BONS BAISERS DE PARIS ! Rencontre avec Arianna Tamburini

éditions Thierry Magnier, mars 2018

Publié en 2018 par les éditions Thierry Magnier, cet ouvrage s’inscrit dans la tendance des ouvrages mêlant photographies et graphismes. Il accueille également des “flaps” à soulever qui cachent graphismes colorés et photos détourées, dévoilant la vie intérieure des lieux dévoilés. 

“Le héros de cette histoire part, truffe au vent, à la découverte de Paris. À chaque lieu visité, il envoie une carte postale à sa famille et ses amis et leur raconte les aventures qu’il vit”. Le héros de cette histoire est un chien jaune qui déambule dans les rues d’un Paris en noir et blanc : Ste Eustache, le jardin des Plantes, la place Dauphine, le centre Pompidou, prend le taxi, s’engouffre dans le métro et finit par prendre un peu de repos à la terrasse du Bar du Marché. Chaque lieu visité est pour lui l’occasion d’adresser une carte postale, non signée, aux membres de sa famille restée à Toutouville ou à son ami de Matouville. 

Couverture et doubles pages intérieures de l’ouvrage accueillent de grandes photographies en noir et blanc, cadrées de blanc qui offrent des vues des toits de Paris, d’une avenue, d’un quai de la Seine, d’une entrée de station de métro, d’une façade d’un immeuble du quartier de la Défense et instantanés de la vie de parisiens et animaux saisis sur le vif et fixés dans leurs activités. Seul le chien jaune semble continuer de s’agiter aux quatre coins des images. 

Les cartes postales, d’une longueur inhabituelle, lui donnent l’occasion de revenir en détails sur les lieux et les gens rencontrés, de livrer ses impressions, entre récit de voyage, journal intime, portrait d’une ville.

Rencontre avec l’artiste Arianna Tamburini.

Quel est votre parcours ?

J’ai fait toutes mes études en Italie à Urbino, dans la ville du peintre Raphaël, une ville d’art. Au lycée, j’ ai suivi  un parcours qui m’a permis de découvrir de multiples arts, dont le graphisme, le cinéma, la céramique… J’ai ensuite fait une  école de graphisme où je me suis formée à la photographie et à l’illustration.  Pour mon projet de fin d’année, je voulais réaliser un livre pour enfant dans lequel se mêleraient photos et graphismes. Avant d’écrire mon mémoire, j’ai fait un stage à l’agence Magnum. Apres cela, j’ai compris que ma place n’était pas parmi les photographes de reportage, mais j’ai tout de même pu rencontrer de nombreux photographes dont Francesco Acerbis qui signe aussi le livre.  Il fait une photo en noir et blanc avec de très gros contrastes. https://www.francescoacerbis.com/

Avec l’autorisation d’Ariana Tamburini

Le projet est né lors de cette rencontre ? 

Il était jeune papa et il  avait lui aussi envie de réaliser un livre de photos pour les enfants. Nous avions l’impression qu’il y avait peu de livres pour enfants et nous cherchions comment marier les deux, le dessin et la photo. Je ne voulais pas dessiner simplement sur les photographies. A Paris, ou ailleurs, comme à chaque fois que je voyage, je regarde par les fenêtres et j’ai eu cette idée des fenêtres à ouvrir qui contiennent tout un monde d’illustrations. 

Pourquoi est-il publié chez Thierry Magnier ? 

Cet ouvrage a été très difficile à publier. Cela nous a pris au moins deux ans. Les éditeurs nous disaient qu’ il n’y avait pas de public pour la photographie en noir et blanc, que le coût de fabrication était trop élevé. Souvent ils étaient enthousiastes mais considéraient qu’il y avait trop de risques à produire ce livre. Je ne voulais pas abandonner ce projet que j’aime vraiment. Thierry Magnier, qui aime le photos et qui a fait beaucoup de livres photos a accepté de prendre le risque. Il nous a demandé d’ajouter un texte qui a pris la forme de cartes postales pour accompagner le voyage notre personnage. Nous avons choisi ensemble ce format qui permet de faire dialoguer les photographies et les cartes postales en regard. Le cadre blanc autour des photos fait d’ailleurs écho au format des cartes postales.

Avec l’autorisation d’Ariana Tamburini

Comment avez-vous sélectionné les lieux de Paris ? Pourquoi certains endroits plutôt que d’autres ? Nous sommes loin des images habituelles de la capitale.

Nous avons d’abord puisé dans les photos d’archives de Francesco. Nous avons ensuite établi une liste de lieux à photographier. Nous voulions montrer des endroits importants de Paris  mais en proposer des vues différentes, amener les enfants à identifier un lieu grâce à un detail, leur permettre de découvrir d’autres types d’images. Ce n’est pas du tout un guide de voyage, ni un livre pour découvrir  la ville.

Qui est ce chien jaune en balade et pourquoi n’a-t-il pas de nom ? 

C’était le chien que j’avais jeune chez mes parents, un Golden Retriver. J’avais envie qu’il se promène dans Paris. Il n’a pas de nom car on ne voulait pas vraiment créer un personnage, ni une série autour de lui. L’important c’était sa balade, sa découverte, ses émotions.

Pourquoi certains mots dans les textes sont-ils en italiques ? Des références intertextuelles ? 

Elles doivent susciter la curiosité et inciter les enfants à bien observer les images et trouver  ce que j’y ai caché, la panthère dans un arbre, les lapins… 

Avec l’autorisation d’Ariana Tamburini

Pourriez vous faire le portrait d une autre ville ?

On n’en a pas parlé du tout. C’est un livre très cher à fabriquer et je doute qu’un éditeur ait envie de recommencer. Mais évidemment ce serait bien. Je pourrais presenter une ville italienne, pourquoi pas ? 

Que lisiez vous enfant ?

Je me souviens du livre Tout toute seule de William Wondriska. J’aimais beaucoup ces photos en noir et blanc mariées avec cet orange. Je m’étais dit que c’était super de marier photo et graphisme. Je n’avais pas vraiment beaucoup de livres. Je me souviens aussi de ceux que ma mère, professeure d’anglais, m’achetait.

https://helium-editions.fr/livre/tout-toute-seule/

 

 Le site d’Arianna Tamburini http://www.ariannatamburini.com

Tout Toute seule sur le site de Cécile Boulaire : https://album50.hypotheses.org/1615

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Voir et faire au Musée de la Photographie de Charleroi. Entretien avec Marie-Jeanne Vanaise

Copyright Musée de la Photographie de Charleroi

Nous poursuivons notre enquête au sein des institutions accueillant du jeune public pour une initiation au 8ème Art. rencontre avec Marie-Jeanne Vanaise, médiatrice culturelle au Musée de la Photographie de Charleroi. 

Quel est votre parcours ?

Mon parcours professionnel a débuté dans le centre culturel bruxellois, Art Media. j’ai collaboré avec l’équipe de cinq personnes qui fait fonctionner l’Hôtel Wielemans où sont accueillies  de nombreuses expositions.  Je suis ensuite entrée au Musée des Arts Contemporains sur le site du Grand-Hornu en mai 2002 afin de constituer l’une des chevilles ouvrières du service culturel. J’ai passé treize années  aux côtés de Laurent Busine qui m’a enseigné avec beaucoup de poésie, que «le musée de tous est le musée de chacun». En 2015, quand il est parti en retraite, j’ai rejoint la petite équipe pédagogique du Musée de la Photographie à Charleroi.

Quelle est votre mission au sein du musée de la photographie de Charleroi ?

Il s’agit de faire découvrir la photographie à tous,  d’un point de vue historique et pratique, à travers des visites guidées, des laboratoires photographiques et l’élaboration d’outils d’aide à la visite pour les individuels tel que la Photo Poche destinée aux enfants. Mon défi est d’ouvrir ce musée de l’image aux personnes déficientes visuelles et aux tout-petits.

Copyright Musée de la Photographie de Charleroi

Depuis quand le musée développe-t-il une politique d’animations envers le jeune public ?

Depuis que le musée est implanté dans l’ancien carmel de Mont-sur-Marchienne en 1987.  Un Parcours Découverte expliquant le pourquoi et comment de la photographie a été aménagé.  France Hanin, avec qui j’ai travaillé durant des années au MAC’s, fut à l’initiative de cet espace. Aujourd’hui, ce dernier est en plein remaniement toujours dans cette même philosophie d’expliquer concrètement ce qu’est une photographie.

Quelles sont les activités proposées aux enfants ? Quelle est la finalité de ces activités ?

Outre la visite guidée classique des collections qui retrace l’histoire de la photographie ou encore la découverte des expositions temporaires, le musée propose également une visite-atelier combinant à la fois le « Voir » et le « Faire ». Ainsi la visite guidée est couplée à une expérience pratique en chambre noire. C’est la formule adéquate pour aborder des questions fondamentales comme par exemple: Quand les images sont-elles nées ? A quoi ressemble un ancien studio photo ? Comment fonctionne notre œil ? Comment prend-on des photos ? Depuis quand peut-on truquer les photos ?

Copyright Musée de la Photographie de Charleroi

Quels sont les âges des enfants en général ? Pourquoi viennent-ils ?

Nous accueillons les enfants dès la troisième maternelle. Cependant, nous avons des projets ponctuels avec des classes inférieures et même avec l’ONE (Office de la naissance et de l’enfance). Par exemple, nous avons chaque année un projet avec une classe de deuxième maternelle qui consiste en une découverte photographique sur une thème choisi par l’institutrice.

Ont-ils déjà un bagage en photographie ?

Nul besoin de connaître la photographie pour venir au musée. D’ailleurs, c’est toujours émouvant de voir l’émerveillement des jeunes et moins jeunes devant une image qui se révèle sous la lumière inactinique de la chambre noire.

Copyright Musée de la Photographie de Charleroi

De manière générale, très peu savent comment l’image se forme dans un appareil photo. C’est lorsque les jeunes entrent dans la caméra obscura, intégrée dans le Parcours Découverte, qu’ils comprennent que sans la lumière, aucune photographie n’est possible. Ils vivent dès lors une véritable expérience physique.

Dans quel espace se déroulent  ces activités ?

En plus du Parcours Découverte qui permet de comprendre la photographie par l’expérimentation et la manipulation, nous avons la chance d’avoir deux laboratoires photos: l’un argentique où l’on réalise tout le processus de développement d’une photographie en chambre noire et le second numérique qui est consacré aux différentes manipulations de l’image via Photoshop par exemple.

Comment l’Histoire de la photographie s’intègre -t-elle dans leur parcours ?

L’histoire de la photographie est intrinsèquement liée à la collection permanente qui débute de l’origine au XIXIe siècle jusqu’à l’époque contemporaine. Des premières photographies sur plaques d’étain en passant par les premières photographies couleurs sur plaques de verre, le musée présente également l’évolution des appareils photographiques.

Afin d’améliorer notre pédagogie, nous somme sur le projet d’une ligne du temps qui parcourrait les salles. Mais, nous n’en sommes encore qu’au stade préliminaire.

Copyright Musée de la Photographie de Charleroi

Créent-ils ? Exposent-ils ? Quelles traces gardent-ils de leur passage par tes ateliers ?

Toutes les photographies réalisées en chambre noire sont emportées par les participants. C’est la trace gardée d’une belle expérience qu’ils peuvent ensuite exposer à la maison et surtout un support esthétique qui permet d’expliquer ce qu’ils ont vécu.

Lors de projets ponctuels sur une période déterminée, nous aimons exposer le fruit du travail au sein même du musée. Nous avons d’ailleurs un espace dédié à cela. C’est toujours un plaisir d’observer la fierté des jeunes face à leur production et encore plus de les voir expliquer le travail accompli aux parents .

Travaillez-vous avec d’autres partenaires ? Mairie ou écoles ?

En plus des écoles, nous travaillons avec l’Article 27, une association qui met en lien le monde culturel et les personnes précarisées. Depuis quelques années, nous avons également un partenariat avec l’ONE (Office de la naissance et de l’enfance) qui nous permet d’adapter notre discours aux tout-petits et leurs parents. Chose peut commune pour un musée de l’image, nous collaborons également avec Les Amis des Aveugles afin de rendre le musée accessible aux déficients visuels.

Pourriez-vous dresser un bilan de ces activités ? 

Le travail de médiateur est en constante évolution comme la société. Les publics évoluent et nous devons sans cesse nous renouveler, nous tenir à la page sur les nouvelles pratiques de médiation. Aujourd’hui, le défi du Musée de la Photographie est d’amorcer le virage numérique avec pertinence et dans une juste mesure. Actuellement, nous planchons sur un jeu virtuel de type murder party. L’enquête débute de manière virtuelle chez soi, mais pour connaître le coupable, il faudra venir sur place. En bref, c’est un appel ludique à la découverte du musée car, rien ne vaut que l’approche physique et concrète d’une oeuvre.

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“Photographie à l’école”, un projet unique d’éducation du regard, à la Maison de la Photographie Robert Doisneau de Gentilly

Copyright Maison Doisneau

Une des missions de ce carnet est de s’interroger sur le rapport parfois conflictuel des passeurs d’ouvrages avec le  livre de photographies destiné aux enfants,  dans un monde empli d’images photographiques. “Les enfants ne savent pas lire la photographie”, “elle n’est pas faite pour eux”, “elle bride l’imaginaire”…  Et si l’habitude de fréquenter des livres photo-illustrés en passait par une initiation au regard, au langage de l’image photographique, à l’Histoire du medium, dès le plus jeune âge ?

Nous poursuivons notre questionnement sur les modes de transmission du 8ème art dans l’enceinte scolaire. Après avoir rencontré un professeur du Lycée Brassaï, nous interrogeons Daniela Matiz Borda, médiatrice culturelle à la maison Robert Doisneau de Gentilly.

Quel est votre parcours et quelle est votre mission au sein de la maison Robert Doisneau?

Je suis médiatrice culturelle spécialisée en Photographie. J’ai un master Photographie et Art Contemporain de l’Université Paris 8. J’ai également un pratique artistique personnelle qui comprend la photographie et le dessin.

Depuis janvier 2020, je travaille en tant que médiatrice culturelle à la Maison Doisneau-Lavoir Numérique. Je réalise des visites des expositions présentées dans nos murs et j’anime des ateliers de pratique photographique et découverte de l’image avec plusieurs publics. Je participe également à la coordination du programme d’éducation à l’image “Photographie à l’école”, entre autres.

Depuis quand la maison Doisneau développe-t-elle une politique d’animations envers le jeune public ?

Le programme “Photographie à l’école” existe depuis l’année 2001 et il a été initié par  l’ancienne directrice de la Maison Doisneau, Annie-Laure Wanaverbecq. Elle a fait appel à deux photographes : Yve Flatard et Jean-Jacques Grezet, qui ont eu la mission de sensibiliser des jeunes élèves au monde de la photographie pendant plus de dix ans.

Copyright Maison Doisneau

Quelles sont les activités proposées aux enfants et quelle en est la finalité  ?

Les élèves découvrent la photographie en plusieurs phases. Actuellement nous travaillons avec différents photographes qui adaptent les temps d’atelier aux âges et niveaux scolaires pour lesquels ils interviennent. En général, tous les élèves commencent par une introduction au vocabulaire photographique de base et découvrent ensuite des images référentes liées à la thématique de l’année. Lors du temps de pratique ils manipulent tous des appareils photographiques compacts ou reflex et réalisent des images. Souvent ils sont également amenés à construire des petits studios photographiques et à assumer plusieurs rôles lors des prises de vue : photographe, assistant lumière, modèle, etc. Plus tard, des séances d’editing sont proposées afin d’observer les images réalisées, les analyser et faire des choix. Les élèves sont invités à exprimer de façon orale et par écrit leur ressenti et leurs réactions après les ateliers et par rapport aux images réalisées.

Qui  décide du programme des ateliers et qui les anime ?

Depuis l’édition 2021-2022, la responsable du Pôle pédagogique et moi-même proposons aux photographes-intervenant·e·s une thématique générale à partir de laquelle ils et elles doivent nous proposer un déroulé d’ateliers adapté au niveau de la classe dans laquelle ils interviennent. Actuellement nous travaillons avec 5 photographes dans dix classes de l’ancienne communauté d’agglomération Val-de-Bièvre : trois photographes qui interviennent en solo (Laure Pubert, Alexandra Serrano et Laure Ledoux) et deux qui interviennent en binôme (Gilberto Güiza-Rojas et Rafael Serrano). Gilberto Güiza-Rojas et Rafael Serrano ont animé les ateliers dans l’ensemble des 10 classes et proposé les thématiques annuelles entre 2016 et 2020.

Copyright Maison Doisneau

Qui sont  les enfants qui s’inscrivent au programme ? 

Depuis 2021, le programme s’adresse à tous les niveaux scolaires dès la grande section de maternelle jusqu’au Lycée. Ces enfants habitent dans le territoire où la Maison Doisneau est ancrée et ils bénéficient du programme “Photographie à l’école” dans le cadre de leur scolarité. Chaque année, la Maison Doisneau fait un appel à candidature à l’ensemble d’enseignant·e·s du territoire et dix classes sont retenues à chaque rentrée.

Ont-ils déjà un bagage en photographie ? 

Les élèves qui participent ont des bagages très différents, cela dépend souvent de leur niveau scolaire. Suite aux retours des photographes-intervenants, nous constatons que dès le plus jeune âge les enfants comprennent rapidement le fonctionnement des outils qui produisent des images et les prennent en main tout aussi rapidement. Le défi est de les amener vers le décryptage et la compréhension des images qu’ils produisent ainsi que des images qui circulent autour d’eux dans leur quotidien.

