la Photographie (sans doute au détriment de mon dos …). J’aimais les apporter, les faire circuler ou circuler moi-même en les montrant.
Aujourd’hui, je les utilise de différentes manières dans mes cours, avec différents objectifs.
Dans le cadre de l’Accompagnement Personnalisé, je construis des séquences dédiées à certains livres marquants dans l’histoire de la photographie (souvent des livres qui me parlent et me touchent personnellement), des livres qui dévoilent des photographes, leur histoire, mais qui ont également une histoire : dans le désordre The Americans de Robert Frank, Café Lehmitz d’Anders Pertersen, La France de Profil de Paul Strand et Claude Roy etc. Leur donner envie de faire des images, susciter leur curiosité, leur faire découvrir l’univers de photographes souvent sombres, très expressifs est une de mes obsessions. Quand un élève vient me voir à la fin du cours pour me dire qu’il a aimé, qu’il voudrait bien m’emprunter le livre, c’est une victoire pour moi. J’aime parler de la photographie, leur raconter des histoires. Et c’est tellement mieux et logique de le faire un livre à la main.
J’ai également développé une séquence autour des librairies parisiennes qui sont spécialisées ou donnent une grande importance aux livres de photographes et de photographie. Où les trouver ? J’ai également ouvert cette présentation à certaines librairies en ligne et au « marché » des livres rares ou épuisés. J’aborde la question de la valeur marchande du livre de collection, les côtes ahurissantes de certains ouvrages, parfois même très récents, qui deviennent vite inabordables.
Copyright Félix ARRAMY, Accident-géométriqu
Là aussi mon objectif est atteint quand un élève, ou un ancien élève, vient me voir ou m’écrit pour me dire qu’il a acheté tel ou tel livre dans une librairie, qu’il ou elle a dépensé une partie de son pass culture à la librairie d’un musée ou d’une institution photographique. Mais c’est quand même assez rare, du moins trop rare à mon goût.
Enfin et surtout, dans le cadre de mes cours de reportage, je leur montre des livres que l’on pourrait classer dans le champ documentaire, des monographies, des livres construits autour d’un sujet. Mais la plupart du temps je leur rapporte des ouvrages qui racontent l’histoire de leur auteur, je cherche à leur faire découvrir la structure narrative, la séquence des images mais surtout à leur faire ressentir l’atmosphère qui se dégage de ce « lieu » restreint qu’est le livre. Je leur montre des auteurs qui ont un style fort, marqué, très intime et personnel, toujours dans le souci de faire évoluer leur regard sur le monde et sur leur vie quotidienne. En particulier je travaille avec eux sur des portraits de lieux, sur la mémoire et la vie d’endroits restreints. La retranscription d’une atmosphère est un de mes objectifs. En ce sens certains livres m’aident énormément en particulier ceux de Bernard Plossu, Anders Petersen (Café Lehmitz, Sète #8, From Back Home), J.H Engström, Robert Frank, Christophe Bourguedieu (Le Cartographe, Tavastia, Eden) qui est très important pour moi, Mickael Ackerman, Guillaume Herbaut (La zone) mais également des livres de photographes s’inscrivant dans un champ plus plasticien, plus théorique comme Patrick Faigenbaum (Praha, Santulussurgiu, Tulle). William Eggleston est également, avec le William Eggleston’s Guide entre autres, une référence importante dans mes cours.
Récemment, à l’occasion de son exposition au Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme, je leur ai fait découvrir certains livres de Patrick Zachmann comme Enquête d’Identité.
Copyright Nelly ROJAS, Paris15
Durant mes cours de studio je pose également régulièrement des livres de photographes sur la grande table (Dans le désordre Irving Penn, Paolo Roversi, Richard Avedon, Pierre Gonnord, Josef Sudek etc)
Mes élèves sont beaucoup devant l’ordinateur durant leur formation, ou plus généralement devant des écrans et j’ai besoin de leur apporter de la matérialité, leur montrer des objets, leur permettre de toucher, de sentir la matière du papier. J’essaie de les encourager à aller vers le livre, ce qui n’est pas une tâche facile aujourd’hui. Comme j’ai une petite tendance à collectionner, j’apporte beaucoup de livres de ma bibliothèque personnelle, parfois assez rares, et leur permet de les feuilleter, quelquefois de les emprunter. J’aime à penser que ma bibliothèque est un reflet de ma conception de la photographie, un deuxième « cerveau », qui doit être vivant et partagé. J’aime donc faire vivre mes livres en permettant à mes élèves de les parcourir, de se les faire passer.
Tout cela n’engage que moi bien sûr. Mais certains de mes collègues, également passionnés de livres de Photographie, sont amenés à en utiliser en cours.
En réalisent-ils pendant leur formation chez vous ? Avez-vous des exemples ?
C’est assez rare mais cela peut arriver à l’occasion de projets avec des partenaires institutionnels. En 2017 nous avons réalisé deux ouvrages ambitieux (imprimés à une centaine d’exemplaires chacun) : L’image en creux autour de l’exposition consacrée à Eli Lotar au Jeu de Paume et Chroniques Adolescentes sur le quotidien d’une génération d’élèves, en partenariat avec la Région Ile de France. Un projet est en cours actuellement avec les élèves de seconde qui pourrait déboucher sur la publication d’un ouvrage.
Utilisez-vous des livres photo-illustrés pour la jeunesse dans vos cours ?
Je n’utilise pas vraiment de livres photo-illustrés pour la jeunesse. Mais sans doute est-ce un tort car le monde du livre jeunesse est un secteur tellement vivant et créatif. J’y suis confronté dans ma vie personnelle avec mes enfants. D’un point de vue pédagogique certains livres destinés à un jeune public auraient un intérêt indéniable au lycée. J’ai acheté à ma fille il y a quelques mois EYES OPEN, 23 idées photographiques pour enfants curieux de Susan Meiselas, chez Delpire, qui aurait sans aucun doute sa place dans notre formation. Il faut que notre CDI se le procure. Une Histoire des Images pour les enfants de David Hockney et Martin Gayford constituerait un beau « manuel » pour les premiers cours d’Histoire de l’Art. Mais en fait les exigences du référentiel du Diplôme, les programmes et le temps de plus en plus réduit que nous avons pour apporter les compétences, les connaissances et les savoir-faire font que nous allons souvent directement vers des livres essentiels de l’histoire de l’art ou de la photographie, sans distinction de tranche d’âge, parce qu’ils bousculent peut-être davantage nos élèves dans une période de changements personnels forts et les aident à passer de façon créative vers l’âge adulte.
