Le terrain de jeu n’est plus la forêt mais l’eau du bain qui se transforme en un profond océan où se croisent ours blanc, morses, manchots, méduses et poissons de toutes tailles. Le format de l’ouvrage, qui s’ouvre dans la hauteur, donne de la profondeur à l’océan et permet à l’image de jouer sur la plongée en eaux profondes, et la remontée vers la surface, en reversant le livre.
Encore une fois Isabelle Ricq nous plonge au coeur des beautés de la nature, avec ses photographies d’animaux marins évoluant dans les bleus de l’océan, et au coeur de l’imaginaire enfantin ici célébré avec cet enfant qui rêve d’un bain plein d’aventures.
“Cette histoire est née de la peur que l’eau inspirait à ma deuxième fille. L’heure du bain était compliquée, alors, pour détourner son attention et lui donner envie de se joindre à lui, son petit nageur mécanique faisait des courses et des acrobaties incroyables avec les autres jouets. L’histoire du livre est plus positive encore car là, l’enfant prend plaisir à vivre lui-même de grandes aventures dans sa petite baignoire. Sa témérité et sa joie sont réelles, bien que son odyssée ne le soit pas – d’où la citation de Boris Vian “Cette histoire est entièrement vraie, puisque je l’ai imaginée d’un bout à l’autre”. Isabelle Ricq, 19 juin 2024.
Un lion précédant un bataillon de Crs dans les rues d’une grande ville accueille le lecteur, au dessus du titre « LA PHOTO, en questions ». Après les deux ouvrages consacrées aux Histoires vraies des grandes PHOTOS, qui revenaient sur l’histoire des photographies iconiques et Les images disent-elles la vérite ? qui déjà sensibilisait aux photos truquées, le nouveau-né de la collaboration David Groison et Pierangélique Schouler, publié une nouvelle fois chez Actes Sud junior, continue d’explorer notre rapport à la photographie avec 30 questions. Essentiel pour s’en sortir dans la jungle des images omniprésentes.
De « Sommes-nous plus beaux sur les selfies ? » à « Un journaliste a-t-il le droit de me photographier ? », en passant par « La photo peut-elle être une preuve ? » et « Qui choisit les photos dans les médias ?, les deux auteurs questionnent dans chaque court chapitre l’usage des photographies par les médias, le respect de la législation, les questions de lecture, de cadrage, de manipulation et de circulation de l’image, de l’intelligence artificielle…
L’ouvrage est riche des témoignages des professionnels de l’image, photographes, iconographes, spécialistes du droit d’auteur, scientifiques, journalistes. Il est également abondamment illustré de photographies sur lesquelles figurent des personnages habitués des médias et susceptibles de retenir l’attention des jeunes lecteurs : l’acteur Vincent Lacoste, le footballeur Mbappé, le mannequin Emily Ratajkowski, etc… ou qui ont servi à illustrer des évènements récents : l’attaque du Capitole, la Covid, la guerre en Ukraine, la fonte des pôles…
Chaque chapitre se clôt avec la rubrique « Mode d’emploi », qui invite les lecteurs à appliquer des réflexes de protection et de bon sens face aux images qui nous entourent. A mettre dans les mains des adolescents… mais pas que.
L’Histoire vraie des grandes photos, entretien avec David Groison
Qu’est-ce qu’une photographie iconique ? Les deux volumes de l’Histoire vraie des grandes photos, signés David Groison et Pierangélique Schouler, tentent de répondre à cette question en proposant pour chaque opus une sélection de 20 images, sélectionnées dans plus d’un siècle de production photographique.
Chaque image est décodée, analysée, autant d’un point de vue esthétique que symbolique, et replacée dans son contexte historique. Les auteurs ou les acteurs de ces photographies viennent parfois raconter l’histoire de ces prises de vue et ajoutent un supplément d’humanité à ces clichés que nous croyions déjà connaître.
Entretien avec David Groison.
Comment est née L’Histoire vraie des grandes photos ?
Pierangélique Schouler et moi-même sommes partis du constat suivant : il y a une méconnaissance de la photographie, à la fois chez les journalistes et chez les ados. L’école nous apprend à décrypter des textes patrimoniaux, mais ne nous apprend rien sur l’image alors que nous baignons dans un monde d’images, où il y a plein de règles d’écriture, comme dans les textes. On a donc voulu réfléchir aux vingt questions à se poser pour regarder les images et cela a donné Prises de vue, décrypter la photo d’actu, chez Actes Sud Junior. Nous avons ensuite réalisé Photos chopées, sur les photos truquées, qui montre comment et pourquoi certaines photographies sont trafiquées.
Après avoir travaillé sur la grammaire et les coulisses de la photographie, il semblait naturel de présenter les grandes photos, aussi bien que le ferait un cursus littéraire. Ces grandes photos, notre œil les connait, les repère partout, analyse la répétition des motifs, mais, en fait, nous n’en savons pas grand-chose, et surtout pas dire à quelle réalité elles se rapportent. Aller chercher les coulisses de la prise de vue nous a permis de voir combien cela éclairait les débats d’aujourd’hui sur la place de la photo, la preuve qu’elle apporte.
Pourquoi cette compilation de photographies a-t-elle ce format carré, un peu petit ? C’est un peu surprenant pour un livre de photographies. On s’attend plus à de grandes images et en plus grand nombre.
Nous ne voulions pas un beau livre de photos hyper impressionnant. Les deux premiers ont même une couverture souple. Ces deux volumes consacrés à l’histoire vraie des grandes photos s’inscrivent dans une série de cinq ouvrages et en ont donc la forme.
Nous ne voulions pas non plus réaliser un livre qui présenterait les grands moments historiques. Nous n’avons aucune photo qui concerne la Première Guerre mondiale par exemple, et c’est bien normal car il n’en reste pas de photo iconique. L’idée était vraiment de faire figurer des photos présentes dans la pop culture ou dans notre imaginaire. En rigolant, quand on en parle devant des ados, on leur demande si telle image a été détournée par les Simpson. Un des critères pour identifier une photo iconique serait finalement le détournement ou sa présence dans une série. C’est un bon indicateur.
On s’est arrêté à vingt photographies pour ne pas faire un livre trop volumineux. Il était important de garantir le plaisir de lecture. Assez vite nous avons proposé d’en faire un deuxième, avec cette limite de l’année 1965 et l’arrivée de la couleur. De la même façon, chaque histoire que nous racontons autour de chaque photo a un nombre de signes limité. Lire l’histoire d’une photo ne devait pas devenir impressionnant.
Actes Sud Junior, mars 2016, 18.00 x 18.00 cm, 88 pages
Comment s’est opérée cette sélection de photos ? Chacun de votre côté d’abord avant une mise en commun ?
C’est cela ! Nous avons chacun notre culture : Pierangélique est iconographe de presse et a un parcours en rapport avec l’image et moi je viens de l’écrit et de l’école du journalisme. C’est l’alliance du néophyte et de l’expert, avec chacun sa grille de lecture et chacun son avis. Certaines photos, très connues des étudiants en photo, ne me semblaient pas du tout connues du grand public par exemple. Finalement le choix s’est porté sur des images qui racontaient plus qu’elles-mêmes, comme celle réalisée sur le Rockefeller Center. (Construction Workers Eating Lunch, 1932). Elle est à la fois allégorie de l’amitié, tout en étant le symbole du moment où NY devient NY. La bonne surprise a été de découvrir que chaque photo avait une histoire dingue.
Comment avez-vous pris en compte les auteurs de ces images et leurs ayants droit ?
Pour obtenir le droit de publier ces images, il suffit de payer en fait ! La surprise a été de découvrir que certaines photos valaient plus que d’autres. Le baiser de L’hôtel de ville vaut plus que celui pris à Times Square !
On a essayé, à chaque fois que cela été possible, d’interviewer les gens qui les ont prises ou ceux qui sont sur la photo. Celle d’Arthus Bertrand m’a frappé. Le pilote de l’hélicoptère était heureux d’en parler. L’enquête pour retrouver les gens sur les photos a été passionnante.
Pourquoi le volume 1 est-il proposé avec deux couvertures différentes, une avec Marilyn Monroe de 1954, l’autre avec des ouvriers de 1932 ?
Lors de la première édition, le directeur artistique s’interrogeait sur la difficulté de réduire ce travail à une seule image… Dès la réimpression, il a été convenu de ne garder que celle des ouvriers.
Quels retours avez-vous des lecteurs ?
J’ai animé récemment un atelier avec des petits, et je leur ai proposé des extraits découpés des photos. Tout de suite, ils étaient capables de saisir l’essence des photos et d’imaginer leur hors-champ. Pour celle de Dorothea Lange (Migrant Mother, 1936), par exemple, ils ont imaginé le père, car cela leur semblait impossible que celui-ci soit absent.
Ce qui est génial avec des ces publics éloignés du livre, c’est qu’ils rentrent soudain dedans à fond. Certains adolescents ont écrit des slams pour accompagner la photo des ouvriers sur la poutre (Construction Workers Eating Lunch, 1932). C’est réjouissant pour moi comme pour les éducateurs.
Serait-il possible d’imaginer un troisième tome ?
Nous nous sommes arrêtés à 2015 avec la photo de la Place de la nation. Il est compliqué de choisir des images sur lesquelles le temps n’a pas laissé sa patine. Les trois dernières photos sont certainement facilement contestables, parce qu’il manque le recul de 50 années. Aujourd’hui, la photo est omniprésente et la photo iconique est plus difficile à isoler. Les photos ont moins le temps de s’imposer et d’écraser tout le reste. Il faut donc du temps dans l’œil de celui qui la voit pour qu’elle devienne iconique.
Avez-vous des regrets ?
Non. C’est notre choix à tous les deux. Ceci étant, j’aurais bien mis la photo de John Lennon et Yoko Ono prise par Leibowitz juste avant qu’il se fasse assassiner, mais Pierangélique trouvait qu’elle ne rentrait pas dans le corpus et en plus elle était hors de prix ! Ceci étant la question du prix n’a jamais été un sujet pour l’éditrice.
Enfin un documentaire pour enfants consacré à un photographe !
Poursuivant son excellente collection de documentaires dédiée aux courants ou figures du patrimoine artistique mondial, la maison d’édition Milan vient de publier un nouvel ouvrage consacré au grand photographe humaniste Robert Doisneau.