Dans quel espace prennent place ces ateliers ?

Le programme se déroule dans les établissements scolaires où les photographes qui interviennent se déplacent avec du matériel prêté par la Maison Doisneau. Ce programme est entièrement financé par la Maison Doisneau. Parfois nous sommes amenés à travailler en partenariat avec les mairies ou structures des villes des écoles participantes, comme c’est le cas cette année avec la Médiathèque l’ECHO du Kremlin-Bicêtre, où les images réalisées par une classe de 5e de l’École Albert Cron seront exposées.

Copyright Maison Doisneau

Comment l’Histoire de la photographie, les expositions proposées à la maison   ou au Lavoir s’intègrent-t-elles dans leur parcours ?

Chaque année l’édition de “Photographie à l’école” porte sur une thématique globale. À partir de cette thématique, le Pôle pédagogique de la Maison Doisneau et les photographes-intervenant·e·s proposent des exemples et références de l’Histoire de la photographie afin de donner plusieurs pistes d’entrée aux élèves. À la fin de chaque édition du programme, une exposition valorisant leurs productions est présentée au mois de mai à la Maison Doisneau. Les dix classes participantes visitent cette exposition et découvrent leurs images exposées.

 Quelles traces gardent-ils de leur passage par ces ateliers ?

Les enfants produisent des images qui sont exposées à la fin de l’année scolaire à la Maison Doisneau. Leurs photographies sont également valorisées dans un magazine édité tous les ans depuis 2017. Certaines classes réalisent également des leporelli ou des petites expositions dans les écoles.
La Maison Doisneau donne également aux élèves, dès le début des ateliers, un livret
d’accompagnement qui leur permet de suivre les concepts photographiques de base et les différents axes de la thématique globale. Ce livret est un support où ils peuvent s’exprimer et garder des traces écrites ou dessinées de leurs ateliers, ainsi que revenir vers les activités hors les temps d’atelier, avec l’enseignant référent.

Pourriez-vous dresser un bilan de ces activités ?

Nous avons eu le plaisir de revoir des élèves ayant participé à des éditions passées de “Photographie à l’école”, dans le cadre de sorties scolaires à d’autres expositions, ou pendant d’autres ateliers à destination du grand public, et ils ont toujours parlé avec enthousiasme de leur expérience. Ils ont retenu une grande partie du vocabulaire et des notions acquises, ce qui souligne pour nous l’importance de ce programme. Nous sommes très satisfaits de l’avoir ouvert à des niveaux scolaires autres que l’école primaire car nous pouvons ainsi nous fixer et développer des plus nombreux objectifs d’éducation à l’image.

Copyright Maison Doisneau

Pour consulter le blog du programme : http://www.photographiealecole.com.

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Se former aux mille facettes de la photographie au Lycée Brassaï. Entretien avec Rémy Péquignot

Depuis le début de ce carnet de recherches, nous nous interrogeons sur la méconnaissance, voire la défiance à l’égard du livre de photographies. Une des raisons envisagées pourrait être l’ignorance de l’art photographique par les plus jeunes. Après avoir interrogé des éditeurs, des photographes, des auteurs, nous nous questionnons sur les modes de transmission du 8ème art dans l’enceinte scolaire. 

Rémy Péquignot, photographe et professeur au Lycée professionnel parisien Brassaï (Quel beau nom ! ) a accepté de répondre à nos questions et ses élèves nous ont permis de dévoiler leurs créations. 

Quelle est votre formation  et qu’enseignez-vous au sein du lycée Brassaï ?

Au départ, j’ai une formation universitaire en Physique fondamentale. Ensuite ma passion pour la photographie m’a conduit à l’Ecole Nationale Supérieure Louis Lumière au sein de laquelle j’ai étudié trois ans en option Prise de Vue jusqu’à la rédaction de mon mémoire de fin d’études en 2000. L’enseignement a pris assez rapidement une part très importante dans ma vie professionnelle. Mon activité de photographe se poursuit aujourd’hui mais est essentiellement consacrée à des projets personnels, en vue de l’édition d’ouvrages ou d’expositions.

Au Lycée Brassaï, comme la plupart de mes collègues enseignants en photographie, je donne des cours dans un large éventail de matières. J’enseigne en Studio pour une classe de terminale, en reportage pour une autre, en traitement et tirage numériques pour une classe de première. Mais également un cours théorique de Technologie pour une classe de terminale. Ensuite j’interviens dans différents cours ou dispositifs comme l’Accompagnement personnalisé (où je parle beaucoup de livres), mais également le cours consacré au Chef d’œuvre en terminale. J’ai donné pendant très longtemps des cours d’Histoire de la Photographie et d’autres de laboratoire argentique.

Copyright Nola Gonzales

Les élèves admis au lycée Brassaï sont-ils recrutés sur dossier ?

Nos élèves ne sont pas recrutés sur dossier. Ils font, comme la plupart des collégiens, des vœux d’orientation par la procédure classique. Certains dispositifs sont mis en place comme la procédure pass-pro qui permet à ceux qui le souhaitent de passer un entretien avec des professeurs du lycée pour échanger autour de leur motivation et répondre à toutes les questions qu’ils peuvent se poser. Certains élèves de troisième viennent également faire des mini stages d’une journée dans les cours de matières professionnelles. Mais au final, nous n’avons pas la main sur le recrutement.

Nous accueillons également directement en première des élèves dits « passerelles », se réorientant à la sortie d’une seconde générale, d’un CAP ou d’un autre baccalauréat professionnel.

Doivent-ils avoir déjà des compétences en photographie ?

Pas forcément. Ils doivent surtout avoir de l’intérêt, de la curiosité pour le monde de l’image, de la création et globalement pour le secteur culturel. Une pratique photographique est bien sûr un plus.

Constatez-vous chez eux un déficit de connaissance sur l’histoire/ le vocabulaire/la technique photographique quand ils arrivent ? D’où vient-il selon vous ?

Il y a certainement un déficit dans ces domaines lorsque les élèves arrivent au Lycée. La plupart du temps tout est à apprendre et construire, dans le domaine technique mais également sur l’histoire et le vocabulaire lié à l’image. Leur pratique de l’image est essentiellement liée à l’utilisation de leur téléphone sur lequel ils n’ont finalement que peu de choses à paramétrer avant de déclencher. Un petit nombre a déjà utilisé un boîter plus perfectionné ou en possède un mais c’est assez rare à leur arrivée. Ce que nous attendons au départ c’est surtout de la curiosité dans le domaine de l’image, de l’envie. Ensuite vient le travail pour leur permettre d’être plus autonomes et pertinents dans la construction de leurs images, l’acquisition d’un vocabulaire technique assez pointu et difficile.

Copyright Valentin Coustenoble

Savoir lire, comprendre les images et en dégager les enjeux n’est pas simple non plus. Ils sont sans doute confrontés à ces enseignements dans les cycles précédents mais c’est un gros travail dans l’ensemble de nos matières photo, en particulier en Histoire de la Photographie ou dans les cours de Méthodologie de projet.

Mais je pense que c’est normal car ils sont encore très jeunes et nous sommes là pour leur transmettre les savoir-faire et les connaissances.

A quels métiers se destinent-ils ?

L’orientation à l’issue du baccalauréat est assez difficile à cerner. Beaucoup continuent leurs études, certains dans le domaine de la photographie (le BTS photographie qui est la poursuite logique pour quelques-uns, des écoles privées en photographie, l’université dans les domaines des arts ou de l’image), d’autres dans le domaine de l’audiovisuel qui est une branche qui les intéresse et les motive également (BTS audiovisuel), d’autres dans des domaines liés à l’image ou aux arts appliqués (graphisme etc) et d’autres enfin dans des champs totalement différents en lettres, en sociologie, en langues à l’université. Certains choisissent de rentrer dans la vie active. Quelques-uns ont l’opportunité chaque année de partir étudier la photographie au Canada au sein du CEGEP de Matane.

Les métiers que nos élèves vraiment motivés par la photographie exercent dans une période plus ou moins longue après le bac sont : l’assistanat de photographes puis l’activité de photographe en elle-même (indépendant, photographe publicitaire, de mode, la photographie d’entreprise, plus rarement le reportage), les métiers liés à la retouche et au traitement des images. Certains peuvent être amenés à travailler dans des laboratoires.

A quoi sont-ils formés dans le domaine de la photographie ?

En matière de photographie, les élèves du Lycée Brassaï sont formés aux techniques de prise de vue dans différents domaines : en studio où ils ont la chance d’avoir un très bel équipement (dos numériques, flashs). Ils abordent la nature morte, le portrait, la photographie de mode. En reportage (réalisations des prises de vue, méthodologie, editing et agencement de séquences narratives, photographies d’actualité). Ils ont bien entendu des cours de traitement numérique, d’infographie et de tirage. Nous nous battons également pour conserver des cours de tirage argentique noir et blanc. En ce qui me concerne, beaucoup de photographes que je leur fais découvrir travaillent en argentique et on peut s’apercevoir que c’est aujourd’hui un secteur, en plus de l’intérêt pédagogique indéniable, qui parle beaucoup aux jeunes auteurs d’images.

Copyright Nathalie Gin

La plupart de leurs sujets sont réalisés en projets, intégrant des cours d’Arts Appliqués, des phases de réflexion et de recherches dans des cours de Méthodologie de Projet, la réalisation et le traitement numérique. Les sujets que nous écrivons donnent la possibilité aux élèves d’acquérir les compétences tout en développant leur créativité. En plus des composantes technique et professionnelle, nous nous attachons à stimuler les élèves par une forte composante artistique et culturelle.

D’autres cours théoriques sont axés sur la Technologie des équipements, sur l’Histoire de l’Art et de la Photographie mais nous abordons également des notions liées à la gestion de l’activité.

Rencontrent-ils des photographes ?

Ils rencontrent surtout des photographes durant leurs stages mais également au sein du Lycée lors de présentations ponctuelles : A titre d’exemple, il y a quelques années Paolo Roversi a fait quelques interventions. Dans le cadre des cours de reportage ils ont pu rencontrer le photographe William Daniels et plus récemment Cyrus Cornut (lauréat du prix HSBC 2021) ainsi que Carole Bellaiche qui leur ont présenté leur travail.

Ils rencontrent également des photographes parmi leurs professeurs, mais la relation n’est pas tout à fait la même.

Copyright Mohamed KHADHRI, The Street

Ils peuvent également rencontrer des auteurs, artistes venus de d’autres champs créatifs. En 2020-2021 le lycée a accueilli en résidence Rodolphe Alexis, designer sonore, artiste et enseignant qui a créé avec deux classes d’élèves les contenus d’une application géolocalisée mêlant sons et photographies.

Font-ils des stages ?

Oui, bien sûr. Les périodes de formation en entreprise font partie intégrante de leur cursus. Ils font en moyenne deux périodes de quatre semaines par an dans des entreprises du secteur de la photographie (boutiques, studios, photographes indépendants, laboratoires, retoucheurs, collectivités mais également dans des entreprises hors champ photographique mais toujours en lien avec l’image fixe ou animée).

Ont-ils une pratique de l’exposition de photographies ?

Durant leur formation nos élèves ont des expériences multiples liées aux expositions de photographies. C’est une part importante dans notre pédagogie. Leur permettre de se confronter aux tirages, aux photographies « physiques » et de sortir un peu de l’univers des réseaux sociaux.

Nous organisons régulièrement des visites d’expositions dans différents lieux parisiens (par exemple cette année au Jeu de Paume, à la Maison Européenne de la Photographie lors de l’exposition de Daido Moriyama, ou dans des galeries comme la galerie XII pour l’exposition 25 Bd Beaumarchais de Carole Bellaïche). Depuis quelques années certains élèves ont également l’opportunité de visiter Paris Photo au Grand Palais. Le lycée entretient une relation étroite depuis plusieurs années avec le Jeu de Paume au sein duquel nos élèves sont confrontés aux accrochages d’expositions de photographies patrimoniales (comme les Chefs d’œuvres photographiques du MOMA cette année) ou de recherches et productions très contemporaines. Le projet que nous menons en partenariat avec cette institution permet à tous les élèves du lycée de suivre des visites conférences consacrées aux expositions de l’année mais également à deux classes de première de réaliser une production photographique en vue d’une restitution sous forme d’exposition. Nous avons ainsi eu la chance de pouvoir accrocher et montrer le travail de nos élèves à plusieurs reprises au sein du Jeu de Paume. C’est une expérience passionnante et très valorisante pour eux.

Copyright Hélio-Luis, KHAIR

A titre personnel je les encourage très régulièrement à aller voir des expositions qui m’ont touché, ému et je commence la plupart de mes cours par un conseil d’exposition, une critique, une projection d’images en lien avec l’accrochage présenté.

Il ne faut pas oublier non plus le moment très important que constituent les Journées portes ouvertes du lycée Brassaï, dont les murs se couvrent de tirages, réalisés et accrochés par nos élèves.

Quelles sont les épreuves en photographie lors des éxamens du bac ?

Le baccalauréat Professionnel Photographie est un diplôme très exigeant qui comporte un grand nombre d’épreuves. En ce qui concerne les matières professionnelles les élèves passent la majorité de leurs épreuves à l’oral. Ils présentent ainsi deux portfolios lors de deux épreuves très importantes : un portfolio professionnel montrant l’ensemble de leurs savoir-faire (nature morte publicitaire, reportage, portrait, mode) et un portfolio plus personnel, aboutissement d’un travail photographique de plusieurs mois sur un thème national imposé. Au sein de celui-ci ils doivent trouver une approche personnelle et réaliser un ensemble cohérent de prises de vue et de tirages d’exposition. Une troisième épreuve orale leur permet également de réaliser une synthèse de leurs périodes de formation en entreprise. Toutes ces épreuves constituent des moments forts à l’issue de leur formation, d’autant plus qu’elles se déroulent en présence de professionnels invités, extérieurs au lycée. Ils passent bien sûr des épreuves écrites, notamment en Histoire de l’Art et de la Photographie, en technologie des équipements. Une nouvelle épreuve s’est greffée à cela depuis cette année avec la constitution et la soutenance du « Chef d’œuvre ».

Rencontrent-ils des livres de photographies pendant leur formation chez vous ? Avez-vous des exemples ?

Ils rencontrent des livres pendant leur formation. Il n’y a pas de manuels scolaires en ce qui concerne l’enseignement de la photographie, sinon quelques livres techniques de référence. Les élèves abordent l’histoire de la photographie en cours et ont à leur disposition un CDI bien fourni et dont le fond s’enrichit régulièrement. Ils ont dans leur sac pour les trois ans les livres de Quentin Bajac dans la collection ‎ Découvertes Gallimard.

A mes débuts il y a une vingtaine d’années je ne disposais pas de vidéoprojecteurs ou de tableaux numériques et n’avais souvent pas le temps de faire des reproductions. Mes anciens élèves gardent le souvenir des piles de livres de photographie qui servaient de support à mes cours d’Histoire de la Photographie (sans doute au détriment de mon dos …). J’aimais les apporter, les faire circuler ou circuler moi-même en les montrant.

Aujourd’hui, je les utilise de différentes manières dans mes cours, avec différents objectifs.

Dans le cadre de l’Accompagnement Personnalisé, je construis des séquences dédiées à certains livres marquants dans l’histoire de la photographie (souvent des livres qui me parlent et me touchent personnellement), des livres qui dévoilent des photographes, leur histoire, mais qui ont également une histoire : dans le désordre  The Americans de Robert Frank, Café Lehmitz d’Anders Pertersen, La France de Profil de Paul Strand et Claude Roy etc. Leur donner envie de faire des images, susciter leur curiosité, leur faire découvrir l’univers de photographes souvent sombres, très expressifs est une de mes obsessions. Quand un élève vient me voir à la fin du cours pour me dire qu’il a aimé, qu’il voudrait bien m’emprunter le livre, c’est une victoire pour moi. J’aime parler de la photographie, leur raconter des histoires. Et c’est tellement mieux et logique de le faire un livre à la main.

J’ai également développé une séquence autour des librairies parisiennes qui sont spécialisées ou donnent une grande importance aux livres de photographes et de photographie. Où les trouver ? J’ai également ouvert cette présentation à certaines librairies en ligne et au « marché » des livres rares ou épuisés. J’aborde la question de la valeur marchande du livre de collection, les côtes ahurissantes de certains ouvrages, parfois même très récents, qui deviennent vite inabordables.

Copyright Félix ARRAMY, Accident-géométriqu

Là aussi mon objectif est atteint quand un élève, ou un ancien élève, vient me voir ou m’écrit pour me dire qu’il a acheté tel ou tel livre dans une librairie, qu’il ou elle a dépensé une partie de son pass culture à la librairie d’un musée ou d’une institution photographique. Mais c’est quand même assez rare, du moins trop rare à mon goût.