Sont-ils familiers de la notion de photolittérature ?
Je ne pense pas qu’ils soient familiers de la notion de photolittérature même si ils y sont confrontés lorsqu’ils découvrent certains photographes, écrivains ou livres les mettant en relation.
Les auteurs que je leur fais découvrir dans les livres nourrissent une pratique photographique très littéraire, ou du moins en lien avec la littérature ou l’autobiographie. J’essaie de leur faire découvrir la structure littéraire, l’expressivité du récit de livres de photographie. Bernard Plossu, même s’il a une approche très proche du cinéma, élabore des livres qui se lisent, comme des romans, ou des recueils de poésie. Les liens entre Robert Frank et les auteurs de la Beat Generation, dont Kerouac, sont également évoqués lorsque l’on parle du livre The Americans. Les correspondances avec les textes d’écrivains ou de poètes (parfois conflictuelles) sont une des caractéristiques essentielles des livres de la Guilde du Livre comme La France de Profil de Paul Strand et Claude Roy, Le Grand Bal du Printemps d’Izis, ou la Banlieue de Paris de Doisneau que j’ai parfois l’occasion d’apporter en cours.
Nos élèves sont jeunes, mais au fil des années, certaines ou certains élèves nous parlent des livres qu’ils lisent, de littérature. C’est cependant assez marginal. Peut-être davantage avec les enseignants de Français-Histoire Géographie. Globalement nous essayons de les encourager à lire mais surtout à écrire par l’image, la photographie, ce qu’ils ont à dire sur le monde, leur vie. Certains développent dans leurs portfolios personnels une belle sensibilité d’auteurs (de jeunes auteurs), des séries photographiques très littéraires et fortes. Mais je ne pense pas que la majorité des élèves analysent facilement les liens et imbrications réciproques entre littérature et photographie. C’est encore un peu tôt.
J’espère également que quelques-uns savent que le photographe qui a donné son nom au lycée était lui-même un brillant écrivain.
Éditions Palette…, Paris 2013, 31 x 25 cm, 96 pages Prix du livre d’art jeunesse du FILAF (Festival International du Livre d’Art et du Film), 2014
Si les adolescents photographient tout, et tout le temps, que savent-ils de l’histoire de la photographie artistique du XXIe siècle ? Et nous-mêmes ? L’ouvrage Photographie Contemporaine propose un parcours au cœur de l’art photographique de ces dernières années et entend faire découvrir quelques uns de ses maîtres : Stephen Shore, Yuri Kozyrev, Edward Burtynsky, Sophie Ristelhueber, Nan Goldin, Richard Mosse, Paul Graham… De la photo de portrait au photo-journalisme, argentique ou images retouchées sous photoshop, document objectif et transformation du réel, ce livre explore les différentes facettes de leur pratique. Le livre, passerelle vers l’art photographique, suite de l’enquête…
Rencontre avec son autrice, Floriane Herrero.
Floriane, pourriez-vous d’abord nous indiquer quel parcours vous avez suivi.
J’ai d’abord étudié à l’école du Louvre, dont je suis diplômée en muséologie, et j’ai ensuite également obtenu un master en édition et communication. J’ai exercé de nombreux métiers dans la culture en plus de mon activité en tant qu’autrice, je suis actuellement à la recherche d’un nouvel emploi.
Quels sont les maîtres que vous admirez en photographies, si vous en admirez ?
J’admire de nombreux photographes ! J’ai une affection toute particulière pour la photographie des années 20 à 40, en France et ailleurs. Par exemple Alexander Rodchenko, Germaine Krull, Jacques-André Boiffard… Dans une toute autre esthétique, j’aime beaucoup le travail en couleur de William Eggleston et un de ses héritiers plus contemporains, Alec Soth.
Vous avez publié Photographie contemporaine aux éditions Palette… Pourquoi cet éditeur ?
Photographie Contemporaine a été publié en 2013 et il s’inscrivrait à l’époque dans une collection informelle que les éditeurs d’alors avait développé et qui regroupait des ouvrages de grand format consacré à la création contemporaine. Je connaissais les éditions Palette depuis 2011 et j’avais déjà collaboré avec eux sur d’autres ouvrages. Je n’ai pas rencontré de difficulté pour le faire éditer, si ce n’est peut-être un peu de scepticisme au départ quant au fait que le sujet puisse être adapté au jeune public.
copyright Éditions Palette…, Paris
A qui s’adresse cet ouvrage et quelle est sa finalité ?
Il s’agit d’un livre s’adressant d’abord aux enfants à partir de 12 ans, aux adolescents mais aussi à un public adulte qui ne connaît pas l’univers de la photographie contemporaine. En effet, en discutant avec des lecteurs, parents ou enfants, j’ai réalisé que cet ouvrage pouvait tout à fait servir d’introduction auprès d’un lectorat de tout âge.
Pensez-vous que les enfants souffrent d’un manque d’éducation à l’image et plus particulièrement à la photographie ? Cet ouvrage vient-il combler un manque ?
Encore une fois, cet ouvrage est paru en 2013, et depuis, le rapport des enfants à l’image a énormément évolué, notamment via le développement de leur utilisation des réseaux sociaux tels qu’Instagram, Snapchat etc. Mais je pense effectivement que les enfants, autant à l’époque que de nos jours, souffrent d’un manque d’éducation à l’image, à l’impact des images, à leur signification culturelle et sociétale. Peut-être aussi souffrent- ils d’un effet de saturation face aux images, et sont-ils en quelque sorte désensibilisés. Et puis, du point de vue de la beauté, de l’émerveillement, de la capacité à imaginer à partir d’une image, il me semble là aussi que l’omniprésence virtuelle handicape les plus jeunes générations.
Pourquoi cet « espace » aménagé dans la couverture ?
C’est le directeur des éditions Palette de l’époque, Didier Baraud, qui s’occupait plus particulièrement de la création de la maquette, en collaboration bien sûr avec le graphiste Loïc Le Gall. L’idée d’une fenêtre nous paraissait intéressante, comme une fenêtre ouverte sur le monde, aussi l’idée de cadrage de la photographie…
Votre ouvrage est divisé en cinq grands thèmes : « Témoignages », «Mises en scènes », « Figure humaine », « Paysages » et « Expérimentations ».Pourquoi ceux-là ? Est-ce qui se dégage de la photographie contemporaine ?