Bien connue des jeunes lecteurs et des enseignants, la collection “Mes docs art” permet aux enfants de découvrir, dès cinq ans, l’œuvre de peintres, Van Gogh, Magritte ou encore Miro, ainsi que des courants artistiques, les impressionnistes ou le Street art. Elle s’autorise aussi quelques incursions vers d’autres arts : le cinéma avec un titre consacré à Charlot à l’occasion des 100 ans du film The Kids ou la sculpture avec les œuvres colorées de Gaudi.
Ce pas de côté en direction de la photographie prend les traits de Robert Doisneau, qui, l’œil bleu malicieux tendu vers le viseur de son appareil et doigt sur le déclencheur, nous accueille en couverture. Quel meilleur choix pour faire découvrir la photographie aux plus jeunes que celui de ce photographe qui a fixé les multiples aspects de l’enfance et que tout le monde connait ? « Ce qui est fascinant avec Robert Doisneau, explique Anne Vila des éditions Milan, c’est que, quel que soit leur âge, les gens le connaissent et l’aiment. Le nom de Robert Doisneau est un nom fort en France ». Un nom symbole d’images iconiques des Français.
Les doubles pages du documentaire accueillent, sur un fond blanc qui la met en valeur, la collaboration des mots, des illustrations et des treize photographies. Clémence Simon, qui signe le texte, est une habituée des titres de la collection. Son récit est écrit dans un langage très simple, même s’il accueille ça et là quelques notions spécifiques au 8ème art : composition, lumière, Rolleiflex, laboratoire, développement…. Pour sa première collaboration avec la maison Milan, l’illustratrice Juliette Boutant donne à voir, avec des illustrations au plus près de la réalité, les lieux, les véhicules, les costumes et les visages des personnes rencontrées. Toutes les deux se sont plongées avec passion dans la vie et l’œuvre de l’artiste et se sont abondamment documentées. Pour les aider, Annette Doisneau et Francine Deroudille, les deux filles du photographe, ont généreusement ressorti les photographies de l’album de famille et partagé leurs connaissances sur les techniques de développement ou les appareils utilisés par leur père.
Comme il est de tradition dans les ouvrages de la collection « mes docs. art » consacrés à un créateur, la première double-page accueille les premières années du photographe. Le jeune lecteur découvre ainsi qu’avant d’être célèbre, l’artiste a eu lui aussi un papa, une maman et connu les joies et malheurs propres à l’enfance.
Au fil du tournage de page, le jeune lecteur avance dans le temps et poursuit sa rencontre avec l’artiste. Il apprend comment Robert Doisneau s’est formé à la photographie. Il découvre qu’il a commencé par réaliser des photographies publicitaires pour des médicaments. Il sait désormais comment il a obtenu ses premières commandes officielles, ses premiers gains avec ses images, comment il a développé des travaux plus personnels. Il découvre aussi son engagement auprès des résistants, sa première collaboration photolittéraire avec Cendrars… Ce faisant, le jeune lecteur plonge dans l’histoire de la photographie du XXème siècle.
Les treize photographies, sélectionnées par l’autrice et l’éditrice Anne Vila dans un demi-siècle de production photographique, sont légendées, installées sur la belle page et accompagnées d’une jeune mascotte incollable sur la vie de l’artiste. Elles offrent une déambulation dans ses sujets de prédilection et sont susceptibles de séduire ou surprendre les enfants : décontraction de l’ouvrier dans La Pause (1938), joie des vacanciers Sur la Dordogne (1939), curiosité des passants dans Le Cheval tombé (1942)… Autant de scènes de la vie quotidienne des français des années 30 à 80. Bien évidemment, les autrices n’ont pu faire l’impasse sur le portrait de Picasso à Vallauris (Les pains de Picasso, 1952), ni sur le Baiser de l’hôtel de ville (1950), Le Cadran scolaire (1956) ou Le Pigeon indiscret (1964) devenus iconiques. La photographie couleur fait aussi son apparition dans le livre avec les Bigoudis du peintre (1960).
Si l’on s’étonne de ne pas rencontrer de portrait ni autoportrait de l’artiste, Anne Vila explique qu’il s’agit de donner à voir au jeune lecteur une production d’un artiste tourné vers les autres et que cela correspond bien au caractère plein d’humilité de l’homme.
Les dernières pages de l’ouvrage rappellent combien l’œuvre de l’artiste a fait l’objet de livres, de films, d’expositions et combien ses photographies narratives et poétiques ont su séduire bien des spectateurs à travers le temps, en France et bien au-delà de nos frontières.
Souhaitons que cet ouvrage rencontre le succès et contribue à faire découvrir aux plus jeunes l’art photographique. Croisons les doigts pour que la maison Milan ne s’arrête pas en si bon chemin…
Merci chères Francine et Annette de ce très joli cadeau.
Pas de titre, pas de nom d’auteur. Juste deux apprentis cosmonautes s’amusant avec l’apesanteur et les planètes. Un livre documentaire sur la conquête de l’espace ? Pas du tout. L’ouvrage est signé Jan Von Holleben, le photographe qui donne vie au “et si on jouait à…” de tous les enfants. Superman, Peter Pan, Dracula, être un cascadeur, s’envoler dans les airs emporté par des ballons, chasser des fantômes, sauter d’un mur à l’autre… Sur les photographies pleine page, les enfants, costumés en aventuriers, en pirates, en jeunes sorciers, prennent la pose et ont l’air de follement s’amuser en interprétant leurs rôles.
Dans les airs est une réédition du livre multi-récompensé Dreams of Flying par la maison (les Grandes personnes), qui décidemment connaît bien les goûts des enfants.
“C’est en 2002 que Jan, accompagné des enfants de ses voisins, commence ce projet photographique, qui deviendra la série Dreams of Flying (Dans les airs). Inspiré par les classiques de la littérature jeunesse autant que par les super héros, les enfants lui racontent de folles histoires que Jan s’empresse de mettre en scène et de photographier à l’aide d’un petit appareil Nikon. Il développe alors sa fameuse perspective à plat, photographiant du haut d’une échelle ses modèles allongés au sol. Ce qui lui permet de créer des images drôles et oniriques, sans contraintes, et sans limites, ou presque.” peut-on lire sur le site de la maison d’édition.
Voici l’interview publiée l’an passé à l’occasion de la parution de son précédent ouvrage :
“A n’en pas douter, les enfants apprécient le monde magique de Jan von Holleben, ses créations plastiques colorées et délirantes, ses mondes oniriques et ludiques dont ils sont les aventuriers. Chacun de ses livres invite les enfants, et aussi les adultes, à se laisser surprendre par ces images foisonnantes d’objets en tout genre, ces compositions qui donnent vie à toutes les envies.
Rencontre avec un magicien qui donne vie aux rêves enfantins.
To the question “What is your profession?” What do you answer ?
When I speak English, then I am a photographer. In German I am A photographer and children books illustrator. The English definition is much broader and includes many facets. In German, we are very precise. So a photographer is in fact just someone taking pictures. Noone has any idea what you actually do. That’s when I have to start explaining : I work for books and magazines.. but also for artistic projects and exhibitions, I am curating, editing, … and most of all, I actually make children books.
How long have you been working in children’s literature?
My very first project, before I even considered myself a professional photographer, was Dreams of Flying. I simply played photography with my neighbor’s kids and they told me stories, inspired by children literature and modern heroes. I used a very simple snapchot camera and the ‘shooting from above’-technique to make those dreams come true. This was ours pare time on weekends.
Only by chance, an editor saw those images and posted them on her blog in 2005. In less than 3 months, that project was all over the world on hundreds of blog and I was bombarded with commissions and exhibitions and magazine features, won awards and had to stop being a photo director for a young cooperative and jump into full time ‘being photographer’.
I made a self published first book (out of cardboard in an edition of 500 copies) with those images, which sold out immediately and made a second. Both of those books (2006 and 2007) I always considered to be children books but for adults alike.
Since my first training was teacher for handicaped children and I was meant to become a teacher, I feel that together with photography, I came full circle. I love explaining complicated things in very simple ways. I was always good in that. Since my own high school – my teachers remember. I also have to admit, that my childhood was full of stories, adventures, literature, nature…
Dreams of Flying The Photographer’s Office / 2006 (English)
Do you have models in photography or children’s literature ?
I would always say, that Astrid Lindgren wrote my favorite books. But also Michael Ende, Ottfried Preussler. Also the entire canon of old Disney movies. Today I am also fascinated by more international likes as Doctor Seuss, Eric Carle, Maurice Sendak, ..
In Photography ? Always the narrative based art photographers.
How many books have you produced? Can you give us some other titles?
I made about 25 books over the last 15 years. My favorite is the series of non-fiction books for Thienemann Publishers which was based on my top seller : Does that happen to everybody ? (a philosophical book on puberty). This was followed by 5 other (social)science books on the brain, world religion, internet, politics, divorce.
The books that are closest to me are the creative books I made with my most favorite German publisher Beltz ALWAYS EVERYTHING and MY WILD FURY and I am proudest of the two books that I made with art book publisher Little Steidl, the little offspring of Steidl Publishers, mastered by Nina Holland KOSMOS and most recently THE BLUEBERRY MACHINE.
ALWAYS EVERYTHING Tarzipan books / 2019 (no text – universal)
Who are they for?
My books are usually considered to be for anyone who reads visuals/ photographs.
The non-fiction books were primarily made in order to stimulate debates/ conversations between children and parents. And the creative books are really for the kids alone. I think that they really get them. The problem is just always: how to surpass their parents!?
At the moment, I feel that I want to work more and more for the kids only. Tricky, but ultimately I want the parents to trust me (parents are often bad photo readers) and then I can get into a dialogue with the children. Just like when I work with them in my studio. The energy is always high, we all know what we do and once we have to explain it to a parent, the magic is gone. Weird but true.
Let’s talk about the Blueberry Machine: when and how did the idea for this project come about?
I have spent years with my best friend in his home country Norway. He spent summers at his grand parents on a farm, which we visited often. It is in the middle of nowhere in my favourite part of Norway. Olav, who is the main character in the book, lives on that farm with his parents. I saw him growing up. When he was about 4 years old, I spend the summer at their farm and Olav started showing me around. He always walked the dog up and down the hills, checked their sheep and just had a good time. I didn’t speak much Norwegian, but we always had a good non verbal communication. It was on one of those walks, when I understood, that these mountains are Olav’s home and he knows them inside out. In the evenings we sat at the fire and the kids played all sorts of things. Olav was a great builder. And I remembered that I was a fascinated builder in my childhood too. So we connected and built a lot. I wanted to make a project with him.. in his world with all the ideas he and I had together.