Enfin et surtout, dans le cadre de mes cours de reportage, je leur montre des livres que l’on pourrait classer dans le champ documentaire, des monographies, des livres construits autour d’un sujet. Mais la plupart du temps je leur rapporte des ouvrages qui racontent l’histoire de leur auteur, je cherche à leur faire découvrir la structure narrative, la séquence des images mais surtout à leur faire ressentir l’atmosphère qui se dégage de ce « lieu » restreint qu’est le livre. Je leur montre des auteurs qui ont un style fort, marqué, très intime et personnel, toujours dans le souci de faire évoluer leur regard sur le monde et sur leur vie quotidienne. En particulier je travaille avec eux sur des portraits de lieux, sur la mémoire et la vie d’endroits restreints. La retranscription d’une atmosphère est un de mes objectifs. En ce sens certains livres m’aident énormément en particulier ceux de Bernard Plossu, Anders Petersen (Café Lehmitz, Sète #8, From Back Home), J.H Engström, Robert Frank, Christophe Bourguedieu (Le Cartographe, Tavastia, Eden) qui est très important pour moi, Mickael Ackerman, Guillaume Herbaut (La zone) mais également des livres de photographes s’inscrivant dans un champ plus plasticien, plus théorique comme Patrick Faigenbaum (Praha, Santulussurgiu, Tulle). William Eggleston est également, avec le William Eggleston’s Guide entre autres, une référence importante dans mes cours.

Récemment, à l’occasion de son exposition au Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme, je leur ai fait découvrir certains livres de Patrick Zachmann comme Enquête d’Identité.

Copyright Nelly ROJAS, Paris15

Durant mes cours de studio je pose également régulièrement des livres de photographes sur la grande table (Dans le désordre Irving Penn, Paolo Roversi, Richard Avedon, Pierre Gonnord, Josef Sudek etc)

Mes élèves sont beaucoup devant l’ordinateur durant leur formation, ou plus généralement devant des écrans et j’ai besoin de leur apporter de la matérialité, leur montrer des objets, leur permettre de toucher, de sentir la matière du papier. J’essaie de les encourager à aller vers le livre, ce qui n’est pas une tâche facile aujourd’hui. Comme j’ai une petite tendance à collectionner, j’apporte beaucoup de livres de ma bibliothèque personnelle, parfois assez rares, et leur permet de les feuilleter, quelquefois de les emprunter. J’aime à penser que ma bibliothèque est un reflet de ma conception de la photographie, un deuxième « cerveau », qui doit être vivant et partagé. J’aime donc faire vivre mes livres en permettant à mes élèves de les parcourir, de se les faire passer.

Tout cela n’engage que moi bien sûr. Mais certains de mes collègues, également passionnés de livres de Photographie, sont amenés à en utiliser en cours.

En réalisent-ils pendant leur formation chez vous ? Avez-vous des exemples ?

C’est assez rare mais cela peut arriver à l’occasion de projets avec des partenaires institutionnels. En 2017 nous avons réalisé deux ouvrages ambitieux (imprimés à une centaine d’exemplaires chacun) : L’image en creux autour de l’exposition consacrée à Eli Lotar au Jeu de Paume et Chroniques Adolescentes sur le quotidien d’une génération d’élèves, en partenariat avec la Région Ile de France. Un projet est en cours actuellement avec les élèves de seconde qui pourrait déboucher sur la publication d’un ouvrage.

Utilisez-vous des livres photo-illustrés pour la jeunesse dans vos cours ? 

Je n’utilise pas vraiment de livres photo-illustrés pour la jeunesse. Mais sans doute est-ce un tort car le monde du livre jeunesse est un secteur tellement vivant et créatif. J’y suis confronté dans ma vie personnelle avec mes enfants. D’un point de vue pédagogique certains livres destinés à un jeune public auraient un intérêt indéniable au lycée. J’ai acheté à ma fille il y a quelques mois EYES OPEN, 23 idées photographiques pour enfants curieux de Susan Meiselas, chez Delpire, qui aurait sans aucun doute sa place dans notre formation. Il faut que notre CDI se le procure. Une Histoire des Images pour les enfants de David Hockney et Martin Gayford constituerait un beau « manuel » pour les premiers cours d’Histoire de l’Art. Mais en fait les exigences du référentiel du Diplôme, les programmes et le temps de plus en plus réduit que nous avons pour apporter les compétences, les connaissances et les savoir-faire font que nous allons souvent directement vers des livres essentiels de l’histoire de l’art ou de la photographie, sans distinction de tranche d’âge, parce qu’ils bousculent peut-être davantage nos élèves dans une période de changements personnels forts et les aident à passer de façon créative vers l’âge adulte.

Sont-ils familiers de la notion de photolittérature ?

Je ne pense pas qu’ils soient familiers de la notion de photolittérature même si ils y sont confrontés lorsqu’ils découvrent certains photographes, écrivains ou livres les mettant en relation.

Les auteurs que je leur fais découvrir dans les livres nourrissent une pratique photographique très littéraire, ou du moins en lien avec la littérature ou l’autobiographie. J’essaie de leur faire découvrir la structure littéraire, l’expressivité du récit de livres de photographie. Bernard Plossu, même s’il a une approche très proche du cinéma, élabore des livres qui se lisent, comme des romans, ou des recueils de poésie. Les liens entre Robert Frank et les auteurs de la Beat Generation, dont Kerouac, sont également évoqués lorsque l’on parle du livre The Americans. Les correspondances avec les textes d’écrivains ou de poètes (parfois conflictuelles) sont une des caractéristiques essentielles des livres de la Guilde du Livre comme La France de Profil de Paul Strand et Claude Roy, Le Grand Bal du Printemps d’Izis, ou la Banlieue de Paris de Doisneau que j’ai parfois l’occasion d’apporter en cours.

Nos élèves sont jeunes, mais au fil des années, certaines ou certains élèves nous parlent des livres qu’ils lisent, de littérature. C’est cependant assez marginal. Peut-être davantage avec les enseignants de Français-Histoire Géographie. Globalement nous essayons de les encourager à lire mais surtout à écrire par l’image, la photographie, ce qu’ils ont à dire sur le monde, leur vie. Certains développent dans leurs portfolios personnels une belle sensibilité d’auteurs (de jeunes auteurs), des séries photographiques très littéraires et fortes. Mais je ne pense pas que la majorité des élèves analysent facilement les liens et imbrications réciproques entre littérature et photographie. C’est encore un peu tôt.

J’espère également que quelques-uns savent que le photographe qui a donné son nom au lycée était lui-même un brillant écrivain.

Le site du lycée Brassaï http://www.lycee-brassai.fr/

Merci Rémy Péquignot ! Merci aux artistes !

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Photographie contemporaine

Éditions Palette…, Paris 2013, 31 x 25 cm, 96 pages
Prix du livre d’art jeunesse du FILAF (Festival International du Livre d’Art et du Film), 2014

Si les adolescents photographient tout, et tout le temps, que savent-ils de l’histoire de la photographie artistique du XXIe siècle ? Et nous-mêmes ? L’ouvrage Photographie Contemporaine  propose un parcours au cœur de l’art photographique de ces dernières années et entend faire découvrir quelques uns de ses maîtres : Stephen Shore, Yuri Kozyrev, Edward Burtynsky, Sophie Ristelhueber, Nan Goldin, Richard Mosse, Paul Graham… De la photo de portrait au photo-journalisme, argentique ou images retouchées sous photoshop, document objectif et  transformation du réel, ce livre explore les différentes facettes de leur pratique. Le livre,  passerelle vers l’art photographique, suite de l’enquête…

Rencontre avec son autrice, Floriane Herrero.

Floriane, pourriez-vous d’abord nous indiquer quel parcours vous avez suivi.

J’ai d’abord étudié à l’école du Louvre, dont je suis diplômée en muséologie, et j’ai ensuite également obtenu un master en édition et communication. J’ai exercé de
nombreux métiers dans la culture en plus de mon activité en tant qu’autrice, je suis
actuellement à la recherche d’un nouvel emploi. 

Quels sont les maîtres que vous admirez en photographies, si vous en admirez ?

J’admire de nombreux photographes ! J’ai une affection toute particulière pour la
photographie des années 20 à 40, en France et ailleurs. Par exemple Alexander Rodchenko, Germaine Krull, Jacques-André Boiffard… Dans une toute autre esthétique, j’aime beaucoup le travail en couleur de William Eggleston et un de ses
héritiers plus contemporains, Alec Soth.

Vous avez publié Photographie contemporaine aux éditions Palette… Pourquoi cet éditeur ? 

Photographie Contemporaine a été publié en 2013 et il s’inscrivrait à l’époque dans une collection informelle que les éditeurs d’alors avait développé et qui regroupait des ouvrages de grand format consacré à la création contemporaine. Je connaissais les éditions Palette depuis 2011 et j’avais déjà collaboré avec eux sur d’autres ouvrages. Je n’ai pas rencontré de difficulté pour le faire éditer, si ce n’est peut-être un peu de scepticisme au départ quant au fait que le sujet puisse être adapté au jeune public.

copyright Éditions Palette…, Paris

A qui s’adresse cet ouvrage et quelle est sa finalité  ?

Il s’agit d’un livre s’adressant d’abord aux enfants à partir de 12 ans, aux
adolescents mais aussi à un public adulte qui ne connaît pas l’univers de la photographie contemporaine. En effet, en discutant avec des lecteurs, parents ou enfants, j’ai réalisé que cet ouvrage pouvait tout à fait servir d’introduction auprès d’un lectorat de tout âge.

Pensez-vous que les enfants souffrent d’un manque d’éducation à l’image et plus particulièrement à la photographie ? Cet ouvrage vient-il combler un manque ?

Encore une fois, cet ouvrage est paru en 2013, et depuis, le rapport des enfants à l’image a énormément évolué, notamment via le développement de leur utilisation des réseaux sociaux tels qu’Instagram, Snapchat etc. Mais je pense effectivement que les enfants, autant à l’époque que de nos jours, souffrent d’un manque d’éducation à l’image, à l’impact des images, à leur signification culturelle et sociétale. Peut-être aussi souffrent- ils d’un effet de saturation face aux images, et sont-ils en quelque sorte désensibilisés. Et puis, du point de vue de la beauté, de l’émerveillement, de la capacité à imaginer à partir d’une image, il me semble là aussi que l’omniprésence virtuelle handicape les plus jeunes générations.

Pourquoi cet « espace » aménagé dans la couverture ? 

C’est le directeur des éditions Palette de l’époque, Didier Baraud, qui s’occupait plus
particulièrement de la création de la maquette, en collaboration bien sûr avec le graphiste Loïc Le Gall. L’idée d’une fenêtre nous paraissait intéressante, comme une fenêtre ouverte sur le monde, aussi l’idée de cadrage de la photographie… 

Votre ouvrage est divisé en cinq grands thèmes : « Témoignages », «Mises en scènes », « Figure humaine », « Paysages » et « Expérimentations ».Pourquoi ceux-là ? Est-ce qui se dégage de la photographie contemporaine ?

J’ai longuement travaillé pour trouver comment organiser cet ouvrage. La photographie, et d’autant plus la photographie contemporaine, est un domaine très très vaste, et il me semblait utile, par souci de pédagogie, d’organiser l’ouvrage autour de grandes thématiques. Une approche chronologique n’aurait pas eu de sens, une approche géographique non plus, j’étais donc dans l’obligation de trouver des thèmes à aborder. Les cinq thèmes choisis me semblaient les plus appropriés et me permettaient aussi de parler de beaucoup de photographes, aussi bien des photographes documentaires que des portraitistes que des photographes de paysages ou encore des expérimentateurs purs.

Comment la définissez-vous d’ailleurs ? avec quelles bornes temporelles ?

Pour cet ouvrage, je me suis limitée au maximum à des photographes des années 2000, avec quelques exceptions bien entendu. Si je devais refaire ce livre maintenant, et à cause de l’évolution de la photographie numérique / des téléphones portables, j’aurais sans doute des limites temporelles encore plus réduites.

Comment avez-vous opéré un choix dans la production contemporaine ? Avez-vous des regrets de ne pas avoir pu y faire figurer certains artistes ?

J’ai bien entendu dû opérer un choix dans les artistes sélectionnés, car c’est un domaine particulièrement riches, mais je n’ai pas de profonds regrets car chaque artiste représenté est un artiste que j’apprécie particulièrement. Il s’agit toujours d’un choix et il ne faut pas tenter l’exhaustivité, c’est une quête impossible…

Texte d’abord, images ensuite ou l’inverse ?  

J’ai d’abord fait un choix iconographique, en construisant en parallèle le plan
du livre, et j’ai ensuite attaqué la phase de rédaction. Avec mes seules deux mains, donc.

copyright Éditions Palette, Paris

Comment s’est opéré le choix de la mise en page des photographies ?

L’idée d’utiliser un grand format pour ce type d’ouvrage est aussi de laisser beaucoup de place à l’image, afin que les plus jeunes puissent véritablement se plonger dans les visuels, en voir le plus de détails. Vous remarquerez donc que la plupart des images sont au moins au format demi-page, sauf dans le cas où bien entendu, pour pouvoir représenter plusieurs artistes, celles-ci sont en quart de page.

La maison d’édition est-elle intervenue dans la conception ?

Bien sûr, j’ai travaillé très étroitement avec Didier Baraud et Nicolas Martin, qui était
alors éditeur chez Palette. C’est l’éditeur qui a validé la version finale du plan et de la
sélection iconographique, et au fil de l’écriture, a corrigé et validé les textes. Ce sont eux qui se sont chargé de toute la conception physique du livre, de la fabrication au
graphisme.

Avez-vous rencontré quelques lecteurs/trices qui vous ont fait part de leurs émotions devant ces belles images ?

J’ai eu la chance de participer plusieurs fois au Salon du Livre jeunesse de Montreuil et je me souviens avoir eu des retours enthousiastes de parents et d’enfants. Les enfants ont souvent une réaction très « wouaesque » devant certaines images, ou alors rigolent franchement. J’ai également au des retours de certains des photographes présents dans le livre qui étaient ravis d’apparaître dans un livre destiné au jeune public.

Pourriez-vous le rééditer ? En faire une suite ?

Ce livre pourrait et mériterait d’être réédité afin d’en proposer une version mise à jour, la production photographe ayant vraiment beaucoup évolué en quelques années.

Enfin, que lisiez-vous enfant ? Y-avait-il des livres de photographies ?

Je lisais finalement peu étant enfant, j’étais plutôt une enfant qui aimait jouer dehors ou alors regarder des dessins animés… Donc plutôt visuelle.

Merci Floriane !

Pour découvrir le travail de Floriane Herrero https://florianeherrero.com/

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L’Histoire vraie des grandes photos, entretien avec David Groison

Actes Sud Junior
Mai, 2014
18.00 x 18.00 cm
88 pages

Qu’est-ce qu’une photographie iconique ? Les deux volumes de l’Histoire vraie des grandes photos, signés David Groison et Pierangélique Schouler, tentent de répondre à cette question en proposant pour chaque opus une sélection de 20 images,  sélectionnées dans plus d’un siècle de production photographique.

Chaque image est décodée, analysée, autant d’un point de vue esthétique que symbolique, et replacée dans son contexte historique. Les auteurs ou les acteurs de ces photographies viennent parfois raconter l’histoire de ces prises de vue et ajoutent un supplément d’humanité à ces clichés que nous croyions déjà connaître. 

Entretien avec David Groison.

Comment est née L’Histoire vraie des grandes photos ?

Pierangélique Schouler et moi-même sommes partis du constat suivant : il y a une méconnaissance de la photographie, à la fois chez les journalistes et chez les ados. L’école nous apprend à décrypter des textes patrimoniaux, mais ne nous apprend rien sur l’image alors que nous baignons dans un monde d’images, où il y a plein de règles d’écriture, comme dans les textes. On a donc voulu réfléchir aux vingt questions à se poser pour regarder les images et cela a donné Prises de vue, décrypter la photo d’actu, chez Actes Sud Junior. Nous avons ensuite réalisé Photos chopées, sur les photos truquées, qui montre comment et pourquoi certaines photographies sont trafiquées.

Après avoir travaillé sur la grammaire et les coulisses de la photographie, il semblait naturel de présenter les grandes photos, aussi bien que le ferait un cursus littéraire. Ces grandes photos, notre œil les connait, les repère partout, analyse la répétition des motifs, mais, en fait, nous n’en savons pas grand-chose, et surtout pas dire à quelle réalité elles se rapportent. Aller chercher les coulisses de la prise de vue nous a permis de voir combien cela éclairait les débats d’aujourd’hui sur la place de la photo, la preuve qu’elle apporte.

Actes Sud Junior, Avril, 2013, 18.00 x 18.00 cm, 88 pages

Pourquoi cette compilation de photographies a-t-elle ce format carré, un peu petit ? C’est un peu surprenant pour un livre de photographies. On s’attend plus à de grandes images et en plus grand nombre.

Nous ne voulions pas un beau livre de photos hyper impressionnant. Les deux premiers ont même une couverture souple. Ces deux volumes consacrés à l’histoire vraie des grandes photos s’inscrivent dans une série de cinq ouvrages et en ont donc la forme.

Nous ne voulions pas non plus réaliser un livre qui présenterait les grands moments historiques. Nous n’avons aucune photo qui concerne la Première Guerre mondiale par exemple, et c’est bien normal car il n’en reste pas de photo iconique. L’idée était  vraiment de faire figurer des photos présentes dans la pop culture ou dans notre imaginaire. En rigolant, quand on en parle devant des ados, on leur demande si telle image a été détournée par les Simpson. Un des critères pour identifier une photo iconique serait finalement le détournement ou sa présence dans une série. C’est un bon indicateur.

On s’est arrêté à vingt photographies pour ne pas faire un livre trop volumineux. Il était important de garantir le plaisir de lecture. Assez vite nous avons proposé d’en faire un deuxième, avec cette limite de l’année 1965 et l’arrivée de la couleur. De la même façon, chaque histoire que nous racontons autour de chaque photo a un nombre de signes limité. Lire l’histoire d’une photo ne devait pas devenir impressionnant.