J’ai longuement travaillé pour trouver comment organiser cet ouvrage. La photographie, et d’autant plus la photographie contemporaine, est un domaine très très vaste, et il me semblait utile, par souci de pédagogie, d’organiser l’ouvrage autour de grandes thématiques. Une approche chronologique n’aurait pas eu de sens, une approche géographique non plus, j’étais donc dans l’obligation de trouver des thèmes à aborder. Les cinq thèmes choisis me semblaient les plus appropriés et me permettaient aussi de parler de beaucoup de photographes, aussi bien des photographes documentaires que des portraitistes que des photographes de paysages ou encore des expérimentateurs purs.
Comment la définissez-vous d’ailleurs ? avec quelles bornes temporelles ?
Pour cet ouvrage, je me suis limitée au maximum à des photographes des années 2000, avec quelques exceptions bien entendu. Si je devais refaire ce livre maintenant, et à cause de l’évolution de la photographie numérique / des téléphones portables, j’aurais sans doute des limites temporelles encore plus réduites.
Comment avez-vous opéré un choix dans la production contemporaine ? Avez-vous des regrets de ne pas avoir pu y faire figurer certains artistes ?
J’ai bien entendu dû opérer un choix dans les artistes sélectionnés, car c’est un domaine particulièrement riches, mais je n’ai pas de profonds regrets car chaque artiste représenté est un artiste que j’apprécie particulièrement. Il s’agit toujours d’un choix et il ne faut pas tenter l’exhaustivité, c’est une quête impossible…
Texte d’abord, images ensuite ou l’inverse ?
J’ai d’abord fait un choix iconographique, en construisant en parallèle le plan du livre, et j’ai ensuite attaqué la phase de rédaction. Avec mes seules deux mains, donc.
copyright Éditions Palette, Paris
Comment s’est opéré le choix de la mise en page des photographies ?
L’idée d’utiliser un grand format pour ce type d’ouvrage est aussi de laisser beaucoup de place à l’image, afin que les plus jeunes puissent véritablement se plonger dans les visuels, en voir le plus de détails. Vous remarquerez donc que la plupart des images sont au moins au format demi-page, sauf dans le cas où bien entendu, pour pouvoir représenter plusieurs artistes, celles-ci sont en quart de page.
La maison d’édition est-elle intervenue dans la conception ?
Bien sûr, j’ai travaillé très étroitement avec Didier Baraud et Nicolas Martin, qui était alors éditeur chez Palette. C’est l’éditeur qui a validé la version finale du plan et de la sélection iconographique, et au fil de l’écriture, a corrigé et validé les textes. Ce sont eux qui se sont chargé de toute la conception physique du livre, de la fabrication au graphisme.
Avez-vous rencontré quelques lecteurs/trices qui vous ont fait part de leurs émotions devant ces belles images ?
J’ai eu la chance de participer plusieurs fois au Salon du Livre jeunesse de Montreuil et je me souviens avoir eu des retours enthousiastes de parents et d’enfants. Les enfants ont souvent une réaction très « wouaesque » devant certaines images, ou alors rigolent franchement. J’ai également au des retours de certains des photographes présents dans le livre qui étaient ravis d’apparaître dans un livre destiné au jeune public.
Pourriez-vous le rééditer ? En faire une suite ?
Ce livre pourrait et mériterait d’être réédité afin d’en proposer une version mise à jour, la production photographe ayant vraiment beaucoup évolué en quelques années.
Enfin, que lisiez-vous enfant ? Y-avait-il des livres de photographies ?
Je lisais finalement peu étant enfant, j’étais plutôt une enfant qui aimait jouer dehors ou alors regarder des dessins animés… Donc plutôt visuelle.
Qu’est-ce qu’une photographie iconique ? Les deux volumes de l’Histoire vraie des grandes photos, signés David Groison et Pierangélique Schouler, tentent de répondre à cette question en proposant pour chaque opus une sélection de 20 images, sélectionnées dans plus d’un siècle de production photographique.
Chaque image est décodée, analysée, autant d’un point de vue esthétique que symbolique, et replacée dans son contexte historique. Les auteurs ou les acteurs de ces photographies viennent parfois raconter l’histoire de ces prises de vue et ajoutent un supplément d’humanité à ces clichés que nous croyions déjà connaître.
Entretien avec David Groison.
Comment est née L’Histoire vraie des grandes photos ?
Pierangélique Schouler et moi-même sommes partis du constat suivant : il y a une méconnaissance de la photographie, à la fois chez les journalistes et chez les ados. L’école nous apprend à décrypter des textes patrimoniaux, mais ne nous apprend rien sur l’image alors que nous baignons dans un monde d’images, où il y a plein de règles d’écriture, comme dans les textes. On a donc voulu réfléchir aux vingt questions à se poser pour regarder les images et cela a donné Prises de vue, décrypter la photo d’actu, chez Actes Sud Junior. Nous avons ensuite réalisé Photos chopées, sur les photos truquées, qui montre comment et pourquoi certaines photographies sont trafiquées.
Après avoir travaillé sur la grammaire et les coulisses de la photographie, il semblait naturel de présenter les grandes photos, aussi bien que le ferait un cursus littéraire. Ces grandes photos, notre œil les connait, les repère partout, analyse la répétition des motifs, mais, en fait, nous n’en savons pas grand-chose, et surtout pas dire à quelle réalité elles se rapportent. Aller chercher les coulisses de la prise de vue nous a permis de voir combien cela éclairait les débats d’aujourd’hui sur la place de la photo, la preuve qu’elle apporte.
Pourquoi cette compilation de photographies a-t-elle ce format carré, un peu petit ? C’est un peu surprenant pour un livre de photographies. On s’attend plus à de grandes images et en plus grand nombre.
Nous ne voulions pas un beau livre de photos hyper impressionnant. Les deux premiers ont même une couverture souple. Ces deux volumes consacrés à l’histoire vraie des grandes photos s’inscrivent dans une série de cinq ouvrages et en ont donc la forme.
Nous ne voulions pas non plus réaliser un livre qui présenterait les grands moments historiques. Nous n’avons aucune photo qui concerne la Première Guerre mondiale par exemple, et c’est bien normal car il n’en reste pas de photo iconique. L’idée était vraiment de faire figurer des photos présentes dans la pop culture ou dans notre imaginaire. En rigolant, quand on en parle devant des ados, on leur demande si telle image a été détournée par les Simpson. Un des critères pour identifier une photo iconique serait finalement le détournement ou sa présence dans une série. C’est un bon indicateur.