The Blueberry Machine Little Steidl / 2022 (English)
How did the collaboration between words and images come about?
That was only after I had made the images. And it was a fascinating process (since usually it works the other way around). I had already written a few lines to each image. But there was no story. When Nina Holland picked up the project, she had the best idea, to get Monte Packham involved. He had never written a children book before, but was a great and fun writer. We all klicked, I told him my thoughts and with a few editing changes in the sequence of the images, an idea unfolded for him, he put it all together added some magic here and there and suddenly we had a beautiful story that I totally fell in love with.
What is the purpose of this book?
To me, the book is a very classic format of a children’s book. It is the first time, that I have done something like it and I really enjoyed it. The book has a traditional story line, yet combined with the photos, that feature 50% reality and 50% a visionary tale, our story, the book can be read in various ways. Most of all, it gives the children a choice to go beyond the story line and understand the meta levels of imaginary games, fantasy and how to differentiate between them. However you can also just enjoy the story with its educational finale and learn about the best machines of all: your own two hands. Additionally, my photography invites the creativity of kids to learn about image making… so once you are done with the story, you can learn about the individual images, how they are done and be inspired. That part of my photography is always in my work. If it is for magazines, books or clients. I want children to learn about image making. What is photography. What can photography. I want kids to become visual literate.
Where do you find the objects in the images?
Nowadays I have a huge collection of well organized boxes. The content is labelled with screws, balls, feathers, technical things, toys, buttons, hearts, gold, candy, .. all sorts. Its 15 years of keeping my eyes open and simply collecting what I find relevant or interesting. I am no fan of special effects in photography. I want to create things from the ordinary. Things that everybody can understand, remember, detect. I am very democratic in that.
Did you have difficulties finding a publisher?
Yes.. I proposed it to my ‘standard publishers’ and they struggled. But we didn’t have a real text at the time. That is in Germany a real issue. Text is mostly mandatory. I had hoped that a mainstream book publisher would pick up on it. I had worked with Nina Holland at Little Steidl before on KOSMOS, which is a very complex Artist book box made of 6 individual books. She had always worked on books for anyone. When she saw ‘The Blueberry Machine’ images, she took some time for herself to understand that secretly she always wanted to make exclusive children books. She has an amazing collection of historical children books. When working with Little Steidl, that is a long process. So when she finally decided to open up her publishing house to a real children book, it all fell into place. Making the entire book without any compromises on material and design, production and text was the best choice after all.
Do you usually work alone or with a writer for your books?
I usually start by myself. I am very image driven and I am keen to produce work that stimulates children – and myself at the same time. I have a lot of respect for children and hence a good understanding too for what they are interested in. Meaning that I don’t want to please them – no cheap tricks (as the book or toy industry works on mostly) – I want to challenge them on their grounds. I want them to be curious about what I do and I want them to make an effort to get to the bottom of things.
Only once I have decided that the images I made are best placed in a book, I think about the need for text.
What about your next project?
I am working on 8 books at the moment as good examples for your question.
The first book is a dream come true with a new French publisher. I made the work 20 years ago and I am soo excited that the publisher believes that the images are strong enough to make a book without text. Saying that, we will have titles for the images. nothing else. Another book is the sequel to The Blueberry Machine. Since I loved working with Monte on that one so much, I think we shall try to start it off together this time. Let’s see what happens. We are both very creative and flexibel and I am happy to try it differently this time.
Book three: I have been given a carte blanche to work out a book together with an illustrator of my choice, who I found already. We are trying to balance the photography part with the illustrations part, so both get the space they need, in order to be balanced and effective. The illustrator is also a great story writer, and we are still discussing if there is a need for text. At the moment I feel that we could actually tell the story with our two image techniques. Let’s see.
Then I am on book 4 that is a non fiction book. I conceived the idea with a historian and writer and we proposed it to a publisher, who jumped on it. It is the three of us developing the idea further and further and working on it equally. We meet every 3-4 weeks and discuss all of it. That’s very exciting since we all bring our expertise to it in equal parts. It feels like being in a super team with those two. I work mostly from text to image.
Book 5, 6 and 7 are totally free photo books. I will probably publish them myself and don’t want any text in them for now. Then again: Text will be there as title and colophone and usually I give a few lines along.. but no text in a classical sense, accompanying or explaining images)
Book 8 again will be a real challenge for me, since I want to create it by myself without text but work in a clear story line structure.. or at least a message and an understanding of what it is all about. The images can carry most of that, but my challenge is, bringing them into a sequencing and adding in between images to make the jumps from one key image to another. I am very much looking forward to that.
Bottom line I remember a lesson from my university degree, which came from my tutor David Campany: more or less every image/ photo comes with text of some sort. If it is a title, a caption, a memory, a paragraph, … there is always an image text combination present. And as artist/ photographer we need to be aware of that and define the text that we want or need with the images we produce.
Can you find everything? Self published/ 2022
Your universe is very colorful. Is black and white not for children?
I think Black and White works also for kids – still today. Many successful children books prove that. Maybe that’s a compromise in modern times, that parents can accept easier than color photography? (I am convinced that straight color photography still seems to be a threat for many parents when thinking about their kids’ books) B/W always reduces the content of an image. It is also further removed from our modern reality – more abstract. That threat of straight color photography, that I mentioned, is something that I usually try to counter act with my studio photography, where we can focus on content rather than bringing too much reality in (background, light, atmosphere, chance, indexicality in general….). But sometimes I am sneaking in more ‘realistic’ images, just to bring my work back into the reality and the factual lives of those reading kids.
Les beaux jours reviennent et avec eux l’envie de déambuler sur les plages et sentiers de douaniers. Pour nous accompagner, Marie Saille et les éditions Cot Cot Cot nous offrent un documentaire, à glisser dans la poche, destiné à (re)découvrir la laisse de mer abandonnée au gré des marées sur l’estran.
En voilà des mots savants !
Chaque double page de ce recueil, de format 10 X15 et à couverture souple, se consacre à la (re)découverte, l’observation, l’information sur un élément marin : cordon dunaire, estran, plantes, algues, mollusques, déchets anthropiques, dunes de débris… Le texte fourmille d’informations scientifiques mais très abordables et imagées. Les photographies, tantôt paysages, tantôt zooms sur l’élément présenté, s’installent sur une page entière ou occupent tout l’espace de la double page.
Rencontre avec Marie Saille, photographe.
Marie Saille, quelle est votre profession ?
Je photographie depuis l’adolescence. J’enseigne à mi-temps en maternelle et le reste du temps je suis photographe et artiste. J’ai étudié la photographie contemporaine à Paris VIII. J’ai commencé par la photographie de paysage et j’ai été l’assistante de Thibaut Cuisset. J’expose régulièrement mes projets photographiques. J’anime aussi des ateliers autour de la photographie au Musée d’art moderne depuis dix ans, et à la Mep à la rentrée prochaine. Je m’initie aussi à la photogravure.
J’utilise bien sûr des livres photographiques dans ma pratique de classe. Les enfants apprécient l’image photographique autant qu’une autre image. J’ai également construit de petits imagiers photographiques avec mes élèves, ou en ateliers en musées, bien mieux équipés que les écoles. Souvent, les ateliers sont conçus à partir des expositions ou de la collection du musée. J’ai beaucoup travaillé autour des photographies de Poitevin, avec l’objectif d’apprendre à regarder autrement, à varier les points de vue. On expérimente, on travaille le cadrage, la composition.
Comment est né ce projet ? Quellesc difficultés avez vous rencontrées ?
Il trouve ses origines dans les étés que l’on passe sur les plages de Normandie et de Bretagne et les collections que l’on réalise lorsqu’on est enfant. Les pelotes d’oeufs de Buccin ont d’abord retenu mon attention. Je me suis rendu compte que je ne connaissais même pas leur origine. J’ai commencé à collecter et photographier d’autres éléments abandonnés par la mer, au hasard de mes balades d’abord, puis à la recherche d’éléments spécifiques pour compléter ma collection. Le temps de la collecte a été long.
J’ai envoyé le dossier à des éditeurs et j’ai reçu de nombreux refus. Jamais on ne m’a dit que c’était à cause de la photo. Cot Cot éditions, qui accorde une grande importance aux liens texte-image, a répondu positivement.
Est-ce un imagier ou un documentaire ? A qui s’adresse-t-il ?
C’est un carnet fait pour tenir dans une poche. C’est le second ouvrage de la collection “les baladeurs, des livres qui aiment se déplacer sans but précis” mais le premier de la maison d’édition Cot Cot en photographie. Il est conçu avec une page photo et une page de texte en regard. Les mots sont plutôt scientifiques mais ils sont accompagnés des mots plus usuels : la “capsule de raie” s’appelle aussi “bourse de sirène” par exemple. C’est vraiment un documentaire qui apprend d’où viennent ces éléments trouvés sur les plages. J’ai écrit le texte seule mais il a été validé par Nicolas Montagné, maître de conférence à l’IEES. Les photographies de paysage, en début et fin d’ouvrage, sont destinées à contextualiser. Entre les deux, les gros plans et le texte mettent la lumière sur des choses qu’on connaît, sans les connaître.
Le livre s’adresse aux enfants de 8 ans en autonomie. Il peut se partager avec de plus petits. Et bien sûr il parle aussi aux parents curieux.
Le livre a-t-il une visée écologique ?
Il vise à sensibiliser à la protection des bords de mer, par la découverte de cette laisse, un lieu de vie précieux, mais également à l’impact de la pollution par les déchets anthropiques laissés par les humains. Avant on nettoyait les plages car cette laisse de mer ne plaisait pas. Maintenant les communes la conservent car elle a un vrai rôle écologique.
Ouvre-toi est le dernier ouvrage né de la collaboration entre Susie Morgenstern et Theresa Bronn, après Pas de bol ! (Actes Sud, 20014) https://miniphlit.hypotheses.org/840, Pas ! (Le Rouergue, 2003), Confessions d’une grosse patate, (La Martinière, 2003) et L’agenda de l’apprenti écrivain (La Martinière, 2005).