Actes Sud Junior, mars 2016, 18.00 x 18.00 cm, 88 pages

Comment s’est opérée cette sélection de photos ? Chacun de votre côté d’abord avant une mise en commun ?

C’est cela ! Nous avons chacun notre culture : Pierangélique est iconographe de presse et a un parcours en rapport avec l’image et moi je viens de l’écrit et de l’école du journalisme. C’est l’alliance du néophyte et de l’expert, avec chacun sa grille de lecture et chacun son avis. Certaines photos, très connues des étudiants en photo, ne me semblaient pas du tout connues du grand public par exemple. Finalement le choix s’est porté sur des images qui racontaient plus qu’elles-mêmes, comme celle réalisée sur le Rockefeller Center. (Construction Workers Eating Lunch, 1932). Elle est à la fois allégorie de l’amitié, tout en étant le symbole du moment où NY devient NY. La bonne surprise a été de découvrir que chaque photo avait une histoire dingue.

Comment avez-vous pris en compte les auteurs de ces images et leurs ayants droit ?

Pour obtenir le droit de publier ces images, il suffit de payer en fait ! La surprise a été de découvrir que certaines photos valaient plus que d’autres. Le baiser de L’hôtel de ville vaut plus que celui pris à Times Square !  

On a essayé, à chaque fois que cela été possible, d’interviewer les gens qui les ont prises ou ceux qui sont sur la photo. Celle d’Arthus Bertrand m’a frappé. Le pilote de l’hélicoptère était heureux d’en parler. L’enquête pour retrouver les gens sur les photos a été passionnante.

Pourquoi le volume 1 est-il proposé avec deux couvertures différentes, une avec Marilyn Monroe de 1954, l’autre avec des ouvriers de 1932 ? 

Lors de la première édition, le directeur artistique s’interrogeait sur la difficulté de réduire ce travail à une seule image… Dès la réimpression, il a été convenu de ne garder que celle des ouvriers.

Quels retours avez-vous des lecteurs ?

J’ai animé récemment un atelier avec des petits, et je leur ai proposé des extraits découpés des photos. Tout de suite, ils étaient capables de saisir l’essence des photos et d’imaginer leur hors-champ. Pour celle de Dorothea Lange (Migrant Mother, 1936), par exemple, ils ont imaginé le père, car cela leur semblait impossible que celui-ci soit absent.

Ce qui est génial avec des ces publics éloignés du livre, c’est qu’ils  rentrent soudain dedans à fond. Certains adolescents ont écrit des slams pour accompagner la photo des ouvriers sur la poutre (Construction Workers Eating Lunch, 1932). C’est réjouissant pour moi comme pour les éducateurs.

Serait-il possible d’imaginer un troisième tome ?

Nous nous sommes arrêtés à 2015 avec la photo de la Place de la nation. Il est compliqué de choisir des images sur lesquelles le temps n’a pas laissé sa patine. Les trois dernières photos sont certainement facilement contestables, parce qu’il manque le recul de 50 années. Aujourd’hui, la photo est omniprésente et la photo iconique est plus difficile à isoler. Les photos ont moins le temps de s’imposer et d’écraser tout le reste. Il faut donc du temps dans l’œil de celui qui la voit pour qu’elle devienne iconique.

 

Avez-vous des regrets ?

Non. C’est notre choix à tous les deux. Ceci étant, j’aurais bien mis la photo de John Lennon et Yoko Ono prise par Leibowitz juste avant qu’il se fasse assassiner, mais Pierangélique trouvait qu’elle ne rentrait pas dans le corpus et en plus elle était hors de prix !  Ceci étant la question du prix n’a jamais été un sujet pour l’éditrice.

Merci David Groison ! 

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Promenons-nous dans les bois avec Isabelle Ricq et Une forêt dans un verre d’eau

Isabelle Ricq, une forêt dans un verre d’eau, Seuil Jeunesse, 2021

“Une petite fille écrit à sa grand-mère qui vient de disparaître et lui fait part d’une étrange aventure qu’elle vient de vivre.

Elle lui raconte comment, alors qu’elle observait les racines d’une petite plante qu’elle fait pousser dans un verre d’eau, elle est tombée dedans et s’est retrouvée subitement au cœur d’une forêt an compagnie du garçon-qui-pensait-être-un-loup”. Ainsi commence l’histoire, portée par un texte plein de poésie et par de très belles photographies forestières qui servent de terrain de jeux  à  Loup et Mouflette, deux petits personnages dessinés perdus dans les bois, occasion formidable de découvrir le monde et la vie.

Isabelle Ricq est notre invitée.

Quelle est votre profession ? et quel est votre parcours ?

Je suis photographe, et plus précisément photographe documentaire, c’est-à-dire que je réalise des reportages au long cours, sur des sujets que j’ai eu la chance de choisir. À 20 ans, en sortant de l’école de photo, j’ai vécu en Indonésie où j’ai longtemps documenté la fulgurante déforestation en cours: la destruction de la forêt, et son remplacement par des monocultures lucratives, sont devenues mes obsessions de travail. Je les ai photographiés ailleurs sur la planète, pour finalement revenir en Asie du Sud-Est, à Bornéo, pour une enquête photographique autour de la disparition d’un activiste suisse, Bruno Manser, qui a nécessité huit années de documentation et de voyages, et qui m’a laissée sur les rotules.

Christian Tochtermann Isabelle Ricq (Auteur) Ou la disparition de l’homme penan, septembre 2019 

Comment passe-t-on de la photographie documentaire à la littérature jeunesse ?

Au milieu de ce travail documentaire à Bornéo, notre fille est arrivée. Elle a bouleversé notre rythme, évidemment, mais surtout ma perception du monde.

Je me suis mise à tout voir à sa hauteur, ce qui m’a vite fait réaliser que derrière la complexité des sujets que je traitais se cachaient des valeurs qui étaient simples à comprendre, même pour un très jeune enfant. Dans le même temps, je découvrais grâce à elle les rayons littérature jeunesse des librairies, et j’en ai tiré trois constats: le premier est que la photographie est rare dans les livres pour enfants, surtout dans les albums de fiction. Le second est que ma fille de deux ans savait reconnaître une vache dessinée, qu’elle soit jaune, verte ou orange, avec une salopette ou des lunettes, à quatre pattes ou debout, mais qu’elle l’identifiait avec plus de peine sur une photographie. Le troisième est que cette même petite fille était capable de s’attacher aux photographies qu’on lui présentait, et d’y projeter ses propres histoires.

copyright Isabelle Ricq

Je me suis alors intéressée au passionnant (et périodique) désamour de l’édition jeunesse et de la photographie, de l’essor des albums photographiques dans les années d’après-guerre à l’arrêt brutal de leur production au début des années 1980. Diverses raisons sont invoquées pour cela: que les jeunes lecteurs éprouveraient des difficultés à appréhender la photographie, alors majoritairement en noir et blanc, ou encore que le réalisme de ces images freinerait l’imaginaire. Tout, pourtant, dans mon expérience, contredisait ces théories.

L’envie d’écrire et d’illustrer une histoire pour enfant est née de ces réflexions nouvelles, mais également de ma prise de conscience de la puissance de la fiction pour raconter le monde qui nous entoure. Moi qui m’étais toujours attachée à rendre compte de la réalité le plus honnêtement possible, à ne surtout pas trahir la parole de celles et ceux qui se donnent à voir, je découvrais là une liberté insoupçonnée, et une joie de créer renouvelée.

copyright Isabelle Ricq

Est-ce que ce projet a eu du mal à aboutir ? La présence de la photographie a-t-elle posé un problème aux éditeurs ?

Le fait que mes illustrations s’appuient sur des photographies a été très bien accueilli par les deux maisons d’édition auxquelles je les ai montrées, et l’enthousiasme d’Angèle Cambournac, au Seuil Jeunesse, m’a tout de suite convaincue que ce projet devait se faire avec elle. Ce que j’entends, c’est que les éditeurs ont conscience que le médium photographique est sous-utilisé dans l’illustration jeunesse, et que le peu de projets qui leur sont proposés sont encore freinés car la photographie a la réputation de mal se vendre.

Aujourd’hui, la plupart des albums photographiques qui paraissent sont des mises en scène de figurines ou de marionnettes, ou des imagiers. En cela, mon approche était différente, car il s’agissait d’ancrer mes fictions dans le réel par l’utilisation de la photographie comme environnement, dans lequel un personnage dessiné vit de merveilleuses aventures. Par l’utilisation du dessin, mes images renvoient donc partiellement aux codes traditionnels de l’illustration jeunesse, et même si la part dessinée est minime dans l’espace de l’image, il est tout à fait probable que sans cela ce projet ait été beaucoup plus difficile à faire vivre.

copyright Isabelle Ricq

“Tout enfant recommence le monde”, Pourquoi cette citation d’Henri David Thoreau en exergue ?

Cette citation vient d’un livre important pour moi, Walden ou la vie dans les bois, grand récit de la mise en application d’une philosophie de vie, dont certains passages me sont longtemps restés en tête. Cette phrase en faisait partie, mais j’ai l’impression d’en avoir réellement saisi le sens qu’en devenant mère. Elle m’a accompagnée et, à mesure que j’écrivais ce livre, elle résonnait de plus en plus fort en moi, si bien qu’il m’a semblé évident de la citer en exergue, comme on éclaire un chemin depuis l’orée du bois.

Qui sont les personnages dUne forêt dans un verre d’eau ? des lointains cousins d’Alice ? ou de Tobie Lolness ?

Loup et Mouflette sont deux petits voisins, qui ne se connaissent pas bien avant que leur aventure ne commence. Leur voyage est une prise de conscience, et je dirais qu’il partage plutôt des liens avec celui de Max, de Max et les Maximonstres, chef d’oeuvre de Maurice Sendak, dont le titre original aurait pu lui aussi figurer en exergue: Where the wild things are.

Pourquoi avoir choisi un couple de personnages fille -garçon ?

Simplement parce que j’affectionne particulièrement les amitiés fille-garçon, et que le début de l’histoire s’attache à Mouflette: lorsque Loup surgit, il est autre vis-à-vis d’elle, sur tous les plans.

Et pourquoi la forêt ? comme un lieu de mystère presque  incontournable des contes ?

La forêt est pour moi le lieu du sauvage, un monde avec « un coeur » et « des confins », dont la plupart des interactions nous échappent. Nous en venons pourtant, mais en le quittant nous nous sommes persuadés que ce que nous y laissions était sombre, inutile dans un monde civilisé, voire dangereux. Que se passe-t-il alors si nous y revenons?

Accessoirement, la forêt est aussi le milieu naturel dans lequel je me sens la plus à l’aise et heureuse, et je crois qu’il était important pour moi de prendre du plaisir à faire ce projet, assez égoïstement.

Envisagez-vous de rendre compte d’autres espaces dans vos prochains projets 

Les idées sur lesquelles je travaille actuellement se différencient un peu d’Une forêt dans un verre d’eau: par l’échelle, pour l’un, et par la technique, pour l’autre. Il y a toujours (un peu) de forêts, mais je cherche aussi à faire quelques prises de vue sous l’eau, oui.

Vous photographiez ? vous dessinez ? vous écrivez ? dans quel ordre pour cet ouvrage ?

Cet ouvrage est né d’une petite histoire destinée à ma fille, pour laquelle j’avais utilisé un corpus de photographies réalisées en Pologne, dans la forêt de Białowieża – joyau de nature, souvent qualifié de dernière forêt primaire d’Europe avant que l’actualité ne la rattrape tristement, d’abord par les coupes de bois, puis aujourd’hui par l’errance des migrants instrumentalisés là par le pouvoir biélorusse.

De ce premier fil, nous avons tissé un récit plus complexe avec Angèle, l’éditrice, ce qui fait qu’ensuite c’est l’écriture qui a guidé les prises de vues, les dessins étant l’étape finale du travail. Du premier récit ne subsiste dans le livre qu’une seule image, les autres ayant toutes été réalisées en Belgique, où je vis.

Quel âge ont vos lecteurs ? qu’attendez-vous d’eux lorsqu’ils auront cet ouvrage entre les mains ?

C’est une bonne question, et cela fait d’ailleurs partie des surprises que j’ai eu en tenant l’album en main pour la première fois: je pensais écrire une histoire destinée à être lue par les parents, alors que je me rends compte aujourd’hui qu’elle touchera plutôt les plus grands, qui commencent à maîtriser la lecture par eux-mêmes. Je crois que c’est dû au fait que, sans que je m’en aperçoive, mes mots ont grandi avec ma fille, qui a aujourd’hui 6 ans. Cette histoire, je ne fais que la déposer à ces petits lecteurs, en espérant qu’elle résonnera chez certains d’entre eux.

Que lisiez-vous lorsque vous étiez enfant ?

Une des raisons pour lesquelles je suis tombée en amour pour le monde du livre jeunesse, c’est que je ne l’ai que très peu côtoyé étant enfant. Je n’ai eu des livres pour moi que lorsque j’ai pu lire seule, et je suis passée à côté de l’album illustré. Ma première passion a été pour Roald Dahl, dont j’ai dévoré tous les livres en format de poche. Aujourd’hui, je découvre avec émerveillement les rééditions de ces mêmes histoires, superbement enrichies, et j’ai l’impression de vivre une part d’enfance qui m’avait échappée.

Merci Isabelle ! http://isabellericq.fr/

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Tana Hoban s’expose à Castiglione delle Stiviere, entretien avec Elisabeth Lortic

copyright Mutty

Depuis le 22 octobre , et jusqu’au 22 janvier 2022, la librairie-espace d’exposition Mutty accueille une exposition dédiée à la photographe américaine Tana Hoban, pionnière du livre photographique pour enfants.

Cette exposition hommage permet aux visiteurs de redécouvrir les ouvrages, photographies et films de la photographe, mais également de participer à des ateliers.

Elisabeth Lortic, de l’association des Trois Ourses, nous a accordé un entretien. 

Elisabeth Lortic, comment a été conçue cette exposition et qui en assure le commissariat ? 

Quand l’association des Trois Ourses a décidé de fermer après 30 années d’activités, nous avons réfléchi à ce que l’on pouvait faire des œuvres que nous possédions, dont des œuvres de Tana Hoban. Le Cnap (Centre National des Arts plastiques) qui avait soutenu la publication d’un livre sur les travaux de Jean Widmer par Katsumi Komagata, s’est présenté comme un lieu naturel d’accueil.  Le Cnap a une mission de diffusion et de valorisation des œuvres. Sandra Cattini, Responsable de la collection design et arts décoratifs, pôle collection, s’est impliquée avec énergie et a permis que l’exposition se réalise dans un temps relativement court (étant donné les conditions nouvelles de travail due à la pandémie).

En 2018, l’éditeur italien Lazy Dog associé à la structure Mutty nous a acheté les droits pour une version bilingue (italien/anglais) du catalogue raisonné des livres de Katsumi Komagata. Le travail de médiation autour des livres de Katsumi Komagata s’est poursuivi chez Mutty avec l’association Peekaboo qui a travaillé à la Petite école des Trois Ourses. Au sein de ce groupe Mutty, Giulia Giazzoli est particulièrement intéressée par la photographie et le livre photo. Je l’ai assez naturellement orientée sur Tana Hoban comme une base d’un travail plus approfondi sur le sujet et Giulia m’a associé à l’organisation de cette exposition Guardare è un gioco i libri fotografici di Tana Hoban

copyright Mutty

Qu’y trouve-t-on ?

L’exposition est centrée sur Tana Hoban. On y trouve toutefois les deux imagiers très novateurs d’Edward Steichen, avec lequel elle a collaboré. Edward Steichen, photographe et directeur de la photographie au MoMa de New York, l’a exposée dans « Six femmes photographes », aux côtés de Helen Levitt et de Dorothea Lange, puis en 1955 dans la fameuse exposition «Family of Man». Les livres de Tana Hoban qui sont exposés chez Mutty sont ceux que l’on a donnés au Cnap. Quelques images proviennent aussi de la collection de Grummond dans l’université du Mississipi qui accueille les archives de Tana Hoban. Les photographies exposées sont tirées de l’exposition de Bologne que nous avions réalisée avec elle. Ce sont des tirages d’environ 40 x60 cm. 

copyright Mutty

Parlons du lieu

Mutty est un lieu à Castiglione delle Stiviere, près du lac de Garde. Il associe une librairie, un restaurant, une salle d’atelier, une salle d’exposition, avec une très belle lumière. Les proportions du lieu correspondent bien à la modestie des Trois Ourses et à notre matériel. Le scénographe, Paolo Cremonesi, a fait un joli travail sur du carton léger pour présenter les photos comme dans des livres ouverts, dans lesquels les images se répondent deux par deux. Cela rappelle les double-pages des livres de Tana. Les visiteurs peuvent déambuler entre elles comme dans un labyrinthe. Il n’y a pas de parcours imposé, mais une observation un peu plus longue permet de dégager des thématiques, forme, matière, couleur… Dans une petite salle noire, derrière un rideau, les visiteurs peuvent découvrir de petits films sur les animaux, réalisés par Tana Hoban. Les écrans ont tendance à attirer les visiteurs, surtout les petits, mais ces petits films de trois minutes bien positionnés, ne les empêchent pas de circuler dans l’exposition.

copyright Mutty

Comment sont présentés les livres ?