On s’est arrêté à vingt photographies pour ne pas faire un livre trop volumineux. Il était important de garantir le plaisir de lecture. Assez vite nous avons proposé d’en faire un deuxième, avec cette limite de l’année 1965 et l’arrivée de la couleur. De la même façon, chaque histoire que nous racontons autour de chaque photo a un nombre de signes limité. Lire l’histoire d’une photo ne devait pas devenir impressionnant.
Actes Sud Junior, mars 2016, 18.00 x 18.00 cm, 88 pages
Comment s’est opérée cette sélection de photos ? Chacun de votre côté d’abord avant une mise en commun ?
C’est cela ! Nous avons chacun notre culture : Pierangélique est iconographe de presse et a un parcours en rapport avec l’image et moi je viens de l’écrit et de l’école du journalisme. C’est l’alliance du néophyte et de l’expert, avec chacun sa grille de lecture et chacun son avis. Certaines photos, très connues des étudiants en photo, ne me semblaient pas du tout connues du grand public par exemple. Finalement le choix s’est porté sur des images qui racontaient plus qu’elles-mêmes, comme celle réalisée sur le Rockefeller Center. (Construction Workers Eating Lunch, 1932). Elle est à la fois allégorie de l’amitié, tout en étant le symbole du moment où NY devient NY. La bonne surprise a été de découvrir que chaque photo avait une histoire dingue.
Comment avez-vous pris en compte les auteurs de ces images et leurs ayants droit ?
Pour obtenir le droit de publier ces images, il suffit de payer en fait ! La surprise a été de découvrir que certaines photos valaient plus que d’autres. Le baiser de L’hôtel de ville vaut plus que celui pris à Times Square !
On a essayé, à chaque fois que cela été possible, d’interviewer les gens qui les ont prises ou ceux qui sont sur la photo. Celle d’Arthus Bertrand m’a frappé. Le pilote de l’hélicoptère était heureux d’en parler. L’enquête pour retrouver les gens sur les photos a été passionnante.
Pourquoi le volume 1 est-il proposé avec deux couvertures différentes, une avec Marilyn Monroe de 1954, l’autre avec des ouvriers de 1932 ?
Lors de la première édition, le directeur artistique s’interrogeait sur la difficulté de réduire ce travail à une seule image… Dès la réimpression, il a été convenu de ne garder que celle des ouvriers.
Quels retours avez-vous des lecteurs ?
J’ai animé récemment un atelier avec des petits, et je leur ai proposé des extraits découpés des photos. Tout de suite, ils étaient capables de saisir l’essence des photos et d’imaginer leur hors-champ. Pour celle de Dorothea Lange (Migrant Mother, 1936), par exemple, ils ont imaginé le père, car cela leur semblait impossible que celui-ci soit absent.
Ce qui est génial avec des ces publics éloignés du livre, c’est qu’ils rentrent soudain dedans à fond. Certains adolescents ont écrit des slams pour accompagner la photo des ouvriers sur la poutre (Construction Workers Eating Lunch, 1932). C’est réjouissant pour moi comme pour les éducateurs.
Serait-il possible d’imaginer un troisième tome ?
Nous nous sommes arrêtés à 2015 avec la photo de la Place de la nation. Il est compliqué de choisir des images sur lesquelles le temps n’a pas laissé sa patine. Les trois dernières photos sont certainement facilement contestables, parce qu’il manque le recul de 50 années. Aujourd’hui, la photo est omniprésente et la photo iconique est plus difficile à isoler. Les photos ont moins le temps de s’imposer et d’écraser tout le reste. Il faut donc du temps dans l’œil de celui qui la voit pour qu’elle devienne iconique.
Avez-vous des regrets ?
Non. C’est notre choix à tous les deux. Ceci étant, j’aurais bien mis la photo de John Lennon et Yoko Ono prise par Leibowitz juste avant qu’il se fasse assassiner, mais Pierangélique trouvait qu’elle ne rentrait pas dans le corpus et en plus elle était hors de prix ! Ceci étant la question du prix n’a jamais été un sujet pour l’éditrice.
Isabelle Ricq, une forêt dans un verre d’eau, Seuil Jeunesse, 2021
“Une petite fille écrit à sa grand-mère qui vient de disparaître et lui fait part d’une étrange aventure qu’elle vient de vivre.
Elle lui raconte comment, alors qu’elle observait les racines d’une petite plante qu’elle fait pousser dans un verre d’eau, elle est tombée dedans et s’est retrouvée subitement au cœur d’une forêt an compagnie du garçon-qui-pensait-être-un-loup”. Ainsi commence l’histoire, portée par un texte plein de poésie et par de très belles photographies forestières qui servent de terrain de jeux à Loup et Mouflette, deux petits personnages dessinés perdus dans les bois, occasion formidable de découvrir le monde et la vie.
Isabelle Ricq est notre invitée.
Quelle est votre profession ? et quel est votre parcours ?
Je suis photographe, et plus précisément photographe documentaire, c’est-à-dire que je réalise des reportages au long cours, sur des sujets que j’ai eu la chance de choisir. À 20 ans, en sortant de l’école de photo, j’ai vécu en Indonésie où j’ai longtemps documenté la fulgurante déforestation en cours: la destruction de la forêt, et son remplacement par des monocultures lucratives, sont devenues mes obsessions de travail. Je les ai photographiés ailleurs sur la planète, pour finalement revenir en Asie du Sud-Est, à Bornéo, pour une enquête photographique autour de la disparition d’un activiste suisse, Bruno Manser, qui a nécessité huit années de documentation et de voyages, et qui m’a laissée sur les rotules.
Christian Tochtermann Isabelle Ricq (Auteur) Ou la disparition de l’homme penan, septembre 2019
Comment passe-t-on de la photographie documentaire à la littérature jeunesse ?
Au milieu de ce travail documentaire à Bornéo, notre fille est arrivée. Elle a bouleversé notre rythme, évidemment, mais surtout ma perception du monde.
Je me suis mise à tout voir à sa hauteur, ce qui m’a vite fait réaliser que derrière la complexité des sujets que je traitais se cachaient des valeurs qui étaient simples à comprendre, même pour un très jeune enfant. Dans le même temps, je découvrais grâce à elle les rayons littérature jeunesse des librairies, et j’en ai tiré trois constats: le premier est que la photographie est rare dans les livres pour enfants, surtout dans les albums de fiction. Le second est que ma fille de deux ans savait reconnaître une vache dessinée, qu’elle soit jaune, verte ou orange, avec une salopette ou des lunettes, à quatre pattes ou debout, mais qu’elle l’identifiait avec plus de peine sur une photographie. Le troisième est que cette même petite fille était capable de s’attacher aux photographies qu’on lui présentait, et d’y projeter ses propres histoires.
copyright Isabelle Ricq
Je me suis alors intéressée au passionnant (et périodique) désamour de l’édition jeunesse et de la photographie, de l’essor des albums photographiques dans les années d’après-guerre à l’arrêt brutal de leur production au début des années 1980. Diverses raisons sont invoquées pour cela: que les jeunes lecteurs éprouveraient des difficultés à appréhender la photographie, alors majoritairement en noir et blanc, ou encore que le réalisme de ces images freinerait l’imaginaire. Tout, pourtant, dans mon expérience, contredisait ces théories.
