Archives de catégorie : Interview

Le monde de Charles R. Smith Jr.

Miniphlit poursuit sa rencontre avec les créateurs nord-américains.  Charles R. Smith Jr. , l’homme orchestre, a accepté de répondre à nos questions.  Nouvelle interview croisée. 

Miniphlit continues its meeting with North American designers.  Charles R. Smith Jr. the one-man band, agreed to answer our questions.  

Dear Charles Smith, what is your professional background and How long have you been interested in photography?

I have a BA in Photography Illustration from Brooks Institute of Photography in California. I first picked up a camera at the age of 16 and have been hooked ever since.

Who are the photographers who influence you?

So many in so many different ways. August Sander for his simple yet powerful portrait work. Robert Doisneau and Henri Cartier-Bresson for being able to capture a moment. Walter Iooss for his stylish sports work. Roy DeCarava for showing the everyday Black experience. Frantisek Drtikol for his use of shape and light. Gregory Heisler for his use of crafted lighting in portraits.

Cher Charles Smith, quel est votre parcours professionnel et depuis combien de temps vous intéressez-vous à la photographie ?

Je suis titulaire d’une licence en illustration photographique du Brooks Institute of Photography en Californie. J’ai pris un appareil photo pour la première fois à l’âge de 16 ans et j’ai été accroché depuis.

Quels sont les photographes qui vous influencent ?

Il y en a tellement et de tellement de façons différentes. August Sander pour son travail de portrait simple mais puissant. Robert Doisneau et Henri Cartier-Bresson pour leur capacité à capturer un moment. Walter Looss pour son travail sportif élégant. Roy DeCarava pour avoir montré l’expérience quotidienne des Noirs. Frantisek Drtikol pour son utilisation des formes et de la lumière. Gregory Heisler pour son utilisation de la lumière artisanale dans les portraits.

How many children’s books have you published? What is your most recent book and who are your readers?

Over 33. I am a poet and writer as well and my next book is a collection of poems on NBA basketball players called Hoop Kings 2 followed shortly after by a biography on Jimi Hendrix called Song for Jimi.   I have books for babies all the way up to adults but my sweet spot is boys age 8 to about 15.

What are the subjects of your books?

My writing work covers a variety of subjects but for my photography, I focus on sports and showing diversity through cultural connections like food, fashion, music and religion.

Combien de livres pour enfants avez-vous publiés. Quel est votre livre le plus récent et qui sont vos lecteurs ?

Plus de 33. Je suis également poète et écrivain et mon prochain livre est un recueil de poèmes sur les joueurs de basket-ball de la NBA intitulé Hoop Kings 2, suivi de peu par une biographie de Jimi Hendrix intitulée Song for Jimi.   J’ai des livres pour les bébés et les adultes, mais je préfère créer des livres pour les garçons de 8 à 15 ans.

Quels sont les sujets de vos livres ?

Mes travaux d’écriture couvrent une grande variété de sujets, mais pour mes photographies, je me concentre sur le sport et la présentation de la diversité à travers des liens culturels comme la nourriture, la mode, la musique et la religion.

What place does photography have in your books?

Photography has served multiple purposes in my work. My very first book, Rimshots, was a collection of poems on basketball illustrated with sepia-toned black and white photography. This allowed for a modern connection to the game since it was real action and not an artist rendering. Since Rimshots was black and white photos with poems, I decided to have my next book be over the top color with stories. It was called Tall Tales and I used infrared film to help the “tall tales” live up to their grandiose name.

Other books have used photography to show point of view, such as Loki & Alex, about a boy and his dog. When the boy, Alex, speaks, his point of view is in color on one side of the spread. When Loki, the dog, speaks, his point of view is on the other side in black and white since dog’s see the world in what’s closer to black and white.

I have two “I Am” books that focus on cultural differences and how our differences make us who we are. I Am America shows what our country has given to the world in terms of style and music, but also shows the variety of races and religions that exist here as well. I Am The World focuses on what the world has given to our country to make it unique, like food, music, clothing and a variety of languages. In my book, My People, I used sepia toned portraits to showcase the black people, young and old, that Langston Hughes wrote so fondly of. That’s the long answer.

The short answer is that photography serves the purpose I want it to serve. Sometimes it’s the catalyst that generates poems and stories. Sometimes it’s the reference, giving a visual to a written line or sentence. But each image is always done with the style and craft of a photographer using light, shadow, movement and representation of reality to capture the reader’s eye and attention.

Quelle place la photographie occupe-t-elle dans vos livres ?

La photographie a servi à de multiples usages dans mon travail. Mon tout premier livre, Rimshots, était un recueil de poèmes sur le basket-ball illustré par des photographies en noir et blanc aux tons sépia. Cela permettait d’établir un lien moderne avec le jeu, puisqu’il s’agissait d’une action réelle et non d’un rendu d’artiste. Comme Rimshots était constitué de photos en noir et blanc accompagnées de poèmes, j’ai décidé que mon livre suivant serait en couleur avec des histoires. Il s’appelait Tall Tales et j’ai utilisé un film infrarouge pour que les « grands récits » soient à la hauteur de leur nom grandiose.

D’autres livres ont utilisé la photographie pour montrer le point de vue, comme Loki & Alex, sur un garçon et son chien. Lorsque le garçon, Alex, parle, son point de vue est en couleur sur un côté de la page. Quand Loki, le chien, parle, son point de vue est en noir et blanc de l’autre côté, car les chiens voient le monde en noir et blanc.

Ma collection de livres « I Am »  traite des différences culturelles et de la façon dont ces différences font de nous ce que nous sommes. I Am America montre ce que notre pays a donné au monde en termes de style et de musique, mais aussi la variété des races et des religions qui existent ici. I Am The World se concentre sur ce que le monde a donné à notre pays pour le rendre unique, comme la nourriture, la musique, les vêtements et une variété de langues. Dans mon livre My People, j’ai utilisé des portraits aux tons sépia pour présenter les Noirs, jeunes et vieux, dont Langston Hughes a tant parlé. C’est la réponse longue.

La réponse courte est que la photographie sert le but que je veux qu’elle serve. Parfois, elle est le catalyseur qui génère des poèmes et des histoires. Parfois, elle est la référence, donnant un aspect visuel à une ligne ou une phrase écrite. Mais chaque image est toujours réalisée avec le style et le savoir-faire d’un photographe qui utilise la lumière, l’ombre, le mouvement et la représentation de la réalité pour capter l’œil et l’attention du lecteur.

Did you find it difficult to get your books with photographs accepted? Do you produce them alone?

No, because I wasn’t trying to do a book. I was hoping to do a book cover when the art director saw my collection of basketball images and thought they would be a great book. Talk about preparation meeting opportunity!

For the most part, yes. When I need people as subjects, I simply ask friends and colleagues for recommendations since I use real people not models.

Are they translated in other countries?

Some of my written work has been, like my biography on Muhammad Ali, Twelve Rounds to Glory and my book on Black History month, 28 Days, was translated into Japanese. It was very cool to see my words as Japanese characters, title and all.

Avez-vous eu des difficultés à faire accepter vos livres avec photos ? Les produisez-vous seul ?

Non, car je n’essayais pas de faire un livre. J’espérais faire une couverture de livre lorsque le directeur artistique a vu ma collection d’images de basket-ball et a pensé qu’elles feraient un excellent livre. C’est comme si la préparation rencontrait l’opportunité !

Dans la plupart des cas, oui. Lorsque j’ai besoin de trouver des vraies personnes pour incarner mes personnages, je demande simplement à des amis et à des collègues de m’aider, car j’utilise de vraies personnes et non des modèles.

Sont-ils traduits dans d’autres pays ?

Certains de mes écrits l’ont été, comme ma biographie sur Muhammad Ali, Twelve Rounds to Glory, et mon livre sur le mois de l’histoire des Noirs, 28 Days, qui a été traduit en japonais. C’était très cool de voir mes mots en caractères japonais, le titre et tout le reste.

Could you tell us about prizes you won?

 I have won the Coretta Scott King (CSK) Author Honor Award (runner up) in 2008 for writing Twelve Rounds to Glory, the aforementioned bio on Muhammad Ali. In 2010, I won the CSK Illustrator Award (1st place!) for My People, the aforementioned poem by Langston Hughes. I’m particularly proud of that one because I was the first American photographer and only the second photographer ever to win the award and the first to do it with portraits. I’m super proud to be one of just three people to win that award for writing AND illustration, in my case, with photography.

Which reader were you as a child ?

Voracious. I spent a lot of time inside due to where we lived so I read books all the time. Especially comic books. I think that’s where my visual sense began to develop. I loved reading mysteries and adventure stories and also learning about subjects through non-fiction.

Pouvez-vous nous parler des prix que vous avez gagnés ?

 J’ai remporté le Coretta Scott King (CSK) Author Honor Award (second prix) en 2008 pour avoir écrit Twelve Rounds to Glory, la biographie de Muhammad Ali mentionnée plus haut. En 2010, j’ai remporté le CSK Illustrator Award (première place !) pour My People, le poème de Langston Hughes mentionné plus haut. J’en suis particulièrement fier parce que j’ai été le premier photographe américain et seulement le deuxième photographe à remporter ce prix, et le premier à le faire avec des portraits. Je suis très fière d’être l’une des trois seules personnes à avoir remporté ce prix pour l’écriture ET l’illustration, dans mon cas, avec la photographie.

Quel lecteur étiez-vous dans votre enfance ?

Vorace. Je passais beaucoup de temps à l’intérieur en raison de l’endroit où nous vivions, alors je lisais des livres tout le temps. Surtout des bandes dessinées. Je pense que c’est là que mon sens visuel a commencé à se développer. J’aimais lire des mystères et des histoires d’aventure, mais aussi me renseigner sur des sujets par le biais des documentaires.

 

To see more : http://www.charlesrsmithjr.com and http://youtube.com/charlesrsmithjr

Many thanks dear Charles ! 

L’attribut alt de cette image est vide, son nom de fichier est Capture_CC-300x159.jpg.

Conversation with Susan Kuklin

Miniphlit poursuit sa découverte de ceux qui font la photolittérature contemporaine de l’autre côté de l’Atlantique. Aujourd’hui, nous recevons l’artiste Susan Kuklin.

Who are you, Susan Kuklin?

By way of introduction, I am a photographer and writer of books for children and young adults. My books address social issues and culture, including:  juvenile justice (No Choirboy: Murder, Violence and Teenagers on Death Row), transgender teenagers (Beyond Magenta: Transgender Teens Speak Out), and immigration (We Are Here to Stay: Undocumented Teens Speak Out and In Search of Safety: Voices of Refugees). I’ve also written and photographed a number of books about dance, including Dance, coauthored with choreographer Bill T Jones and Reaching for Dreams: A Ballet from Rehearsal to Opening Night with the Alvin Ailey Dance Theater. My photographs have appeared in documentary films as well as Time magazine, Newsweek, the New York Times, and are part of the permanent collection at the Museum of the City of New York.

Qui êtes-vous, Susan Kuklin ?

Tout d’abord, je suis photographe et auteur de livres pour enfants et jeunes adultes. Mes livres traitent de questions sociales et culturelles, notamment de la justice juvénile (No Choirboy : Murder, Violence and Teenagers on Death Row), des adolescents transgenres (Beyond Magenta : Transgender Teens Speak Out) et de l’immigration (We Are Here to Stay : Undocumented Teens Speak Out et In Search of Safety : Voices of Refugees). J’ai également écrit et photographié un certain nombre de livres sur la danse, dont Dance, coécrit avec le chorégraphe Bill T Jones et Reaching for Dreams : A Ballet from Rehearsal to Opening Night with the Alvin Ailey Dance Theater. Mes photographies sont apparues dans des films documentaires ainsi que dans Time magazine, Newsweek, le New York Times, et font partie de la collection permanente du Museum of the City of New York.

copyright Susan Kuklin

Who are your favorite photographers?

My favorite photographers are Walker Evans, Dorothea Lange, Henri Cartier-Bresson and Hiroshi Sugimoto. Evans and Lange because they reveal a sense of humanity in a single image. Cartier-Bresson for his ability to capture a decisive moment. And Sugimoto for his appreciation of time, space, reality, and imagination.

How old are your readers?

My readers range from approximately six years old to a hundred years young. No Joke. It is my hope that my books and photography appeal to people of all ages.

Quels sont vos photographes préférés ?

Mes photographes préférés sont Walker Evans, Dorothea Lange, Henri Cartier-Bresson et Hiroshi Sugimoto. Evans et Lange parce qu’ils dévoilent un sentiment d’humanité dans une seule image. Cartier-Bresson pour sa capacité à saisir un moment décisif. Et Sugimoto pour son appréciation du temps, de l’espace, de la réalité et de l’imagination.

Quel est l’âge de vos lecteurs ?

Mes lecteurs ont entre six et cent ans environ. Sans blague, j’espère que mes livres et mes photos plairont à des personnes de tous les  âges.

Do you create books alone or do you share the authorship with a writer?

 With a few exceptions, I write most of the books I photograph. My process is intimate, personal, and written from the point of view of the people who contribute. The books develop somewhat unpredictably from the relationship I form with my participants. I first choose a subject and then search for relevant people who are willing to reveal their circumstances in a series of recorded interviews and photo shoots. From that material I create a narrative and layout about the person’s experience dealing with a specific, contemporary situation. A great deal of trust is involved. I trust them to be candid and honest, and they trust me to produce their story authentically.

Créez-vous des livres seul ou partagez-vous l’auctorialité avec un écrivain ?

À quelques exceptions près, j’écris la plupart des livres dont je réalise les photographies. Mon processus est intime, personnel et écrit du point de vue des personnes qui y contribuent. Les livres se développent de manière quelque peu imprévisible à partir de la relation que je noue les personnes qui y participent. Je choisis d’abord un sujet, puis je recherche des personnes concernées qui acceptent de se confier sur leur situation au cours d’ une série d’entretiens enregistrés et de séances de photos. À partir de ce matériel, je crée un récit et réalise une mise en page. Une grande confiance doit s’installer. Je leur fais confiance pour être francs et honnêtes, et ils me font confiance pour produire leur histoire de manière authentique.

copyright Susan Kuklin

When did you start creating books for children? How many children’s books have you published?

In the mid-seventies I started working as a B&W free-lance street photographer. Some years later, my most notable work was photographing George Balanchine and the New York City Ballet. I was also invited to be the photographer of an innovative science project at Columbia University called Project Nim. Professor Herbert Terrace was trying to determine if a chimpanzee could learn human language. While working on the project, we decided that Nim’s adventures would make a wonderful children’s book. Fortunately, a publisher agreed. The Story of Nim, a Chimpanzee Who Learned Language, was very well received, and that began my career in children’s literature. [This book was also published in France: L’histoire di NIM le chimpanzee qui parle.] Since then I have published more than thirty books for children and young adults.

Quand avez-vous commencé à créer des livres pour enfants ? Combien de livres pour enfants avez-vous publiés ?

Au milieu des années soixante-dix, j’ai commencé à travailler comme photographe de rue indépendant en noir et blanc. Quelques années plus tard, mon travail le plus important a été de photographier George Balanchine et le New York City Ballet. J’ai également été invité à être le photographe d’un projet scientifique innovant à l’université de Columbia, le Project Nim. Le professeur Herbert Terrace essayait de déterminer si un chimpanzé pouvait apprendre le langage humain. En travaillant sur ce projet, nous avons décidé que les aventures de Nim feraient un merveilleux livre pour enfants. Heureusement, un éditeur a accepté. The Story of Nim, a Chimpanzee Who Learned Language (L’histoire de Nim, un chimpanzé qui a appris le langage) a été très bien accueilli, et c’est ainsi qu’a débuté ma carrière dans la littérature pour enfants. Ce livre a également été publié en France : L’histoire de NIM le chimpanzé qui parle. Depuis lors, j’ai publié plus de trente livres pour enfants et jeunes adultes.

What are the subjects of your books? Are your books message books? Does photography help convey messages to readers?

Some people might think of my books as message books because they center on ethical, provocative, and sometimes controversial subjects. But I do not think of them that way. I think of my books as the start of a conversation. I think of my books as a way to get to know another person under circumstances the reader might not otherwise encounter. I try to give my readers as much information as possible – without sounding too preachy, I hope – and then let them come to their own conclusions. Photography helps reinforce the written word because the reader is able to see another aspect of the person they are getting to know on the pages.

Quels sont les sujets de vos livres ? Vos livres sont-ils des livres à message ? La photographie contribue-t-elle à transmettre des messages aux lecteurs ?

Certaines personnes pourraient considérer mes livres comme des livres à message, car ils portent sur des sujets éthiques, provocateurs et parfois controversés. Mais je ne les vois pas de cette façon. Je vois mes livres comme le début d’une conversation. Je vois mes livres comme un moyen d’apprendre à connaître une autre personne dans des circonstances que le lecteur n’aurait peut-être pas rencontrées autrement. J’essaie de donner à mes lecteurs le plus d’informations possible – sans paraître trop moralisatrice, j’espère – et je les laisse ensuite tirer leurs propres conclusions. La photographie contribue à renforcer le texte écrit, car le lecteur peut voir un autre aspect de la personne qu’il apprend à connaître au fil des pages.

How do you prepare your books? Do you write the text first? Do you photograph your characters first?