Ils sont placés en ordre chronologique en deux grandes bandes superposées : l’une à hauteur d’adulte et l’autre plus basse. Ils forment un fond qui montre l’importance du travail de Tana Hoban. C’est assez graphique. J’aurais voulu que certains ouvrages soient présentés à livre ouvert mais l’espace et les contraintes de conservation du Cnap ne le permettaient pas. Dans la librairie, on trouve les livres américains et les livres en français de chez Kaléidoscope. Malheureusement beaucoup sont épuisés. Certains livres de seconde main sont mis à disposition des enfants.

copyright Mutty

Trouve-t-on des écrits dans cette exposition ?

Les cartels sont très simples. Il s’agit de la fiche de catalogage qui est placée sur le mur, sous les livres, sans que cela ne gêne la vision globale des livres. Il y a une vitrine à hauteur d’enfant qui accueille les jouets que Tana nous avait confiés et qui lui avait servi à faire Des couleurs et des choses. On présente aussi le portrait de Tana par Sarah Moon, qui a servi pour la couverture de l’autobiographie que nous avons éditée Regarde bien / Look again : les albums photographiques de Tana Hoban, à l’occasion de l’exposition à Bologne.

Giulia Giazzoli a réalisé un catalogue en grand format journal et en faible tirage qui comprend plusieurs textes sur la photographie pour enfants, une interview dans laquelle je parle de mes relations avec Tana, et des photographies de Tana Hoban.  Des marque-pages avec un trou qui rappelle celui que Tana utilisait dans ses interventions aussi bien que dans ses “Look Book” pour permettre  au jeune lecteur de diriger son regard et “cadrer”. 

copyright Mutty

Quelles réactions avez-vous constatées de la part des visiteurs ?

Pour de nombreux visiteurs les livres de Tana étaient une découverte car en Italie seuls sont publiés jusqu’à présent les livres en petits formats carrés Bianco e Nero, Che cos’è ?, Giallo, rosso, blu publiés par Camelozampa.  Les enfants ont beaucoup apprécié l’atelier de Coline Irwin le week-end dernier. Il y en aura d’autres d’ici la fin de l’exposition fin janvier avec Luca Ganzerla et Giulia Mirandola. 

Le site de Mutty https://www.mutty.it/

Merci Elisabeth !
5a. Tana Hoban – Fonds Les Trois Ourses – Centre national des arts plastiques – © Cnap

 

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Katy Couprie et les langages de l’image

novembre 1999, Tout un monde a reçu le prix Sorcières (tout-petits) ainsi que le prix Pitchou. Avec l’autorisation des éditions Thierry Magnier

En 1999, l’imagier Tout un monde offre aux plus jeunes lecteurs un inventaire hétéroclite du monde qui nous entoure en mêlant toutes les pratiques artistiques, bouleversant dans la foulée les pratiques éditoriales autour de ce genre. Il est signé Katy Couprie et Antonin Louchard, deux auteurs phares des rayonnages des bibliothèques enfantines. Katy Couprie est notre invitée ! 

Vous utilisez, jouez, mêlez toutes les techniques artistiques dans Tout un monde, Tout un Louvre, Au jardin, A table !, et dans Un monde palestinien. Est-ce une façon de dire que toutes les pratiques  se valent, tant qu’elles produisent de l’art et du jeu ?

Avec Tout un monde, Antonin Louchard et moi-même voulions apporter aux lecteurs une initiation diffuse aux différents langages de l’image et dire que toutes les techniques ne se valent pas justement. Ce que raconte une photographie ou un dessin sur un objet n’est pas équivalent. Cela est très perceptible devant nos images, sans avoir à l’expliquer à des enfants petits. Antonin et moi voulions faire découvrir aux enfants un ensemble de techniques et leur montrer la variété des représentations, ce qu’on peut faire en art, ou ailleurs, pour représenter le monde, le  dédoubler en images. Toutes les techniques utilisées dans cette série d’ouvrages se complètent, s’enrichissent.

Le jeu existe bien. Il est installé entre les images, qui sont libérées du texte. Ces images ne sont plus inféodées aux légendes. Le jeu réside dans la pratique que l’on a du livre, les correspondances entre les images, les associations d’idées entre elles.

Ces ouvrages sont constitués comme des inventaires du monde qui nous entoure. Même s’ils sont dépourvus de mots, néanmoins, le mot est-il vraiment loin ? Qu’est-ce qui vous fait opter pour la photographie plutôt qu’une autre technique artistique pour exprimer une idée ? 

Au départ, il y a eu évidemment les mots. On a fait beaucoup de listes, d’inventaires, en y mêlant objets, émotions, concepts. Parfois la technique s’imposait par rapport à un contenu de représentations. Mais au final, tout ce qui pouvait rentrer dans l’imagier était bon. A partir du moment où on s’adresse à des enfants avec un point de vue européano-centré, le choix est vaste. Pour parler d’une seule idée, on a aussi varié les images, les techniques, les points de vue, les cadrages. Il y a également dans Tout un monde et ensuite dans Au Jardin, des installations, des mises en scène. La photographie permet de faire alors le constat de ce qui est créé. C’est ce qui me permet d’enregistrer une mémoire vivante de ce que je suis en train de faire.

Le hasard a aussi bien fait les choses, comme lorsqu’Antonín s’est peint la main et que cela est devenu un coq ou une tortue.

septembre 2008, Au jardin a reçu le prix Bologna Ragazzi (fiction). Avec l’autorisation des éditions Thierry Magnier

La photographie est-elle votre domaine réservé dans vos créations à quatre mains avec Antonin Louchard ? 

J’ai fait des études d’art au cours desquelles j’ai appris à photographier et ce n’est pas le cas d’Antonin. Tout ce qui est pratique de l’argentique s’est fait dans mon laboratoire et je l’ai formé à travailler avec moi en lui ouvrant ces techniques là. Antonin pratique surtout une photographie numérique qu’il aime beaucoup.

Vous variez photographies en noir et blanc, photographies en couleur, zoom, plans larges, rayogrammes etc… L’idée était-elle aussi de faire découvrir toutes les techniques photographiques ?

Il y a effectivement la volonté d’avoir un inventaire de techniques le plus large possible, y compris des choses un peu « zazou » : j’ai fait notamment des photogrammes avec des vers de terre vivants ! Il s’agit bien pour moi de pousser les techniques avec lesquelles on peut faire des images. Cela peut être évidemment très simple avec du modelage, comme pourraient le faire des enfants, mais il peu y avoir aussi ou des choses extrêmement élaborées.

2002, Avec l’autorisation des éditions Thierry Magnier

Je crois reconnaître dans certaines pages de Tout un monde des clins d’œil aux grands maîtres de la photographie et je pense aux portraits d’écoliers de Doisneau, aux rayographies de Man Ray, aux couverts de Steichen, aux poires de Sougez… Est-ce que je me trompe ? Quels sont vos maîtres en photographie ?

Mes maîtres sont Moholy-Nagy, Man Ray, et Robert Heineken, qui pratique le photogramme en couleur, Robert Franck, Diane Arbus, Lee Freidlander, pour certains types de photographies, Peter Fischli, David Weiss, Philippe Ramette, Ervin Wurm. Ervin Wurm  réalise des photos de lui pour lesquelles  il conditionne son corps dans des vêtements qu’il enfile dans des postures non conventionnelles. Philippe Ramette fait des photographies qui ont un vrai rapport au paysage, dans lequel il met en scène son corps dans des équilibres instables.

Quant aux livres pour enfants, il y a évidemment Tana Hoban et Sarah Moon avec qui j’ai eu le plaisir de faire une très belle exposition a Marseille.

Les clins d’œil il y en a effectivement ! Ils sont adressés à Moholy-Nagy, Man Ray. Le clin d’œil à Doisneau avec cette photo d’écolier  est réel mais il arrive par la force des choses.  Il s’agit en fait d’une photographie d’Antonin enfant.

1993, Gallimard Jeunsse, Le sourire qui mord

Je suis le chien est fait de collages, d’assemblages de morceaux hétéroclites tirés de photographies, de pages de magazines, de dessins. D’où est venue cette idée ? Un hommage à Hannah Höch ? Aux collages de Prévert ? Vous semblez beaucoup vous amuser.

 L’idée était d’accorder une grande place au détail, de passer le monde alentour à la moulinette. L’inspiration c’est Dubuffet, pour ses façons d’avoir des personnages entourés dans des formes et une autrice américaine qui s appelle Maira Kalman et qui travaille avec des éléments composites en peinture.

Avez-vous déjà pensé à faire un livre entièrement photographique ? 

Je pourrais si le sujet du livre réclame la photographie. Avez-vous lu Prince de naissance attentif de nature chez Thierry Magnier aussi ? C’est un projet très photographique avec un usage différent de la photographie. C’est un livre qui a été assez remarqué mais non republié. C’était un grand album, bien imprimé en plus.

octobre 2004, Avec l’autorisation des éditions Thierry Magnier

Le texte est de Jeanne Benameur. Le personnage est un enfant qui devient prince et est appelé à gouverner très tôt. Il doit avoir une visée, s’installer dans des combats. Il y a une dimension de fable, de conte, beaucoup d’onirique, pas de contexte et pourtant le livre est installé dans un rapport au monde. J’ai pensé que j’allais choisir le dessin pour les personnages au pastel gras, découpés et plantés dans un décor réel avec un rapport d’échelle intéressant. L’imaginaire est  porté par le dessin. 

Est-ce que vous aviez des livres photo-illustrés quand vous étiez petite ?

Je n’ avais pas de livres pour enfants, mais des dictionnaires médicaux, des encyclopédies. J’avais aussi des romans-photos que lisaient mes grands-parents. Ils avaient une librairie papeterie et j’ai passé mes mercredis à feuilleter la presse, sans aucune censure. 

Merci !!

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Secrets de fabrication…

Miniphlit a rencontré le papa d’un apprenti pirate en pâte à modeler, l’occasion de découvrir ce qui se fait aussi du côté de l’auto-édition et de se pencher sur le travail de création de livres photo-illustrés à l’école.

Cher Lionel Lamour, illustrateur ? auteur ? photographe ? qu’inscrivez-vous en tête de votre CV ?

Je suis auteur-scénographe. Ce livre est le second du même genre, c’est-à-dire un roman-photo jeunesse. Il est d’abord né d’une histoire écrite. En l’écrivant, j’imaginais déjà les images. Une fois écrite, j’ai réuni l’équipe qui m’a permis de le réaliser : un photographe, une sculptrice en volume et un décorateur.

Vous inscrivez-vous dans une filiation photographique ?

Pas uniquement, c’est un ensemble. Pour moi les livres photos jeunesse sont un peu des OVNIs dans la littérature. J’aime relever des défis et celui de mettre en scène, en image cette histoire en était un. Cela change de l’illustration dessinée. Les lecteurs ont une lecture presque en 3D avec les personnages et les décors.

Quand êtes-vous tombé dans la marmite de la littérature jeunesse ?

J’y suis tombé par circonstance. Suite à une opération du dos, j’ai imaginé une histoire à offrir à mes nombreux neveux et nièces pour un noël. J’ai pris mon temps pour l’écrire, la faire illustrer et l’imprimer au magasin du coin. Je me suis retrouvé à coudre ce petit livre qui n’avait pas si mauvaise allure pour de l’artisanal. Le cadeau a plu. Je l’ai réédité en passant par un imprimeur avec un second tome. Voilà le début…

Quelle est la place de la photographie dans votre travail ?

Elle est ponctuelle. Sur certains projets. Par contre, ce n’est pas rare que je prenne une photo d’un lieu, d’une situation qui pourrait m’inspirer pour un récit.

Qu’est-ce qui vous inspire donc ?

Tout ! Bien souvent c’est un petit détail, un mot qui fait naître une histoire, un conte. Il ne faut pas grand-chose pour mettre en marche la machine à écrire qui se situe dans un coin de ma tête.

Comment qualifieriez-vous vos créations : natures mortes, tableaux photographiques ?

Pour Victor, ce sont des tableaux mis en scène, réfléchis afin de trouver l’équilibre entre le texte et laisser la possibilité au lecteur d’imaginer plus que ce qu’il ne voit.

Pourriez-vous travailler avec des êtres inanimés, animaux ou enfants, à la place de vos personnages de pâte à modeler ?

J’ai déjà travaillé avec une école sur l’écriture et la mise en page et en scène d’une histoire mêlant personnages (enfants) et objets. Une belle expérience qui s’est conclue par l’édition d’un livre.

Texte ou pas texte ? quelle est votre préférence ?

Je n’ai pas encore eu l’occasion de travailler sans texte ; je suis un conteur et un écriveur d’histoire… m’en passer me serait difficile, mais travailler avec un/e illustrateur/trice pourrait me permettre de relever ce défi.

Les mots viennent-ils avant ou après la réalisation des images ?

Hum… les deux ! Les images mentales sont nécessaires à la mise en écriture tout autant que les mots créent des images que je n’avais pas forcément imaginées.

Comment travaillez-vous avec les mots des autres ?

Jusqu’à ce jour, je ne travaille pas avec les mots des autres. Je peux écrire sur des idées partagées afin d’aboutir à un projet.

Qui sont donc vos lecteurs et comment les imaginez-vous agir avec vos livres ?

Je touche, avec mes livres, un large lectorat. Que ce soit la lecture du soir ou la première lecture avec Victor apprenti pirate, ou avec ma série « La communauté d’Azéliard », ou d’autres encore, j’ai la chance de pouvoir rencontrer un public de lecteurs varié. J’aime l’idée qu’ils puissent s’approprier l’histoire, lui donner un autre sens, imaginer d’autres décors, d’autres univers où évoluent mes personnages. J’aime présenter aux enfants le grand coffre au trésor d’où je sors les éléments de décors mais aussi les personnages qui ont servi à faire l’histoire. Bien souvent, ils recréent des scènes ou poursuivent l’histoire avec leurs Playmobil©. L’histoire ne m’appartient plus.

Un projet en préparation dont vous pourriez nous dire quelques mots ?

Non pas un mais plusieurs… Le plus abouti et prévu pour mars 2022 est encore un livre jeunesse en collaboration avec l’illustratrice Fanny Cheval. Il y est question d’un épouvantail qui, s’il rencontre le succès aura une suite…

Quel lecteur étiez-vous enfant ?

J’étais un moyen lecteur de romans, qui dévorait des BD (j’en dévore toujours !) durant les vacances. J’étais par contre un « fabriqueur » d’histoires que j’aimais raconter à mes cousines et cousins.

Pourquoi avez-vous choisi l’auto-édition avez-vous eu des difficultés à trouver un éditeur ? 

Je suis en édition propre car en effet les maisons d’éditions pensent que je ne corresponds pas à la ligne éditoriale. Par contre, je suis tout de même à 3 tirages de 800 exemplaires de Victor, et  800 pour les “Contes du chaudron”… ce n’est tout de même pas mal je trouve…

Vous intervenez régulièrement dans des classes avec les aventures de votre pirate. Quels ateliers mettez-vous en place et quelles sont les réactions du jeune public ? 

La présentation commence par une lecture de l’histoire avec les enfants si elle n’a pas déjà été effectuée au préalable. Ensuite, le décor s’installe dans le coffre. Enfin, les personnages arrivent dans leur univers. L’intervention se prolonge  en présentant les différents  éléments de décor qui ont servi pour le “tournage” du livre : façade de maison, parties du navire, carte au trésor…des trucages sont dévoilés : Comment faire de l’eau sans eau ? comment vieillir une carte ?  Des centaines de photos sont prises pendant la réalisation et je leur explique comment on choisit les 23 photographies. Les réactions lors de mon passage en classe pour présenter la mallette sont très positives. Il y a un grand intérêt de la part des enfants. Je sais qu’il y a une histoire faite par une école en Normandie, La fiancée de Victor.

Sur le site de Lionel Lamour, on pourra découvrir d’autres ouvrages photographiques réalisés avec les écoles. http://www.lionel-lamour.com

 

 

Images de l’enfance, rencontre avec Alain laboile

La Dispute,
a photographic children’s tale.
Les Arènes, 2017
26 x 29 cm
76 pages

“In his series of carefully composed black-and-white images that make up La Famille, the French photographe Alain Laboile has captured a sense of youthful freedom through the exploits of his six children” écrit le New York Times en 2012. https://lens.blogs.nytimes.com/2012/12/27/capturing-a-childhood-idyll-in-france/

Alain Laboile s’est fait une spécialité de ces photographies en noir et blanc des moments de l’enfance, de l’ enfance particulière de ses six enfants plutôt, éloignés des écrans et du système éducatif traditionnel, et dont le maître mot est sans doute “Liberté”.

Si ces images du quotidien de sa drôle de famille ont été exposées dans le monde entier, elles ont aussi rejoint les pages intérieures des livres pour raconter des histoires, témoigner de ces instants fugaces. Interview.

https://laboile.com/

Quotidian, 2017
Duncan Meeder
Foreword by Andy Summers (The Police)
29,5 x 33 cm
96 pages

Cher Alain Laboile, quel est votre parcours ?

Je suis photographe et sculpteur autodidacte. Après une scolarité courte j’ai démarré une carrière de sculpteur.

Je suis devenu photographe par accident en découvrant le mode macro sur un appareil photo destiné à photographier mes sculptures. 

Fasciné par l’entomologie j’ai commencé par des clichés d’ insectes.

C’est plus tard que j’ai démarré l’album de ma famille nombreuse, qui a depuis fait le tour du monde au gré des expositions, festivals et publications.

 Avez-vous des maîtres, des modèles en photographie ?