L’envie d’écrire et d’illustrer une histoire pour enfant est née de ces réflexions nouvelles, mais également de ma prise de conscience de la puissance de la fiction pour raconter le monde qui nous entoure. Moi qui m’étais toujours attachée à rendre compte de la réalité le plus honnêtement possible, à ne surtout pas trahir la parole de celles et ceux qui se donnent à voir, je découvrais là une liberté insoupçonnée, et une joie de créer renouvelée.
copyright Isabelle Ricq
Est-ce que ce projet a eu du mal à aboutir ? La présence de la photographie a-t-elle posé un problème aux éditeurs ?
Le fait que mes illustrations s’appuient sur des photographies a été très bien accueilli par les deux maisons d’édition auxquelles je les ai montrées, et l’enthousiasme d’Angèle Cambournac, au Seuil Jeunesse, m’a tout de suite convaincue que ce projet devait se faire avec elle. Ce que j’entends, c’est que les éditeurs ont conscience que le médium photographique est sous-utilisé dans l’illustration jeunesse, et que le peu de projets qui leur sont proposés sont encore freinés car la photographie a la réputation de mal se vendre.
Aujourd’hui, la plupart des albums photographiques qui paraissent sont des mises en scène de figurines ou de marionnettes, ou des imagiers. En cela, mon approche était différente, car il s’agissait d’ancrer mes fictions dans le réel par l’utilisation de la photographie comme environnement, dans lequel un personnage dessiné vit de merveilleuses aventures. Par l’utilisation du dessin, mes images renvoient donc partiellement aux codes traditionnels de l’illustration jeunesse, et même si la part dessinée est minime dans l’espace de l’image, il est tout à fait probable que sans cela ce projet ait été beaucoup plus difficile à faire vivre.
copyright Isabelle Ricq
“Tout enfant recommence le monde”, Pourquoi cette citation d’Henri David Thoreau en exergue ?
Cette citation vient d’un livre important pour moi, Walden ou la vie dans les bois, grand récit de la mise en application d’une philosophie de vie, dont certains passages me sont longtemps restés en tête. Cette phrase en faisait partie, mais j’ai l’impression d’en avoir réellement saisi le sens qu’en devenant mère. Elle m’a accompagnée et, à mesure que j’écrivais ce livre, elle résonnait de plus en plus fort en moi, si bien qu’il m’a semblé évident de la citer en exergue, comme on éclaire un chemin depuis l’orée du bois.
Qui sont les personnages d’Une forêt dans un verre d’eau ? des lointains cousins d’Alice ? ou de Tobie Lolness ?
Loup et Mouflette sont deux petits voisins, qui ne se connaissent pas bien avant que leur aventure ne commence. Leur voyage est une prise de conscience, et je dirais qu’il partage plutôt des liens avec celui de Max, de Max et les Maximonstres, chef d’oeuvre de Maurice Sendak, dont le titre original aurait pu lui aussi figurer en exergue: Where the wild things are.
Pourquoi avoir choisi un couple de personnages fille -garçon ?
Simplement parce que j’affectionne particulièrement les amitiés fille-garçon, et que le début de l’histoire s’attache à Mouflette: lorsque Loup surgit, il est autre vis-à-vis d’elle, sur tous les plans.
Et pourquoi la forêt ? comme un lieu de mystère presque incontournable des contes ?
La forêt est pour moi le lieu du sauvage, un monde avec « un coeur » et « des confins », dont la plupart des interactions nous échappent. Nous en venons pourtant, mais en le quittant nous nous sommes persuadés que ce que nous y laissions était sombre, inutile dans un monde civilisé, voire dangereux. Que se passe-t-il alors si nous y revenons?
Accessoirement, la forêt est aussi le milieu naturel dans lequel je me sens la plus à l’aise et heureuse, et je crois qu’il était important pour moi de prendre du plaisir à faire ce projet, assez égoïstement.
Envisagez-vous de rendre compte d’autres espaces dans vos prochains projets ?
Les idées sur lesquelles je travaille actuellement se différencient un peu d’Une forêt dans un verre d’eau: par l’échelle, pour l’un, et par la technique, pour l’autre. Il y a toujours (un peu) de forêts, mais je cherche aussi à faire quelques prises de vue sous l’eau, oui.
Vous photographiez ? vous dessinez ? vous écrivez ? dans quel ordre pour cet ouvrage ?
Cet ouvrage est né d’une petite histoire destinée à ma fille, pour laquelle j’avais utilisé un corpus de photographies réalisées en Pologne, dans la forêt de Białowieża – joyau de nature, souvent qualifié de dernière forêt primaire d’Europe avant que l’actualité ne la rattrape tristement, d’abord par les coupes de bois, puis aujourd’hui par l’errance des migrants instrumentalisés là par le pouvoir biélorusse.
De ce premier fil, nous avons tissé un récit plus complexe avec Angèle, l’éditrice, ce qui fait qu’ensuite c’est l’écriture qui a guidé les prises de vues, les dessins étant l’étape finale du travail. Du premier récit ne subsiste dans le livre qu’une seule image, les autres ayant toutes été réalisées en Belgique, où je vis.
Quel âge ont vos lecteurs ? qu’attendez-vous d’eux lorsqu’ils auront cet ouvrage entre les mains ?
C’est une bonne question, et cela fait d’ailleurs partie des surprises que j’ai eu en tenant l’album en main pour la première fois: je pensais écrire une histoire destinée à être lue par les parents, alors que je me rends compte aujourd’hui qu’elle touchera plutôt les plus grands, qui commencent à maîtriser la lecture par eux-mêmes. Je crois que c’est dû au fait que, sans que je m’en aperçoive, mes mots ont grandi avec ma fille, qui a aujourd’hui 6 ans. Cette histoire, je ne fais que la déposer à ces petits lecteurs, en espérant qu’elle résonnera chez certains d’entre eux.
Que lisiez-vous lorsque vous étiez enfant ?