Before I even pick up my camera, I do a great deal of research. There’s much reading, studying, attending conferences, meeting professionals at various organizations. For example, for my book about juvenile justice, No Choirboy, I attended a class at New York University Law School, led by Bryan Stevenson, the leading expert in capital punishment and juvenile justice. Professor Stevenson was instrumental in introducing me to the young inmates featured in my book. I love the research part of my work. I get to learn something new, and I get to meet so many interesting people. I never know what comes first – words or images. It happens spontaneously. And, in my view, when it happens, it’s magical.

Comment préparez-vous vos livres ? Écrivez-vous d’abord le texte ? Photographiez-vous d’abord vos personnages ?

Avant même de prendre mon appareil photo, je fais beaucoup de recherches. Il y a beaucoup de lecture, d’étude, de participation à des conférences, de rencontres avec des professionnels dans diverses organisations. Par exemple, pour mon livre sur la justice des mineurs, No Choirboy, j’ai assisté à un cours à la faculté de droit de l’université de New York, dirigé par Bryan Stevenson, le plus grand spécialiste de la peine capitale et de la justice des mineurs. Le professeur Stevenson m’a permis de rencontrer les jeunes détenus dont il est question dans mon livre. J’aime la partie recherche de mon travail. J’apprends quelque chose de nouveau et je rencontre des gens très intéressants. Je ne sais jamais ce qui vient en premier – les mots ou les images. Cela arrive spontanément. Et, à mon avis, quand cela arrive, c’est magique.

copyright Susan Kuklin

Your books are non-fiction books. Could you create fictional books with photography ? 

Early in my career I illustrated a few fictional books using models and (sometimes) infrared film. A few years ago, I illustrated a poetry book called Beautiful Ballerina by Marilyn Nelson. That was so much fun. I would like to do more.

Do you prefer black and white or color photography?

Black and white photography will always be my great love. But I’ve come to respect color photography. Two of my recent books, Beyond Magenta and Here to Stay, are full-color books, but each one has a black and white section. I think that the two mediums work well together.

Vos livres sont des ouvrages de non-fiction. Pourriez-vous créer des livres de fiction avec la photographie ?

Au début de ma carrière, j’ai illustré quelques livres de fiction en utilisant des maquettes et (parfois) des films infrarouges. Il y a quelques années, j’ai illustré un livre de poésie intitulé Beautiful Ballerina de Marilyn Nelson. C’était très amusant. J’aimerais en faire plus.

Préférez-vous la photographie en noir et blanc ou en couleur ?

La photographie en noir et blanc sera toujours mon grand amour. Mais j’ai appris à respecter la photographie en couleur. Deux de mes livres récents, Beyond Magenta et Here to Stay, sont des livres en couleur, mais chacun d’eux comporte une section en noir et blanc. Je pense que les deux médiums fonctionnent bien ensemble.

Which reader were you as a child?

I was a voracious reader. I particularly loved books that had strong female characters. The Nancy Drew series was my favorite. I also liked the visual power found in Wonder Woman comic books. Whenever I was sick and unable to go to school, my grandmother would visit and read Russian fables to me in English. Sometimes I pretended to be sick so that I could snuggle up in bed and listen to her read. But that’s a secret so please don’t tell anyone beyond your readers.

In you want to know more about my work, please visit

www.susankuklin.com

Quel lecteur étiez-vous dans votre enfance ?

J’étais une lectrice vorace. J’aimais particulièrement les livres qui avaient des personnages féminins forts. La série Nancy Drew était ma préférée. J’aimais aussi la puissance visuelle que l’on trouve dans les bandes dessinées de Wonder Woman. Lorsque j’étais malade et que je ne pouvais pas aller à l’école, ma grand-mère venait me voir et me lisait des fables russes en anglais. Parfois, je faisais semblant d’être malade pour pouvoir me blottir dans mon lit et l’écouter lire. Mais c’est un secret, alors ne le dites à personne en dehors de vos lecteurs.

Si vous voulez en savoir plus sur mon travail, rendez-vous sur http://www.susankuklin.net/

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Nina Crews ‘s books or how to add magic to everyday life

©Nina Crews

Les jeunes américains connaissent bien les livres de Nina Crews. Qu’elle choisisse de donner un nouveau visage aux comptines anglo-saxonnes traditionnelles ou aux haiku de Richard Wright,  qu’elle crée ses propres histoires, ses livres aux photo-montages-collages colorés trouvent leur place depuis vingt-cinq ans sur les rayonnages de toutes les bibliothèques enfantines Nord-américaines. 

Nina Crews a accepté de répondre à nos questions.

Young Americans are familiar with Nina Crews’ books. Whether she chooses to give a new face to traditional Anglo-Saxon nursery rhymes or to Richard Wright’s haiku, or whether she creates her own stories, her books with their colourful photo-montages and collages have found their place on the shelves of all North American children’s libraries for the past twenty-five years. 

Nina Crews agreed to answer our questions.

Dear Nina Crews, What is your professional background?

I have been writing and illustrating children’s books for over 25 years. I worked in animation production for ten years and have also done some art teaching and freelance illustration work.

How long have you been interested in photography?

My interest in photography began early. Photographs and cameras were a part of family life. My dad took lots of family photos and printed them in a small darkroom in our home. He also incorporated photography into some of the graphic design work he and my mother (she is the daughter of Donald Crews and Ann Jonas) created and in some of his children’s book illustrations. Sometimes this work included photographs of me or my sister. In college, I decided to make photography the media I would focus on for my creative work. I began to experiment with photo collages soon after college.

Who are the photographers who influence you?

I’ve always been drawn to street/snapshot photography. I grew up in New York and have always been drawn to the energy and liveliness of photos of people, places and their things. I love the storytelling in this work and there is so usually much to look at. Mid 20th century photographers like Helen Levitt, Andre Kertesz and Roy DeCarava are a few favorites. Another huge influence has been the photocollage work of Hannah Hoch and Romare Bearden.

Photo illustration from ONE HOT SUMMER DAY © Nina Crews, Greenwillow Books , 1995

Chère Nina Crews, quel est votre parcours professionnel ?
J’écris et j’illustre des livres pour enfants depuis plus de 25 ans. J’ai travaillé dans la production d’animations pendant dix ans et j’ai également enseigné l’art et travaillé en tant qu’illustratrice indépendante.
Depuis combien de temps vous intéressez-vous à la photographie ?
Mon intérêt pour la photographie a commencé très tôt. Les photographies et les appareils photo faisaient partie de la vie familiale. Mon père prenait beaucoup de photos de famille et les imprimait dans une petite chambre noire à la maison. Il a également intégré la photographie dans certains travaux de conception graphique que ma mère  et lui ( Nina Crews est la fille de  Donald Crews and Ann Jonas, deux célèbres auteurs-illustrateurs américains de livres pour la jeunesse) ont réalisés et dans certaines illustrations de livres pour enfants. Ces travaux comprenaient parfois des photos de moi ou de ma sœur. À l’université, j’ai décidé de faire de la photographie le média sur lequel je me concentrerais pour mon travail créatif. J’ai commencé à expérimenter les collages de photos peu après l’université.
Quels sont les photographes qui vous influencent ?
J’ai toujours été intéressée par la photographie de rue et les instantanés. J’ai grandi à New York et j’ai toujours été attirée par l’énergie et la vivacité des photos de personnes, de lieux et de leurs objets. J’aime la narration dans ce travail et il y a généralement beaucoup de choses à regarder. Les photographes du milieu du XXe siècle comme Helen Levitt, André Kertész et Roy DeCarava sont quelques-uns de mes préférés. Le travail de photocollage de Hannah Höch et celui de Romare Bearden m’ont également beaucoup influencée.

Photo illustration from SEEING INTO TOMORROW , copyright Nina Crews, Haiku By Richard Wright, Milllbrook Press, an imprint of Lerner Publishing Group? 2018

How many children’s books have you published?

Fifteen.

What was the title of your first book?

One Hot Summer Day. It was published in 1995 by Greenwillow Books.

What is your most recent book?

A Girl Like Me, written by Angela Johnson, published 2020 by Millbrook Press.

What are the subjects of your books?

The books that I have written and illustrated are fictional stories with child protagonists. Most of my books have been set in the city and my stories feature children in familiar everyday settings. I have illustrated two poetry books, and two collections of children’s nursery rhymes and songs. The photo illustrations in these books also depict children in familiar settings.

Combien de livres pour enfants avez-vous publiés ?
Quinze.
Quel était le titre de votre premier livre ?
One Hot Summer Day. Il a été publié en 1995 par Greenwillow Books.
Quel est votre livre le plus récent ?
A Girl Like Me, écrit par Angela Johnson, publié en 2020 par Millbrook Press.
Quels sont les thèmes abordés dans vos livres ?
Les livres que j’ai écrits et illustrés sont des histoires fictives avec des protagonistes enfants. La plupart de mes livres se déroulent en ville et mes histoires mettent en scène des enfants dans des contextes quotidiens familiers. J’ai illustré deux livres de poésie et deux recueils de comptines et de chansons pour enfants. Les illustrations photographiques de ces livres représentent également des enfants dans des environnements familiers.

Photo illustration from THE NEIGHBORHOOD MOTHER GOOSE ©Nina Crews, Publishers Greenwillow Books, 2004

Who are your readers?

This varies a bit from book to book, but for the most part, my books are for children ages 1 to 8.

What place does photography have in your books?

Photography and collage are been the principal tools I have used in my illustrations. I like to create layered images and play with scale. Sometimes I add drawing or other graphic elements. I find that collage is a great way to add humor, explore dreams and deepen emotional impact of a text.

Why photography rather than drawing?

I love how beautifully photographs render the surfaces of things with great detail and specificity. I love how looking at photographs helps us see the details in the world around us and to enjoy both the differences and similarities that we find in what we see.  When I began illustrating children’s books, photography felt like the modern and fresh way to explore ideas. At that time artists like Cindy Sherman, Louise Lawler, and Carrie Mae Weems were big names in the NY art world and it seemed like people were finally taking photography more seriously as fine art. I thought the same thing could and should happen in picture book illustration.

Did you find it difficult to get your books with photographs accepted?

My first editor published many books with children’s photo illustrator Tana Hoban and was very open to my photo collage style. That first book, One Hot Summer Day, has been in print for over 25 years. Many of my books have sold well and been recognized by prestigious organizations in the US publishing world. That said, selling new projects can sometimes be hard and I have had editors reject proposals simply because they didn’t care for photo illustration work. I am currently exploring other illustration styles and am working on three new projects that are digitally drawn and collaged with just a few photographs included for texture.

Photo illustration from THE NEIGHBORHOOD MOTHER GOOSE ©Nina Crews, Publishers Greenwillow Books, 2004

Qui sont vos lecteurs ?
Cela varie un peu d’un livre à l’autre, mais la plupart du temps, mes livres s’adressent aux enfants de 1 à 8 ans.
Quelle place occupe la photographie dans vos livres ?
La photographie et le collage sont les principaux outils  utilisés dans mes illustrations. J’aime créer des images en couches et jouer avec les échelles. Parfois, j’ajoute des dessins ou d’autres éléments graphiques. Je trouve que le collage est un excellent moyen d’ajouter de l’humour, d’explorer les rêves et d’approfondir l’impact émotionnel d’un texte.
Pourquoi la photographie plutôt que le dessin ?
J’aime la beauté des photographies qui rendent la surface des choses avec beaucoup de détails et de spécificité. J’aime le fait que regarder des photographies nous aide à voir les détails du monde qui nous entoure et à apprécier à la fois les différences et les similitudes que nous trouvons dans ce que nous voyons. Lorsque j’ai commencé à illustrer des livres pour enfants, la photographie m’est apparu comme un moyen moderne et original d’explorer des idées. À cette époque, des artistes comme Cindy Sherman, Louise Lawler et Carrie Mae Weems étaient des grands noms du monde de l’art à New York et il semblait que les gens prenaient enfin la photographie plus au sérieux en tant qu’art. Je pensais que la même chose pouvait et devait se produire dans l’illustration de livres d’images.
Avez-vous eu des difficultés à faire accepter vos livres avec des photographies ?
Mon premier éditeur a publié de nombreux livres avec l’illustratrice de photos pour enfants Tana Hoban et s’est montré très ouvert à mon style de collage de photos. Ce premier livre, One Hot Summer Day, a été publié pendant plus de 25 ans. Nombre de mes livres se sont bien vendus et ont été reconnus par des organisations prestigieuses du monde de l’édition américaine. Cela dit, il est parfois difficile de vendre de nouveaux projets et il est arrivé que des éditeurs rejettent des propositions simplement parce qu’ils n’aiment pas le travail d’illustration photographique. Je suis actuellement en train d’explorer d’autres styles d’illustration et je travaille sur trois nouveaux projets qui sont dessinés numériquement et collés avec seulement quelques photographies pour la texture.

Photo illustration from A GIRL LIKE ME , ©Nina Crews, publisher Millbrook Press, an imprint of Lerner Publishing Group, 2020

Do you produce them alone? Do you write the texts? Do you make the pictures alone?

I work with mainstream US trade publishers both as an author/illustrator and as an illustrator. With any book that I write, come up with a concept, create a manuscript and sketch, and then pitch the project to publishers. With the poetry or song collections, I gathered together previously published materials and pitched proposals to illustrate those texts.  

Are they translated in other countries?

No. None have been translated or reprinted in other countries. I would be delighted if that could happen at some point!

Which reader were you as a child?

I read a lot when I was a child. (I still do.) I loved myths, fairy tales and stories with a bit of magic, though the books that I saved from my childhood are mostly about contemporary children in the real world. Now that I am creating my own books, I find that I often try to combine these two genres through stories and images that add a bit of magic to the everyday.

Photo illustration from A GIRL LIKE ME , ©Nina Crews, publisher Millbrook Press, an imprint of Lerner Publishing Group, 2020

Les produisez-vous seule ? Est-ce que vous écrivez les textes ? Réalisez-vous les images seule ?
Je travaille avec des éditeurs commerciaux américains grand public à la fois en tant qu’auteur/illustrateur et en tant qu’illustrateur. Pour chaque livre que j’écris, je trouve un concept, je crée un manuscrit et une esquisse, puis je présente le projet aux éditeurs. Pour les recueils de poèmes ou de chansons, j’ai rassemblé des documents déjà publiés et j’ai fait des propositions pour illustrer ces textes.
Sont-ils traduits dans d’autres pays ?
Non. Aucun n’a été traduit ou réimprimé dans d’autres pays. Je serais ravie si cela pouvait arriver un jour !
Quelle lectrice étiez-vous dans votre enfance ?
Je lisais beaucoup quand j’étais enfant. (Je le fais toujours.) J’aimais les mythes, les contes de fées et les histoires avec un peu de magie, bien que les livres que j’ai gardés de mon enfance concernent surtout des enfants contemporains dans le monde réel. Maintenant que je crée mes propres livres, j’essaie souvent de combiner ces deux genres à travers des histoires et des images qui ajoutent un peu de magie au quotidien.

 

Many Thanks, Dear Nina ! 

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PHOTO, les contraires. Noël Bourcier est notre invité

En 2005, l’album PHOTO, les contraires paraît aux éditions du Seuil. Ce n’est pas tout à fait un imagier comme les autres. S’il s’inscrit dans ce réseau des ouvrages destinés à appréhender les concepts abstraits, « ouvert/fermé », « lourd/léger », etc…, il le fait par le biais des images de quelques-uns des « maîtres » de la photographie du 20ème siècle, Boubat, Kertész, Kollar, Lartigue, Man Ray, Sieff, Sougez, etc…, qui voisinent dans l’espace de la double-page avec des images drôles et en couleurs réalisées par l’auteur du livre, Noël Bourcier.

L’occasion de revisiter l’Histoire de la photographie et un excellent moyen pour initier les enfants à cet art. Son auteur est dans Miniphlit.

Cher Noël Bourcier, quel est donc votre parcours ?

J’ai fait l’école de la photographie d’Arles et je me destinais à devenir photographe, ou à la direction artistique, ou encore à l’écriture. J’ai commencé à écrire sur la photo dans Artpress, revue pour laquelle je présentais des expositions photographiques. J’ai ensuite obtenu une bourse de recherches de l’état pour préparer une exposition. Mon sujet était « Les bords de mer en photographie depuis le 19 eme siècle ». Le thème était large et il avait un lien avec l’imaginaire, les frontières de la photographie. Cette thématique m’a passionné. Je suis ensuite entré au Patrimoine photographique en 1991 pour m’occuper du fonds Denise Colomb. Aujourd’hui, j’enseigne dans une école privée. Je forme de jeunes adultes pour devenir photographes. Je les forme à l’Histoire de la photographie, à la culture visuelle et aux arts appliqués pour des photographes.

Vous avez publié André Kertész chez Phaidon en 2006. Quelle place tient cet artiste dans votre parcours ?

Je me suis occupé du fonds Kertész pour organiser l’exposition du centenaire de sa naissance en 1994. Le fonds était arrivé à l’état français parce qu’André Kertész avait vécu en France entre les deux guerres. Il y était très célèbre avant son départ en 1936 pour les États-Unis où il a eu beaucoup de mal à trouver sa place.  A partir de 1963, il a enfin connu une reconnaissance internationale et obtenu la renommée qu’il connait aujourd’hui. Il incarne à lui seul l’aventure de la photographie du 20ème siecle : utilisateur du Leica, de plain-pied dans la photo de reportage, dans la photo humaniste, il a aussi voisiné avec le surréalisme et le constructivisme. En 2002 j’ai réalisé un livre pour le grand public, publié chez Phaidon.