Comme d’autres imagiers avant lui, il invite le jeune lecteur à être attentif au monde qui l’entoure grâce à ses cinq sens, au jeu et … à l’image photographique. Celle-ci est omniprésente, au recto et verso de la couverture, sur les pages de garde, sur la “belle page”, sous les rabats des pages de gauche, imprimée en pleine page ou en petits carrés juxtaposés. Il s’agit d’une photographie pure, libérée des graphismes et autres petits personnages dessinés comme dans Pas de Bol !. Elle est mise en valeur par les couleurs chaudes qui lui sont juxtaposées en page de gauche.
Cet album se veut interactif. Dès le seuil, la couverture invite le jeune lecteur à deviner ce qu’il y a derrière elle, avec ses mains qui cachent les yeux sans vraiment le vouloir, cette tête à peine dissimulée derrière un rocher, ces multiples paires d’yeux enfantins qui fixent le lecteur et ce titre qui semble plutôt signifier “Ouvre-moi’. Dans le corps de l’ouvrage, les vers de la comptine Ouvre-Toi, signée Susie Morgenstern, sont imprimés sur des rabats. Ils sont illustrés en page de droite par des portraits en noir et blanc d’enfants, photographiés en très gros plans, qui correspondent à la partie du corps mentionnée dans chaque vers : yeux, nez, dents, mains… Obéissant aux injonctions du poème, le lecteur soulève le rabat coloré pour découvrir de très belles images en couleurs et la seconde partie de la phrase : nuages dans le ciel, abeille qui butine, clochettes de muguet, tartine de miel, poussins, enfants rieurs…
Entretien avec la photographe.
Qui êtes-vous Theresa Bronn ?
Je suis illustratrice-photographe. Je fais de la littérature jeunesse depuis ma sortie des Arts décoratifs en 2000. J’ai publié une quinzaine d’ouvrages pour la jeunesse, dont Vivre chocolat et Le coquillage qui n’aimait pas la merpour les éditions du Jasmin. La plupart de mes livres ont un lien avec la photographie, qu’elle soit toute petite, en couverture ou en pleine page.
Quand donc est né le projet Ouvre-Toi ?
Cela date ! Je crois que c’était un peu avant le Covid. Susie m’a envoyé son journal intime quotidien et il y avait ce texte à la fin. Susie écrit toujours des poèmes à la fin de son journal. J’ai été séduite et lui ai proposé de réfléchir à un projet en lien avec ce poème pour enfant. Le texte n’était pas rimé à l’origine et l’éditeur nous a suggéré cette modification. Une fois les images réalisées, nous avons encore transformé le texte, car certains vers ne donnaient rien en images. Le poème a été ainsi modifié plusieurs fois.
A l’origine, les rabats étaient différents également. Ils avaient la forme des parties du visage évoquées dans le poème. Cela n’a pas plu aux éditeurs car cela pouvait sembler brutal pour des jeunes lecteurs. Je tenais absolument aux rabats qui correspondent tout à fait à l’idée de cache-cache et de dévoilement évoqués dans le poème.
Qui sont les enfants photographiés ?Comment les avez-vous choisis ?
Mes modèles viennent d’un peu partout. J’ai photographié des enfants lors d’interventions en classe, mais aussi dans les centres de loisirs dans mon quartier. J’ai été aidée par tout un réseau d’intervenants culturels. Il y a aussi des membres de ma famille, des photos de mes filles petites. Le choix des images respecte une mixité de genres et d’origines afin de toucher tout le monde.
Les autorisations parentales pour pouvoir imprimer ces photos ont été très longues à obtenir, ce qui a aussi retardé la publication de cet ouvrage. Pour le réaliser, j’ai pris des centaines de photographies. J’ai sollicité les autorisations de publication dès le départ, pour éviter tout problème de droit à l’image, même pour une simple oreille.
Pour certaines photos, j’ai guidé et imposé des attitudes. J’avais dessiné quelques schémas de ce que je voulais et dressé une liste des différentes parties du corps à photographier. Pour d’autres images, je les ai laissés libres de prendre les poses qu’ils voulaient et certains ont eu de super idées. J’ai ensuite choisi les images, et quand j’avais un doute, une hésitation entre deux photographies, je les soumettais à Susie et Saad, notre éditeur.
Les photographies des parties du corps sont en noir et blanc et les photographies à l’intérieur sont en couleur. Pourquoi ce choix ?
J’adore la photo en noir et blanc et je trouve que les photos de la peau sont plus intéressantes ainsi. Je voulais également que le regard se porte sur la partie du corps photographié et ne se focalise pas sur la couleur. Par contre, quand on ouvre le rabat, l’enfant est surpris par la présence de celle-ci. Elle exprime l’ampleur de ce qu’il y a à voir.
Quelle est donc selon toi la finalité de cet album ?
Comme l’indique le titre, les enfants sont invités à ouvrir leurs cinq sens. Il faut qu’ils soient attentifs au monde qui les entoure. La photographie les oblige à regarder la vraie vie.
Les enfants photographiés vont-ils voir le livre ?
Bien sûr ! Dès qu’on peut on organisera dans le quartier un moment de découverte des photographies, pas seulement celles du livre, mais toutes les photographies que j’ai prises.
Quels sont vos projets à venir ?
Je finis un autre livre avec Susie. Son décor est celui de Nice et il met en scène un Père Noël qui vient prendre du repos dans le sud. La maquette était totalement photographique au début mais, à la demande de l’éditeur, il a évolué vers beaucoup plus de dessins. Aujourd’hui il ne reste que trois photographies. Il sera prêt pour le salon du livre de Saint Laurent du Var.
Avez-vous trouvé difficile de faire publier des livres photos ?
Oui ! et le livre dont je viens de parler en est encore un exemple ! Mais j’y tiens beaucoup et j’ai d’autres projets.
Et voici le nouvel ouvrage du tandem Pierre-Jacques et Jules Ober !
Après avoir évoqué les malheurs de Pierre, jeune soldat de l’armée française dans les tranchées de la Première Guerre mondiale, puis décrit l’enfance sous l’occupation de la petite Jacqueline, voici narrées, dans un format vertical, les aventures de la princesse Mimi, sœur de la future reine Marie-Antoinette et féministe du XVIIIe siècle au caractère bien trempé.
Au soir d’une rencontre avec la Mort, la princesse Marie-Christine Jeanne Joseph Antoinette d’Autriche voit sa vie défiler devant ses yeux : son refus du mariage arrangé et son union par amour, son goût pour les études, la philosophie et l’écriture, son rejet de la cour et de l’étiquette, son empathie pour les moins fortunés, ses fonctions de colonel dans l’armée autrichienne… C’est la mort qui parle et sous nos yeux défilent en images séquentielles, gros plans sur des visages, plans resserrés sur des scènes de cour ou de bataille, des épisodes de la vie de Mimi.
Comme pour Petit soldat et Jacqueline, Pierre-Jacques Ober s’est minutieusement documenté pour connaître la vie de la vraie princesse et intégrer dans ses petits tableaux des détails tout à fait historiques. Comme dans les précédents volumes, l’objectif de Jules Ober fait mouche avec ses gros plans sur les personnages ou les détails qui les rendent soudain plus grands ou son habileté à jouer avec la lumière. Loin d’être figés, ces tableaux photographiques jouent avec la réalité et semblent tout à fait animés.
On note encore que les pages de garde et la typographie déclinent toutes les nuances du rose. Histoire d’attirer l’attention des petites filles sur cette princesse pas très féminine ?
Nouvel entretien avec Pierre-Jacques Ober.
Quelles sont vos sources pour l’histoire de cette princesse rebelle ?
J’ai cette idée dans la tête depuis des années. Cela a commencé avec la lecture d’un petit passage des mémoires du Général Marbot concernant un épisode de la bataille de Wagram.
Deux régiments de cavalerie appartenant au même propriétaire se sont retrouvés face à face et se sont chargés. Un régiment de hussards Saxons et un régiment de cuirassiers Autrichiens. Des membres de la même famille, frères, cousins, père/fils se sont retrouvés à devoir se battre. Le propriétaire était le Prince Albert de Saxony, mari de l’Archiduchesse Marie-Christine d’Autriche. En faisant une recherche rapide, je découvris qu’Albert et Christina s’étaient mariés par amour, le seul mariage d’amour dans la dynastie des Habsbourg. Je me suis dit qu’Albert aurait pu offrir un régiment de cavalerie à son épouse ( cela se faisait beaucoup à l’époque chez les nobles ) et j’ai imaginé ce qui aurait pu se passer.
J’ai également toujours été intéressé par les personnages féminins de l’histoire, les femmes qui ont défié leur époque. Je connaissais donc les princesses philosophes. Quand je me suis aperçu que Isabelle de Bourbon Parme était une amie de Marie-Christine d’Autriche, j’avais un autre élément d’une histoire possible. J’ai lu un livre ( je ne me souviens plus du nom de l’auteure ) “ Je meurs d’Amour pour toi “ présentant les 300 lettres qu’Isabelle envoya à Christina. Enfin, j’ai lu des livres sur la société du 18e siècle.
Est-ce que les personnages et les lieux sont fidèles à la réalité ?
Ils le sont tout en étant saupoudrés de “licence poétique “. Il faut beaucoup condenser et simplifier pour faire un album jeunesse. J’ai décidé de raconter une histoire “générique” car la réalité est bien trop compliquée. Rentrer dans le détail des guerres en dentelles, du pourquoi et du comment de la Guerre de Sept ans par exemple, celle juste après la Guerre de Succession d’Autriche, est impossible. Surtout que les participants et antagonistes font presque toujours parti des mêmes familles par alliance, avec des noms à rallonge très similaires. Tout le monde se souvient du film Fanfan la Tulipe et de la manière humoristique dont fut traité cet imbroglio permanent. Donc ne pas citer de pays, de noms de famille ou de lieux précis évitait ce problème.
J’ai pris quelques libertés avec la réalité historique, juste sur des détails, afin de privilégier une bonne histoire. Je ne les dévoile pas pour justement, préserver l’histoire telle qu’elle est racontée. Mais cela pourrait être un jeu éducatif de “chercher l’erreur volontaire “ à travers le livre.
Combien de temps cale vous a-t-il pris pour réaliser ce livre ?
Il nous est impossible de travailler à plein temps sur un projet car il nous faut également travailler sur des projets plus “alimentaires”. De plus, vivant en Australie et trouvant des miniatures dans le monde entier, je passe beaucoup de temps à attendre les livraisons.