Une des raisons pour lesquelles je suis tombée en amour pour le monde du livre jeunesse, c’est que je ne l’ai que très peu côtoyé étant enfant. Je n’ai eu des livres pour moi que lorsque j’ai pu lire seule, et je suis passée à côté de l’album illustré. Ma première passion a été pour Roald Dahl, dont j’ai dévoré tous les livres en format de poche. Aujourd’hui, je découvre avec émerveillement les rééditions de ces mêmes histoires, superbement enrichies, et j’ai l’impression de vivre une part d’enfance qui m’avait échappée.
Depuis le 22 octobre , et jusqu’au 22 janvier 2022, la librairie-espace d’exposition Mutty accueille une exposition dédiée à la photographe américaine Tana Hoban, pionnière du livre photographique pour enfants.
Cette exposition hommage permet aux visiteurs de redécouvrir les ouvrages, photographies et films de la photographe, mais également de participer à des ateliers.
Elisabeth Lortic, de l’association des Trois Ourses, nous a accordé un entretien.
Elisabeth Lortic, comment a été conçue cette exposition et qui en assure le commissariat ?
Quand l’association des Trois Ourses a décidé de fermer après 30 années d’activités, nous avons réfléchi à ce que l’on pouvait faire des œuvres que nous possédions, dont des œuvres de Tana Hoban. Le Cnap (Centre National des Arts plastiques) qui avait soutenu la publication d’un livre sur les travaux de Jean Widmer par Katsumi Komagata, s’est présenté comme un lieu naturel d’accueil. Le Cnap a une mission de diffusion et de valorisation des œuvres. Sandra Cattini, Responsable de la collection design et arts décoratifs, pôle collection, s’est impliquée avec énergie et a permis que l’exposition se réalise dans un temps relativement court (étant donné les conditions nouvelles de travail due à la pandémie).
En 2018, l’éditeur italien Lazy Dog associé à la structure Mutty nous a acheté les droits pour une version bilingue (italien/anglais) du catalogue raisonné des livres de Katsumi Komagata. Le travail de médiation autour des livres de Katsumi Komagata s’est poursuivi chez Mutty avec l’association Peekaboo qui a travaillé à la Petite école des Trois Ourses. Au sein de ce groupe Mutty, Giulia Giazzoli est particulièrement intéressée par la photographie et le livre photo. Je l’ai assez naturellement orientée sur Tana Hoban comme une base d’un travail plus approfondi sur le sujet et Giulia m’a associé à l’organisation de cette exposition Guardare è un gioco i libri fotografici di Tana Hoban
copyright Mutty
Qu’y trouve-t-on ?
L’exposition est centrée sur Tana Hoban. On y trouve toutefois les deux imagiers très novateurs d’Edward Steichen, avec lequel elle a collaboré. Edward Steichen, photographe et directeur de la photographie au MoMa de New York, l’a exposée dans « Six femmes photographes », aux côtés de Helen Levitt et de Dorothea Lange, puis en 1955 dans la fameuse exposition «Family of Man». Les livres de Tana Hoban qui sont exposés chez Mutty sont ceux que l’on a donnés au Cnap. Quelques images proviennent aussi de la collection de Grummond dans l’université du Mississipi qui accueille les archives de Tana Hoban. Les photographies exposées sont tirées de l’exposition de Bologne que nous avions réalisée avec elle. Ce sont des tirages d’environ 40 x60 cm.
copyright Mutty
Parlons du lieu
Mutty est un lieu à Castiglione delle Stiviere, près du lac de Garde. Il associe une librairie, un restaurant, une salle d’atelier, une salle d’exposition, avec une très belle lumière. Les proportions du lieu correspondent bien à la modestie des Trois Ourses et à notre matériel. Le scénographe, Paolo Cremonesi, a fait un joli travail sur du carton léger pour présenter les photos comme dans des livres ouverts, dans lesquels les images se répondent deux par deux. Cela rappelle les double-pages des livres de Tana. Les visiteurs peuvent déambuler entre elles comme dans un labyrinthe. Il n’y a pas de parcours imposé, mais une observation un peu plus longue permet de dégager des thématiques, forme, matière, couleur… Dans une petite salle noire, derrière un rideau, les visiteurs peuvent découvrir de petits films sur les animaux, réalisés par Tana Hoban. Les écrans ont tendance à attirer les visiteurs, surtout les petits, mais ces petits films de trois minutes bien positionnés, ne les empêchent pas de circuler dans l’exposition.
copyright Mutty
Comment sont présentés les livres ?
Ils sont placés en ordre chronologique en deux grandes bandes superposées : l’une à hauteur d’adulte et l’autre plus basse. Ils forment un fond qui montre l’importance du travail de Tana Hoban. C’est assez graphique. J’aurais voulu que certains ouvrages soient présentés à livre ouvert mais l’espace et les contraintes de conservation du Cnap ne le permettaient pas. Dans la librairie, on trouve les livres américains et les livres en français de chez Kaléidoscope. Malheureusement beaucoup sont épuisés. Certains livres de seconde main sont mis à disposition des enfants.
copyright Mutty
Trouve-t-on des écrits dans cette exposition ?
Les cartels sont très simples. Il s’agit de la fiche de catalogage qui est placée sur le mur, sous les livres, sans que cela ne gêne la vision globale des livres. Il y a une vitrine à hauteur d’enfant qui accueille les jouets que Tana nous avait confiés et qui lui avait servi à faire Des couleurs et des choses. On présente aussi le portrait de Tana par Sarah Moon, qui a servi pour la couverture de l’autobiographie que nous avons éditée Regarde bien / Look again : les albums photographiques de Tana Hoban, à l’occasion de l’exposition à Bologne.
Giulia Giazzoli a réalisé un catalogue en grand format journal et en faible tirage qui comprend plusieurs textes sur la photographie pour enfants, une interview dans laquelle je parle de mes relations avec Tana, et des photographies de Tana Hoban. Des marque-pages avec un trou qui rappelle celui que Tana utilisait dans ses interventions aussi bien que dans ses “Look Book” pour permettre au jeune lecteur de diriger son regard et “cadrer”.
copyright Mutty
Quelles réactions avez-vous constatées de la part des visiteurs ?