Comment est née l’idée d’un imagier jeunesse pour Le Seuil ?

Je suis devenu père en 1998 et 2002. Je lisais des livres à mes enfants le soir. J’étais étonné de ne pas pouvoir trouver de livres photos pour les plus jeunes. Quand il y en avait, la photo était présente dans l’illustration, mais dans des endroits peu intéressants. Je trouvais aussi difficile de trouver des histoires avec des photos. Ou bien cela faisait penser au roman-photo. C‘est sans doute parce qu’une photo colle beaucoup au réel et qu’il est donc plus difficile d’embarquer le lecteur dans l’imaginaire.

J’avais sous les yeux les livres de Bauret, Album, Les contraires de Pittau et Gervais, Faut pas confondre d’Hervé Tullet qui ont été très inspirants. J’ai remarqué que les contraires sont une catégorie à part entière de la littérature pour la jeunesse

Quelle est donc la finalité de cet imagier ? Il ne se limite pas à l’étude des contraires, n’est-ce pas ? On fait avec votre ouvrage un voyage dans l’Histoire de la photo aussi.

En préparant mon propre livre, je cherchais à faire des liens entre la photographie patrimoniale et la photographie actuelle. Mon idée était d’offrir au jeune public un livre présentant les grands maîtres de la photographie et de les initier au langage de la photo et à l’esthétique de l’image. Ce faisant, je ne voulais pas faire de compromis sur les images. Je voulais de grandes photos et ne pas choisir des images trop liées au sujets habituels pour les enfants. On les connaît : les animaux, les aliments, etc… Je voulais des photos non destinées aux enfants mais qui pouvaient leur parler. J’ai donc puisé assez largement dans les Archives du patrimoine où j’avais travaillé et j’ai élargi à des photographies que j’aime passionnément, comme celles de Jeanloup Sieff ou Cartier-Bresson. Adolescent, ils incarnaient pour moi les deux pendants de la photographie, la photo de reportage avec la rigueur formelle de Cartier-Bresson et puis le côté glamour de celles de Sieff.

 

copyright Christian Vogt/ Noël Bourcier

J’espérais que ce travail donnerait peut-être envie de voir, de découvrir les œuvres des grands photographes. J’ai bien-sûr prévenu les photographes, ou les ayant-droits, en leur montrant le vis-à-vis entre leur photographie et une illustration. J’ai sollicité leur accord car je donnais une lecture d’une image qui n’était pas celle qu’ils y avaient mise. Par exemple, Christian Vogt ne pensait pas du tout au concept de « lourd » en réalisant sa photographie. Je lui ai expliqué que j’insérais un texte explicatif à la fin de l’ouvrage et il a accepté. Il a même admis que ce qu’il voulait y mettre rejoignait finalement le langage enfantin.

Comment s’est donc faite la sélection des mots et des images ?

Il n’est pas bavard ce livre mais il ouvre des sphères de lecture, il impulse des déclics, des petites fulgurances.

J’ai d’abord cherché des images et ensuite tenté de rétrécir le champ des mots possibles. Les images ont un point commun. Elles sont minimalistes et s’expriment de façon dépouillée. Si on veut trouver un mot, pas plusieurs mots, il faut quelque chose de simple. J’ai donc cherché des images simples. Si trois mots en compétition surgissaient, il fallait changer d’image. Il fallait une simplicité et une évidence. Il fallait aussi que ces images soient belles et pures. Toutes ces images, je les aime vraiment. Elles sont des morceaux de l’Histoire de la photographie.

copyright André Kertész/ Noël Bourcier

En regard des grand maîtres, les images sont en couleurs. Est-ce que la notion de contraire se situe aussi dans le noir et blanc opposé à l’emploi de la couleur dans l’espace de la double-page ?

J’ai d’abord gardé le noir et blanc pour le défi car on dit souvent qu’il n’est pas fait pour les enfants. C’est en fait un langage possible. C’était ma discipline. Les illustrations sont en couleurs parce que c’est aussi confronter hier et aujourd’hui. Cette idée de faire un lien entre le présent et le passé, c’est le rôle qu’on peut avoir vis-à-vis des jeunes générations qui ont tendance à rejeter le passé pour se préoccuper de faire du neuf. Mon travail de médiateur c’est d’aller chercher de l’inspiration dans le passé pour produire quelque chose de neuf. Je crois au potentiel des images anciennes comme moteur pour l’inspiration.

En m’adressant aux jeunes générations je voulais actualiser le regard sur ces vieilles photos et montrer que leur langage parle aux jeunes. La couleur ajoute aussi un cote peps, récréatif. Les trésors à découvrir sont des photos anciennes.

Pourquoi ne pas explorer d’autres concepts ? Pourquoi ne pas poursuivre cette entreprise de médiation ?

Je n’ai pas fait d’autres livres effectivement. Dans mon parcours je n’avais pas décidé d’être un auteur jeunesse. Je suis resté dans le milieu de la photo mais avec d’autres activités.  Cet ouvrage  a bien fonctionné.  Il a été épuisé en cinq ans. Il avait été tiré à 6000 exemplaires, c’est plutôt un bon tirage. J’avais réalisé une exposition en même temps que le livre et elle circulait dans les Fnacs à l’époque où cette enseigne possédait une galerie permanente.

A quand une réédition ?

 

copyright Sam Lévin/ Noël Bourcier

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Expo photolittérature à Toulouse, les coulisses

« Clic Clac la photographie dans la littérature jeunesse », médiathèque José Cabanis, Toulouse

Pour découvrir les coulisses de l’exposition « Clic-Clac la photographie dans la littérature jeunesse », il faut lire l’entretien que m’a accordé Murièle Modély, bibliothécaire responsable des collections patrimoniales jeunesse et de la coordination de la Médiation du Patrimoine écrit , pour le site des Littératures Modes d’emploi  : https://www.litteraturesmodesdemploi.org/entretien/clic-clac-la-photographie-dans-la-litterature-jeunesse-a-la-mediatheque-jose-cabanis-toulouse/

Les secrets de madame Moutarde : Jane Wattenberg est notre invitée.

L’autrice américaine Jane Wattenberg, aussi connue sous le nom de plume de madame Moutarde, est dans Miniphlit. 

Ses ouvrages multi-récompensés sont emplis de personnages hybrides, de photo-compositions loufoques  et surprenantes.

Si ses créations invitent au jeu et à l’étonnement, Jane Wattenberg est également une importante collectionneuse d’ouvrages photolittéraires pour la jeunesse dont elle s’efforce de retracer l’histoire.

Interview en anglais puis en français depuis la Californie, avant le très prochain colloque sur la photolittérature jeunesse. .

When did you start creating picture books ?

Snip! Snip! Snap! I always had scissors in my hands and I began collaging with found photos at an early age, right from the get-go. My little Brownie Kodak camera eventually evolved to ever-fancier cameras. Darkroom work was full of surprise, discovery and magic.

I have published one fun children’s book drawn by hand (Mrs. Mustard’s Name Games, Chronicle Books), but I always knew photography was for me. So before computers, I used scissors and tape. After computers, the seas parted! and my cut collage became smooth, nuanced photomontage.

My early photo-illustrations were art pieces, book covers, a Herbie Hancock album cover, book and magazine illustrations, as well as photo-puzzles in children’s magazines like Sesame Street, Electric Company, as well as Dynamite and Bananas magazines from Scholastic Books and a crazily, obsessive photo-maze on a tennis racket for Women’s Sports Magazine. All this led to picture books!

Could you present you books to french readers ? 

The accordion, fold-out board book, stand alone, Mrs. Mustard’s Baby Faces, 1989, was my first picturebook; soon followed by its sequel, Mrs. Mustard’s Beastly Babies, 1990. I was inspired by a baby in daycare with my middle son; just the two babies together. For whatever reason, that baby cried and cried inconsolably! (She is the most cheerful and ultra-accomplished woman today!) I began photographing her and so began the genesis of this book that I consider Baby’s First Novel; you laugh and you cry! Both are still in print over 30 years later. Babies love them. The subsequent page-turning books were yet to come! 

Henny-Penny was published in 2000. This book was fantastic fun to make.  It was an exploration, a challenge and a leap. I proposed the book to be a digital book and it was accepted. But I hadn’t ever worked on a computer!  And so I learned! And I built a hen house, gathered up some chickens with personality, a few ducks, and an illegal rooster (not allowed as deemed too noisy!) creating an urban farm right in the middle of San Francisco. My main characters and cameras were close to me at all times. I re-wrote the old folktale in a Hip-Hop-Scat combo. Henny-Penny and her entourage travel the world, passing monuments like the Taj Mahal, the Leaning Tower of Pisa, and the Parthenon as they try to find the King. The landscapes are built from parts of photos I have taken. You can find a montage of stone caves I photographed in Thailand, parts of Mammoth Falls from a trip through Yosemite National Park in California, a pastoral landscape from Colorado, and true and funny signage I find while traveling.

Photographing Foxy-Loxy was an unforgettable experience as were the WOLVES for my next book, Never Cry Woof!  I met many eccentric people who keep wolves as pets. One wolf tried to take a juicy bite out of me. But I did get the photos I wanted. Of the multiple dogs in Never Cry Woof!, all were interviewed for their roles the way casting directors look for actors in films. Don’t forget to look for the fleas on most every page.  This book is a retelling of the Boy Who Cried Wolf, but here the dogs guard the sheep and the rascal dog, Bix, is the one who cries WOOOOF!! It’s a romp and Bix’s boredom, his antics, his hat collection were so much fun to illustrate with photography.

Could you tell us why Baby Faces and Beastly Babies have no word ?

Mrs. Mustard’s Baby Faces and Mrs. Mustard’s Beastly Babies are wordless. The accordion fold-out shape is essential to the book.  I began approaching publishers with my more complicated photomontage stories, but was originally turned away. In those days, American children’s book publishers were reluctant to print full-color photobooks, expensive at that time. And then there was the unusual look to my books! So I decided to simplify and make these accordion style board books. Bingo! They were a success and led to the acceptance of my future books.  I felt words were unnecessary. The baby faces spoke volumes. More of an issue from the publisher’s point of view was the heads ONLY approach. Editors were initially upset that bodies were not attached! But to me the heads were like masks and the shoulders and necks were just distracting clutter!

The jazzy, vibrating backdrops stimulate the babies interacting with the babies on the page: Happy, jolly, beaming on one side– cranky, crabby, crying babies on the other. They make me laugh and cry and I thought babies would equally feel and react emotion.

At a book signing, an irate mom told me she called up a major art museum telling them to stop! STOP! selling my Mrs. Mustard Books in their store as the photos showcased all boys! I asked her, “Why do you think that?” She said, “Just look, they don’t have hair, etc…..”

I then introduced her to the babies and showed her that there are, indeed, more girl babies than boys in the books.

Why did you chose photography rather than another medium ?

I have always been drawn to photography, to double exposures, to humor, visual puns, collage, photomontage, spirit photography, ghost images, surrealism. Using a real photo image in a fantasy setting is powerful. I snap the photos, print, scan and collage. If I find myself laughing, surprised, excited by what’s happening, I know it’s on target. After the hard scramble to get the image to communicate, it is immensely satisfying.

Your work makes me think of Hannah Höch’s Picture book. Has her work inspired you ?

Yes, Hannah Hoch’s art is always an inspiration although I remember seeing her work in person, in a New York City gallery, for the very first time when I was quite young and thinking how crude her edges, and how careless on plain cardboard, without my understanding context and character. Of course later, I completely reversed this opinion and continually discover new, provocative challenges from her artwork.

Another inspiration has been the German photographer, Grete Stern and other Bauhaus photographers. Perhaps you have seen some British Victorian Scrapbooks which are exceptional examples of the first creative photomontage in and around the 1870’s. Created mainly by women, family photos were cut out and glued onto often amusing painted backdrops. The resulting images were mainly personal but often political, witty and clever. Man Ray, Magritte, and John Heartfield’s political art in the Weimar years, Max Fleishman’s early cartoon films, Indian watercolors, all are further inspirations. I am also continually inspired by 20th C children’s photobooks. Photographers like Jan Lukas and Milada Einhornova from Czechoslovakia, Zuzine and Jean Tourane from France, Pietinen from Finland, Phelan and quirky lesser known artists from America, so many from England, all are thoroughly compelling.

I remember you have an impressive collection of photo-illustrated books

As an undergraduate, I studied art history and interned at the Guggenheim Museum. While in graduate school as a photographer, I interned at the George Eastman Museum (formerly the International Museum of Photography at the George Eastman House) Rochester, New York. My love for children’s books and my wish to make picturebooks led me to collect photo-illustrated books for children for years upon years. It’s a niche area of study, as you know! My collection is broad although I lean towards photo-fantasy picturebooks that explore creative photo-illustration before Photoshop was ever invented! My chapter on the history of photography in picturebooks can be read in the Routledge Companion to Picturebooks, 2018.

I must mention yet another book of mine you that might not be familiar. Using Edward Lear’s text for my version of The Duck and The Kangaroo, I incorporated early naturalist’s paintings into my photo scenes. Edward Lear was a landscape painter; it was his livelihood, in fact. In his honor, I have woven into my photo-illustrations Edward Lear’s very own animal paintings along with the work of over 25 other artists from 1550-1850 including George Catesby and Maria Sibylla Merian.  Into these fanciful pages their art is blended to give a time stamp to Lear’s fanciful text. As in all my books, the photos are mine. I even traveled to Australia to meet the right Kangaroo. The artists are listed in the endpages.

You asked about This is the Rain, text by Lola Schaefer. It’s my only book where I had no part in writing the text. The publisher asked me to photo-illustrate this lovely poem about the water cycle. This book has been translated into Korean and was made into a super large volume by National Geographic for Classrooms of kids to enjoy. After many years, I finally met Lola when we both helped in Mississippi schools after the fatal flood in the New Orleans area, brought on by Hurricane Katrina. But illustrating books for others is more difficult for me. I prefer having control over the whole project; interweaving the writing with photos, adding humor in both text and image.

Presently, I am writing photo-history essays in the area of photo-illustrated children’s picturebooks and working on future children’s book projects. I’ve also been working as a contact tracer for the health department during this long siege of the Covid pandemic.

Where can we find your books in France ?

Alas, I think the only way to find my books in France is through Abebooks.com, on Amazon, or on order from bookstore sites.

https://www.janewattenberg.com/

Et dans le New York Times https://www.nytimes.com/2019/11/27/books/best-baby-books.html?fbclid=IwAR2nVgPmY8-965JobeJw2U6YeOgDxuRf2Le9v3t3Xyo1u6p6vufb1ili9rU

A quel moment vous êtes vous lancée dans l’aventure des albums pour la jeunesse  ?

J’ai toujours eu des ciseaux dans les mains et j’ai commencé à faire des collages avec des photos trouvées dès mon plus jeune âge. Mon petit appareil photo Brownie Kodak a fini par évoluer vers des appareils toujours plus performants. Le travail en chambre noire était plein de surprise, de découverte et de magie.

J’ai publié un amusant livre pour enfants dessiné à la main (Mrs. Mustard’s Name Games, Chronicle Books), mais j’ai toujours su que la photographie était pour moi. Donc, avant l’ordinateur, j’utilisais des ciseaux et du ruban adhésif. Après l’ordinateur, les mers se sont séparées ! et mon collage découpé est devenu un photomontage lisse et nuancé.

Mes premières illustrations photographiques étaient des œuvres d’art, des couvertures de livres, une couverture d’album de Herbie Hancock, des illustrations de livres et de magazines, ainsi que des puzzles photographiques dans des magazines pour enfants comme Sesame Street, Electric Company, ainsi que des magazines Dynamite et Bananas de Scholastic Books et un masque (?) sur une raquette de tennis pour le Women’s Sports Magazine. Tout cela a donné naissance à des livres d’images !

Pourriez-vous présenter vos livres aux lecteurs Français ? 

L’accordéon, livre en carton dépliable,  Mrs. Mustard’s Baby Faces,  publié en 1989, a été mon premier livre d’images ; bientôt suivi de sa suite, Mrs. Mustard’s Beastly Babies, en 1990. J’ai été inspirée par un bébé en garderie avec un de mes fils ; juste les deux bébés. Pour une raison quelconque, ce bébé pleurait et pleurait inconsolablement ! (C’est la femme la plus joyeuse et la plus accomplie d’aujourd’hui !) J’ai commencé à la photographier et c’est ainsi qu’a démarré l’aventure de ce livre que je considère comme le premier roman de bébé ; on rit et on pleure ! Les deux sont toujours imprimés plus de 30 ans plus tard. Les bébés les adorent. Les livres qui ont suivi n’ont pas encore été publiés ! 