Pour ce projet j’ai demandé à un petit fabriquant de figurines de Dresde en Allemagne de sortir de sa retraite. Ce vieux monsieur a accepté mais ne pouvait pas travailler en été à cause de la chaleur de ses fours. J’ai donc du attendre l’automne et l’hiver. En gros, cela nous prend toujours 2 ans pour faire un livre.
Mise à part l’époque et le genre du personnage principal, quelle est la plus importante différence avec vos précédents albums ?
Etudier la photolittérature jeunesse et préparer simultanément le séminaire de recherches du Greces-Cellam de l’université Rennes 2 autour des petites bêtes amène à avoir l’œil grand ouvert sur les thématiques du printemps et du jardin développées dans les vitrines des librairies. C’est dans une enseigne de Bologne que j’ai découvert les aventures d’Edmond il coniglio, appelé Edmond de la Garenne de ce côté des Alpes..
Tournant les pages beiges de cet album façon cahier “moleskine”(couverture noire, épaisse, cartonnée et élastique rouge), le jeune lecteur découvre des photos et dessins de petites bêtes, agrémentés des commentaires souvent drôles d’Edmond l’explorateur, qui se fait, appareil photo autour du cou et carnet de notes et croquis à la patte, entomologiste.
Abeilles, crapaud, puceron, chenille, fourmi, scarabée… et même oiseaux, sont photographiés dans leur habitat naturel, en gros plan, et régulièrement à hauteur de lièvre. Les photographies sont parfois détourées, posés sur un fond uni, et occupent tout l’espace de la page ou de la double-page. Elles font régulièrement face ou alternent avec des planches accueillant insectes et plus gros animaux esquissés, dessinés ou peints et qui ne sont pas sans rappeler celles d’un botaniste.
Entretien avec l’auteur, Thierry Dedieu, le “photographe attitré des Petites Bêtes” comme il se désigne sur son site personnel avant la sortie imminente du volume 2 de sa série d’ouvrages consacrés aux petits animaux qui nous entourent.
Comment est venue l’idée de ce journal d’une exploration ?
C’était pendant le confinement. Comme tout le monde, j’avais peu de choses à faire et j’ai commencé à explorer mes archives. Je me suis rendu-compte que j’avais énormément de photographies de nature prises lors de séances de footing autour de ma maison. Je me suis dit que c’était vraiment dommage de ne pas les utiliser et j’ai trouvé qu’il serait intéressant de les faire correspondre avec des dessins. J’aime bien qu’il n’y ait pas que de la photo dans les livres mais que les deux soient associés.
Lorsque j’ai commencé à montrer cette compilation à mon entourage, les gens me disaient que cela faisait trop livre d’art. j’ai alors eu l’idée du carnet de voyage.
Aviez-vous une inspiration précise, un modèle ?
Non, aucun en particulier. Ce format s’inspire de ces carnets de voyage avec des images légendées que l’on connaît. Je me suis dit qu’il serait intéressant que l’écrivain-voyageur soit un lapin.
Puisque vous êtes le “photographe attitré des Petites Bêtes”, comment avez vous procédé pour leur tirer le portrait et quelles petites bêtes avez-vous choisies ?
C’est en fonction de mes promenades. Je ne me suis pas dit pas que tel jour j’allais photographier une grenouille ou un criquet. Je suis arrivé sur des lieux où vivaient tel animal et je le prenais en photo.
L’idée n’était donc pas de faire un recensement des petits animaux vivant autour de chez vous ou un documentaire ?
Je l’ai quand même un peu fait, mais avec un regard plus contemplatif. Je n’ai pas eu besoin d’effectuer des recherches. Je connais ces animaux parce que j’ai toujours aimé les petites bêtes, comme vous les appelez. Il faut savoir que je fais aussi des documentaires sur les animaux sous le pseudonyme de Tatsu Nagata depuis vingt ans et donc je les connais bien.
Quelle est la place de la photographie dans votre bibliographie ?
Elle a peu de place. C’est une façon de faire peu acceptée par les parents. Les enfants, du moment qu’on leur raconte une histoire, sont prêts à prendre les images qui viennent avec, mais les parents ont un une idée précise de ce que doit être un livre pour les enfants. Il n’y a pas d’intérêt pour le livre photo. J’ai quand même fait un livre avec des photos il y a vingt ans qui s’appelait Le roi des sables.
et du côté des éditeurs ?
J’ai un éditeur historique, Le Seuil, avec lequel je m’entends très bien. Quand je lui présente un projet, il est attentif à ce que j’ai fait et ne dit pas non d’emblée. Il regarde. On le fait ensuite ensemble et il a été ravi que je lui propose celui-ci.
Combien avez-vous réalisé de photos pour celui-ci ?
Il s’agit de vingt ans de photographies qui n’étaient pas destinées à faire un livre. Dans cet ensemble, j’ai opéré une sélection esthétique, en variant les points de vue. Je photographie avec un matériel très basique. Il s’agit d’un petit Canon, Lexus 110. Ces appareils font des photographies extraordinaires, sans avoir besoin d’objectifs pour faire de la macro. Je retravaille ensuite le contraste, la couleur à l’ordinateur.
Avez-vous d’autres projets à venir avec des photos ?
Je viens de recevoir le nouveau volume consacré aux petites bêtes, Marie Louise Dumarais Carnets de voyage autour de mon étang. Il sera en librairie dans les semaines à venir. Mon éditeur voudrait que je réfléchisse à un troisième tome. Je pense aux petites bêtes de bord de mer et si je le fais, un crabe en sera le héros.
TEXTE ET ILLUSTRATIONS D’ELIS WILK COLLECTION HORS COLLECTION, À partir de 6 ans • FORMAT : 16 x 22 cm • VOLUME : 88 pages
En littérature jeunesse, les photos de famille sont régulièrement convoquées pour évoquer l’enfance, la filiation, le temps qui passe, la mémoire. Détournées, redessinées, retravaillées à l’ordinateur, associées à des graphismes, les techniques sont multiples.
Voici Au loin les lumières, le nouvel album d’Elis Wilk, publié ces jours-ci chez Versant Sud jeunesse. Nous reproduisons, avec l’aimable autorisation de Fanny Deschamps, l’interview que lui a accordée l’artiste. https://versant-sud.com/catalogue/au-loin-les-lumieres/
“Elis, quelle est la genèse d’Au loin, les lumières ?
C’est un album très personnel lié à mon enfance et à un moment important dans ma vie d’alors : mon déménagement à l’âge de huit ans de Paris pour aller nous installer, ma famille et moi, à la campagne, au bord d’une rivière, dans la vallée du Cher. Au début, je voulais faire un album sur la gémellité. Étant moi-même jumelle homozygote, je voulais « casser » les stéréotypes, donner à voir la complexité identitaire liée au fait d’être jumelle, vécue de l’intérieur. Au final, je me trouvais trop à l’étroit dans ce cadre et j’ai ouvert le récit à une expérience plus vaste où la gémellité est présente mais d’une manière diffuse. Elle se « sent » au fil du livre mais elle est secondaire au final, intégrée au récit, disons. Même si je la questionne dans un chapitre, pour une fois, elle est normalisée et remise à sa place dans la vie et ses expériences variées.
L’histoire commence par la prise de conscience, à huit ans, d’un sentiment de tristesse intense, qui n’est alors pas nommable et qui existe au creux du personnage lorsqu’elle aperçoit les lumières du village au loin, dans la plaine noire qui l’entoure. Comme un espoir et comme une connexion à la vie-ville d’avant. Un premier sentiment de « mélancolie », sans doute. Huit ans, un âge de prise de conscience où l’enfance bat son plein et où on commence à mieux comprendre notre monde intérieur et celui qui nous entoure. C’est un peu le chemin de ce livre, je crois.
C’est un livre singulier. Il se démarque de l’album jeunesse par son nombre de pages élevé, sa division en chapitres, son format qui rappelle celui du roman. Pourquoi ces choix ?
J’avais envie que le lecteur « plonge » dans un moment de vie marqué par différentes prises de conscience, aventures, sensations. Des chapitres pour donner à voir, faire vivre une prise de conscience ou une expérience sensorielle, imaginaire ou philosophique. Pour célébrer l’importance de ces moments et recréer une forme d’intimité aussi, au cœur de la vie. Chaque chapitre s’ouvre sur un haïku, comme suspendu à l’atmosphère, en résonance avec la couleur du récit à venir. Peut-être pour donner corps à ce mystère du vivant qui anime notre quotidien, en filigrane. Le chapitre permet aussi de ne pas se limiter à un temps linéaire, narratif, mais d’être dans le rebond, le récit de soi dans sa justesse un peu désordonnée, qui fonctionne par association d’idées plutôt que tenu par la contrainte de l’action. Enfin, au niveau de la temporalité, je crois que j’avais envie de prendre le temps de déployer le récit, de créer, avec le lecteur, un moment propice à un récit-cheminement plus intime.
Chaque chapitre est consacré à un thème. Qu’as-tu voulu exprimer à travers ceux-ci ?
La nature qui emplit la nouvelle vie de la narratrice est primordiale au début. Puis, petit à petit, j’ai resserré sur l’intériorité du personnage. On passe de la prise de conscience du déménagement et des nouvelles sensations avec cette nature omniprésente (« Au loin les lumières »), au rôle de la rivière – autre « personnage » important- avec le chapitre « La crue », puis à l’appropriation de l’environnement par le jeu, l’aventure, (« Nous sommes des Indiennes ») à une forme d’intimité qui se resserre avec « Un petit rayon de soleil » et « Comme deux gouttes d’eau », deux chapitres qui parlent de la sororité et de la gémellité d’une manière drôle et décalée, pour finir sur un questionnement vraiment identitaire voir imaginaire et une nouvelle « ouverture » au monde avec « Un être mystérieux ». Bon, j’ai refait tout le déroulé là je crois !
Si ce livre est autobiographique, il est aussi marqué par l’onirisme et l’imaginaire. Pourquoi et comment doser ces différents aspects ?
J’ai essayé de trouver un équilibre entre plusieurs approches qui, pour moi, sont à l’œuvre dans l’existence et l’être au monde de tout un chacun. Une approche sensorielle, une autre plus réflexive-philosophique, une approche plus narrative qui passe par l’action, évidemment, et le côté imaginaire-onirique propre à l’enfant. J’ai cherché à mêler ces approches dans le ton, l’oralité un peu « littéraire », poétique et spontanée de la narratrice. J’avais envie aussi que l’on sente le côté « brut » et vivant de l’enfance. L’onirisme, je crois que c’est un aspect qui m’intéresse tout particulièrement. Le rêve est ce qui nous reste de l’imaginaire enfantin, une fois adulte. C’est un moment d’une richesse et d’une créativité hors-norme, surnaturel presque, qui nous déborde. Les enfants le vivent encore dans leur quotidien et ça c’est incroyable, je trouve. Donc, l’intégrer au récit et aux images me semble aller de soi si l’on veut évoquer l’enfance.