Pour de nombreux visiteurs les livres de Tana étaient une découverte car en Italie seuls sont publiés jusqu’à présent les livres en petits formats carrés Bianco e Nero, Che cos’è ?,Giallo, rosso, blu publiés par Camelozampa. Les enfants ont beaucoup apprécié l’atelier de Coline Irwin le week-end dernier. Il y en aura d’autres d’ici la fin de l’exposition fin janvier avec Luca Ganzerla et Giulia Mirandola.
novembre 1999, Tout un monde a reçu le prix Sorcières (tout-petits) ainsi que le prix Pitchou. Avec l’autorisation des éditions Thierry Magnier
En 1999, l’imagier Tout un monde offre aux plus jeunes lecteurs un inventaire hétéroclite du monde qui nous entoure en mêlant toutes les pratiques artistiques, bouleversant dans la foulée les pratiques éditoriales autour de ce genre. Il est signé Katy Couprie et Antonin Louchard, deux auteurs phares des rayonnages des bibliothèques enfantines. Katy Couprie est notre invitée !
Vous utilisez, jouez, mêlez toutes les techniques artistiques dans Tout un monde, Tout un Louvre, Au jardin, A table !, et dans Un monde palestinien. Est-ce une façon de dire que toutes les pratiques se valent, tant qu’elles produisent de l’art et du jeu ?
Avec Tout un monde, Antonin Louchard et moi-même voulions apporter aux lecteurs une initiation diffuse aux différents langages de l’image et dire que toutes les techniques ne se valent pas justement. Ce que raconte une photographie ou un dessin sur un objet n’est pas équivalent. Cela est très perceptible devant nos images, sans avoir à l’expliquer à des enfants petits. Antonin et moi voulions faire découvrir aux enfants un ensemble de techniques et leur montrer la variété des représentations, ce qu’on peut faire en art, ou ailleurs, pour représenter le monde, le dédoubler en images. Toutes les techniques utilisées dans cette série d’ouvrages se complètent, s’enrichissent.
Le jeu existe bien. Il est installé entre les images, qui sont libérées du texte. Ces images ne sont plus inféodées aux légendes. Le jeu réside dans la pratique que l’on a du livre, les correspondances entre les images, les associations d’idées entre elles.
Ces ouvrages sont constitués comme des inventaires du monde qui nous entoure. Même s’ils sont dépourvus de mots, néanmoins, le mot est-il vraiment loin ? Qu’est-ce qui vous fait opter pour la photographie plutôt qu’une autre technique artistique pour exprimer une idée ?
Au départ, il y a eu évidemment les mots. On a fait beaucoup de listes, d’inventaires, en y mêlant objets, émotions, concepts. Parfois la technique s’imposait par rapport à un contenu de représentations. Mais au final, tout ce qui pouvait rentrer dans l’imagier était bon. A partir du moment où on s’adresse à des enfants avec un point de vue européano-centré, le choix est vaste. Pour parler d’une seule idée, on a aussi varié les images, les techniques, les points de vue, les cadrages. Il y a également dans Tout un monde et ensuite dans Au Jardin, des installations, des mises en scène. La photographie permet de faire alors le constat de ce qui est créé. C’est ce qui me permet d’enregistrer une mémoire vivante de ce que je suis en train de faire.
Le hasard a aussi bien fait les choses, comme lorsqu’Antonín s’est peint la main et que cela est devenu un coq ou une tortue.
septembre 2008, Au jardin a reçu le prix Bologna Ragazzi (fiction).Avec l’autorisation des éditions Thierry Magnier
La photographie est-elle votre domaine réservé dans vos créations à quatre mains avec Antonin Louchard ?
J’ai fait des études d’art au cours desquelles j’ai appris à photographier et ce n’est pas le cas d’Antonin. Tout ce qui est pratique de l’argentique s’est fait dans mon laboratoire et je l’ai formé à travailler avec moi en lui ouvrant ces techniques là. Antonin pratique surtout une photographie numérique qu’il aime beaucoup.
Vous variez photographies en noir et blanc, photographies en couleur, zoom, plans larges, rayogrammes etc… L’idée était-elle aussi de faire découvrir toutes les techniques photographiques ?
Il y a effectivement la volonté d’avoir un inventaire de techniques le plus large possible, y compris des choses un peu « zazou » : j’ai fait notamment des photogrammes avec des vers de terre vivants ! Il s’agit bien pour moi de pousser les techniques avec lesquelles on peut faire des images. Cela peut être évidemment très simple avec du modelage, comme pourraient le faire des enfants, mais il peu y avoir aussi ou des choses extrêmement élaborées.
2002, Avec l’autorisation des éditions Thierry Magnier
Je crois reconnaître dans certaines pages de Tout un monde des clins d’œil aux grands maîtres de la photographie et je pense aux portraits d’écoliers de Doisneau, aux rayographies de Man Ray, aux couverts de Steichen, aux poires de Sougez… Est-ce que je me trompe ? Quels sont vos maîtres en photographie ?
Mes maîtres sont Moholy-Nagy, Man Ray, et Robert Heineken, qui pratique le photogramme en couleur, Robert Franck, Diane Arbus, Lee Freidlander, pour certains types de photographies, Peter Fischli, David Weiss, Philippe Ramette, Ervin Wurm. Ervin Wurm réalise des photos de lui pour lesquelles il conditionne son corps dans des vêtements qu’il enfile dans des postures non conventionnelles. Philippe Ramette fait des photographies qui ont un vrai rapport au paysage, dans lequel il met en scène son corps dans des équilibres instables.
Quant aux livres pour enfants, il y a évidemment Tana Hoban et Sarah Moon avec qui j’ai eu le plaisir de faire une très belle exposition a Marseille.
Les clins d’œil il y en a effectivement ! Ils sont adressés à Moholy-Nagy, Man Ray. Le clin d’œil à Doisneau avec cette photo d’écolier est réel mais il arrive par la force des choses. Il s’agit en fait d’une photographie d’Antonin enfant.
1993, Gallimard Jeunsse, Le sourire qui mord
Je suis le chien est fait de collages, d’assemblages de morceaux hétéroclites tirés de photographies, de pages de magazines, de dessins. D’où est venue cette idée ? Un hommage à Hannah Höch ? Aux collages de Prévert ? Vous semblez beaucoup vous amuser.
L’idée était d’accorder une grande place au détail, de passer le monde alentour à la moulinette. L’inspiration c’est Dubuffet, pour ses façons d’avoir des personnages entourés dans des formes et une autrice américaine qui s appelle Maira Kalman et qui travaille avec des éléments composites en peinture.
Avez-vous déjà pensé à faire un livre entièrement photographique ?