Henny-Penny a été publié en 2000. Ce livre a été très amusant à réaliser.  C’était une exploration, un défi et un saut. J’ai proposé que le livre soit un livre numérique et il a été accepté. Mais je n’avais jamais travaillé sur un ordinateur !  Et j’ai donc appris ! Et j’ai construit un poulailler, rassemblé quelques poulets de caractère, quelques canards et un coq illégal (interdit car jugé trop bruyant !) pour créer une ferme urbaine en plein milieu de San Francisco. Mes personnages principaux et mes caméras étaient toujours près de moi. J’ai réécrit le vieux conte populaire dans un combo Hip-Hop-Scat. Henny-Penny et son entourage parcourent le monde, passant devant des monuments comme le Taj Mahal, la tour penchée de Pise et le Parthénon pour tenter de retrouver le roi. Les paysages sont construits à partir de parties de photos que j’ai prises. Vous pouvez trouver un montage de grottes de pierre que j’ai photographiées en Thaïlande, des parties de Mammoth Falls provenant d’un voyage dans le parc national de Yosemite en Californie, un paysage pastoral du Colorado, et des panneaux de signalisation vrais et drôles que je trouve en voyageant.

Photographier Foxy-Loxy a été une expérience inoubliable, tout comme les loups pour mon prochain livre, Never Cry Woof !  J’ai rencontré de nombreuses personnes excentriques qui possèdent des loups pour animaux de compagnie. Un loup a même essayé de me mordre. Mais j’ai obtenu les photos que je voulais. Parmi les nombreux chiens de Never Cry Woof !, tous ont été interviewés pour leur rôle, comme le font les directeurs de casting pour les acteurs dans les films. N’oubliez pas de chercher les puces sur presque chaque page.  Ce livre est une reprise du Boy Who Cried Wolf, (Le garçon qui criait au loup) mais ici les chiens gardent les moutons et le chien coquin, Bix, est celui qui crie WOOOOF ! C’est un jeu et l’ennui de Bix, ses pitreries, sa collection de chapeaux étaient tellement amusants à illustrer par la photographie.

Pourquoi avoir choisi la photographie plutôt qu’un autre medium ?

J’ai toujours été attiré par la photographie, les doubles expositions, l’humour, les jeux de mots visuels, le collage, le photomontage, la photographie d’esprit, les images de fantômes, le surréalisme. L’utilisation d’une image photographique réelle dans un contexte de fantaisie est puissante. Je prends les photos, je les imprime, je les scanne et je fais des collages. Si je me trouve à rire, à être surprise, excitée par ce qui se passe, je sais que j’ai atteint ma cible. Après la dure bataille pour faire parler l’image, c’est immensément satisfaisant.

Votre travail me fait penser à celui d’Hannah Höch. Est-ce qu’elle est une source d’inspiration pour vous ?

Oui, l’art d’Hannah Hoch est toujours une source d’inspiration. Je me souviens avoir découvert son travail , dans une galerie de New York, pour la toute première fois quand j’étais très jeune et avoir trouvé grossiers les contours et ordinaires  ses réalisations sur carton.  Je ne comprenais pas le contexte et le caractère de son travail. Bien sûr, par la suite, j’ai complètement changé d’avis et je découvre continuellement de nouveaux défis provocateurs dans son travail artistique.

Le photographe allemand Grete Stern et d’autres photographes du Bauhaus ont été une autre source d’inspiration. Vous avez peut-être vu des albums britanniques de l’époque victorienne qui sont des exemples exceptionnels des premiers photomontages réalisés dans les années 1870. Créés principalement par des femmes, les photos de famille étaient découpées et collées sur des fonds peints souvent amusants. Les images qui en résultaient étaient très personnelles, mais souvent politiques, spirituelles et intelligentes. L’art politique de Man Ray, Magritte et John Heartfield dans les années Weimar, les premiers films d’animation de Max Fleishman, les aquarelles indiennes, sont autant d’autres sources d’inspiration. Je suis aussi continuellement inspirée par les livres de photos pour enfants du XXe siècle. Des photographes comme Jan Lukas et Milada Einhornova de Tchécoslovaquie, Zuzine et Jean Tourane de France, Pietinen de Finlande, Phelan et d’autres artistes moins connus et originaux d’Amérique, dont beaucoup viennent d’Angleterre, sont tous très fascinants.

Je me souviens que vous possédez une impressionnante collection de livres photo-illustrés.

Etudiante, j’ai étudié l’histoire de l’art et j’ai fait un stage au musée Guggenheim. Pendant mes études  de photographie, j’ai fait un stage au George Eastman Museum (anciennement le Musée international de la photographie de la George Eastman House) à Rochester, New York. Mon amour pour les livres pour enfants et mon désir de faire des livres d’images m’ont amené à collectionner des livres illustrés pour enfants pendant des années. Comme vous le savez bien, c’est un nouveau domaine d’étude ! Ma collection est vaste, bien que je penche pour les livres d’images de fantaisie qui explorent la photo-illustration créative avant même que Photoshop ne soit inventé ! Vous pouvez lire mon chapitre sur l’histoire de la photographie dans les albums pour la jeunesse dans  le Routledge Companion to Picturebooks, 2018.

Pourquoi  Baby Faces and Beastly Babies n‘ont-ils pas de texte ?

 La forme pliée en accordéon est essentielle au livre.  J’ai commencé par démarcher les éditeurs avec mes histoires réalisées en photomontages et ils ont été refusés. À l’époque, les éditeurs américains de livres pour enfants hésitaient à imprimer des livres photos en couleur, chers à l’époque. Et puis mes livres offraient un aspect assez inhabituel ! J’ai donc décidé de simplifier et de faire ces livres en carton de style accordéon. Bingo ! Ils ont connu le succès et ont ouvert le chemin pour les livres suivants.  J’ai senti que les mots étaient inutiles. Les visages de bébé en disaient long. Du point de vue de l’éditeur, le problème était plutôt l’approche des têtes SEULEMENT. Les éditeurs ont d’abord été contrariés par le fait que les corps n’étaient pas présents ! Mais pour moi, les têtes étaient comme des masques et les épaules et le cou n’étaient qu’un fouillis distrayant !

Les fonds jazzy et vibrants stimulent l’interaction entre les bébés et ceux qui sont sur la page : Joyeux, jovial, rayonnant d’un côté, grincheux, crabe, pleurant de l’autre. Ils me font rire et pleurer et je pensais que les bébés ressentiraient et réagiraient de la même façon à ces émotions.

Lors d’une séance de dédicace, une mère en colère m’a dit qu’elle avait appelé un grand musée d’art pour leur dire d’arrêter !  » Arrêtez ! de vendre mes livres de Mme Moutarde dans leur magasin car les photos montraient tous les garçons ! « Je lui ai demandé : « Pourquoi pensez-vous cela ? » Elle m’a répondu : « Regardez, ils n’ont pas de cheveux ! » .Je lui ai ensuite présenté les bébés et lui ai montré qu’il y avait en fait plus de bébés filles que de garçons dans les livres.

Je dois vous parler aussi d’ un autre de mes livres que vous ne connaissez peut-être pas. J’ai utilisé le texte d’Edward Lear pour mon adaptation  de The Duck and The Kangaroo. J’ai incorporé les peintures des premiers naturalistes dans mes scènes photographiques. Edward Lear était un peintre paysagiste ; c’était son gagne-pain, en fait. En son honneur, j’ai intégré dans mes illustrations photographiques certaines de ses peintures d’animaux, ainsi que les œuvres de plus de 25 autres artistes de 1550 à 1850, dont George Catesby et Maria Sibylla Merian.  Dans ces pages fantaisistes, leur art est mélangé pour donner un cachet temporel au texte fantaisiste de Lear. Comme dans tous mes livres, les photos sont les miennes. J’ai même voyagé en Australie pour rencontrer le bon kangourou. On peut retrouver la liste des artistes à la fin de l’ouvrage.

Je dois aussi vous parler de This is the Rain. C’est le seul livre pour lequel je n’ai pas participé à l’écriture du texte qui est de Lola Schaefer.. L’éditeur m’a demandé de photo-illuster ce beau poème sur le cycle de l’eau. Ce livre a été traduit en coréen et le National Geographic en a fait un très grand volume pour que les classes d’enfants puissent en profiter. J’ai  rencontré Lola lorsque nous avons tous les deux apporter notre aide dans les écoles du Mississippi après l’inondation fatale dans la région de la Nouvelle-Orléans, provoquée par l’ouragan Katrina. Mais illustrer des livres pour les autres est plus difficile pour moi. Je préfère avoir le contrôle sur l’ensemble du projet ; entrelacer l’écriture avec des photos, ajouter de l’humour dans le texte et l’image.

Actuellement, j’écris des articles sur l’histoire des  albums photos  pour enfants et je travaille sur de futurs projets de livres pour la jeunesse. J’ai également travaillé avec le département de la santé pour tracer les cas contacts pendant ce long confinement.

Où peut-on trouver vos livres en France ?

Hélas, je pense que le seul moyen de trouver mes livres en France est de passer par Abebooks.com, sur Amazon, ou de les commander sur des sites de librairies.

Merci beaucoup Jane !

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TILL, conte en bande photographiée

Novembre, 2014
22.00 x 29.60 cm
104 pages

 Till est le prénom d’un enfant de presque huit ans dont le lecteur va suivre les aventures, depuis son retour de l’école jusqu’à la maison familiale, en passant par les sous-bois d’une forêt profonde une nuit de pleine lune. Toujours seul, ou presque, Till explore et observe le monde, l’œil rivé à l’oculaire d’un microscope-cadeau d’anniversaire ou la torche à la main. Il ne semble craindre ni les ombres, ni les bruits de la forêt, ni les dangers de la ville.  Pourquoi avoir peur ? Ne serait-il pas un peu renard lui-même, comme semble le suggérer les images finales et la quatrième de couverture ? 

Les images de la photographe Valérie Archeno s’enchaînent et portent le récit, accompagnées par les mots du chanteur Bertrand Belin pour dire ce que les images ne peuvent exprimer. 

Thomas Gabison de chez Actes Sud nous  fait découvrir cet ouvrage.

Till fait partie d’une collection que vous dirigez chez Actes Sud. Y-a-t-il une  ambition de votre maison de développer des ouvrages photolittéraires ?

Thomas Gabison : Nous publions surtout de la bande dessinée adulte, avec le désir d’éditer une lecture du monde d’auteurs singuliers. Quand les auteurs souhaitent s’adresser aux enfants, avec la même singularité et la même complexité, alors il nous arrive d’éditer des livres destinés à la jeunesse.

Qu’est ce qui vous a amené à vous occuper de cette collection alors que, sauf erreur de ma part, vous êtes plutôt engagé dans le monde de la BD, non ?

Ce livre est une séquence d’images qui raconte. Texte et images sont liés et racontent ensemble. C’est, disons, de le la « bande photographiée ». Dans le cas de la bande dessinée, le dessin est le style littéraire des auteurs. Ici, le style, ou le langage, c’est la photographie.

Certains enchaînements de photographies font penser à des successions de cases dans une planche de BD. Est-ce votre influence ?

En tout cas, ce n’est pas du cinéma.  Mirai Chan de Kawashima Kotori, dont nous admirions la forme, a inspiré celle de Till

Comment est née cette idée de Till et pour quelles raisons avez-vous fait appel à ces créateurs ?

Je connaissais Bertrand Belin et Valerie Acheno qui avaient déjà développé une grande complicité . Bertrand est sans doute l’un des plus grand écrivain/chanteur actuel et le travail photographique de Valérie Archeno m’a toujours envouté.

Qui est intervenu en premier ? Le photographe ou l’auteur des mots ? Était-ce une écriture à quatre mains ?

Nous avions envie tous les trois de faire ce livre ensemble de façon assez expérimentale. Il y a au départ, une intuition et comme un cadavre exquis puis il a fallu poser l’univers et Bertrand a ficelé le tout. Dans les chansons de Bertrand Belin, il y a également peu de mots et ils  évoquent beaucoup d’images.

Il y a eu un va et vient entre le texte et l’image. L’histoire s’est construite au fur et à mesure. Il fallait éviter des redondances entre le texte et l’image. Le texte guide l’œil et pose le rythme de lecture.

Qui est Till finalement ?

La réponse était plus claire à la première écriture, il s’agissait d’un renard qui rêvait qu’il était un enfant.

Mais Bertrand a préféré rester évasif, car ce n’est pas tant le sujet de qui il est, que ce qu’il traverse qui importe.

Est-ce que tout n’est finalement que rêve dans cette histoire ? Est-ce que la photographie était selon vous le meilleur medium pour la raconter ?

C’était en tout cas un bon moyen de mélanger la poésie du chanteur et le langage de la photographe. Aucun des deux artistes ne savait dessiner.

Qui sont les lecteurs de Till ?

A partir de 5 ans, je crois que le livre fonctionne très bien. Je fais souvent la lecture en librairie et il se passe quelque chose. Les photos de Valérie Archeno sont suffisamment irréelles pour permettre d’entrer dans le  conte.

Mais on sent qu’il y a une résistance de la part des parents. à faire lire des livres photo-illustrés aux enfants. J’ai été libraire une vingtaine d’années. J’ai constaté que les parents doivent souvent faire des  efforts pour proposer des ouvrages différents ou novateurs à leurs enfants. Il faut aussi qu’ils soient d’abord séduits.  Ils préfèrent souvent se tourner vers des ouvrages standardisés. J’ai également publié un  livre américain des années 1970 de Mark Alan Stamady, De l’utilité des Donuts, tout en noir et blanc, mais un noir et blanc plein d’une folie formidable. Bref, une mère m’ a dit sèchement un jour, « non mon fils n’aime pas le noir et blanc ! et je lui ai répondu « et il n’aime pas non plus les haricots verts… »​ cette réponse colorimétrique sortie toute seule est significative, je crois.

Vous-même, avez-vous un souvenir de lecture enfantine ? Y-avait-il des livres photos ?

J’ai été éduqué au Père Castor et les éditions de la Farandole. Le seul livre photo est Le ballon rouge d’après le court métrage de Lamorisse. Aujourd’hui je le trouve trop méchant avec les autres enfants mais à l’époque, il me fascinait. J’en ai encore des images gravées dans ma mémoire. Depuis j’ai découvert de nombreux ouvrages photo-illustrés grâce à Mémo et aux Trois Ourses. Et puis il y a évidemment les livres de Tana Hoban que j’admire !

Le site de Valérie Archéno https://www.valerie-archeno.com/

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Voir, observer, penser, et dire… avec Nicolette Humbert

20 x 15 cm, 2014

De loin, de près, la photographe Nicolette Humbert propose aux plus jeunes d’observer le monde. Son appareil photo est comme l’ œil d’un enfant curieux. Il n’y a presque plus qu’à tendre la main pour saisir les coquillages, caresser le museau d’un veau, suivre le contour d’un légume charnu… On touche avec les yeux !

Avec leurs images entre poésie et documentaire, les ouvrages de cette  collection d’ imagiers publiés par la maison d’édition La Joie de Lire tendent aussi des invitations à observer, penser, déduire mais aussi s’amuser… La photographe Nicolette Humbert nous fait le plaisir d’être notre invitée. 

Chère Nicolette Humbert, quel est donc votre parcours ?

Après un baccalauréat littéraire, je m’oriente vers la faculté des lettres modernes avec pour objectif d’être enseignante des écoles, suivant le mode d’enseignement Fresnet, Montessori… Mais si cette voie me plaît et a du sens pour moi, elle n’est pas celle que je souhaitais dès l’âge de 12 ans : les Beaux-Arts. A cette époque, je dessinais… pas très bien, il faut avouer… La photographie est venue plus tard lorsque l’on m’a offert mon premier appareil photo : un zénith entièrement manuel. Dès lors, mon appareil ne m’a plus quittée… La photographie pour moi, elle commençait de la pellicule au tirage photo. J’ai passé beaucoup d’heures dans mon petit labo.

J’ai décidé d’interrompre la faculté au cours de la troisième année et de tenter le concours d’entrée à l’ENSA de Nancy… et j’ai été prise ! DNSEP en poche, je suis allée à Paris et me suis proposée à SIPA Press comme correspondante en Lorraine. J’ai par ailleurs commencé mes premiers reportages dirigés vers le social, les actions humaines… et j’ai intégré en parallèle une agence en communication. Aujourd’hui je me consacre entièrement à la photographie : illustration jeunesse, reportages, enseignement…

A quel moment la littérature jeunesse est-elle arrivée dans votre pratique professionnelle ?

Mon intérêt pour la littérature jeunesse a commencé par une demande d’illustration de poèmes sur les animaux de la ferme en 2003. Je me suis alors posée la question de ce que je pouvais apporter à l’existant, à ce sujet maintes fois représenté, et au-delà du sujet lui-même ce que la photographie pouvait apporter. Pour y répondre, il me fallait m’interroger sur ma pratique photographique et définir ce qu’elle m’apportait à moi et qui serait « utile » aux tout-petits : la découverte du monde, voire une révélation du monde, une manière de se l’approprier et de s’y inscrire… Quant à la photographie, elle apporte émotion et ouvre à l’observation ; chez le tout-petit (chez les adultes aussi par ailleurs), elle offre un éveil du regard.

2012

Comment s’est faite la rencontre avec La Joie de Lire ?

Je connaissais les Editions La Joie de lire à travers quelques albums que j’avais, mais plus largement à travers leur catalogue. Il n’y avait pas de collection consacrée à la photographie mais La Joie de lire avait déjà publié un album photographique de style documentaire et engagé :  Silence rompu , textes tirés de la Convention relative aux droits de l’enfant et photographies de Raymond Depardon.