Peux-tu nous expliquer le mélange de techniques que tu as utilisées ?
Je suis revenue au collage numérique, comme dans mon précédent album, L’appel de la lune, avec un mélange de photographies et de matières, textures, que je fonds ensemble, en créant des couches sur Photoshop. Cela me permet de partir du réel (la photographie) pour m’en échapper, l’évoquer sans être « contrainte » par la réalité. Cela va dans le sens de cet imaginaire qu’il me semble important de célébrer, de laisser vivre dans mes livres. Cela peut aussi créer une forme de trouble, car on ne sait plus à quel niveau de réalité on se situe, et alors on peut commencer à se questionner. L’étrangeté va interpeler le lecteur et le rendre plus actif, il me semble. Les matière peintes me permettent aussi de renforcer le côté sensoriel et poétique, via les couleurs diffuses et le grain, les textures moins figées que la photographie, plus picturales.
D’où viennent les photos que l’on voit dans le livre ?
Les photos proviennent en grande partie de mon album de famille. Pour une question pratique mais pas que. J’avais aussi envie de rendre hommage à ma famille et de jouer avec mes proches, les transformer et les faire exister différemment. Donner à voir cette tranche de vie pas banale et la rendre universelle. Et puis les photos sont transformées et le récit aussi, bien sûr, même si le tout s’inspire directement de la matière de mon propre vécu. De fait, je m’inspire souvent de choses liées à la réalité : anecdotes, évènements, échanges pour créer mes histoires…
Où pourra-t-on te rencontrer prochainement ?
Le 7 juillet, je serai au Quartier de l’Étang, à Genève, pour le vernissage de l’exposition « Derrière les murs » qui mêle les photographies grand formats des habitants réalisées par le photographe Guillaume Perret et le livret que j’ai réalisé pour cette occasion avec les photographies de Guillaume, les illustrations et récits de vie que j’ai créées-récoltés lors de notre résidence croisée. Et puis ici et là, au gré des salons d’automne et des séances de dédicaces à venir (que je suis encore en train d’organiser).”
Pour découvrir maquette et photos originelles, rendez-vous sur le site de Versant Sud Jeunesse.
Les éditions La Partie publie le nouvel ouvrage pour enfants de Bruno Gibert, Le grand livre de l’inutile, qui régale le lecteur avec ses listes de choses qui ne servent à rien, un oreiller pour enfoncer un clou, une machine à compter les petits pois, des gardes suisses, ou ses conseils étonnants comme le “si tu sautes d’un avion sans parachute, bourre tes poches de beurre, de sucre et de farine. Ainsi, à la fin, ça fera un beau gâteau”…
Jeux de mots, mots valise, calembours, détournement de poèmes, conjugaisons nouvelles sont accompagnés d’images hétéroclites, collectées ci et là, détourées, détournées, photomontées et légendées en dépit du bon sens, de la logique, de l’usage… Le tout installé dans une joyeuse mise en page. On nage en plein surréalisme ou “nonsense” à la manière de Lewis Carroll. Le tournage de pages engendre l’étonnement, l’incrédulité, le doute, le rire et chatouille l’imaginaire. Nécessaire.
Entretien très utile avec son auteur.
Bruno Gibert, en quelques mots, quel est votre parcours ?
Je viens d’une école d’arts appliqués. J’ai commencé en tant que graphiste pour la publicité et ensuite je me suis mis à illustrer des livres pour la jeunesse, avant d’écrire mes propres textes.
Quelle est la place pour la photographie dans votre vie, dans vos romans, dans vos ouvrages pour les enfants ?
Je pratiquais beaucoup la photographie quand j’étais adolescent. Je m’intéressais aux photographes contemporains. Cela m’aurait plu d’en faire davantage, mais mon métier de dessinateur a pris rapidement de l’ampleur. J’ai toujours un rapport étroit avec elle. Je vais voir des expositions fréquemment et c”est un média qui m’intéresse.
Dans mes livres pour enfants, je l’ai peu utilisée. Je considère que la photographie est un moyen de montrer des images, sans avoir besoin de les fabriquer, au même titre que les gravures anciennes que j’avais déjà utilisées. Pour ce livre, j’aurais pu dessiner le moule à gâteau. Mais il existe des photographies de moule dans les banques d’images, alors j’en ai détourée une. La photographie me semble aussi plus neutre que le dessin. Elle est plus passe-partout et possède une dimension impersonnelle. Elle ne pose pas de problème aux enfants qui y sont finalement confrontés tous les jours.
D’où viennent les photographies qui sont dans ce livre ? S’agit-il de photos collectées dans votre environnement proche ?
D’un vieux dictionnaire ou d’internet qui est une source inépuisable de photos. Si je veux des photos de Paris, de voitures, des photos contemporaines ou vintage je les trouve sur internet. Je les ai collectées, puis retravaillées pour obtenir des photos génériques, comme celles que l’on trouves dans un dictionnaire. Elles sont en noir et blanc, ce qui permet de garder une unité graphique et retramées pour leur donner un effet contrasté.
Dans votre livre, on trouve des photomontages, des photos de paysage, des photos d’identité, des photomontages, du flou… Aviez-vous la volonté d’exploiter le médium photographique sous tous ses aspects ?
Oui ! Elle sont aussi documentaires. Et puis les légendes les détournent aussi, comme dans cette double page où la Tour Eiffel devient un pylône et le pylône une Tour Eiffel.
Vous déjouez d’ailleurs totalement le rapport classique entre les images et leurs légendes. Quelle réaction attendez-vous de votre lecteur ?
J’attends une relecture de l’image. On peut la détourner de son sens avec une légende inattendue. Une image seule ne dit rien. Il y a une espèce de code invisible à trouver dans ces légendes, comme devant ces noms de personnages célèbres qui n’ont presque rien à voir avec les images. Le travail du rapport entre le texte et l’image est poussé au maximum, totalement distendu.
Qui sont les lecteurs visés ?
Je ne sais pas trop, question délicate. Pas les petits enfants. Le livre circule et les lecteurs de 7-8 ans comprennent parfaitement l’humour de l’absurde. Après j’imagine que les adultes peuvent le lire.
Est-ce que quelques livres photos pour enfants ont pu vous inspirer ? Avez-vous quelques références en matière de photolittérature jeunesse ?
Ils l’ont tous vu, d’Ylla, est un très beau livre. Je me souviens aussi du Ballon rouge et puis de la version en livre de Tintin et les orange bleues. Mais c’est compliqué la photo narrative. ce sont des tableaux vivants. La photographie y est trop réaliste, pas assez ambivalente. La photo y est trop frontale et j’ai un problème avec cela. J’ai l’impression que ce côté frontal ne marche pas. Il faudrait y ajouter du dessin ou de la couleur.
C’est un vieux projet. Il s’agissait de montrer des photos sans les voir, comme si on les montrait à un aveugle. Le texte faisait advenir les images mentalement. Je n’ai sélectionné que des photos déjà vues, aisément identifiables. C’est la même chose pour Le grand livre de l’inutile. Je ne sélectionne que des photos déjà vues, aisément reconnaissables, familières.
J’avais ajouté un chapitre sur les photos de famille qui en fait se ressemblent toutes. Un enfant devant un gâteau d’anniversaire, devant un sapin de Noël, on les a tous dans nos albums de famille, qui d’ailleurs n’existent plus. La Chambre claire de Roland Barthes parle de cela, de la dimension funèbre de la photographie, de sa vocation à apporter une preuve de ce qui a été. Vous l’avez lue aussi, non ?
A l’occasion de la parution prochaine de la première édition française d’un classique de la photolittérature allemande, Paulina et moi de Hans Limmer et David Crossley, nous avons rencontré Camille Vasseur, éditrice de la jeune maison d’édition jeunesse La Partie. L’occasion de parler de la place de la photographie dans leur ligne éditoriale, de la complexité de rééditer des ouvrages patrimoniaux et de l’histoire de cet ouvrage très attendu par les lecteurs nostalgiques de Mon âne Benjamin.
Si nous parlions de l’histoire de La Partie.
La Partie a été fondée en 2021, nos premiers livres sont parus en septembre 2021. Notre maison est dédiée à l’album illustré, nous publions de la création et de la traduction.
Côté équipe, nous sommes quatre : deux éditrices, Béatrice Vincent et moi-même, une responsable des droits étrangers, Charlotte Botrel et une responsable de la communication, Fanny Vergnes. Nous avons toutes eu une première vie professionnelle, plus ou moins longue, aux éditions Albin Michel Jeunesse, où nous nous sommes rencontrées. Des affinités personnelles et littéraires, une exigence et une vision commune du métier… L’envie est venue de créer une maison ensemble, consacrée uniquement à l’illustré. Nous sommes adossées au groupe Madrigall, qui nous apporte un soutien commercial et logistique.
Pourquoi La Partie ?
La polysémie du mot, son élan, sa dimension ludique et joyeuse nous ont plu. Faire partie d’un tout ou d’une équipe, lancer une partie… on peut jouer longtemps !
Entendez-vous explorer tous les types d’images ?
La richesse de l’album illustré nous passionne. Nous cherchons à offrir un accompagnement adapté aux créateurs qui jouent avec les combinaisons du texte, de l’image et du support livre pour proposer des récits originaux. Le catalogue de La Partie est donc ouvert à des images et des graphismes variés. On y trouve d’ailleurs des albums de toutes sortes : tout-carton, albums avec ou sans texte, documentaire, bande-dessinée, livre d’artiste… certains étant à la lisière de plusieurs genres.
La diversité dans notre ligne vient aussi du fait que nous sommes deux éditrices, avec des sensibilités différentes, même si largement compatibles. Il me semble que nos albums forment un tout cohérent, qui se répond. Nous sommes attentives à rester connectées aux enfants, à qui ces livres s’adressent en priorité. Les goûts des lecteurs sont comme eux, multiples, et il faut que chacun y trouve son compte. Et chaque livre compte, même si certains s’adressent à un public plus restreint que d’autres.