Je pourrais si le sujet du livre réclame la photographie. Avez-vous lu Prince de naissance attentif de nature chez Thierry Magnier aussi ? C’est un projet très photographique avec un usage différent de la photographie. C’est un livre qui a été assez remarqué mais non republié. C’était un grand album, bien imprimé en plus.
octobre 2004, Avec l’autorisation des éditions Thierry Magnier
Le texte est de Jeanne Benameur. Le personnage est un enfant qui devient prince et est appelé à gouverner très tôt. Il doit avoir une visée, s’installer dans des combats. Il y a une dimension de fable, de conte, beaucoup d’onirique, pas de contexte et pourtant le livre est installé dans un rapport au monde. J’ai pensé que j’allais choisir le dessin pour les personnages au pastel gras, découpés et plantés dans un décor réel avec un rapport d’échelle intéressant. L’imaginaire est porté par le dessin.
Est-ce que vous aviez des livres photo-illustrés quand vous étiez petite ?
Je n’ avais pas de livres pour enfants, mais des dictionnaires médicaux, des encyclopédies. J’avais aussi des romans-photos que lisaient mes grands-parents. Ils avaient une librairie papeterie et j’ai passé mes mercredis à feuilleter la presse, sans aucune censure.
Miniphlit a rencontré le papa d’un apprenti pirate en pâte à modeler, l’occasion de découvrir ce qui se fait aussi du côté de l’auto-édition et de se pencher sur le travail de création de livres photo-illustrés à l’école.
Cher Lionel Lamour, illustrateur ? auteur ? photographe ? qu’inscrivez-vous en tête de votre CV ?
Je suis auteur-scénographe. Ce livre est le second du même genre, c’est-à-dire un roman-photo jeunesse. Il est d’abord né d’une histoire écrite. En l’écrivant, j’imaginais déjà les images. Une fois écrite, j’ai réuni l’équipe qui m’a permis de le réaliser : un photographe, une sculptrice en volume et un décorateur.
Vous inscrivez-vous dans une filiation photographique ?
Pas uniquement, c’est un ensemble. Pour moi les livres photos jeunesse sont un peu des OVNIs dans la littérature. J’aime relever des défis et celui de mettre en scène, en image cette histoire en était un. Cela change de l’illustration dessinée. Les lecteurs ont une lecture presque en 3D avec les personnages et les décors.
Quand êtes-vous tombé dans la marmite de la littérature jeunesse ?
J’y suis tombé par circonstance. Suite à une opération du dos, j’ai imaginé une histoire à offrir à mes nombreux neveux et nièces pour un noël. J’ai pris mon temps pour l’écrire, la faire illustrer et l’imprimer au magasin du coin. Je me suis retrouvé à coudre ce petit livre qui n’avait pas si mauvaise allure pour de l’artisanal. Le cadeau a plu. Je l’ai réédité en passant par un imprimeur avec un second tome. Voilà le début…
Quelle est la place de la photographie dans votre travail ?
Elle est ponctuelle. Sur certains projets. Par contre, ce n’est pas rare que je prenne une photo d’un lieu, d’une situation qui pourrait m’inspirer pour un récit.
Qu’est-ce qui vous inspire donc ?
Tout ! Bien souvent c’est un petit détail, un mot qui fait naître une histoire, un conte. Il ne faut pas grand-chose pour mettre en marche la machine à écrire qui se situe dans un coin de ma tête.
Comment qualifieriez-vous vos créations : natures mortes, tableaux photographiques ?
Pour Victor, ce sont des tableaux mis en scène, réfléchis afin de trouver l’équilibre entre le texte et laisser la possibilité au lecteur d’imaginer plus que ce qu’il ne voit.
Pourriez-vous travailler avec des êtres inanimés, animaux ou enfants, à la place de vos personnages de pâte à modeler ?
J’ai déjà travaillé avec une école sur l’écriture et la mise en page et en scène d’une histoire mêlant personnages (enfants) et objets. Une belle expérience qui s’est conclue par l’édition d’un livre.
Texte ou pas texte ? quelle est votre préférence ?
Je n’ai pas encore eu l’occasion de travailler sans texte ; je suis un conteur et un écriveur d’histoire… m’en passer me serait difficile, mais travailler avec un/e illustrateur/trice pourrait me permettre de relever ce défi.
Les mots viennent-ils avant ou après la réalisation des images ?
Hum… les deux ! Les images mentales sont nécessaires à la mise en écriture tout autant que les mots créent des images que je n’avais pas forcément imaginées.
Comment travaillez-vous avec les mots des autres ?
Jusqu’à ce jour, je ne travaille pas avec les mots des autres. Je peux écrire sur des idées partagées afin d’aboutir à un projet.
Qui sont donc vos lecteurs et comment les imaginez-vous agir avec vos livres ?
Un projet en préparation dont vous pourriez nous dire quelques mots ?
Non pas un mais plusieurs… Le plus abouti et prévu pour mars 2022 est encore un livre jeunesse en collaboration avec l’illustratrice Fanny Cheval. Il y est question d’un épouvantail qui, s’il rencontre le succès aura une suite…
Quel lecteur étiez-vous enfant ?
J’étais un moyen lecteur de romans, qui dévorait des BD (j’en dévore toujours !) durant les vacances. J’étais par contre un « fabriqueur » d’histoires que j’aimais raconter à mes cousines et cousins.
Pourquoi avez-vous choisi l’auto-édition avez-vous eu des difficultés à trouver un éditeur ?
Je suis en édition propre car en effet les maisons d’éditions pensent que je ne corresponds pas à la ligne éditoriale. Par contre, je suis tout de même à 3 tirages de 800 exemplaires de Victor, et 800 pour les “Contes du chaudron”… ce n’est tout de même pas mal je trouve…
Vous intervenez régulièrement dans des classes avec les aventures de votre pirate. Quels ateliers mettez-vous en place et quelles sont les réactions du jeune public ?
La présentation commence par une lecture de l’histoire avec les enfants si elle n’a pas déjà été effectuée au préalable. Ensuite, le décor s’installe dans le coffre. Enfin, les personnages arrivent dans leur univers. L’intervention se prolonge en présentant les différents éléments de décor qui ont servi pour le “tournage” du livre : façade de maison, parties du navire, carte au trésor…des trucages sont dévoilés : Comment faire de l’eau sans eau ? comment vieillir une carte ? Des centaines de photos sont prises pendant la réalisation et je leur explique comment on choisit les 23 photographies. Les réactions lors de mon passage en classe pour présenter la mallette sont très positives. Il y a un grand intérêt de la part des enfants. Je sais qu’il y a une histoire faite par une école en Normandie, La fiancée de Victor.
Sur le site de Lionel Lamour, on pourra découvrir d’autres ouvrages photographiques réalisés avec les écoles. http://www.lionel-lamour.com