C’est au Salon du livre de Montreuil que nous nous sommes rencontrées pour la première fois avec Francine Bouchet, l’éditrice. J’étais à la moitié de ma série photo consacrée aux animaux de la ferme. Francine a été sensible à mon regard et à ma photographie. Mon premier album, « A la ferme » est sorti un an après en 2005.

Quelle est la place pour les mots dans vos imagiers ?

J’apporte beaucoup d’importance à l’image et à l’image photographique en particulier comme représentation « au plus proche de la réalité » et comme mode d’expression. Elle peut de fait se suffire à elle-même par sa force évocatrice, par ce qu’elle peut susciter en émotions et développer l’imagination. Les mots viennent en deuxième temps. Dans mes albums, les mots arrivent à la fin. Après la contemplation, vient le moment de nommer.

Peut-on parler d’apprentissage du regard grâce à vos ouvrages ?

Oui mes albums ont ce souhait, au-delà de susciter des émotions, d’éduquer le regard. Comme on apprend à lire et à écrire, il est nécessaire d’apprendre à regarder.

2013

S’agit-il également d’initier les enfants aux multiples possibilités de la photographie ?

Les différentes approches photographiques dans mes albums donnent à voir les possibles de la photographie, mais ces approches tentent surtout à montrer qu’en se déplaçant, tournant autour d’un objet, il est possible de le voir autrement, d’en discerner toutes les particularités. Selon où on se place, l’objet s’offre à nous sous ses multiples facettes. La gestuelle liée à la prise de vue est importante ; elle l’est en photographie mais elle doit l’être tous les jours dans notre façon de voir et de percevoir, de vivre le monde et le ressentir.

Êtes-vous une « photographe-engagée » ?

La pensée passe chez moi par l’observation, l’expression de ma pensée passe par la photographie. En ce sens, je suis une photographe-engagée.  

Je suis engagée dans ma conviction : conviction que l’épanouissement de l’Être passe par la compréhension de soi, de son rapport à l’autre et de son rapport au monde. « Trouver sa place » n’est pas inné. On peut avoir celle que l’on nous donne à la naissance mais alors ce n’est pas celle qu’on a choisi. Voir, observer, penser…

2012

Un projet en préparation dont vous pourriez nous dire quelques mots  ?

Plusieurs projets en tête et un plus particulièrement, dans la lignée des précédents albums, mais je suis peu bavarde sur mes albums en cours; c’est lorsqu’ils sont bien avancés et que je peux être assurée de la pertinence que je peux alors en parler.

Que lisiez-vous enfant ? Y avait-il des livres-photos ?

Il y avait peu de livres chez moi…

Les photos de famille étaient réunies dans des albums que j’aimais feuilleter. Ils remplaçaient les livres. Photos en couleur ou en noir et blanc au contour blanc et dentelé. Je passais beaucoup de temps à scruter les visages, la façon dont les personnes étaient habillées… En légende, un lieu et une date uniquement. Je m’imaginais la vie des gens sur les photos, de ceux que je n’avais pas pu connaître.

Cela représentait beaucoup d’histoires !

 

Pour retrouver le travail de Nicolette Humbert, c’est ici  : https://www.facebook.com/NicoletteHumbert ou encore ici https://www.lajoiedelire.ch/auteurs/humbert/

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Du livre jeunesse au livre d’artiste, entretien avec Brigitte Morel

Les éditions (Les Grandes Personnes) fêtent leurs dix ans à la Galerie Gallimard rue de l’université à Paris.

Pour l’occasion, je m’entretiens avec Brigitte Morel et c’est à lire sur le site des Littératures Modes d’emploi : ihttps://www.litteraturesmodesdemploi.org/entretien/du-livre-jeunesse-au-livre-dartiste-les-grandes-personnes-fetent-leurs-dix-ans-a-la-galerie-gallimard/

Un grand merci à la Galerie et à François Delebecque pour les illustrations ! 

Francois Delebecque, bâtisseur d’images

Editions Thierry Magnier-2005-42pages-20,5/20,5cm

Au moment où la maison d’édition Les Grandes Personnes fête ses dix ans à la galerie Gallimard (interview à venir),  un de ses auteurs phares,  le photographe, plasticien et sculpteur  François Delebecque, auteur de nombreux ouvrages photolittéraires pour la jeunesse, nous a accordé une interview. 

Des imagiers-devinettes  reconnaissables à leur silhouette en noir et blanc en couverture, aux mises en scènes photographiées qui plongent le lecteur dans un monde de souvenirs et de songes, en passant par le roman photo policier pour adolescents, rencontre avec un artiste de la lumière.

Cher François Delebecque, merci d’accueillir notre site dédié à la photolittérature jeunesse. En quelques mots, quel est votre parcours ?

Initié à tous les arts par ma mère, j’ai choisi la photographie pour son impact sur le réel (et sa transformation…). Il y avait un labo NB à la maison.

Après un bac D (sciences naturelles) j’ai fait 2ans d’études de biologie. Après deux stages à Arles, j’ai été assistant d’artistes et de photographes professionnels pour apprendre le métier et la lumière. Dans les années 80 la Photographie n’était pas un Art. Depuis j’ai toujours alterné simultanément mes travaux artistiques, qui procèdent de la nécessité absolue (Photos, sculptures, courts métrages), et les travaux alimentaires  dans l’illustration, la nature morte de studio, l’enseignement et les livres pour enfants.

Comment la littérature de jeunesse a-t-elle pris place dans votre carrière ?

J’ai travaillé très tôt pour Gallimard (couvertures de Séries Noires, Campagne d’architecture Gothique pour l’Univers des Formes…) et pour Gallimard Jeunesse que Pierre Marchand venait de créer. J’ai réalisé avec le romancier Michel Chaillou un roman photo à épisodes pour adolescents (Les Habits du Fantôme) dans la revue Piranha (coédition Gallimard/Télérama) en 1985-86 qui a paru 13 ans plus tard au Seuil Jeunesse sous forme de texte illustré.

L’éditrice/directrice artistique du Seuil Jeunesse Brigitte Morel, constatant le peu de livres pour enfants en photo et au regard de mon écriture visuelle poétique, m’a proposé de travailler sur un projet de livre photo, au départ avec un sujet que j’avais déjà traité en NB : la plage. J’ai réalisé les photos en 10 jours et le texte en une semaine.  La Plage d’où les bateaux s’envolent a paru en 2001. Et depuis, à part Les Songes de l’Ours publié chez Thierry Magnier, tous mes livres pour les enfants sont réalisés en collaboration avec Brigitte Morel.

C’est une part de mes activités, que je revendique, complémentaire de mes autres travaux.

Seuil Jeunesse -2001-16/16cm-56 pages

Vous inscrivez-vous dans une filiation photographique ? ou cinématographique ? J’ai cru déceler quelques références filmiques dans vos images.

Initialement je suis franchement d’inspiration photographique, mais de ceux qui « utilisent » la photographie comme moyen d’expression (le reportage est un autre métier par exemple).

Je ne prends pas des photos, je construis des images.

Mes inspirations de structuration photographique son plutôt Duane Michals, Christian Vogt, Guy Bourdin, Robert Mapplethorpe, Paul de Nooijer, Diane Arbus, Mona Kuhn… et plus tard les plasticiens comme Rebecca Horn, Iannis Kounellis ou des classiques comme Giacometti, Cartier Bresson…

Par contre comme j’ai un style narratif où le contenu de l’image importe tout autant que la forme, et vu que je fais des films courts (je n’aime pas le terme vidéos car mes films sont narratifs) on peut déceler une filiation cinématographique sans être plus appuyée qu’une culture générale.

La photographie est-elle selon vous le medium par excellence pour révéler ce qui se passe dans la tête des enfants lorsqu’ils font des cauchemars ou lorsqu’ils sont en train de jouer ?

Je ne suis pas sûr d’adhérer à cette assertion, ou je ne comprends pas la question… Si le dessin peut faire rêver ou faire décoller l’imaginaire, voire révéler les peurs ou troubles des enfants (chez un psychologue par exemple), ce serait une photographie mise en scène qui mettrait en évidence les cauchemars des enfants ?

Mais surtout comment rentrer dans la tête de tous les enfants, chacun ayant sa perception du réel et de son imaginaire, que ce soit en jouant ou en faisant des rêves ou des cauchemars…

Seuil-1999-130 pages-14,5/22cm

Comment se fait le choix entre le noir et blanc (Les Songes de l’Ours, Les habits du fantôme) et la couleur (Rêve de plage) ?

Les Songes de l’Ours était au départ un projet pour adulte que le collectionneur d’Ours (et aussi créateur du salon du livre de Villeurbanne) m’a suggéré de réaliser entre autres pour le centenaire de l’ours en peluche (en 2003). J’ai promené avec moi pendant 3 ans une sélection d’ours de sa collection. Ils avaient un  tel vécu (dépenaillés, recousus, chargés d’affect) que d’évidence  j’allais travailler en NB (et à l’époque en argentique, 6/6cm négatif NB) pour voguer sur la nostalgie émanant de ces ours. Après différentes péripéties éditoriales, j’ai finalement décidé de faire le livre de mon côté (chez Thierry Magnier qui voulait travailler avec moi, et aussi car Brigitte Morel trouvait le projet trop porté sur la nostalgie justement), en suivant au niveau du texte la manière dont j’avais  intuitivement fait les photos : les Ours qui regardent le Monde des Hommes…

Pour Les habits du fantôme, initialement paru dans la revue Piranha sous la forme d’un roman-photo, il était d’évidence qu’il soit NB (comme les romans photos Cino del Duca… pas encore en couleur),  avec une maquette spécifique comportant trois niveaux de lecture : le texte, les photos et des légendes sous les photos.

Ensuite tous les autres livres sont en couleur… pour rester dans un réel bien réel même s’il est poétisé.

Les mots viennent-ils avant ou après la réalisation et la sélection des images ? Qui en sont les auteurs ?

Je suis l’auteur des textes.

Les mots viennent juste après les images pour La Plage d’où les bateaux s’envolent, écrits dans le train du retour de Belle Ile, puis en affinage la semaine suivante.

Pour Les Songes de l’Ours, les textes sont venus quand j’ai décidé de faire le livre de mon côté, 2 ans après les images, et en retrouvant le sens profond et intuitif des photos ; et en décidant de phrases courtes, avec des termes parfois un peu compliqués pour les enfants (qui adorent le vocabulaire). C’est un livre à plusieurs niveaux de lecture qui pour moi est pour tous les âges jusqu’à 87 ans ou plus.
C’est le seul ouvrage que je montre sur mes deux sites, il fait la passerelle entre la photo « fine art » et la photo de création pour livres pour enfants.

Pour tous les imagiers, les textes sont uniquement les noms des animaux, fruits, engins représentés…

format 13/13cm, 9 doubles pages, cartonné, silhouettes N&B avec vernis sélectif, photos couleur sous les volets, coins arrondis.
Editions de Grandes Personnes

Qu’est-ce qui fait l’originalité de vos imagiers dans la production actuelle ?

Je reçois nombre de messages d’écoles Montessori (ou équivalentes) qui utilisent beaucoup mes livres. Nous n’avons rien inventé d’autre avec Brigitte Morel que les volets que l’on soulève et qui ajoute un côté ludique et éducatif : Tana Hoban avait déjà travaillé sur les silhouettes Noir/Blanc ou Blanc/noir et en couleurs. Par contre nous travaillons énormément sur  la qualité des images, leur contenu, leur sélection dans la masse produite, la maquette, la typo et la qualité d’impression avec un vernis sélectif etc…

J’ai mis plus d’un an à faire le petit imagier sur la montagne (18 photos dans le livre (plus les silhouettes) mais des milliers de photos réalisées) en faisant quatre voyages dans différents massifs montagneux  à différentes saisons, et par exemple, je tenais absolument à prendre en photo le Cervin et un glacier (3 ascensions du coté de Chamonix et une en Suisse). Je pense que les autres photographes me traiteraient de fou…mais c’est aussi parce que mes livres marchent et je m’y retrouve sur le long terme.

Cela dit je suis militant des auteurs et il y a beaucoup à dire et à faire évoluer sur les statuts et les revenus des auteurs…

Photographies François Delebecque
Textes Jean Teulé et Zazou Gagarine
Editions FIRST 1991

Qui sont les lecteurs des Boutiques de notre enfance ?

Disons que c’est le lectorat type des adeptes de Robert Doisneau… à l’époque, les Editions Hoebeke sortaient chaque année un album Doisneau…

Ce livre a été demandé par une éditrice des premières Editions First à Jean Teulé (qui n’avait pas encore écrit ses best sellers mais été connu pour ses BD et ses passages TV (« l’assiette anglaise » A2 et Canal +(« le Journal du Art » auquel je participais) et qui a réuni sa fine équipe : son ex-épouse Zazou Gagarine et moi.

Juste après la sortie du livre la maison a fait faillite et donc la diffusion du livre a été très réduite, avant que les « Nouvelles Editions First » renaissent 3 mois après, mais notre livre est passé inaperçu et quasi à la trappe.

Le format carré de vos ouvrages est-il lié à votre technique photographique ou est-il imposé par les éditeurs ?

Les deux mon général, mais il est vrai que j’adore la composition en carré et que j’ai très longtemps travaillé au moyen format (6/6cm Hasselblad), et nous discutons de tout avec Brigitte, y compris du format, de la pagination, du grammage…

On peut retrouver vos ouvrages sous forme d’exposition. Est-ce qu’il s’agit encore d’exposer des livres ou désormais d’exposer uniquement les photographies ? Comment le lien est-il maintenu entre les pages et les murs ?

D’un coté mes travaux personnels sont forcément destinés aux expositions pour être vus. Pour les photos issues des livres c’est un complément.

Vous devez connaître les multiples salons du livre auxquels nous –les auteurs- sommes invités tout au long de l’année. Ils complètent nos revenus.  Dans les deux jours qui les précédent, nous intervenons dans les classes et nous sommes rémunérés selon des barèmes établis par La Charte. Le jour suivant ou les deux jours suivants, nous dédicaçons à tour de bras (pas rémunérés ou très très très rarement). Je propose également de louer mon exposition qui réunît en 30 cadres 50/50cm une vue d’ensemble d’une sélection de photographies issues de mes livres.

Quel lecteur étiez-vous enfant ?

Ma mère, artiste, nous (j’ai une sœur et un frère) a habitués à fréquenter des livres de qualité très tôt. Je me souviens d’Eloïse (à New York, à Paris), des albums du Père Castor (La petite poule rousse), les magnifiques albums en photo et maquette sublime de Dominique Darbois chez Nathan (« Enfants du monde »), et Babar évidemment.
Un peu plus tard l’imaginaire aventurier des « Tintin », mais pas plus que cela en BD, sauf Astérix.

Plus tard, adolescent, malgré les « obligations » constructives du lycée (Balzac, Victor Hugo etc…)j’ai adoré lire des romans, voire un peu de SF ((Fondation, Fondation et Empire seconde Fondation…) ou Edgar Poe par ex, pour le développement mental de l’imaginaire …

 

Pour visiter les sites de François Delebecque, c’est ici : http://www.francoisdelebecque.com ou encore ici http://www.delebecque-livres.net

 

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Autour de Nathalie Seroux il y a …

copyright Nathalie Seroux

Miniphlit reçoit Nathalie Seroux, photographe de la collection « Mon Premier Imagier Photo », à La Martinière jeunesse. En tournant les pages de ses imagiers cartonnés destinés aux plus jeunes, on entre dans un univers qui nous semble d’abord très proche et très familier mais dont elle sait renouveler la découverte grâce à des mises en scène souvent amusantes, toujours esthétiques et régulièrement propices à l’évocation des souvenirs chez les plus âgés ou à l’avalanche de questions ou de réactions chez les bambins. Rencontre.

Chère Nathalie Seroux, d’abord un grand merci d’accueillir les questions de Miniphlit. Pour commencer, racontez-moi :  comment passe-t-on du portrait ou des photographies d’entreprise à la photographie dans le livre pour enfant ?

Pour répondre à cette question, j’aimerais vous faire part de mon parcours. La photographie fait partie de ma vie depuis ma naissance grâce à l’œil photographique sensible de mon papa. Je me souviens des séances de projection en famille, des diapositives, de ces moments où il me demandait de poser pour terminer ses pellicules. Ces moments-là restent gravés car ces quelques secondes, j’avais la sensation d’exister à ses yeux. Aujourd’hui, pour moi, un clic, c’est un geste d’amour. J’ai eu mon premier appareil à 13 ans. J’ai commencé à réaliser mes premiers portraits. Adolescente, je prenais mes camarades de classe en photo (à l’époque  nous n’avions pas de téléphone avec appareil photo intégré). A 20 ans, n’ayant pas osé devenir photographe, j’ai suivi des études de marketing et de commerce à Lille. A 40 ans, j’ai eu la chance de pouvoir assister au tournage des portraits de comédiens « l’autre émoi » de la réalisatrice Raphaëlle Catteau. Je me souviendrai toujours de ses paroles «  tu as un œil,  viens avec ton appareil ! ». J’ai aimé cette atmosphère et surtout le moment où Emilie Dequesne s’est tournée vers moi le temps de m’offrir un portrait. J’ai ressenti comme une épiphanie. Cette seconde a été un véritable élément déclencheur dans ma vie. J’ai décidé que la photographie guiderait mon chemin de vie. J’ai changé de trajectoire. J’ai repris le chemin de l’université de Paris 8 pour étudier l’histoire de la photographie. Quatre années fabuleuses qui m’ont ouvert le champ des possibles. J’ai reçu un diplôme de Master 2 de photographie et art contemporain. Ma pratique photographique est liée aux liens qui se tissent et à l’émotion qui s’y déploie. Ce qui m’anime c’est d’apporter de la douceur et de la bienveillance autour de moi, aussi bien dans la réalisation de portraits que dans mes livres pour enfants. J’ai très vite photographié des objets ou des lieux qui évoquaient des amitiés, des moments de joie partagée.