J’ai une culture photographique très limitée et je me complais dans cette « ignorance » qui me permet de m’affranchir de toute influence.

Je suis plus sensible à la peinture, à la sculpture ou l’architecture.

La photographie m’intéresse finalement assez peu.

– En attendant le Facteur
KnowWare Editions, 2012
Foreword by Gérald Vidamment
25 x 27 cm
100 pages

Voyez-vous le livre comme un moyen d’expression incontournable de votre pratique photographique ? un prolongement de vos expositions ? un autre lien avec les spectateurs ? bref, pourquoi le livre ?

Le livre a pour moi deux finalités :

 -C’est un outil incontournable pour présenter le travail photographique à des galeristes, directeurs de festivals, conservateurs de musées…

-Il permet une large diffusion des œuvres auprès d’un public de collectionneurs mais aussi d’amateurs pour qui les galeries et surtout les tirages photographiques qu’elles proposent, demeurent inaccessibles du fait de leur coût.

Avez-vous senti des réticences de la part des éditeurs pour publier des livres photos ?

 J’ai eu la chance incroyable d’être publié sans avoir eu besoin de démarcher mes éditeurs, Tous sont venus vers moi en me proposant une collaboration.

Gérald Vidamment a été le premier à parier sur moi,  et le livre est maintenant épuisé.

J’ai depuis publié une dizaine d’ouvrages.

Aurores (BeSpoke Collection)
Limited edition numbered on 250
Foreword by Fabien Ribery
Editions Bessard, 2018
19 x 26,5 cm

Est-ce que le prix Hip a changé quelque chose ?

Il est intervenu au moment de la ré-édition de La Dispute. Le prix a été mentionné sur le bandeau de l’ouvrage, j’imagine que cela a  contribué à booster les ventes.

Quel est le fil conducteur de vos ouvrages, la thématique commune ?

Ma famille est mon unique sujet, Je documente depuis 15 ans notre quotidien un peu atypique, Une vie proche de la nature, sans télévision ni confort superflu, l’école à la maison… Les enfants qui grandissent, quittent le nid , reviennent…

Pourquoi privilégier des titres en anglais ?

Mon public est international. Mes éditeurs sont français, allemands , Néerlandais , mes galeries sont Italiennes, Brésiliennes et Française . La langue anglaise est  donc fédératrice.

Pourriez-vous vous exprimer en couleurs ?

Je pratique la couleur depuis toujours, par petites touches.

Mon livre Aurores, aux Éditions Bessard est  d’ailleurs intégralement en couleur.

Mais le noir et blanc est prépondérant au sein de mon œuvre, il renforce l’intemporalité et l’universalité de ma photographie.

Under the Monochrome Rainbow
Foreword by Jock Sturges
Duncan Meeder, 2015
30,5 x 30,5 cm
96 pages

Est-ce que vos livres parlent de l’enfance en général, d’un type d’enfance ?

Ils parlent de l’enfance de mes enfants et de notre  mode de fonctionnement éducatif qui n’est pas forcément très répandu, notamment en France,

Mais ce que j’immortalise (le jeu, les joies, les peines, les relations avec les animaux, les scènes de vie quotidienne) sont propres à l’enfance universelle.

C’est ce qui fait je crois  le succès de ma série La Famille : Tout le monde y retrouve un peu de lui -même en nous observant quelques minutes à travers la page d’un livre, un écran  ou une exposition.

Est-ce que ce sont des livres pour enfants ?

Hormis la Dispute et Je sais le faire, ce sont des livres tout public. Mais chacun de mes ouvrages peut -être feuilleté et compris par un enfant.

 Ma photographie est directe, très lisible, dotée d’une iconographie accessible à tous.

 Qui sont les acteurs  de vos images ?

Mes 6 enfants âgés aujourd’hui de 12 à 27 ans.

Summer of the Fawn
Kehrer Verlag, 2018
Foreword by Laurence Kiberlain
18 x 24 cm
112 pages

Comment est venue l’idée de La dispute ?

C’est Victoria Scoffier, officiant aux Editions les Arènes qui a eu l’idée de cette collaboration.

Nous sommes amis depuis que jeune journaliste au Magazine 6 Mois, elle a passé 2 jours chez nous en immersion pour écrire un article à notre sujet.

Mon œuvre parle de l’enfance et nous trouvions important de la rendre accessible aux plus petits justement.

Ce conte photographique est divertissant, mais participe aussi à l’éducation à l’image.

Est-ce un livre de littérature jeunesse ou un livre d’artiste ?

C’est un livre jeunesse mais l’importance de l’image et le soin particulier apporté à son traitement en fait un ouvrage hybride.

Vous signez La dispute avec Victoria Scoffier ? Est-ce difficile de créer à quatre mains ?

Au départ, Victoria n’était pas destinée à écrire le conte, elle devait simplement coordonner la publication.

Mais aucun des auteurs pressentis ne parvenant à trouver le juste ton pour aborder l’accompagnement littéraire de mes images, elle a endossé ce rôle, ce dont je suis très heureux. Tout est alors devenu fluide.

Lisiez-vous des livres-photos lorsque vous étiez enfant ?

Je suis issu d’un milieu modeste en pleine campagne bordelaise. Mon enfance rimait  plutôt avec les promenades en forêt de pins et  les baignades sauvages.

Il devait bien y avoir des livres pour enfants à la maison mais des livres -photo certainement pas.

 

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Ouvrir des espaces pour s’émerveiller, avec Ianna Andréadis

 

L’oeuvre de Ianna Andréadis est très loin de se résumer à ses très beaux imagiers photographiques pour enfants parus aux éditions (Les Grandes Personnes). Ses créations graphiques, picturales, photographiques, ses recherches sur l’objet-livre sont multiples et témoignent de son émerveillement pour la nature et l’environnement proche ou lointain. Rencontre avec une exploratrice de notre monde. 

Chère Ianna Andréadis, peintre, photographe, autrice de livres pour enfants, est-ce que j’oublie quelque chose ? Comment se répartit votre temps créatif ?

Je voudrais préciser : autrice de livres, “y compris” de livres pour enfants, et aussi ajouter dessinatrice et créatrice de projets photographiques participatifs, qui ces dernières années occupent une grande partie de mon temps. Selon mes projets en cours, j’essaie d’alterner les projets photographiques, la peinture et le dessin, car j’ai besoin de ces multiples moyens d’expression ! 

Avez-vous des maîtres de la photographie qui vous inspirent ?

Plusieurs grands photographes m’inspirent mais celui qui m’a le plus marquée depuis les années 80 c’est Luigi Ghirri pour son art de capter, de rendre la réalité quotidienne poétique ou illusoire, de montrer dans toutes ses séries “sa stupeur du monde”. Son oeuvre photographique m’a ouvert plusieurs portes et fenêtres…

 

Comment êtes-vous venue à la littérature pour la jeunesse ?

A la naissance de mes enfants, j’ai voulu faire des livres pour eux. J’ai d’abord créé des livres-imagiers en tissu africain wax, dont j’ai une grande collection, fascinée par leurs motifs et leurs couleurs. Le livre d’Afrique, avec des images d’animaux, Dis voir avec des objets hétéroclites sur chaque page … Ma mère réalisait les coutures. J’ai rencontré à l’époque Elisabeth Lortic une des fondatrices de l’association des Trois Ourses (qui diffusait et éditait des livres d’artiste en direction des enfants) qui a été très enthousiasmée par mes livres en tissus et m’a proposé de réaliser des éditions pour les exposer, les diffuser. C’était le début d’une grande collaboration et de nombreux projets en direction des enfants. C’est par Les Trois Ourses que j’ai rencontré Fani Marceau éditrice au Seuil à qui j’ai proposé mon premier livre photographique, Couleurs Nature, qui a été publié en 2002. J’avais réalisé ce livre en choisissant des photos dans une agence spécialisée dans les photographies de la nature : PHO.N.E. C’était une exploration des couleurs, des formes de la nature dans le monde entier, où ce sont les juxtapositions des deux images qui créent un dialogue ou une histoire … comme ma nouvelle série – collection de livres pour les tout-petits aux Editions des Grandes Personnes. (C’est un principe qu’on retrouve dans tous mes livres photos).

Aux Editions du Seuil j’ai rencontré Brigitte Morel qui est depuis presque 20 ans, mon éditrice pour tous mes livres photos.

 

La nature est une de vos sources d’inspiration. Vos livres publiés aux Grandes Personnes aident-ils à mieux regarder le monde qui nous entoure et portent-ils un message écologique ?

J’espère qu’ils aident à regarder la beauté de la nature dans notre quotidien, mon intention est de donner à voir ce qui est sous nos yeux, inciter petits et grands à être sensible et s’émerveiller de la nature où que l’on soit.  C’est une façon par la suite d’avoir envie d’en connaître plus et de la respecter.

Dans son livre, Le sens de la Merveille, Rachel Carson, une des premières écologistes, écrit “Pour un enfant il est bien moins important de savoir que de ressentir”, j’espère que ces livres sont un pas vers le sentiment de l’émerveillement. 

 

Comment se décide le thème de vos imagiers ? En concertation avec votre éditrice ? au hasard de vos déambulations ?

Mes livres sont autobiographiques et renvoient tous à mes lieux familiers, mes voyages, mes émerveillements, mes préoccupations …Ils comprennent aussi des moments de découvertes et d’exploration dans la nature lors de nos voyages avec mon compagnon Franck Bordas et nos enfants, comme Bêtes de Brousse, ou La fourmi et le paresseux/Histoires de la forêt lointaine …livres que nous avons réalisés ensemble en Afrique du Sud et au Costa Rica.

L’album Bêtes de brousse, était un livre important pour nous, un grand projet suite à nos expériences et plusieurs voyages dans les réserves africaines. On avait rassemblé un grand nombre de photos et on voulait transmettre les émotions et les rencontres avec les animaux de la brousse. La concertation le dialogue avec mon éditrice Brigitte Morel est toujours essentiel pour le livre.

Pour la collection des tout-petits qui est comme un condensé d’une série, puisque 24 photos suffisent pour partager une façon de voir, du premier livre Histoires du cerisier, qui est l’arbre que je vois par ma fenêtre … au Histoires d’automne, la série de feuilles tombées par terre sur le trottoir de ma rue …,les sujets viennent de mon environnement quotidien, je décide le thème toujours en rebondissant sur le précédent, en essayant de surprendre, compléter, alterner, renouveler… en ayant l’expérience des réactions des précédents titres, et évidemment toujours en concertation et à l’écoute des suggestions de mon éditrice.

La suite des titres, mais aussi des couvertures est conçue comme un chemin de fer de livre !

 

Vos imagiers Du printemps à l’hiver, Histoires de cerisier,  Du soleil à la lune, Histoires du ciel  sont des imagiers photographiques sans texte. Pourquoi faire le choix du silence et sont-ils vraiment silencieux ? Peut-on raconter des histoires en se passant des mots ?

Je souhaite donner de l’importance à la photo sans qu’elle ait un rôle d’illustration, sans que la lecture de l’image soit perturbée par un texte.  Cela laisse plus de liberté, de la place au dialogue.  Au lieu de lire des légendes, il faut découvrir, observer, reconnaître, comparer, questionner, raconter …  On consacre notre 4ème de couverture au texte et aux légendes.

Les « histoires » se créent par le rapprochement des images. Les associations d’idées, les rapports de couleurs, des formes, les similitudes ou les contraires composent le livre, et créent un dialogue…

Je tenais au sous-titre “Histoires”…qui semblait paradoxal pour un livre sans texte et je voudrais citer ici cette phrase de Georges Didi-Hubermann qui est comme la clé de la construction de mes “histoires”’ !.. :

« Deux images qu’on rapproche produisent de la pensée. Ce n’est pas seulement l’image (…) mais la distance qui les sépare qui dessine, ouvre, un espace pour penser. ».

 

Comment imaginez-vous l’attitude de vos lecteurs devant vos imagiers photographiques ? Certains jeunes lecteurs vous ont-ils fait part de leurs sentiments devant vos très belles images ?

Ce que j’aime imaginer, c’est plutôt, après la lecture, comment les enfants peuvent retrouver et observer dans leur quotidien des choses qui leur rappellent le livre (!), comment ils vont voir les couleurs des fruits au marché, les feuilles d’automne sur le trottoir etc ..;

J’ai eu beaucoup d’occasions de rencontrer les enfants lors de rencontres avec des classes et au delà des images en soi qu’ils aiment, ils s’intéressent à savoir si c’est moi qui les ai prises, ils sont épatés de savoir que c’est moi et ma famille qui étions là, devant les éléphants, les lions les léopards etc …dans Bêtes de Brousse.

 Il semblerait que le livre photographique pour la jeunesse suscite un regain d’intérêt aujourd’hui. Avez-vous eu du mal au cours de votre carrière à convaincre des éditeurs d’accepter des livres de photographies ?

J’ai eu la grande chance de rencontrer Brigitte Morel qui est passionnée de photo, et qui est mon éditrice fidèle de mes livres photo jeunesse en France, depuis 2002 : les Editions du Seuil, en passant par Les Editions du Panama, où on a fait trois livres photos – (tout-public) ensemble : Chantier ouvert au Public/ récit de la construction du musée du quai Branly, 2006, Une année en Forêt, arbres et rochers de Fontainebleau, (réalisé avec Franck Bordas) 2007, Cosmopolis /Ivry-sur Seine, 2007.

C’est un très grand plaisir de travailler ensemble en grande complicité. Cependant ça arrive que parfois des projets mettent du temps à mûrir.

 

Vous avez illustré un livre de contes avec vos dessins. Vous êtes-vous posée la question de l’illustration photographique pour les contes ?

J’ai illustré une anthologie de contes L’aile bleue des contes: l’oiseau, établie et commentée par Fabienne Raphoz aux éditions Corti, (collection Merveilleux, 2009). En fait ce ne sont pas des illustrations des contes mais une série de 70 dessins d’oiseaux qui sont cités dans ceux-ci et composent en parallèle une histoire naturelle. Une façon détournée d’illustrer cette anthologie, en étant moi même passionnée d’oiseaux et ayant beaucoup travaillé sur ce thème.

Justement, … tout en travaillant uniquement dans un esprit documentaire, j’ai une idée depuis un moment d’un livre photo sur les contes, j’attends que mon éditrice soit convaincue…  !   

Quelle lectrice étiez-vous enfant ? Aviez-vous des livres de photographies ?

J’ai grandi à Athènes, j’ai appris le français et depuis toute petite, je lisais beaucoup; Le club des Cinq à la Bibliothèque Rose, les Six Compagnons à la Bibliothèque Verte…, en parallèle avec les livres d’auteurs grecs comme Pénélope Delta. J’aimais beaucoup les romans de Jules Verne, les bandes dessinées, Lucky Luke et Tintin.  Il n’y avait pas de livres de photos pour enfants en Grèce, j’ai découvert les magnifiques livres photo de cette époque, de Dominique Darbois par les Trois Ourses bien plus tard.

 

Bibliographiehttp://ianna.online.fr/books.html et sur le site des (Grandes Personnes) https://www.editionsdesgrandespersonnes.com/portfolio_page/andreadis-ianna/

 

Livres de photos

 A paraître :  Par nos fenêtres / Vues d’Ivry, texte de Danièle Méaux, Editions Créaphis, 2021

 Du platane au ginkgo – Histoires d’Automne, Editions des Grandes Personnes, Paris, 2021  

 Des goûts et des couleurs – Histoires de fruits et de légumes, Editions des Grandes Personnes, Paris, 2021  

 Du glacier au torrent – Histoires de l’eau, Editions des Grandes Personnes, Paris, 2020  

 La fourmi et le paresseux- Histoires de la forêt lointaine, Editions des Grandes Personnes, Paris, 2020 

 Du soleil à la lune – Histoires du ciel, Editions des Grandes Personnes, Paris, 2019

 Du printemps à l’hiver- Histoires du cerisier, Editions des Grandes Personnes, Paris, 2019

 Fenêtres sur Athènes ΑΘΗΝΑ ΘΕΑ, textes de Jean-Christophe Bailly, Aude Mathé,  Yannis Tsiomis, Denys Zacharopoulos, édition bilingue (grec- français), Editions Agra,  Athènes, 2016

 Franck Bordas, un parcours imprimé,  textes de Franck Bordas et de Catherine de Braekeler, Centre de la Gravure et de l’Image imprimée, La Louvière, 2014

Bêtes de brousse, avec Franck Bordas, Fernand et Pierre-Takis Bordas, Edition des Grandes Personnes, 2012, Paris

 Cosmopolis / Ivry-sur-Seine, texte de Laurent Boudier, Editions du Panama, 2007

 Une année en forêt, arbres et rochers de Fontainebleau, avec Franck Bordas, Editions du Panama, 2007, Edition méxicaine,  : Cronica de un bosque encantado, Petra Ediciones, 2007

Chantier ouvert au public, récit de la construction du musée du quai Branly, avant-propos de Stéphane Martin, Editions du Panama et du Musée du quai Branly, 2006

Couleurs Nature, photos de l’agence PHO.NE, Éditions du Seuil Jeunesse, 2002

Éclipse 11 août 99, texte de Laurent Boudier, 16 photos d’agence de presse, Franck Bordas éditeur, 2000

Livres illustrés – livres d’artiste

Winter, Editions One Stroke, Tokyo, 2019

Αγκάθια και αμάραντα (Chardons et immortelles) texte de Manolis Charos, Editions Agra,  Athènes, 2019

 Manasa, Légendes de serpents indiens, SSSSnake art and allegory, texte de Gita Wolf, coédition musée du quai Branly, Paris et Tara books, Chennai, 2010

Au loin le monde est tout petit, Agnès Chaumié, Enfance et musiques, Paris, 2010

 L’aile bleue des contes : l’oiseau,  anthologie commentée de Fabienne Raphoz, illustrée de 70 dessins, Editions José Corti, Paris, 2009

Bestiaire aztèque, /Bestiario azteca texte d’Elisabeth Foch, coédition du musée du quai Branly / Petra Ediciones, Guadalajara, 2008

Un bestiario de la prehistoria, préface de Jean Clottes, Petra Ediciones, Guadalajara, 2007

 

Cactus, texte de Elisabeth Foch, Petra Ediciones, Guadalajara, 2005

 

Dias / Tonaltin, texte de Elisabeth Foch, Petra Ediciones, Guadalajara, Mexique, 2005, prix “Nouveaux Horizons”  à la Foire du livre de jeunesse de Bologne, 2006 , édition française,  La pierre du soleil, éditions Circonflexe 2007

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le petit monde poétique d’IsabelLE Gil

Les vacances, Loulou & Cie, 2014

Miniphlit reprend sa série de rencontres avec les auteurs-autrices qui font la photolittérature d’aujourd’hui. Aujourd’hui partons à la découverte de la poésie d’Isabelle Gil et de ses mises en scène de petits personnages, pas du tout au ras des pâquerettes.  