My pig Paulina, Scribble, Australie
Quelle est la place pour l’ouvrage photo-illustré dans votre catalogue ?
Je ne sais pas s’il a une place spécifique, mais en tout cas il y a toute sa place. Personnellement, je suis attirée par ce genre. J’aime énormément Deux petits ours et Ils l’ont tous vu, réédités chez MeMo. J’ai aussi été très impressionnée en découvrant le graphisme des ouvrages « Les Enfants du monde » de Dominique Darbois.
Paulina et moi est notre premier livre illustré de photographies, il introduit le genre dans le catalogue. Mais par le passé, la photographie a déjà tenu une place importante dans nos choix d’éditrices. Je pense par exemple à l’album Petit renard que j’ai publié chez Albin Michel Jeunesse, qui mêle illustrations et photographies, ou encore au recueil Hardi hérisson de Delphine Chedru et au documentaire Transparences, radiographie de la nature, tous deux publiés par Béatrice. L’usage de la photo dans le documentaire jeunesse est particulièrement intéressante à étudier, un documentaire illustré avec des photographies se prépare d’ailleurs avec Séraphine Menu et Delphine Chedru, pour 2024.
Pourquoi ne rééditez-vous pas Mon âne Benjamin mais plutôt My Pig Paulina ?
Je ne connaissais pas ces livres : c’est ma collègue Charlotte qui les a repérés dans le catalogue d’un éditeur australien partenaire, Scribble. J’ai échangé avec l’éditrice australienne, qui m’a expliqué qu’ils s’agissaient d’albums allemands – des livres qui avaient compté dans ses lectures d’enfant. Elle m’a donné les contacts des éditeurs d’origine, et j’ai réalisé que les deux titres n’avaient pas été publiés chez le même éditeur. J’ai contacté les deux maisons, et celle de Paulina & moi m’a répondu en premier. Il se trouve que cet album complétait parfaitement notre programme du printemps 2023. Toute l’équipe a eu un coup de cœur pour Paulina. Il sortira donc en premier, mais nous aimerions bien sûr poursuivre avec Mon âne Benjamin.
Paulina, Greystone, Canada
Quelles difficultés avez-vous rencontrées lors de cette réédition ?
Dans le cas de Paulina et moi, les droits ont été négociés avec une agente, Stéphanie Barrouillet, qui représente la maison d’édition allemande Tulipan Verlag. Je n’ai pas encore été en contact avec les filles de Hans Limmer, l’auteur, qui sont aussi les héroïnes des histoires. Elles donnent très peu d’entretiens ; c’est dommage car elles sont très liées aux œuvres.
Il y a un enjeu technique, avec la photogravure et l’impression, pour que le rendu soit le plus réussi possible. La photographie en noir et blanc nécessite un traitement spécifique, que je découvre, pour ma part.
Nous avons enfin réfléchi au format : j’ai choisi de m’aligner sur celui de l’édition australienne, similaire à certaines éditions de Mon âne Benjamin (le livre étant un best-seller international, il est paru sous des formats et des couvertures différentes). Nous avons cependant gardé l’intégralité du texte et des photos, raccourcis dans l’édition australienne. La traduction a été confiée à Clément Bénech, qui a fait un formidable travail.
Paulinchen, Tulipan
Pensez-vous ajouter une page d’explications sur l’histoire de ce livre ?
J’aimerais beaucoup. Dans des cas de réédition patrimoniale, il est intéressant d’ajouter une postface qui donne la parole à l’auteur ou fournit un éclairage sur l’œuvre, la façon dont elle traverse les époques. J’ai découvert sur votre site l’histoire de Suzie, l’héroïne de Mon âne Benjamin, qui est la fille ainée de l’auteur et dont la maison était sans cesse visitée par les touristes fans de l’album. Il est plus difficile de trouver des informations sur Paulina et moi. Je ne suis pas certaine d’y parvenir.
Parlons de La Photo, qui à mon sens est un livre photolittéraire.
Il s’agit d’un album américain, publiée par Seven Stories Press, une maison au catalogue assez militant. L’auteur de La Photo est lui-même un activiste. Il s’est rendu compte que les images qu’il créait pour des manifestations produisaient un certain effet. Cela l’a amené vers le livre jeunesse, et il a publié A is for Activist, un abécédaire tout carton du vocabulaire de la lutte, devenu best-seller.
Devant l’abondante production de biographies hagiographiques de personnalités marquantes, je me demandais comment parler de lutte en remettant au centre l’action collective, et en rappelant que derrière les leaders, il y a du monde… J’ai trouvé le texte de La Photo brillant, et l’amorce – partir d’une photo – maligne. On se laisse prendre par le récit, qui définit les termes et donne une idée de la diversité des moyens de lutte avec des exemples. Les images, réalisées à partir de photos, ont quelque chose d’immersif, elles plongent le lecteur dans un récit concret.
Nous avons traduit le titre d’origine, The Wedding portrait, en La Photo et conservé le sous-titre de la VO « Pourquoi il faut parfois désobéir ».
Copyright La Partie
Je suis un photographe et j’aimerais vous adresser un livre photo pour enfants aujourd’hui. Puis-je le faire ?
Oui bien sûr, nous sommes curieuses de tout… Les projets nous arrivent de différentes façons, certains par les manuscrits, parfois, nous contactons un illustrateur pour un texte ou un auteur pour un sujet documentaire, parfois, ce sont les auteurs se choisissent et nous proposent un projet. Nous sommes avant tout à la recherche de projets qui produisent un choc d’ordre sensible, littéraire, artistique ou les trois à la fois.
Née en Autriche, en 1911, d’une mère serbe et d’un père roumain, Ylla passe son enfance à Budapest puis rejoint sa famille à Belgrade, où elle recueille déjà chiens et chats. Est-ce un signe de sa vie future ? Très tôt, la jeune Camilla Koffler apprend également que son prénom signifie « chameau » en serbe et elle opte pour le surnom d’Ylla.
Elle commence sa carrière artistique comme sculpteuse à Belgrade, dans les années 20 et s’initie à la photographie dans les années 30, à Paris, auprès de la photographe Ergy Landau, qui l’introduit dans le cercle des artistes hongrois émigrés à Paris et auprès des célébrités de Montparnasse. Elle photographie Joséphine Baker, Jacques Prévert, Henri Matisse, André Breton. Lasse des portraits de célébrités, elle privilégie ceux des animaux, car, dit-elle, « Celles-ci me paraissaient ne pas avoir de vanités ni se soucier d’avoir des rides sous les yeux ». Ylla ouvre son propre studio, rue Desremaude à Paris et ses portraits d’animaux facétieux et expressifs lui apportent rapidement la notoriété.
Regards, Nov. 1946
Elle expose aux côtés des grands noms de la photographie, vend ses images aux journaux et ses portraits animaliers commencent à être publiés sous forme de compilations. En 1938, elle publie Animal language, the first animal sound book published in England. Le livre mêle photographies prises aux zoos de Londres et Paris et texte et sons enregistrés par Julian Huxley. Elle réalise ensuite Petits et Grands avec Arts et Métiers Graphiques. C’est en 1942 qu’elle rejoint les États-Unis, dans le dernier bateau affrété par le gouvernement américain pour sauver des artistes européens du nazisme. Elle ouvre un studio au 200 West 57th street à New York et renoue avec les portraits de chiens et de chats. Ses agents lui cherchent des sujets de reportage, d’abord sur les chevaux aux États-Unis, puis sur d’autres animaux d’Europe et d’ailleurs. Ses photographies illustrent également des publicités et des calendriers édités par des compagnies d’assurance.
Ylla bénéficie du soutien d’une des plus grandes agences photographiques qui voient le jour avant et après la Seconde Guerre mondiale. Grâce à son agent Charles Rado, fondateur de l’agence Rapho-Guillemette, et à Raymond Grosset, qui gère l’agence Rapho à Paris, ses photographies se vendent à de nombreux magazines américains, dont Sports Illustrated, Life et à Paris Match ou Point de Vue images du monde en France. Elle publie de nouveaux ouvrages, entame sa collaboration avec la Guilde du Livre à Lausanne. En 1954, son livre Two Little Bears, publié chez Harpers & Brothers, et simultanément en Allemagne, Angleterre, Belgique, Danemark et Suisse, à la Guilde du Livre, sera un succès de librairie, comme celui publié avec Jacques Prévert, Le Petit Lion, paru en 1947. En 1970, dans un article de Popular Photography, Charles Rado considère que la vente de ses ouvrages avoisine le demi-million d’exemplaires, ce qui est tout à fait inédit pour des ouvrages illustrés de photographies. En 1954, Ylla est considérée comme la plus grande photographe animalière et surnommée la « Kipling de la photographie ».
Au cours de sa carrière, Ylla a multiplié les collaborations inter-artistiques avec de grands noms de la littérature, confiant ses photographies aux mots de nombreux écrivains dont Claude Roy, André Demaison, Marie Dormoy, Paul Léautaud, Jacques Prévert, George Ribemont-Dessaigne, Jules Supervielle et Margaret Wise-Brown. Avec cette dernière, elle publie quatre albums dans lesquels photographies et texte s’entrelacent pour tisser la trame d’histoires pleines de poésies à destination des plus jeunes : They all saw it en 1944, The Sleepy Little Lion en 1947, O said the Squirrel en 1950 et The Duck en 1952.
Ylla, The Duck, (édition de 1953,) traversant de la 57 ème rue à la 7ème à New York
They All Sawi It , publié en 1944 chez Harper & Brothers, est composé à partir d’une sélection de portraits d’animaux déjà utilisés pour d’autres publications, comme celle de la girafe qui figure à la même époque sur les publicités américaines de la marque Scotch.
Sur la couverture, les portraits détourés sont placées sur un fond rouge, arrière-plan vide de tout contexte. Seul le haut de leur corps est présent. Le regard du spectateur glisse du titre « They all saw it », imprimé en lettres capitales , vers les yeux des animaux, second point focal. Qu’ont donc vu ces animaux ? Le titre et ces regards, jusqu’à la bouche ouverte de l’otarie, convergent et tendent des invitations au lecteur pour tourner les pages du livre et tenter d’élucider le mystère.
They All Sawi It , publié en 1944 chez Harper & Brothers
Dans le corps de l’ouvrage, le dispositif se prolonge et les réactions des animaux, étonnés, songeurs ou effrayés -seul l’ours dormait, mais c’est un ours-font écho à la posture des animaux photographiés et posés en page de droite. Le texte de Margaret Wise Brown anthropomorphise jusqu’à créer des liens familiaux entre les protagonistes, comme devant la photographie des deux singes qui ne sont en réalité pas mère et enfant.