Le rituel de lecture a toujours été un moment sacré avec mes trois fils. Je me souviens que mon fils Paul aimait beaucoup un imagier photo autour des couleurs. C’était un livre avec des photos tirées  de banques d’images dénuées de contexte et donc d’émotions. Ce n’était pas mon livre préféré, mais je prenais en revanche beaucoup de plaisir à enrichir son vocabulaire. J’avais envie de créer un livre qui apporte de la joie aussi aux adultes . Le jour de la naissance de Tess et Lola, les jumelles de mon amie réalisatrice Raphëlle Catteau, j’ai eu l’idée de leur réaliser un cadeau de naissance «  maison ».  C’est ainsi qu’est né Autour de moi, mon premier imagier photo, présenté à la Martinière Jeunesse, grâce à Sandrine Bailly qui est aussi autrice. L’ouvrage que j’imaginais en deux exemplaires a vu le jour en 6 000 exemplaires en 2014. Une nouvelle  aventure a commencé …

Vous inscrivez-vous dans une filiation photographique ?

Je pense m’inscrire dans la photographie vernaculaire, la photographie de la vie quotidienne, la photographie de voyages. Je photographie ce qui me met en joie : ma famille, mes amis, la nature, les objets.   Les photographes qui subliment le quotidien avec poésie et humour m’inspirent, comme Sarah Moon, Corinne Mercadier, Flore-Aël Surun, Margaret Cameron, Sally Mann, André Kerterz, Albert Renger-Platz, Richard Avedon, Walter Evans, Raymond Depardon, Alain Keler, Martin Parr, Julien Magre, Julien Daniel, …

Autour de moi, copyright Nathalie Seroux

Est-ce que vos ouvrages s’inscrivent dans une collection d’albums photographiques à la Martinière 

Autour de moi, mon tout premier ouvrage, a donné naissance à la collection « Mon premier imagier photo ». C’est mon ouvrage le plus personnel. Il y a par exemple mon premier cartable, les jouets de l’enfance de mon papa, les premières chaussures de marche de mon fils Gaspard, mes chatons… C’est le fruit d’une série dans laquelle j’avais envie de partager mon hymne à la vie. Le second c’est ABCDaire pour apprendre l’alphabet en s’amusant. Je suis allée à la rencontre d’institutrices, d’orthophonistes pour m’aider dans le choix des mots car je souhaitais  qu’il puisse être utile pour l’apprentissages de la lecture. Mon éditrice Garance Giraud m’a proposé de réaliser Fruits et légumes. Etant gourmande et sensible à l’alimentation saine, j’ai tout de suite dit oui ! Puis j’ai proposé Au bord de la mer, car la mer est une source inépuisable d’émerveillement.

Dans la continuité de Fruits et légumes, j’ai fait A la ferme. J’avais envie de mettre la lumière sur les personnes qui travaillent tant pour nous nourrir.

Après l’univers de la ferme, de la mer, des fruits et légumes, des lettres, explorerez-vous d’autres aspects du monde qui entoure le jeune enfant ? Comment choisissez-vous vos thématiques ?

Je travaille sur d’autres titres. Pour les thématiques, soit c’est mon éditrice, soit moi.

Quelle est la finalité de vos imagiers ? s’agit-il uniquement d’apprendre les mots du lexique ?

Mes premiers imagiers photos sont des ouvrages pour apprendre à reconnaître et à nommer les choses, pour éveiller l’enfant au monde, enrichir son regard et son vocabulaire. C’est aussi une invitation au dialogue. Chaque photo racontant une histoire peut aussi susciter des souvenirs à l’adulte et lui permet de renouer avec sa propre enfance. C’est aussi une initiation au langage photographique et à l’éveil ses sens.

Quelle est la place pour le jeu et pour l’art dans vos livres ?

L’imagier peut à la fois être feuilleté dans l’ordre ou au hasard. Les double- pages sont conçues pour se répondre (ex : le marteau et l’œuf, les abricots et la cagette). Il y a plusieurs niveaux de lecture en fonction de l’âge de l’enfant. J’accorde une importance à la composition de la photographie, à mettre en valeur les matières.

Au bord de la mer, copyright Nathalie Seroux

 Je suppose que vous réalisez de nombreuses photographies avant d’opérer votre sélection. D’abord y-a-t-il une place pour la mise en scène lorsque vous les réalisez et puis comment sélectionnez-vous les photographies que vous garderez pour vos livres ?

Je commence tout d’abord par noter tous les mots sur un carnet associé au sujet sur lequel je travaille.  Je passe ensuite au peigne fin l’ensemble de ma photothèque. Je consulte les imagiers de mes enfants aussi ou d’autres publications plus anciennes. Ensuite, je pars en production. Je propose aux enfants de mon entourage de participer au projet.  Je vais aussi à la rencontre de nouvelles personnes.  J’alterne les prises de vues dans l’espace naturel, la vie quotidienne et la mise en scène pour qu’il y ait un rythme à la lecture des photographies. Je joue avec la lumière, les textures, les cadrages, les couleurs tout en gardant le naturel. Je classe, légende, je fais une première sélection et ensuite c’est un travail à plusieurs mains avec mon éditrice et le directeur artistique. C’est un moment que j’apprécie particulièrement. J’aime leur savoir-faire, qui me fait progresser à chaque imagier. J’apprécie le fait d’avoir carte blanche ce qui laisse place à ma créativité. C’est entre six et neuf mois de travail.

Qu’est-ce qui distingue vos imagiers des autres imagiers ?

Il y a la photo. Il y a peu d’imagiers photos pour les enfants. D’après ceux qui les lisent, la photo évoque des souvenirs ou permet de parler de ce qui se passe autour. On imagine les gestes à côté. En fait j’essaye de transmettre l’ émotion ressentie lorsque j’ai pris la photo.

Pensez-vous à la fiction photographique ? Pourriez-vous vous adresser à une autre catégorie de lecteurs ?

J’y songe oui. Mes premiers lecteurs étant nés en 2014, j’aimerais en effet écrire des ouvrages pour des enfants plus grands pour continuer à les accompagner et pourquoi pas créer aussi un livre pour les adultes.  J’aimerais passer à l’écriture. Toutes les rencontres que j’ai faites me donnent envie d’écrire. L’illustration ne m’intéresse pas. Faire découvrir un univers si. J’aime m’imprégner d’une atmosphère pour la faire ressentir. 

Fruits et Légumes, copyright Nathalie Seroux

Comment imaginez-vous vos lecteurs devant vos livres ?

J’imagine (et j’ai la chance d’en voir souvent ! ) à la fois des moments où l’enfant lit seul, avec ses camarades de classe, et aussi des moments de partage avec l’adulte. Par expérience, je sais que mon écriture photographique est aussi appréciée par les adultes, ce qui me met en joie.

Exposez-vous et animez-vous des ateliers ?

La plus belle ou étonnante expo a eu lieu en Corée du Sud, il y a deux ans, à partir d’ABCdaire.  Il s’agissait d’une expo itinérante dans six villes avec des tirages aux bords arrondis, sur un très beau papier. J’ai passé une semaine dans une école de Séoul et j’ai fait des ateliers dans une école franco-coréenne. On a travaillé sur un abécédaire franco-coréen. J’ai également fait une intervention dans un lycée franco-coréen et dans un centre culturel. J’ai eu énormément d’échanges avec les parents autour des photos de fruits et légumes. On a échangé des recettes. J’ai fait aussi des animations au Canada. On a réalisé un imagier autour des émotions. Je fais aussi des expositions de temps en temps en région parisienne et j’aime cela. En ce moment c’est très frustrant de ne plus aller dans les écoles.

 

Quel est votre souvenir de lecture jeunesse ? Y-avait-il déjà des ouvrages photo-illustrés dans votre bibliothèque ?

Je me souviens du rituel du soir avec ma maman ; C’est tellement fondateur dans la vie d’un enfant. Mon livre préféré, lu et relu, c’était   Qui m’appelle ?  Un livre magnifique de Kōta Taniuchi. Je n’avais pas d’ouvrage photos. Je me souviens également regarder régulièrement des posters  avec des photographies sur la faune et la flore des montagnes. J’ai passé de nombreuses heures à consulter les magnifiques albums photos de mon papa des années 50. Au fil des photographies, j’imaginais la vie de  mes parents qui se sont rencontrés à l’âge de 15 ans. C’est une source d’inspiration dans mon chemin photographique. Dès la maternelle, je racontais ma vie de famille à travers mes dessins ! 

Pour retrouver Nathalie Seroux il a aussi son blog https://www.nathalieseroux.com/

et ce film https://www.facebook.com/watch/?v=1245846995503667

A la ferme, copyright Nathalie Seroux

L’attribut alt de cette image est vide, son nom de fichier est Capture_CC-300x159.jpg.

Rencontre avec Olivier Le Brun et Anne Leloup pour Jouer !

A l’heure où il publie un nouvel ouvrage photographique aux éditions Esperluète, Jouer !, nous accueillons le photographe Olivier Le Brun et son éditrice Anne Leloup , l’occasion de revenir sur le parcours de l’artiste mais également sur la place de la photographie dans les ouvrages pour la jeunesse, le langage de l’image photographique et le passage des photographies des cimaises aux pages d’un livre.

Cher Olivier Le Brun, d’abord merci d’accueillir Miniphlit.
Je lis sur votre site que vous êtes photographe, enseignant-chercheur et socioéconomiste. Est-ce que ces trois activités s’interpénètrent, se complètent, influencent l’une ou l’autre ?
Mes activités d’enseignant- chercheur et de socio-économiste sont étroitement imbriquées. La photographie a émergé parallèlement.
En 1977 alors que je travaillais à l’Université du Sussex à Brighton j’ai découvert avec des collègues les travaux de John Berger et Jean Mohr : « A fortunate man : the story of a country doctor » (1967) ; « A seventh man : the story of a migrant worker in Europe » (1975) ; « Another way of telling : a possible theory of photography » ( 1982). Ce dernier ouvrage montre à quel point la photographie diffère du cinéma. C’est « Une autre manière de raconter ». Les auteurs explorent la tension entre le photographe et le photographié, entre l’image et le regardeur, entre le moment filmé et la mémoire. Leurs ouvrages sont des récits qui se fondent sur un important travail de recherche.

C’est à cette lumière que j’ai entrepris depuis lors un travail photographique en marge de mon activité de consultant et d’enseignant-chercheur. Dans le cadre d’une association de mon quartier à Brighton, quelques chercheurs (économistes, sociologues, historiens, philosophes…) se sont engagés à rendre compte de l’effet des coupes budgétaires infligées par la politique thatchérienne sur les usagers et les travailleurs des services publics de notre collectivité locale. Ce projet articulait trois formes de langage (l’analyse économique ; des interviews des travailleurs et des usagers des services publics ; la photographie). En raison de mon intérêt pour la photographie j’ai été intronisé photographe (tout-à-fait amateur) du projet. J’ai pu ainsi pénétrer la réalité des services publics (logements sociaux, transports publics, écoles, résidences pour personnes âgées, structures d’insertion à l’emploi…). Ne pouvant photographier dans les écoles nous avons bénéficié de l’appui d’élèves qui à leur tour se sont pris au jeu et ont photographié. Le livre « Brighton on the rocks Monetarism and the Local State « (1982) s’est vendu à 10.000 exemplaires, principalement aux collectivités locales du Royaume. Ce fut mon baptême photographique.
En 1996 je me suis équipé d’un Leica argentique. J’ai alors ouvert les yeux et découvert un univers infini. Cette activité photographique a été essentiellement menée en dehors de mon activité professionnelle, c’est-à-dire durant mon temps libre. A l’exception du « Rapport sur la situation des femmes et des enfants au Mali » (UNICEF, 2001), dont j’ai assuré la coordination, au sein duquel j’ai intégré plusieurs photographies que j’avais prises au cours de mes études et recherches. Photographier a été pour moi une respiration, un regard plus libre, une manière d’échapper aux contraintes de temps de mon activité professionnelle soumise à la tyrannie du « deadline ». Je ne pense pas que mon travail de consultant ait influencé mes activités photographiques, il m’a certes permis une magnifique ouverture sur le monde, mais il me semble pouvoir dire que mon intérêt pour ce monde que je photographiais était présent dans mon travail d’analyse et de recherche. 

 

Vous publiez votre travail photographique dans des ouvrages, vous exposez dans des galeries. Est-ce que chacun de vos projets est conçu dès le départ avec une de ces finalités ou bien est-ce le hasard des rencontres et des discussions ? Avez-vous une préférence pour l’un ou l’autre de ces modes d’accueil de votre travail artistique ?
Votre question revêt deux aspects :
Si le travail photographique que j’ai réalisé en 1977 pour le livre Brighton on the rocks dont je parle plus haut, résulte d’un objectif collectif préalable, la plupart du temps, mes ouvrages photos procèdent d’un processus différent. Je photographie de manière instinctive sans intention consciente, parce que une situation, un lieu, une circonstance, une personne, me touchent et me fait signe. Je ne sais pas encore pourquoi ni ce que j’en ferai. Ce n’est que progressivement, au bout d’un moment, que je prends conscience d’un ensemble qui comporte une certaine cohérence, un sens et dont je comprends qu’il est rattaché à un fil conducteur jusqu’alors hors de mon champ de conscience. On peut donc dire que je découvre «après coup» la matière d’un projet comme un livre ou une exposition.

C’est le cas des livres publiés depuis 2008, chacun ayant sa genèse propre.

« Bruxelles à fleur de peau » (Husson éditeur,
2008 ; 80 photos avec des textes d’auteurs).

En 1997 je me suis rendu régulièrement à Bruxelles après le décès d’une personne âgée de ma famille à laquelle j’étais très attaché. J’ai énormément marché dans les rues, du matin jusqu’à la nuit, collectant des images de «la peau» de la ville. Une manière de redécouvrir et me réapproprier cette ville de ma jeunesse étudiante, bien loin de l’idée
d’en tirer un projet. Dans le contexte de notre famille, belge, partie vivre de longues années au Congo où je suis né, puis ensuite à l’autre
bout du continent américain, la secousse ressentie dans la chaîne familiale lors de ce décès a évidemment constitué l’élément déclencheur de cette longue quête, sans que je réalise l’importance qu’elle prenait dans mon rapport à venir avec la photographie.

« Football Bal Ballon Ballet » (Editions Yellow Now, 2014; 66 photographies)

Fou de foot depuis mon enfance congolaise en pleine brousse où j’ai
vécu jusqu’à 19 ans, c’est bien naturellement que j’ai photographié
partout en Afrique les petits matchs de foot qui débordent de joie et
d’excitation, dans lesquels je me suis retrouvé.

« Africa Hotel » (Editions Yellow Now, 2016; 77 photographies).

Ces petits hôtels des quartiers populaires d’Afrique et d’Haïti se sont
montrés dans leur unité, leur simplicité, leur poésie au milieu de mes trésors, comme un carnet de voyage et d’images rangé au fond d’une boîte et que je retrouve longtemps après. En introduction au livre j’écris : « Des hôtels sans étoiles pour le confort mais plein d’étoiles pour la convivialité. Une voie lactée que je parcours avec mon Leica depuis vingt ans ». Et de fait, le texte que j’ai écrit, a spontanément pris la forme d’un journal de bord.

« Le vieil homme et son potager » (Esperluète Editions, 2018 ; 71 photographies ).

Pas de projet particulier pour ces images de mon père non plus, sauf la conscience que cette énergie, cette vie singulière, cette philosophie d’une vie devenue solitaire en compagnie des légumes qu’il comprend et surveille, cesserait bientôt.
Introduisant le livre j’écris : « C’était un bel été, comme c’est l’habitude dans l’Ouest canadien, au bord du lac Okanagan. J’entrepris de photographier mon père dans son quotidien. Nous étions en 1997, il avait 92 ans. Je me suis fait oublier afin de ne pas troubler la grâce et la force d’un homme qui vit dans la plus grande simplicité, choisit ses règles de vie, fait éclore des semences dans toutes les pièces de la maison, règne sur un peuple de légumes poussant joyeusement dans tous les sens …dans une heureuse brousse, un homme à la détermination solide et tranquille, dont on ne détourne pas le chemin ».

« Jouer ! » (Esperluète Editions, 2020 ; 123 photographies, texte de Delphine Vanhove
« Prière de Jouer »).