Illustratrice ? autrice ? illustratrice-autrice ? photographe ? Qu’inscrivez-vous en tête de votre CV ?

Petit à petit, j’ai inscrit tout ce qui correspondait, il me semble, à mon travail. Photographe car j’utilise la photographie et un appareil photo, autrice, car j’écris ou « fais»  des histoires, les images, leurs contenus, leurs compositions, leurs styles. Et illustratrice, car je réalise des albums avec des narrations et les images qui les illustrent.

 Vous inscrivez-vous dans une filiation photographique ?

Je ne sais pas. Mais il y a bien sûr des œuvres qui m’ont inspirée. Ou que j’ai découvertes après mais auxquelles je suis très sensible.

Les albums tirés des films de Albert Lamorisse, les photographies de Joachim Mogarra, celles de Duane Michals avec ses séries narratives, les photographes Anna et Bernhard Blume.

Et comme , quand j’ai repris la photo après des années de suspension , je l’ai fait à la fac en arts plastiques, je me suis plongée dans l’art contemporain et il y avait tous les artistes qui utilisent la photographie, comme  Robert Smithson, ou d’autres comme Gordon Matta Clark, John Baldessari et puis également l’artiste suisse Roman Signer avec ses installations géniales à partir d’éléments  banals et /ou imparfaits  et plein d’autres que j’aime beaucoup et qui ont inscrit en moi, une multitude de choses et d’images, Apichatpong Weerasethakul, Dominique Gonzales Forster, Pierre Huyghes, Cindy Sherman, Felipe Gonzales Torres.

 

Le chapeau de Maman, Loulou & Cie, 2014

Quand êtes-vous tombée dans la marmite de la littérature jeunesse ? En tant que lectrice et tant que autrice ?

En tant que lectrice, j’ai toujours jeté un œil à ces livres « jeunesse » aperçus en librairie. Evidemment j’étais tombée sur Max et les maxi-monstres  et j’avais été heureuse de trouver ce genre-là d’ouvrages, ce mélange de talent, de fantaisie et de fraîcheur, c’est épatant et emballant la littérature jeunesse.  Plus tard, j’en ai acheté pour la maison.

Et en tant que autrice, je voulais faire absolument des livres, avec des histoires et en photographies.

Comme j’utilisais des objets du quotidien, des objets familiers et des jouets , et que ce qui m’intéresse c’est la miniature, l’illusion, les multiples rapports aux choses et à l’imaginaire que l’on a et celui de l’enfance notamment, et grâce à d’autres personnes que j’ai eu la chance de rencontrer, comme l’artiste Alain Bernardini, et « meilleur » professeur à la fac, l’éditeur Paul Otchakovsky-Laurens et ensuite Grégoire Solotareff, éditeur, artiste et cinéaste qui m’ont beaucoup appris et accompagnée,  j’ai compris que je faisais, que je pouvais faire des livres pour les enfants et je suis très heureuse de ce parcours et de ces rencontres.

 

Musée des Ours, Loulou & Cie, 2012

Quelle est la place de la photographie dans votre travail ?

Majeure ! C’est comme ça que je construis les images avec les contraintes et les qualités de ce médium.

C’est avec cet outil que je fabrique mes représentations de ce que je vois ou ai envie de voir. C’est une place partagée maintenant  avec celle du texte que j’apprends depuis que je fais des albums.

Vous avez dit lors d’une interview que la littérature était une de vos inspirations. Pouvez-vous nous en dire plus ?

Je pense que j’ai dû vouloir parler de la poésie, parce que, à certaines périodes j’en ai lu beaucoup et j’en lis beaucoup et que ce sont toujours des découvertes sans fin sur comment dire ? L’esprit, l’être, l’autre, soi ? Je ne sais pas, ce sont des expériences de lecture, de formes de langages, de sensations qui me comblent souvent. C’est toujours étonnant et ça déplace notre rapport aux choses où ça le replace, ça dépend !

 

A la mer, Loulou & Cie, 2010

Comment qualifieriez-vous vos créations : natures mortes, tableaux photographiques ?

Pour les albums, je dirais des mises en scène, des compositions. Parfois pour les personnages, je pense à des marionnettes car je tente de les rendre eux et les situations, quelles qui ou elles soient, les plus vivants possibles.

Par ailleurs, dans mes recherches et mes études, j’avais bien aimé cet extrait des écrits critiques de Baudelaire sur les dioramas et l’illusion :

« Je désire être ramené vers les dioramas dont la magie brutale et énorme sait m’imposer une utile illusion. Je préfère contempler quelques décors de théâtre où je trouve artistiquement exprimés et tragiquement concentrés, mes rêves les plus chers. Ces choses, parce qu’elles sont fausses , sont infiniment plus près du vrai ; tandis que la plupart de nos paysagistes sont des menteurs, justement parce qu’ils ont négligé de mentir ».

 Pourriez-vous travailler avec des êtres animés, animaux ou enfants, à la place de vos personnages de pâte à modeler ?

Oui ! J’ai déjà essayé avec des petits animaux, notamment un cher petit lapin, mais trop vif, trop sauvage. Auparavant avec des cochons d’inde qui eux aussi n’en avait que faire et c’était trop compliqué, et qui plus est, en appartement. Il y a aussi je trouve, des limites proches d’une presque maltraitance. Je réfléchis parfois à d’autres animaux moins sauvages peut-être.  À suivre donc !

Ah si et les escargots ! J’ y ai pensé bien sûr mais à l’image, c’est très particulier, on n’est pas dans la fiction comme je l’imagine. C’est très difficile d’être dans la fiction avec ce genre d’animal, qui est très impressionnant.

Et pour les humains, je ne sais pas, c’est à voir également.

Au début  je ne voulais pas un style réaliste ou documentaire, de ce fait la figure humaine me semble trop propice à des interprétations réalistes et émotionnelles rapides. Mais les choses évoluent ou se modifient  et votre question m’intéresse parce qu’elle me fait me questionner sur comment je le verrais, le ferais aujourd’hui.

 

Le voyage sur la lune, Loulou & Cie, 2020

Texte ou pas texte ? quelle est votre préférence ?

Au départ, je pensais faire des livres sans texte avec des images narratives , mais pour raconter , et à de jeunes enfants, il faut parfois du texte et c’est très intéressant aussi de travailler le texte même très court . Et en rapport à des images.

Vous dites, à propos de vos ouvrages, qu’il s’agit d’une « rencontre entre deux livres », un textuel et un visuel. Les mots viennent-ils avant ou après la réalisation des images ?

J’ai des images en tête, neuves ou anciennes et / ou des mots, des expressions.

Soit cela part d’une image, par exemple pour l’album Les Vacances, j’avais l’envie de reproduire, à ma façon la « villa Bulles » de l’architecte Antti Lovag, située sur la côte d’Azur dont j’avais vu une photo il y a longtemps et qui m’avait impressionnée. Et en même temps,  de partir de l’expression si prometteuse que j’adorais quand j’étais enfant  «  Les grandes vacances ».

Souvent les expressions sont inspirantes comme « léger comme l’air «  pour le livre –Le chapeau de maman – ou « vert de rage » pour le livre – Le déjeuner sur l’herbe-  Les mots fabriquent des images.

C’est un va et vient entre ce que j’ai vu, entendu, aimé, retenu.

 

L’aventure, Les Éditions de la Table ronde, 2011

Photographies : Isabelle GIL
Textes : Jean ROLIN

Comment travaillez-vous avec les mots des autres ? je pense à votre collaboration avec Jean Rolin.

 Avec Jean Rolin, il s’agit plutôt d’une rencontre et d’un partage, mais cela s’est fait après la réalisation des images. Nous nous sommes rencontrés pendant un festival de littérature où je donnais un coup de main et où il était invité. J’avais, à ce moment-là, comme lors de chacun de mes déplacements, mon bateau sous le bras pour continuer les prises de vues pour mon projet.

Jean l’a vu et l’a reconnu, il avait un bateau semblable quand il était petit, mon projet lui plaisait, j’avais l’idée qu’il fallait du texte à un endroit du livre et plus tard, il a écrit ce texte pour le livre. C’était un joli croisement.

 Qui sont donc vos lecteurs et comment les imaginez-vous agir avec vos livres ?

 J’ai régulièrement l’occasion de rencontrer des lecteurs, en allant sur des salons du livre, en faisant des ateliers, avec des classes, des groupes, des lieux.

Et j’aime beaucoup faire cela. Cela fonctionne bien avec tous les âges.

Cela fonctionne très bien avec les enfants. Ils sont de très bons lecteurs de l’image, ils voient tout, ils devinent le vrai et le faux, le jeu entre les deux et ils s’amusent beaucoup des mises en scène. Et le fait que soient utilisées des objets familiers,  du quotidien ou des jouets, cela leur plaît beaucoup. Ils connaissent ce rapport aux choses et au réel. Ils connaissent en fait, le jeu enfantin avec rien, et sinon ils renouent assez vite !

Ce que j’aime beaucoup également c’est que les enfants décortiquent l’image, la comprennent parfaitement mais reste toujours un peu dans l’histoire, ils continuent à rêver.

On travaille aussi des notions de décors, de proportions, de composition, de cadrages photographiques.

 

Couleurs à sensation, Le Rouergue, 2011

Un projet en préparation dont vous pourriez nous dire quelques mots  ?

Un album encore, pour l’instant en recherche, et d’autres projets mais pas assez engagés pour en parler .

Quelle lectrice étiez-vous enfant ?

Enfant, je n’avais pas de livre pour enfants, ou peut-être un ou deux, mais je crois même que c’est venu tard. Par contre, j’ai tout lu, des emballages de cuisine, des notices d’utilisation, tout dans le détail, et tous les livres de tricot, des «  Femmes actuelles » aux romans photos de ma grand-mère, en passant par « Rois et Reines « C’était pas terrible  mais je lisais tout.  Jusqu’à, enfin ! Un jour : Le bibliobus bleu du quartier.  J’ai passé là,  des après-midi entiers, c’était un étroit couloir, c’était génial. Ca m’a sauvé je pense, j’étais certainement alors dans une lecture/refuge. 

Et depuis, j’ai toujours aimé les livres, les littératures. C’est, avec le cinéma et l’art, un des accès au monde et à la pensée, que je préfère.

Pour retrouver le monde d’Isabelle Gil, c’est ici ! : https://www.isabellegil.fr/

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Yveline Loiseur ou le tissage de liens

Trans photographic Press, impr. 2017

Dernière rencontre avec les auteurs/autrices de la photolittérature jeunesse avant la coupure estivale. C’est  le conte photographique  La petite fille aux allumettes d’après Andersen qui nous a amenés à rencontrer la photographe Yveline Loiseur.  C’est en vérité tout un monde d’images qui se dévoile lorsque l’on tire sur le fil…

Chère Yveline, que répondez-vous à la question « profession ? »

Artiste.

On dirait bien que les enfants, les adolescents sont un de vos sujets de prédilection. Cherchez-vous à fixer des images de l’enfance dans la lignée de grandes femmes photographes ?

Je vais répondre à votre question en deux temps.

L’enfance occupe une place importante dans mon travail artistique depuis de nombreuses années. La série La vie courante a inauguré un long travail sur la fabrication du souvenir d’enfance entre 2002 à 2009, au travers de mises en scène effectuées dans un cercle familial élargi. Il a donné lieu à une publication en 2011 aux Éditions Trans Photographic Press, avec un texte de Michel Poivert (Le happening et la berceuse).

Plus généralement, je cherche à fabriquer des souvenirs d’enfance plutôt qu’à fixer des images de l’enfance. Quel geste, quelle situation, quelle configuration demeurent dans notre mémoire collective? Quelles manières de faire nous renvoient à l’enfance? L’enfance, c’est le temps des expériences, de l’expérience sensible et de l’expérimentation, si proche de celle de l’artiste. Les enfants imaginent de petits protocoles qu’ils mettent en œuvre aussitôt; par exemple, qu’est-ce que cela fait et qu’est-ce que cela me fait si je ferme les yeux en marchant dans le couloir? Quelles sensations me traversent si j’enduis mes mains de farine ou si j’agite une flaque d’eau avec un bâton? C’est retrouver un peu ce que dit la poétesse Andrée Chedid dans Regarder l’enfance: « Singulier et magique/ L’oeil de ton enfance/ Qui détient à sa source/ L’univers des regards ».

Le deuxième temps de votre question évoque la filiation avec des figures féminines majeures issues de l’histoire de la photographie. J’aime effectivement les photographies d’enfants de Julia Margaret Cameron, de Diane Arbus ou de Helen Levitt, mais aussi celles de Emmet Gowin, de Ralph Eugene Meatyard ou de Chris Killip…  

C’est surtout le cinéma qui a constitué mon premier musée imaginaire autour de l’enfance. J’ai été très impressionnée par certains films dont les héros étaient des enfants, comme L’enfance d’Ivan d’Andreï Tarkovski, L’enfance nue de Maurice Pialat ou encore Le passager d’Abbas Kiarostami, et je suis aujourd’hui une inconditionnelle du cinéma de Bruno Dumont et aussi celui de Céline Sciamma ! 

Trans photographic Press, impr. 2017

Vos modèles semblent plonger dans une forme de mélancolie, de gravité, loin des joies de l’enfance. Est-ce une volonté de représenter ainsi une enfance pleine d’inquiétude face à un avenir incertain ? Est-ce un souhait de ceux dont vous fixez les portraits ?

Je cite souvent cette phrase du cinéaste Johan Van der Keuken: « Le film n’est pas la vie mais il doit la toucher, c’est une seconde vie ». Cette seconde vie s’installe sur les rivages des songes et de la rêverie, à la lisière des ténèbres et de la lumière; mes portraits sont des mises en scène, inscrites dans des pratiques souvent collaboratives, mêlant théâtre de situation, improvisation, et dramaturgie de plateau. Ces mises en scène induisent de la distance, du jeu, de la composition, de la concentration, c’est davantage la mélancolie du souvenir qu’il faudrait souligner.

Comment passe-t-on des expositions aux livres pour enfants ? Voyez-vous le livre comme un prolongement des murs des salles d’exposition ?

Assez facilement de fait. J’aime la photographie pour son caractère protéiforme, c’est un médium vivant qui invite à des expérimentations joyeuses et variées: l’exposition, l’installation, le livre d’artiste, l’album jeunesse… Installée au cœur du réel, la photographie accoste sur les rives de l’imaginaire. Descriptive, elle est aussi fictionnelle, et dans mon travail, elle se regarde dans le miroir de la littérature. C’est une affaire de construction, de poésie et de fragilité.

Mon monde photographique est dessiné comme sur un plan réticulaire, c’est un ensemble mobile et flottant qui fonctionne en réseau, en résonance, dans une porosité des pratiques et des motifs; je tire des fils, certaines lignes s’intensifient et d’autres disparaissent pour revivre plus tard dans une nouvelle configuration.

Florence & Henri : la révélation d’une image, Lyon , Ed. 205, 2019

Le passage entre exposition et livre peut aussi avoir lieu dans l’autre sens. Pour la première fois cette année, j’ai déplié deux de mes livres pour enfants (Le Portrait d’Eugène et Florence et Henri) à Valence, sur des murs du hall du Lux – Scène Nationale, dans le cadre de mon exposition La Cueillaison d’un rêve.

Ces deux livres utilisent la prise de vue et la mise en scène, le découpage, le dessin d’enfant. Ils racontent la réalisation d’un portrait photographique et la révélation d’une image dans le laboratoire; ces deux temps de la fabrication d’une image installée sur les murs étaient en parfaite résonance avec l’esprit du lieu, dont la programmation mêle danse contemporaine, théâtre, cinéma et arts visuels, et montre, dans des spectacles, la production de formes chorégraphiques ou d’ateliers  avec des enfants, des images en train de se faire.

Par ailleurs, les photographies déployées sur les murs étaient d’un grand format (90 cm de haut), de différentes natures (tirages argentiques et dos bleu) et agencés sans texte: sur le mur, le geste photographique se trouvait réactivé; la dimension littéraire s’effaçait, la photographie se détachait de la narration présente dans le livre. 