Le mystère ne sera résolu qu’à la toute fin avec cette révélation « This is what it was ! », en regard de la photographie d’un éléphant ailé. Pour cette photographie, Ylla a recours au photomontage associant la photographie d’un éléphant tirée de sa série « Rigling Bros Circus » et une image empruntée au célèbre photographe américain Ansel Adams. L’éléphant porte des ailes, une cape et semble surgir du monde de la nuit ou des rêves. Qui a dit que la photographie ne permettait pas de faire surgir l’imaginaire ??
Les ouvrages d’Ylla ont été fréquemment adaptés dans d’autres pays. Il peut s’agir d’une simple traduction ou d’une réécriture adaptée aux attentes des lecteurs du pays. Pour la plupart des livres d’Ylla, la maquette reste la même.
La réédition d’un nouvel album d’Ylla par les éditions MeMo, après celui des Deux petits ours en 2018, confirme l’importance de la contribution de cette pionnière de la photographie animalière à l’histoire des livres photo-illustrés pour enfants. Elle est accompagnée de deux courtes postfaces. Pamela Ellayah et moi-même racontons les coulisses de ce bel album.
Il est arrivé ce matin dans ma boîte à lettres accompagné d’un très joli mot qui célèbre les rayures, les pois, les carreaux et surtout l’Amitié…
Claire Dé et ses comédiens-Basile et Capucine, Bijou le chihuahua et Eclair le chat noir, l’âne de Marcel et la poule rousse de Rosario- invitent les lecteurs-spectateurs à tourner les pages de l’album d’un été rêvé, presque un film de leurs vacances délirantes et délurées.
C’est un livre filmique et un bel objet. Claire Dé joue sur les distances, le plan d’ensemble et le rapproché, le net et le flou, ce qui donne lieu a des images d’une étourdissante virtuosité. Pour costumer ses acteurs, Claire Dé a trouvé des lunettes à pois, des casquettes à carreaux, des tuniques géantes à rayures qui sont autant d’échos aux boules rouges, au parapluie jaune, aux gobelets bleus… Des éclats de couleur primaire ne cessent de circuler d’un plan à l’autre, comme autant d’éclats de rire. Car c’est aussi sonore. Le thème de l’album permet d’entendre les cris et les éclats de rire, le bruit des roues du tricycle sur l’asphalte et celui de l’eau du tuyau qui arrose en vert… C’est aussi inspirant. Les images fourmillent de signes à déchiffrer, de références à de célèbres histoires enfantines… et les lecteurs les plus âgés se remémoreront peut-être une célèbre campagne de publicité pour la marque de films Kodak et ses voleurs de couleurs !
Ce faisant, Claire Dé photographie le bonheur, la liberté, les jeux, les inventions de l’enfance et nous offre une tranche d’insouciance. Vraiment, son livre fait du bien !
Jacqueline, J’avais 7 ans quand la guerre a éclaté…le nouveau livre de Pierre-Jacques et Jules Ober au Seuil a enfin vaincu la Covid pour parvenir sur les rayonnages de nos librairies et il est très réussi !
Après les champs de bataille de la Première Guerre mondiale et le désespoir du jeune Pierre, qui tentait d’être à la fois un bon fils et un bon soldat, Jacqueline raconte à la première personne les souvenirs d’enfance de Jacqueline Ober, la mère de l’auteur, pendant la Seconde Guerre mondiale. https://miniphlit.hypotheses.org/2919
Le récit est tout à fait autobiographique puisque tiré d’un manuscrit laissé par la vraie Jacqueline. On vit avec elle l’évasion de son père militaire, sa fuite vers la zone libre, son engagement dans l’armée alliée en Afrique du nord d’abord, puis en Allemagne. On partage aussi la vie de la jeune Jacqueline, petite fille traumatisée par l’absence paternelle, la présence de l’armée d’occupation, l’exil et l’obligation de s’adapter à une contrée nouvelle. Moins sombre que le premier album, l’ouvrage se termine par une lueur d’espoir car l’amitié est toujours possible entre les enfants, quel que soit le conflit qui oppose les nations.
Les tableaux photographiques fourmillent de détails inspirés par les photographies de la vraie Jacqueline Ober et témoignent des multiples recherches historiques que mènent Pierre-Jacques et Jules Ober pour être fidèles à la réalité historique dans chacun de leurs ouvrages.
On admire les effets spéciaux qui rendent compte du feu des armes, la reproduction miniature des affiches publicitaires, de cinéma ou de propagande sur les murs, et la minutie pour reproduire les objets familiers ou les tenues et coiffures de l’époque.
L’enchaînement des tableaux, les effets de gros plan et de profondeur, le travail sur la lumière donnent encore une fois à l’ouvrage un aspect cinématographique. Les deux auteurs ont choisi d’accompagner la sortie de leur livre de deux bandes annonces qui, accompagnées musicalement, finissent de nous plonger dans l’ambiance.
Vasco, le cochon footballeur, Edward Van der Vendel, Alain Verster, 20 x 20, Bruxelles, Versant Sud Jeunesse, avril 2020
C’est l’histoire d’une amitié hors norme entre un enfant et un cochon. C’est l’histoire d’un match de foot un peu spécial, avec un gardien de but pas très académique.
Il y a bien des vignettes avec la tête des joueurs à collectionner, des albums pour accueillir ces vignettes, des posters et des fanions, des maillots et des crampons, des cages et des unes de journaux, des gants de gardiens et des ballons noir et blanc et des enfants combattifs et joyeux. On dirait bien une histoire de foot, sauf que… les supporters enthousiastes sont des poules, des oies et des lapins, le héros du jour est un cochon qui porte le numéro 5 et aucun joueur sur le terrain ne semble s’en étonner. Les Unes de journaux assemblées à la fin de l’ouvrage attestent même que ce gardien de but un peu spécial a bien existé et que ces exploits sont authentiques.
Il semblerait que les pages de cet ouvrage accueillent une histoire d’exploit impossible qu’un enfant aime se raconter le soir avant de s’endormir.
copyright Versant Sud jeunesse
Si le jeune lecteur est touché par cette histoire d’amitié et ces images drôles et pleines de fantaisie, les lecteurs adultes s’attarderont sur ces illustrations qui lui adressent autant de clins d’œil.
Ces étranges images, aux couleurs passées, fourmillent de détails et proposent un assemblage d’objets hétéroclites tirés de la chambre d’un enfant qui aurait bien grandi depuis cette histoire : vignettes anciennes ou unes de magazines de foot sur lesquelles les joueurs professionnels ont les cheveux bien longs, distributeur ou bocal de verre remplis de bonbons, figurines de cow-boys et robot démodé, ancien transistor et énorme téléviseur et même un fauteuil de camping à grosses fleurs. Les chaussures de foot à bandes obliques rappellent furieusement celles des années 80. Les visages des enfants semblent prélevées sur de vieilles photographies en noir et blanc aux contours un peu flous. Même si une Une de journal mentionne l’année 2013, toutes ces images figurent la nostalgie d’un jeune supporteur devenu grand.
Le texte au passé d’Edward van de Vendel et les images d’Alain Verster se combinent pour réactualiser des morceaux de notre mémoire dans le présent, font ressurgir les images et les sons de notre enfance, les souvenirs de soirées de grand match devant le téléviseur familial, les collections de vignettes Panini et la longue chevelure d’un Dominique Rocheteau.
copyright Versant Sud jeunesse
Il faut chercher l’origine de nos émotions du côté de la technique d’Alain Verster, interviewé par Fanny Deschamps, éditrice de Versant Sud jeunesse, lors pour la sortie de son album, Je te vois, et toi ? , dans lequel se déployait cette même pratique artistique.
« Tu travailles selon une technique bien particulière. Peux-tu nous en parler ?
Dans mes illustrations, j’essaie de trouver de manière intuitive un langage visuel poétique et harmonieux. Avec un simple morceau de ruban adhésif, une fascination pour les détails et un sens des matières, je construis minutieusement mes illustrations avec des images superposées en couches.
Les photographies anciennes constituent la base de mes personnages et apportent une touche de nostalgie à mes illustrations. Ces photos sont d’abord traitées numériquement, puis je les imprime sur du papier non couché et je les travaille avec du ruban adhésif. Cela me donne une reproduction brute et un peu floue de mon image originale. Ensuite, j’ajoute du caractère à ces personnages en accentuant certains traits au crayon, à l’acrylique et à la peinture à l’huile.
En plus de ce procédé de reproduction graphique, j’applique des structures brutes de couleurs à l’arrière-plan. Cela permet d’obtenir un jeu de lignes brutes qui apportent une dynamique à travers les illustrations. Ma palette de couleurs, très sobre, est inspirée par les vêtements des années 1920 à 1950, où l’on trouvait de nombreuses teintes de gris, de bleu et de brun. Cette palette s’harmonise bien avec les anciennes photographies que j’utilise pour mes personnages. Cela dit, j’essaie d’appliquer de plus en plus de couleurs dans mes illustrations. Je combine enfin tous ces différents éléments sur mon écran et je compose une seule image. Malgré le procédé numérique, j’essaie de conserver la matière de mes dessins originaux dans mes illustrations, afin qu’on ait un sentiment d’imperfection. Je pense que c’est précisément là que réside l’émotion de mes images. Rien n’est plus beau que de retrouver la main de l’artiste et les traces de son matériau dans son travail.
Quelles sont tes influences et tes références ?
Mes principales influences sont les différents stimuli visuels que je reçois au cours de la journée. Cela peut être une peinture, une affiche ou un événement dans la rue… Ces impressions sont conservées dans ma tête et, lors de l’illustration, elles sont traitées – consciemment ou inconsciemment. Souvent, je regarde des séries ou j’écoute de la musique tout en dessinant et, par la suite, on remarque des liens entre les deux. Cela peut aller des couleurs, du style des personnages, à la décoration intérieure. Bien entendu, j’ai de bons exemples de références, comme l’illustrateur Jon Klassen, le réalisateur Wes Anderson, l’artiste Rinus van de Velde et Carll Cneut. Ce dernier était mon professeur à la KASK (école d’illustration à Gand, ndlr) et m’a aidé à trouver mon identité d’illustrateur.”