Comme un révélateur, c’est l’imaginaire de l’enfance qui nous accompagne, le plaisir du jeu gratuit que j’ai collectés sur une vingtaine d’années dans tous les coins de la planète. C’est devenu une évidence pour moi de mettre en scène cette pulsion de vie universelle à travers la diversité des âges, des gestes et des lieux.

Le mode d’accueil de mon travail photographique
Le livre
J’aime infiniment le processus de création du livre. Un peu comme une naissance : cela suppose d’abord que je reconnaisse la présence d’un sujet, d’un propos. Je cherche ensuite une forme, une construction. Il peut se faire alors que je sente nécessaire de poursuivre la phase de photographie pour que mon projet arrive à maturité par rapport à l’idée que je m’en fais. La mise en page sur laquelle je travaille ensuite cherche à rendre lisible mon intention par le déroulé des images, les relations entre elles ou les oppositions que je recherche. En découle souvent mon travail d’écriture, ou la sollicitation d’auteurs. Le texte étant là comme une autre forme de narration, un contrepoint, un jeu avec le photographe (mais surtout pas en commentaire d’image). Ensuite intervient ce riche processus de confrontation et d’élaboration partagée avec l’éditeur ou l’éditrice. C’est prendre un risque et produire un effort physique, mais cela répond aussi à un besoin, pour sortir ce travail, jusqu’alors personnel, de sa gangue et le soumettre au regard et à la discussion.
L’exposition
Lorsque l’exposition a lieu en même temps que la production du livre, elles se renforcent mutuellement, l’énergie en est décuplée, c’est merveilleux d’offrir au regard des images qui ont plusieurs niveaux de profondeur et de rythme. Ce fut le cas lors de la sortie de Brighton on the rocks au sein du Hanover Community Centre où nous avons pu présenter de manière vivante le contenu de l’ouvrage à une population essentiellement ouvrière particulièrement sensible aux images dans lesquelles elle se reconnaissait.

Au moment de la sortie du Vieil homme et son potager en 2018 eut lieu au printemps durant un mois dans le cadre du Festival Raccord(s) une exposition en grands formats du livre au Chai de Bercy, espace d’exposition de la Mairie de Paris situé au sein du grand parc de Bercy, bordé par un potager collectif d’un côté, d’un jardin floral de l’autre, au carrefour de cheminements entre trois gares ferroviaires et deux gares routières (Lyon, Bercy, Austerlitz). Cette exposition a attiré de nombreux visiteurs venus se promener dans le parc en famille, de voyageurs attendant un train et déposant sacs à dos et valises pour découvrir Le Vieil Homme et discuter avec le fils … J’en ai gardé le souvenir de visiteurs attentifs, les enfants n’étaient pas en reste, de nombreux très beaux échanges, prolongés par des messages et des dessins déposés dans le livre d’or « Le vieil homme et son potager » a fait l’objet de deux expositions avant l’idée même d’en faire un livre. D’abord en 1999, dans les semaines qui ont suivi le décès de mon père, sous le titre « The vegetable kingdom » (Le royaume des légumes), à Vernon, la ville voisine du potager, dans la Vernon Art Gallery. Plus d’un millier de visiteurs, habitants, écoles et touristes en groupes organisés. Ensuite en 2011 à la Galerie du Petit Temple à Lasalle dans les Cévennes à l’occasion du Festival de films sur le thème du temps. L’exposition s’intitulait « Je prends le temps ». Elle comprenait de nombreuses images du vieil homme.

Chaque fois que cela m’est possible, je remets aux gens que j’ai photographiés une photocopie de leur image, ce qui m’a amené à improviser des expositions en mouvement ! Ce fut par exemple le cas en mars 1998 après avoir exploré la ville d’Ambalavao à Madagascar pendant quelques jours, je me suis progressivement mis à photographier les habitants mora- mora (mouramoura) comme on dit en malgache c’est à-dire doucement, lentement, calmement…et je me suis senti complètement accepté comme photographe. J’y suis retourné quelques mois plus tard avec une photocopie du tirage de toutes les personnes photographiées. J’ai montré ces photocopies à des enfants sur la place du marché. En une demi- heure toutes ces personnes étaient là et les photocopies circulaient de main en main. Chacun est reparti avec son image la montrant à la ronde avec fierté. Expérience similaire au Kenya en 2006 dans le bidonville de Kibera à Nairobi où j’avais photographié la communauté nubienne

Plusieurs de mes expositions ont été organisées en réponse à des appels à projet de festivals d’art tels que Les Rencontres des Arts de Mers-sur-Indre (« Effet mer éphémère », 2008 et « Hymne à l’eau », 2009) ou au Festival Etend’Art d’Etang-surAroux (« Marche et Rêve », 2008) ou encore de galeries comme la Galerie de l’Union des Photographes Professionnels (« Ici on tire le portrait », 2019).

Lorsque l’exposition est le seul support elle est un moment intense. Elle suppose une immense disponibilité et, bien qu’éphémère, elle requiert une étape de préparation très exigeante. Il y a un équilibre délicat entre la liberté qui doit être laissée au visiteur et le plaisir de rentrer dans l’échange. Je conçois l’exposition comme un moment de riche dialogue. Elle peut aussi être un grand moment de solitude.

 Sur votre site, j’ai l’impression de découvrir de nouvelles photographies du Vieil Homme et son potager. Comment s’est fait le choix des images pour le livre ?

Pour répondre synthétiquement, je vois dans les images que j’ai choisies
– le sens : qu’est ce que la vie de mon père à ce moment là ?
– l’attention aux gestes qu’il accomplit
– l’admiration qu’il est heureux de partager pour la diversité et la beauté des légumes qu’il cultive.
Mon choix dans les images et dans la construction du livre est sous-tendu par ce but. Ce faisant, je dois aussi créer un rythme qui obéisse à ce propos. Ce livre se déploie à partir d’un horizon large, où le monde du potager de mon père, un fouillis poétique, se dévoile, dans son environnement très ouvert (la vallée du lac Okanagan en Colombie Britannique).
Il est bâti autour de séquences, qui rythment la narration, ponctuées dans le livre comme au fil de la journée par des poses que mon père dosait soigneusement pour économiser ses forces, sur la brouette transformée en fauteuil champêtre. Au-delà du rythme, les images mettent à l’honneur la beauté, la perfection et la diversité des cultures.

J’ai lu que le personnage du livre était votre papa. Est-ce que ces photographies fonctionnent comme des traces de ces moments de votre vie ?
Elles sont pour moi avant tout des traces de la sienne … Mais il est vrai que j’étais heureux de ces heures passées à photographier ses pas, ses gestes, ses moments de fatigue sur la brouette, ses poses d’observation, la lenteur et l’efficacité de ses actions (manier le tuyau d’arrosage, arracher les reines de son potager : les cwennes de gatte, les transporter jusqu’à sa cave …), le tout en dosant sa fatigue, et puis participer au «repas royal» qu’il aimait préparer et savait savourer arrosé de son vin de fabrication maison …

Quelle contrainte avez-vous reçues de la part de l’éditrice ? Certaines photographies pourraient documenter un ouvrage sur le jardinage ou la vie des plantes. Est-ce que le livre devait s’en approcher pour plaire à un enfant ?
Non, je pense que l’éditrice y a vu une sorte de miracle d’équilibre entre un homme et la nature qui l’entoure, dans la sagesse d’une vie qui s’approche de son terme. Avec un traitement simple : celui de plonger dans la réalité physique de ce jardin potager et d’approcher le rythme lent de son jardinier.

Le texte du Vieil Homme et son potager est posé au début de l’ouvrage. Pourquoi faire le choix du blanc autour des photographies ? Est-ce pour respecter leur propre narrativité ?
Le livre comporte trois types de narration :
Mon texte d’introduction, et avant de dérouler la narration par les images, est placé le propre texte de mon père, un extrait de son journal qui décrit scientifiquement le processus de création de son potager et son activité quotidienne. Un texte auquel il a donné comme titre : «O, fortunatos agricolas (Trop heureux les hommes des champs – Virgile»)

Copyright Olivier Le Brun
 Je n’ai pas encore pu découvrir Jouer !. Est-il conçu de la même façon que Le Vieil homme et son potager ?
Il débute par l’enfance dans la magie de son imaginaire, et petit à petit intègre les adultes dans leurs jeux. Il souligne le caractère universel du jeu en mêlant les photographies prises au Nord et au Sud.
Le texte «Prière de jouer !» fait suite à la narration des photos.

Pourrait-on parler de « compilation » de moments de jeux captés au hasard de vos déambulations ? Avez-vous pris ces photographies avec déjà cette intention en tête ? Comment s’est opéré le choix ?
Là aussi il s’agit d’une cueillette spontanée, sans doute liée à la force de mon enfance qui continue à agir en moi, et qui fait résonner mon plaisir d’être témoin du mystère et de la puissance de l’imaginaire des enfants, de leur capacité de concentration et de leur aisance à s’abstraire dans le jeu. La pratique du jeu chez les adultes dans son infinie variété relève pour moi de la même impulsion vitale.

Comment avez-vous travaillé avec Delphine Vanhove qui a écrit le texte ?
Sollicitée pour sa participation littéraire à ce livre, Delphine m’a répondu oui sans hésitation. Ma proposition était qu’elle exprime très personnellement et librement ce que le jeu a représenté dans son enfance. Je lui ai montré et expliqué les photographies du livre afin
qu’elle en connaisse l’esprit. Elle m’a présenté un premier jet, qui amorçait son texte, afin de s’assurer que nous étions en phase. Je n’avais aucun doute là dessus. Nous avons eu quelques allers et retours de son texte, dans un climat de grande confiance et de compréhension mutuelle. La qualité de son investissement dans ce projet me touche d’autant plus que j’ai à mon tour des souvenirs de Delphine enfant jouant avec beaucoup de conviction avec ses frère, soeur, cousine …

Copyright Olivier Le Brun

Pourquoi ce point d’exclamation à la fin du titre ?
Le choix d’un titre résulte d’une longue cogitation. Je ne voulais pas reprendre l’une des nombreuses expressions (le jeu en vaut la chandelle, c’est pas du jeu, faites vos jeux, etc, …). J’ai pensé que «Jouer» tout simplement reflétait quasiment un état – une qualité des vivants (comme respirer). Je me suis ensuite totalement retrouvé dans la suggestion de mon éditrice Anne Leloup d’y ajouter le point d’exclamation qui libère de la sagesse de l’infinitif et qui apporte l’envie, le plaisir, l’énergie,  l’enthousiasme, tout un espace d’invention et de vitalité.

Qui sont les lecteurs de ces deux ouvrages ? Comment les imaginez-vous en train de les regarder ?
Je vois mes lecteurs dans tout le spectre des âges. Lecteurs et regardeurs du « Vieil Homme et son potager » projettent beaucoup leur vie familiale et leurs souvenirs, ils l’ont exprimé ainsi, avec une profonde émotion lors de l’exposition de Bercy. Ils y ont retrouvé une époque où le jardinage occupait une grosse partie du temps, une vie d’autrefois où l’on aidait un père, un grand-père, une grand-mère au potager … Les enfants d’aujourd’hui qui vivent le plus souvent en ville y voient le fruit direct et rare du travail de la terre. Les lecteurs de « Jouer ! » retrouvent sans doute avec étonnement et plaisir et peut-être une part de rêve leurs jeux d’enfant, les jeux de toujours, qui sont là comme une évidence et une humanité partagées d’un continent à l’autre.

Quel souvenir de lecture de votre enfance avez-vous ? Y-avait-il des photographies dedans ?
« L’Histoire de Babar, le petit éléphant » a bercé ma petite enfance. J’étais adopté par toute la famille : le roi Babar, la reine Céleste, Pom, Flore, Alexandre, Zéphir, Arthur, la vieille dame et Cornélius. Je vivais au Congo. Nous habitions dans une ferme en pleine brousse. J’étais interne chez les jésuites à Bukavu à 300 km, ne rentrant à la maison que pour les vacances. Je les ai passées à explorer la brousse environnante peuplée d’éléphants, de buffles et d’antilopes. Le livre de la jungle en vraie grandeur. Pas de BD à la maison à part les Tintin et les Exploits de Quick et Flupke . Autre source inépuisable d’images les grands livres de reproduction de peinture des Editions Skira dans lesquels je me plongeais pendant les vacances à la nuit tombée. Je me délectais de Gauguin et Picasso que j’ai pu admirer plus tard en retrouvant mon regard d’enfant. Vers 12 ans j’ai accompagné mon père en Uganda afin d’y trouver des pièces de rechange pour le tracteur. Lors d’une escale au guest-house de Mbarara durant le dîner mon père me dit : « Regarde bien cet homme avec sa barbe blanche accoudé au bar, tu entendras beaucoup parler de lui, c’est un grand écrivain, il s’appelle Ernest Hemingway ». Plus tard je me suis plongé dans « Le vieil homme et la mer », une sorte de prélude à mon livre « Le vieil homme et son potager ».
A l’âge de 15 ans le roman de Joseph Conrad « La ligne d’ombre » a été mon déclic de lecteur. Pas de photographies mais des images imaginées à n’en plus finir. A cet âge je me suis passionné pour le cinéma au point de regarder 6 fois « Le voleur de bicyclette » de Vittorio De Sica au cours d’un week end de ciné-club. Mon intérêt pour la photographie est dérivé de cette passion. »
Merci Olivier Le Brun ! https://www.olivier-lebrun.com/

Copyright Olivier Le Brun

Anne Leloup, éditrice, a accepté de répondre à nos questions à son tour.

Bonjour aux éditions Esperluète, merci d’accueillir Miniphlit. Parlez-nous de votre maison : Où est-elle basée ? Depuis quand existe-t-elle ? A quels lecteurs vous adressez-vous ?

Esperluète est une maison d’éditions basée en Belgique, à Noville-sur-Mehaigne, qui existe depuis 1994. Nous nous adressons aussi bien aux enfants qu’aux adultes.

Quelle est la place de la photographie dans votre ligne éditoriale ? Combien d’ouvrages utilisant ce médium avez-vous conçus ? Sont-ils rangés dans une collection particulière ?

Nous en publions depuis le début de la maison d’éditions. Une bonne dizaine d’ouvrages, je pense. La place de la photographie est la même que pour d’autre médium comme par exemple la gravure ou même le dessin. Nous publions des livres qui associent textes et images. A ce titre, les images peuvent très bien être des photos, si leur contenu fait sens par rapport au texte qu’elles accompagnent. A ce titre, ces livres sont publiés dans les collections littéraires des éditions.

C’est récemment que la collection L’œil voyage a vu le jour. Elle permet de compléter ce rapport narratif à la photographie en proposant des livres où le texte s’efface au profit de l’image tout en gardant sa place et en proposant une forme de « voyage » narratif en images.

Avez-vous eu des réticences en vous lançant dans l’aventure du livre photo-illustré ? Pourquoi n’avez-vous « que » ces deux ouvrages ? Sentez-vous les photographes réticents à vous envoyer leurs projets ?

Non, pourquoi ?

Comment est venue la collaboration avec Olivier Le Brun ?

C’est via un ami commun qu’Olivier est venu vers moi avec son projet. J’ai tout de suite aimé la manière dont il associe les photographies qu’il a prise tout au long de sa carrière. Les croisements qu’il fait entre les époques et les lieux. C’est à la fois un voyage dans le temps et l’espace, d’une très grande liberté.

Est-ce que Le Vieil homme et son potager est un livre pour enfant ?

C’est un livre pour intergénérationnel par son sujet et il est accessible à tous. (je n’aime pas trop classé les livres – par genre, par âges, etc)

Pourquoi avoir choisi de ne pas faire cohabiter mots et photographies dans le même espace de la double-page ?

Parce que le texte n’est pas une légende, et que dans ce titre-là, les images ont leur force narrative propre.

Pourquoi avoir choisi de rendre ce livre bilingue ?

Parce que l’origine de ce livre a vu le jour au Canada anglophone et que cela permet de l’ouvrir à ce lectorat.

Parlons de Jouer ! Est-on spectateur ou lecteur dans ce nouvel ouvrage ? A qui s’adresse-t-Il ?

A tous, petit ou grand lecteur-spectateur. Je ne fais pas bien la distinction entre les deux… on parle de lire des images et de regarder un livre, donc, on est tout à la fois lecteur et spectateur. Dans le cas de Jouer !, j’espère que le lecteur sera aussi acteur, joueur,… ce n’est pas un livre qui invite à la passivité…

 Pour découvrir les livres de la maison d’édition https://www.esperluete.be/

Dimanche, 5/12
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Entretien avec Sarah Moon

L’exposition « Passé-présent » dédiée à l’œuvre de la photographe Sarah Moon se tient au Musée d’Arts Modernes de la ville de Paris depuis le 18 septembre 2020 et jusqu’au 10 janvier 2021.  

Imaginée par l’artiste, elle fait dialoguer ses films, photographies et livres et offre au visiteur l’occasion de redécouvrir un univers dans lequel les images racontent et re-content des histoires, accueillent des personnages et s’animent. Sarah Moon a accepté de répondre à mes questions et c’est à lire sur le site des Littératures : Modes d’emploi http://www.litteraturesmodesdemploi.org/entretien/sarah-moon-au-musee-dart-moderne-paris-entretien-avec-lartiste/

Jouer est un métier. Rencontre avec Martine Camillieri

Miniphlit poursuit ses rencontres avec les artistes qui font la photolittérature de jeunesse d’aujourd’hui. 