Florence & Henri : la révélation d’une image, Lyon , Ed. 205, 2019

Dans quelle catégorie rangeriez-vous ces ouvrages d’ailleurs? Conte revisité, manuel d’apprentissage de la photographie, livres d’artistes pour enfants ? Et Florence et Henri ?

Votre question est déjà une réponse, c’est effectivement un peu tout cela!

Conte revisité pour La petite fille aux allumettes, initiation poétique à la fabrication d’un portrait photographique pour Le portrait d’Eugène, doublé d’une postface de Gaëlle Morel qui présente d’un point de vue historique la rencontre d’Eugène Atget et Berenice Abbott.

Florence et Henri est un peu particulier. Publié en 2019 aux Éditions 205, il est constitué d’une chemise qui contient un livret avec une histoire, des planches d’expérimentations, et du petit matériel (miroir, filtres de couleur et outil de recadrage). C’est à la fois un livre d’artiste pour les enfants mais aussi un livre objet qui permet de jouer avec les images. Comme dans les autres livres, ce dernier opus a pour héroïne une femme; comme dans Le portrait d’Eugène, l’héroïne de l’histoire renvoie à une figure historique féminine de la photographie, ici Florence Henri, photographe fortement influencée par ses études au Bauhaus avec Josef Albers et Laszlo Moholy-Nagy.

Le choix des éditeurs détermine aussi la forme et l’esprit des livres; Trans Photographic Press (Dominique Gaessler et Vinca Dupuys Basak) ou Les Éditions 205 (Damien Gautier et Florence Roller) inscrivent leur propos éditorial dans le champ de l’art contemporain ou la photographie contemporaine, ils connaissent bien son histoire et ses enjeux, pensent que la photographie propose une manière particulière de montrer le monde et sont soucieux de la qualité d’impression des images.

La petite fille aux allumettes, Paris : Trans photographic Press, impr. 2013.

Des références aux photographes du passé sont très présentes dans votre œuvre : Atget, Abbott, Julia Margaret Cameron. Pourquoi ceux-là et non d’autres ? Est-ce une volonté aussi de faire découvrir l’Art photographique aux plus jeunes ?

On est en bonne compagnie quand on fréquente les cercles photographiques du passé! L’histoire de la photographie est peuplée d’aventurières et d’aventuriers, il suffit de songer à la vie rocambolesque de Gustave Le Gray, celle de Claude Cahun ou de Germaine Krull!

Pour mon second livre, Le portrait d’Eugène, j’ai choisi Eugène Atget et Berenice Abbott parce que c’est une belle histoire de rencontre et de filiation, celle d’une jeune femme photographe désireuse de portraiturer le vieux maitre qui fascine Man Ray et les surréalistes. Pourtant Eugene Atget ne verra jamais les deux portraits qu’elle a réalisés, il décède peu de temps après la prise de vue. Ces deux portraits sont presque les seuls qu’on connait de lui. Berenice Abbott n’aura de cesse de rendre hommage à Atget et de faire connaître aux États-Unis l’œuvre de ce vieil homme qui reste aujourd’hui encore une figure essentielle dans l’histoire de la photographie. Pour Florence et Henri, c’est la dimension plastique de l’oeuvre de Florence Henri qui m’a intéressée, son usage des miroirs et sa manière de composer les images.

Il y a aussi évidemment le souhait de proposer aux enfants des outils de réflexion sur le monde dans lequel ils vivent, qui est un monde d’images!

La petite fille aux allumettes, Paris : Trans photographic Press, impr. 2013.

Pourquoi avoir choisi de réaliser un conte photographique ? Pourquoi avoir choisi de réaliser La petite fille aux allumettes et non un autre conte ? Qu’avez-vous gardé du texte d’Andersen ?

Je souhaitais faire un livre sur la précarité, j’avais été particulièrement touchée par le livre pour enfants Petit Gris d’Elzbieta, qui commence par cette phrase « Quand il était petit, Petit Gris attrapa la pauvreté. Toute la famille l’eut en même temps ». J’ai cherché un texte sur la pauvreté, et pour un premier livre, il m’a semblé plus facile de construire des images à partir d’un texte déjà écrit. Celui de Hans Christian Andersen s’est alors imposé. J’ai gardé la traduction de David Soldi de 1876 en expurgeant le texte des références religieuses. Mais surtout, j’ai repris la construction narrative du texte d’Andersen qui fonctionne dans une alternance de scènes complémentaires: il y a d’une part la présence fantomatique de la petite fille qui erre dans les rues, et d’autre part les apparitions d’images du bonheur que lui procure la flamme des allumettes, la chaleur du feu, le sapin de Noël. C’est l’alliage de ces deux climats différents, la monochromie des ombres et la flamboyance des apparitions, qui a décidé de l’architecture du livre. Le conte d’Andersen rejoue ce qui est à l’oeuvre dans la photographie, la figure du double: la présence et l’absence, l’ombre et la lumière, l’apparition et la disparition, le négatif et le positif…

Quel nom pour ce travail ? re-contage ? réécriture ? refaçonnage ? nouvelles illustrations dans une suite d’illustrations préexistantes ?

Adaptation, pour reprendre un terme technique utilisé dans le vocabulaire cinématographique, adaptation photographique d’un conte. L’éditeur a noté sur la page de titre « d’après » et c’est un terme qui me parait intéressant aussi, car il met en jeu l’emprunt et la temporalité. J’avais à l’esprit évidemment le court métrage de Sarah Moon, Circuss, qui installe la petite fille aux allumettes dans un cirque, ou l’opéra poétique et politique de Helmut Lachenmann; j’ai vu il y a quelques années le Cendrillon de Maguy Marin, elle adapte à la fois le conte de Perrault mais aussi la partition de Prokofiev!

L’adaptation en général est intéressante parce qu’elle convoque la mémoire des récits et des images.

La petite fille aux allumettes, Paris : Trans photographic Press, impr. 2013.

Pourriez-vous illustrer les mots des autres ?

Je serais heureuse d’une collaboration avec un.e auteur.e ou un.e poète.ss.e contemporain.e. A ce titre j’aime beaucoup le livre réédité par Les éditions MeMo: Le cœur de pic, paru en 1937 chez José Corti, qui est composé des poèmes pour enfants de Lise Deharme, poétesse surréaliste, et des photographies de Claude Cahun.

Quelle lectrice étiez-vous enfant ?

Une grande lectrice. La lecture du soir a été un rituel important et attendu dans mon enfance. Je sais gré à ma mère de s’être pliée avec beaucoup de grâce à la lecture à voix haute d’une histoire et de m’avoir donné le goût des livres. Je me souviens très bien du premier texte que j’ai réussi à lire seule, c’était un petit livre que j’avais découpé dans une revue pour enfants et cousu avec du fil. J’aimais beaucoup fabriquer moi-même ces livres et ensuite les lire! Leur format de petite taille, à peine plus grand qu’une main d’enfant, était un émerveillement. J’aime toujours d’ailleurs cette idée du livre à faire, qui n’est pas encore apparu mais qui prend vie sous nos yeux par le geste de la main, le ciseau qui découpe et le fil qui relie.

Une de mes activités favorites lorsque j’étais enfant (et c’est toujours le cas!) était d’emprunter discrètement dans la bibliothèque de mon père pour la feuilleter une grande encyclopédie d’histoire de la peinture, dont chaque volume retraçait un mouvement artistique. Le livre était déjà pour moi un livre d’images. C’est là que j’ai appris à laisser errer mon regard, à suivre la ligne qui trace le corps des personnages et la forme des objets, à reconstruire la trajectoire de la lumière pour me cacher dans les ombres et habiter les images.

Merci chère Yveline ! https://www.yvelineloiseur.com/

 

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Le monde de Charles R. Smith Jr.

Miniphlit poursuit sa rencontre avec les créateurs nord-américains.  Charles R. Smith Jr. , l’homme orchestre, a accepté de répondre à nos questions.  Nouvelle interview croisée. 

Miniphlit continues its meeting with North American designers.  Charles R. Smith Jr. the one-man band, agreed to answer our questions.  

Dear Charles Smith, what is your professional background and How long have you been interested in photography?

I have a BA in Photography Illustration from Brooks Institute of Photography in California. I first picked up a camera at the age of 16 and have been hooked ever since.

Who are the photographers who influence you?

So many in so many different ways. August Sander for his simple yet powerful portrait work. Robert Doisneau and Henri Cartier-Bresson for being able to capture a moment. Walter Iooss for his stylish sports work. Roy DeCarava for showing the everyday Black experience. Frantisek Drtikol for his use of shape and light. Gregory Heisler for his use of crafted lighting in portraits.

Cher Charles Smith, quel est votre parcours professionnel et depuis combien de temps vous intéressez-vous à la photographie ?

Je suis titulaire d’une licence en illustration photographique du Brooks Institute of Photography en Californie. J’ai pris un appareil photo pour la première fois à l’âge de 16 ans et j’ai été accroché depuis.

Quels sont les photographes qui vous influencent ?

Il y en a tellement et de tellement de façons différentes. August Sander pour son travail de portrait simple mais puissant. Robert Doisneau et Henri Cartier-Bresson pour leur capacité à capturer un moment. Walter Looss pour son travail sportif élégant. Roy DeCarava pour avoir montré l’expérience quotidienne des Noirs. Frantisek Drtikol pour son utilisation des formes et de la lumière. Gregory Heisler pour son utilisation de la lumière artisanale dans les portraits.

How many children’s books have you published? What is your most recent book and who are your readers?

Over 33. I am a poet and writer as well and my next book is a collection of poems on NBA basketball players called Hoop Kings 2 followed shortly after by a biography on Jimi Hendrix called Song for Jimi.   I have books for babies all the way up to adults but my sweet spot is boys age 8 to about 15.

What are the subjects of your books?

My writing work covers a variety of subjects but for my photography, I focus on sports and showing diversity through cultural connections like food, fashion, music and religion.

Combien de livres pour enfants avez-vous publiés. Quel est votre livre le plus récent et qui sont vos lecteurs ?

Plus de 33. Je suis également poète et écrivain et mon prochain livre est un recueil de poèmes sur les joueurs de basket-ball de la NBA intitulé Hoop Kings 2, suivi de peu par une biographie de Jimi Hendrix intitulée Song for Jimi.   J’ai des livres pour les bébés et les adultes, mais je préfère créer des livres pour les garçons de 8 à 15 ans.

Quels sont les sujets de vos livres ?

Mes travaux d’écriture couvrent une grande variété de sujets, mais pour mes photographies, je me concentre sur le sport et la présentation de la diversité à travers des liens culturels comme la nourriture, la mode, la musique et la religion.

What place does photography have in your books?

Photography has served multiple purposes in my work. My very first book, Rimshots, was a collection of poems on basketball illustrated with sepia-toned black and white photography. This allowed for a modern connection to the game since it was real action and not an artist rendering. Since Rimshots was black and white photos with poems, I decided to have my next book be over the top color with stories. It was called Tall Tales and I used infrared film to help the “tall tales” live up to their grandiose name.

Other books have used photography to show point of view, such as Loki & Alex, about a boy and his dog. When the boy, Alex, speaks, his point of view is in color on one side of the spread. When Loki, the dog, speaks, his point of view is on the other side in black and white since dog’s see the world in what’s closer to black and white.

I have two “I Am” books that focus on cultural differences and how our differences make us who we are. I Am America shows what our country has given to the world in terms of style and music, but also shows the variety of races and religions that exist here as well. I Am The World focuses on what the world has given to our country to make it unique, like food, music, clothing and a variety of languages. In my book, My People, I used sepia toned portraits to showcase the black people, young and old, that Langston Hughes wrote so fondly of. That’s the long answer.

The short answer is that photography serves the purpose I want it to serve. Sometimes it’s the catalyst that generates poems and stories. Sometimes it’s the reference, giving a visual to a written line or sentence. But each image is always done with the style and craft of a photographer using light, shadow, movement and representation of reality to capture the reader’s eye and attention.

Quelle place la photographie occupe-t-elle dans vos livres ?

La photographie a servi à de multiples usages dans mon travail. Mon tout premier livre, Rimshots, était un recueil de poèmes sur le basket-ball illustré par des photographies en noir et blanc aux tons sépia. Cela permettait d’établir un lien moderne avec le jeu, puisqu’il s’agissait d’une action réelle et non d’un rendu d’artiste. Comme Rimshots était constitué de photos en noir et blanc accompagnées de poèmes, j’ai décidé que mon livre suivant serait en couleur avec des histoires. Il s’appelait Tall Tales et j’ai utilisé un film infrarouge pour que les “grands récits” soient à la hauteur de leur nom grandiose.

D’autres livres ont utilisé la photographie pour montrer le point de vue, comme Loki & Alex, sur un garçon et son chien. Lorsque le garçon, Alex, parle, son point de vue est en couleur sur un côté de la page. Quand Loki, le chien, parle, son point de vue est en noir et blanc de l’autre côté, car les chiens voient le monde en noir et blanc.

Ma collection de livres “I Am”  traite des différences culturelles et de la façon dont ces différences font de nous ce que nous sommes. I Am America montre ce que notre pays a donné au monde en termes de style et de musique, mais aussi la variété des races et des religions qui existent ici. I Am The World se concentre sur ce que le monde a donné à notre pays pour le rendre unique, comme la nourriture, la musique, les vêtements et une variété de langues. Dans mon livre My People, j’ai utilisé des portraits aux tons sépia pour présenter les Noirs, jeunes et vieux, dont Langston Hughes a tant parlé. C’est la réponse longue.

La réponse courte est que la photographie sert le but que je veux qu’elle serve. Parfois, elle est le catalyseur qui génère des poèmes et des histoires. Parfois, elle est la référence, donnant un aspect visuel à une ligne ou une phrase écrite. Mais chaque image est toujours réalisée avec le style et le savoir-faire d’un photographe qui utilise la lumière, l’ombre, le mouvement et la représentation de la réalité pour capter l’œil et l’attention du lecteur.

Did you find it difficult to get your books with photographs accepted? Do you produce them alone?

No, because I wasn’t trying to do a book. I was hoping to do a book cover when the art director saw my collection of basketball images and thought they would be a great book. Talk about preparation meeting opportunity!

For the most part, yes. When I need people as subjects, I simply ask friends and colleagues for recommendations since I use real people not models.

Are they translated in other countries?

Some of my written work has been, like my biography on Muhammad Ali, Twelve Rounds to Glory and my book on Black History month, 28 Days, was translated into Japanese. It was very cool to see my words as Japanese characters, title and all.

Avez-vous eu des difficultés à faire accepter vos livres avec photos ? Les produisez-vous seul ?

Non, car je n’essayais pas de faire un livre. J’espérais faire une couverture de livre lorsque le directeur artistique a vu ma collection d’images de basket-ball et a pensé qu’elles feraient un excellent livre. C’est comme si la préparation rencontrait l’opportunité !

Dans la plupart des cas, oui. Lorsque j’ai besoin de trouver des vraies personnes pour incarner mes personnages, je demande simplement à des amis et à des collègues de m’aider, car j’utilise de vraies personnes et non des modèles.

Sont-ils traduits dans d’autres pays ?

Certains de mes écrits l’ont été, comme ma biographie sur Muhammad Ali, Twelve Rounds to Glory, et mon livre sur le mois de l’histoire des Noirs, 28 Days, qui a été traduit en japonais. C’était très cool de voir mes mots en caractères japonais, le titre et tout le reste.

Could you tell us about prizes you won?

 I have won the Coretta Scott King (CSK) Author Honor Award (runner up) in 2008 for writing Twelve Rounds to Glory, the aforementioned bio on Muhammad Ali. In 2010, I won the CSK Illustrator Award (1st place!) for My People, the aforementioned poem by Langston Hughes. I’m particularly proud of that one because I was the first American photographer and only the second photographer ever to win the award and the first to do it with portraits. I’m super proud to be one of just three people to win that award for writing AND illustration, in my case, with photography.

Which reader were you as a child ?

Voracious. I spent a lot of time inside due to where we lived so I read books all the time. Especially comic books. I think that’s where my visual sense began to develop. I loved reading mysteries and adventure stories and also learning about subjects through non-fiction.

Pouvez-vous nous parler des prix que vous avez gagnés ?

 J’ai remporté le Coretta Scott King (CSK) Author Honor Award (second prix) en 2008 pour avoir écrit Twelve Rounds to Glory, la biographie de Muhammad Ali mentionnée plus haut. En 2010, j’ai remporté le CSK Illustrator Award (première place !) pour My People, le poème de Langston Hughes mentionné plus haut. J’en suis particulièrement fier parce que j’ai été le premier photographe américain et seulement le deuxième photographe à remporter ce prix, et le premier à le faire avec des portraits. Je suis très fière d’être l’une des trois seules personnes à avoir remporté ce prix pour l’écriture ET l’illustration, dans mon cas, avec la photographie.

Quel lecteur étiez-vous dans votre enfance ?

Vorace. Je passais beaucoup de temps à l’intérieur en raison de l’endroit où nous vivions, alors je lisais des livres tout le temps. Surtout des bandes dessinées. Je pense que c’est là que mon sens visuel a commencé à se développer. J’aimais lire des mystères et des histoires d’aventure, mais aussi me renseigner sur des sujets par le biais des documentaires.

 

To see more : http://www.charlesrsmithjr.com and http://youtube.com/charlesrsmithjr

Many thanks dear Charles ! 

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