C’est à pas de loup que s’est faite la rencontre avec Martine Camillieri. L’une a frappé à la fenêtre de l’autre et la discussion qui s’est engagée autour de la poétisation du banal a débouché sur la découverte de nos univers respectifs. Une belle rencontre et l’occasion de prouver  que « jouer » peut devenir un métier.

Bonjour Martine Camillieri, et merci d’accueillir Miniphlit !

Merci Laurence et Miniphlit de vous pencher sur mon travail.
Le jour de ma communion privée j’ai reçu un appareil de photo, un Brownie-flash, j’ai photographié les gens  autour de moi… tous ont été flous. Alors je me suis mise à photographier mes jouets préférés au grand
désespoir de mes parents, pour eux c’était sans intérêt et de l’argent gâché. Là s’est arrêtée net ma jeune carrière de photographe et je suis retournée au dessin que j’affectionnais tant.

Quel est votre métier ?

Je suis auteure-plasticienne et scénographe. J’ai quitté le monde de la publicité en 2000 pour une deuxième vie avec moins de consommation et je suis devenue (par repentir ?) auteure-plasticienne, une artiste engagée ne produisant pas d’œuvre. Depuis 2004, j’expose dans des galeries et des centres d’art des Temples ou Autels, des installations, monumentales jusqu’à l’écœurement, devant lesquels j’invite le public à réfléchir sur l’écologie, la biodiversité, le comestible… Mes œuvres sont éphémères, réalisées à partir d’objets de consommation courante empilés, rien n’est troué, vissé ou altéré, tout peut revenir à sa fonction initiale, c’est ce que j’ai appelé le nomadisme des utilités. Partant de ce principe que de multiplier les fonctions des objets permettait de réduire leur nombre, je me suis donné cette petite mission qui est de militer pour limiter l’objet sur terre. J’ai alors travaillé à mes manuels d’écologie ludique, de création éphémère, biodégradable ou recyclable sans souci de l’esthétiquement correct.

J’ai d’abord commencé à publier pour les grands enfants, des jeunes trentenaires ayant du mal à se séparer de leurs jouets iconiques préférés. Dans Jouets détournés : Sophie la girafe devient momentanément un klaxon de bicyclette, Ken planté dans un vase est un soliflore, une dînette habille un abat-jour… Tout est temporaire et
aura évité certains achats fonctionnels ou décoratifs, tout peut revenir à l’état de jouet pour être transmis à de vrais enfants ! Dans Tables éphémères des verres retournés sont des bougeoirs chics, des saladiers même moches peuvent s’empiler en fontaine à dragées un jour de mariage ! Ces livres, à l’opposé de ceux du rayon des loisirs créatifs, étaient, sont toujours, des petits manifestes de déconsommation bienheureuse. La suite de mon travail artistique en petit format.

https://www.martinecamillieri.com/edition/jouets.php

Comment est née votre collaboration avec les éditions De l’Epure ? et celle avec le Seuil ? Sur votre site, je découvre des livres pour enfants très variés. Pourriez-vous nous les présenter ?

Sabine Bucquet-Grenet des éditions de l’Épure aimait beaucoup mon travail artistique mais n’était pas un éditeur jeunesse, j’ai imaginé pour elle : Je sais cuisiner pour mes doudous, adressé aux enfants par un système de double lecture, un gros livre familial ( 312 pages) sur l’apprentissage du goût par la présentation de micro-quantités.

Les adultes racontent le calendrier de la vie, les fêtes, les saisons et leurs aliments, les petits (accompagné par les grands) cuisinent des micro-nourritures pour leurs doudous. Et si c’est bon pour leur doudou… c’est donc bon pour eux ! C’est là que j’ai commencé à personnifier les jouets, ils prennent la parole, commentent les textes, cuisinent et sont attablés devant de vraies nourritures à leur échelle ce qui les rends réels. Mes Minus sont apparus.

Je suis devenue auteure jeunesse après une belle rencontre avec Le Seuil, sensible à ces Minus en plastique qui avaient l’air si vivant, qui travaillaient ou boulottaient avec gourmandise et pouvaient vivre indépendamment du texte avec leurs dialogues personnels pour des très jeunes enfants. Et la publication des contes a commencé : des détournements d’histoire (plutôt des angles de vue différents), réalisés aves des objets détournés. D’abord Les très petits cochons, parce que cela a été ma première émotion littéraire, ensuite La princesse au si petit pois, un prince errant en montgolfière bricolée avec des tasses de dînettes, qui part à la rencontre de toutes sortes de princesses, harpies, géantes, absentes ou sorcières… Puis Le vraiment trop petit Poucet qui dort dans un pauvre frigo vide, subtilise les Crocs de l’ogre (parfaites chaussures monstrueuses d’un croqueur d’enfants) afin de les transformer en barques pour sauver sa fratrie.

https://www.martinecamillieri.com/edition/petits-cochons.php

https://www.martinecamillieri.com/edition/princesse-petit-pois.php

https://www.martinecamillieri.com/edition/petits-bricolages.php

Les instituteurs-trices avaient déjà souvent travaillé à partir de mes livres dans lesquels on créait à partir de rien, avec mes albums jeunesse les écoles ont réalisé des installations, leur ville parfois… ou des films en stopmotion. Alors j’ai décidé de faire Le gros livre des petits bricolages (224 pages), un catalogue de petites choses essentielles à fabriquer (sans scie, perceuse ou clou pointus) pour servir de décors à des histoires.

Beaucoup de ces installations de mondes minuscules ont donné lieu à des expositions : Musée en Herbe, Bonton, Design week de Milan, Artazart, Le lieu Unique à Nantes, Centre Pompidou, Maison des arts, Musée de la mode et du Design, dans des librairies et médiathèques. « Tu vois, jouer ça peut devenir un métier !  » a dit un petit garçon à son père lors d’une de mes expositions.

Sous quelle grande rubrique de la littérature jeunesse je peux les classer ? Livre pour faire, contes, romans, livre de recettes…

Mes livres sont pour faire et destinés à faire de futurs adultes heureux.
Ils sont tous des livres d’apprentissage de la vie qui racontent les saisons, la cuisine et la nature comme un roman, et livrent des minuscules recettes pour se fabriquer un quotidien amusant. Je ne prends pas la parole dans mes livres, ce sont des jouets qui expliquent tout aux enfants, qui fabriquent, cuisinent ou jardinent. Aux enfants de choisir : lire l’histoire des ces petits personnages ou travailler avec eux.
Je montre ces minuscules mises en scènes faciles à faire à partir d’objets du quotidien des enfants, pour leur donner envie, plutôt que d’acheter de nouveaux jouets, de bricoler leurs propres histoires.

D’où viennent les idées ?

Tout tourne toujours autour de la nature, la cuisine, l’écologie…
En mai 2021 il y aura Le gros livre des petits jardinages. Jardins des villes et jardins des champs pour être accessible à tout le monde ! Ce livre racontera aussi les ânes, les oiseaux, les insectes…
En mars 2021 sortira Mais où sont mes doudous ? Un imagier pour Nathan, un réel très réaliste pour apprendre les choses de la vraie vie mais à l’échelle des jouets.
En ce moment je travaille sur l’album de La toute petite sirène dont le château est un vrai dépotoir, elle va inviter son prince, pas encore très écolo, à ratisser avec elle le fond des mers !
Je suis aussi à la recherche un éditeur qui voudrait publier un livre sur 12 jardins d’artistes en herbes. Des petites scénographies végétales à partir d’épluchures ou de patates germées ! Pour toujours manipuler les
déchets, voir ce qu’on peut en faire avant de les jeter. D’après une exposition-expérimentale pour les enfants que j’ai réalisée dans un centre d’art contemporain, La Maison des Arts à Malakoff.

Comment travaillez-vous à l’élaboration de vos ouvrages ? D’abord les mots ? Ensuite la recherche des personnages ? Puis le choix des mises en scène ? Les repérages de décor ? Ou bien est-ce la trouvaille d’une
figurine qui enclenche les histoires ?

Un peu tout en même temps, je suis très brouillon. Je fais des grands paniers avec des objets qui pourraient correspondre a des familles d’histoire, j’écris des notes, je fais bouts de story-boards. Puis je fais un casting pour mes héros. Je choisis une saison pour donner une direction de lumière à mon histoire. Ensuite je commence les photos et en fonction des objets que j’ai ou je n’ai pas, l’histoire se crée…
Mais parfois tout part d’un jouet, mes très petits cochons aux yeux bridés sont nés d’une trouvaille dans le quartier chinois, l’année du cochon !

Travaillez-vous seule ?

Oui et heureusement parce que je mets parfois deux ans pour fabriquer mes livres ! Chacun de mes contes est photographié avec sa lumière naturelle de saison, celle d’été pour l’histoire joyeuse des cochons, d’automne pour le trop petit poucet, de printemps pour le petit pois… Je voulais que ma princesse habite dans un cerisier dont les fleurs commençaient juste à sortir, pendant deux jours il y a eu de violents orages et j’ai n’ai eu plus qu’une bouillie marronnasse !… Il a fallu décaler la sortie à l’année suivante, heureusement mes éditeurs attendent que je sois prête pour décider d’une date de publication.

Où travaillez-vous ?

C’est la maison d’un enfant ? a demandé une petite fille, visitant mon atelier. À la campagne, j’ai un mini atelier qui ne me sert qu’a ce travail d’édition, il est bourré de jouets classés dans des caisses ou en installations sur des étagères. Je fais mes prises de vue sur une simple table : un fond blanc à coté d’une fenêtre, ou en extérieur, dans le jardin, près de la rivière, dans le sous-bois… mais jamais très loin ni dans des endroits trop particuliers qui pourraient sortir de cette banalité que je maintiens à tous les niveaux de mon travail…

Comment imaginez-vous vos lecteurs enfants devant vos livres ?

Mes livres s’adressent aux tout petits, ceux qui aiment encore observer les grands troupeaux de fourmis !
J’adore voir leurs petits doigts pointés sur mes images quand ils ont repéré un emballage de petits suisses détourné en vaisselier, un canapé-éponge, un bouchon de lait-lavabo… une petite chose que ne voient pas les adultes. Le petit bout de la pâquerette !

 

Vous ouvrages pour enfants appartiennent à ce qui s’appelle désormais la photolittérature pour la jeunesse. Aviez-vous en tête des modèles dans ce domaine ?

Pour moi William Wegman et Man Ray… son premier chien ! Le sens de l’humour allié à celui de l’esthétisme.
Jean Lecointre pour sa pharamineuse et insolente imagination. Sinon peu, j’ai découvert sur votre site Miniphlit cet album de Tomi Ungerer que je vais essayer de consulter.


Quel est votre souvenir de lecture d’enfance ?

Un album du Père Castor magnifiquement illustré par Gerda Muller (je l’ai su après). Ces trois petits cochons bâtisseurs me fascinaient, les images étaient des sortes de focus et le procédé de fabrication des deux premières maisons à partir d’une armature en branchages me paraissait lumineux. Par contre je ne trouvais pas ça idiot de construire une maison en paille. Des paillottes j’en avais plein autour de moi. J’habitais au Viet Nam… et des loups, il n’y en avait pas !

Pour découvrir le site de Martine Camillieri : https://www.martinecamillieri.com/

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Jouer avec la réalité, entretien avec Jean Lecointre

Jean Lecointre scanne des photographies, pas uniquement publicitaires (vieux magazines, livres, catalogues etc), et réalise ensuite ses photomontages (découpage et assemblage, puis colorisation) numériquement avec un logiciel de retouche d’images. Ses images finales existent uniquement en numérique. Il n’a pas d’original.

Deux images collées assemblées créent une nouvelle histoire, des êtres hybrides qui questionnent, intriguent attisent la curiosité du jeune lecteur, qui sourit à la vue de cette poule gonflée à l’hélium dans Bazar Bizarre (Thierry Magnier), s’étonne face à cette transposition des  aventures d’un des personnages les plus célèbres de la mythologie grecque dans L’Odyssée d’Outis (Thierry Magnier), s’interroge lorsque l’artiste se penche sur la naissance de la première encyclopédie destinée à répertorier toutes les choses du monde dans l’Invention du dictionnaire (Les Fourmis rouges)… Les êtres hybrides nés de la rencontre entre deux citations de la réalité créent l’hilarité… ou le cauchemar…et illustrent notre petit théâtre intérieur.

Quelle est la part de hasard ? ou de contrôle ? Rencontre :

Cher Jean Lecointre, merci d’accueillir Miniphlit, d’abord ! 

Merci à Miniphlit de s’intéresser à mon travail !


Quelle place tient la photographie dans votre vie ? Et particulièrement dans votre univers créatif ? 

J’ai assisté, enfant, aux développements et tirages de photographies argentiques dans la salle de bain familiale transformée en laboratoire. La lumière rouge et les bains tièdes,  les yeux blancs et les dents noires des gens sur les négatifs, l’image qui apparaît, ce fut une véritable et authentique révélation !

Dans mon travail de photomontage, je joue sur le rapport qu’entretient la photographie avec la réalité. 
La photographie m’impressionne, elle m’impose une distance qui me permet de pouvoir rester spectateur, d’être surpris par les images que je compose. Mes références viennent plus du cinéma que de la photographie. Certaines de mes images pourraient être extraites de films. 

C’est la forme photographique qui me semble la plus proche d’une représentation des rêves. Par rapport aux représentations qu’ont pu faire les surréalistes ( et mis à part le cinéma), je trouve que c’est le réalisme photographique qui est le plus proche de l’apparence de réalité que peut revêtir un rêve.

Est-ce que vous vous inscrivez dans la filiation des artistes des années 30 qui recomposent le monde et le donnent à voir autrement ? je pense à Hannah Höch et son « Bildebuch ». 

J’ai découvert assez tard le travail de Hannah Höch, et je ne me sens pas vraiment dans cette filiation. 
J’ai plus l’impression de tordre la réalité du monde que de le recomposer. J’ai besoin de garder une base de vraisemblance et de familiarité dans mes représentations pour pouvoir provoquer un étonnement. J’ai été très impressionné par la découverte de surréalistes comme Dali, Magritte et Bunuel. 

Est-ce que vos livres pour enfants sont une invitation tendue à jouer avec la réalité ?
 

Oui, j’ai envie de jouer avec certaines conventions qui entourent la notion de réalité. J’essaie de créer une confusion, un jeu de ping-pong entre l’œil et la logique. Dans les histoires aussi, je pars de certains clichés qu’on croit vrai pour déraper vers des situations absurdes.


Voyez-vous le livre comme un espace de jeu ? un théâtre pour développer votre imaginaire et celui de vos plus jeunes lecteurs ?

Je travaille un peu comme un marionnettiste. La technique de photomontage que j’utilise n’offre aucune souplesse aux personnages. Ils sont figés dans quelques pauses élémentaires, comme des marionnettes. 

Pour commencer la narration,  j’ai besoin de leur créer un décor et de les disposer ensemble à l’intérieur. L’histoire progresse alors un peu comme on a pu, enfant, imaginer des aventures avec des figurines dans des châteaux de sable.

Quelle place a le mot dans vos livres ? 

J’aime la sensation d’avoir mis le bon mot sur la bonne image, c’est encore une forme de collage. Mais généralement,  quand j’écris une histoire, le mot prend trop de place, je voudrais pouvoir m’exprimer au maximum par l’image. 

Vous est-il arrivé de créer à partir des mots des autres et quelle est votre espace de liberté ? 

J’ai illustré un texte de Frédéric Marais : « L’invention du dictionnaire » paru aux éditions « Les fourmis Rouges ». 
Il avait écrit cette histoire en pensant me la proposer, il m’y offrait tout l’espace de liberté dont j’avais besoin. 
Travailler sur les mots d’un autres m’apaise énormément car je doute beaucoup des miens.

Comment imaginez-vous vos lecteurs en train de lire vos livres ? Les lisent-ils d’ailleurs ou sont-ils spectateurs ? 

Je les imagine d’abord spectateurs, la lecture vient dans un deuxième temps. Je veux créer chez eux un étonnement, qu’il soient intrigués et aient envie d’en savoir plus. C’est comme ça que j’ai découvert les livres illustrés et j’ai un très bon souvenir de la part d’énigme à résoudre, quand on est intrigué par une situation mais qu’on ne sait pas lire.

Quel est votre souvenir de lecture enfantine ? 


Les Malices de Plick et Plock, un très vieux livre illustré par Christophe, l’auteur du Sapeur Camembert et de La Famille Fenouillard. 
Plick et Plock sont deux lutins à l’apparence de vieillards espiègles. Ils ne sont pas très disciplinés, il leur arrive donc les pires mésaventures. 
Ils se font écraser, empaler, découper, tuméfier, exploser, mais s’en sortent toujours car ils sont immortels. 
Le dessin en noir et blanc est assez réaliste,  certaines scènes sont encore extrêmement éprouvantes, un peu comme dans le film « Un Chien Andalou ». Le mélange de sensations que j’éprouvais à le contempler (je ne savais pas lire) reste tout de même un bon souvenir.

Mille mercis !

Pour retrouver le travail de Jean Lecointre c’est ici https://jeanlecointre.com

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