Docteure en littérature française,je suis l'auteure d'une thèse soutenue le 14 mai 2019, intitulée "Littératures de jeunesse et photographie, mise à jour et étude analytique d'un corpus éditorial européen et américain, de 1860 à aujourd'hui". Je fais partie du laboratoire CELLAM, de l'université de Rennes 2. Je suis également auteure de romans pour la jeunesse et commissaire d'expositions consacrées ux photographes Ergy Landau et Lily Franey. J'ai signé la postface de la réédition du livre d'Ylla : Deux petits ours, MeMo éditions.
Le séminaire du Greces-Cellam poursuit ses investigations autour des petites bêtes dans la littérature jeunesse.
Jeudi 28 mars, Catherine Sablonnières dressera un état des lieux de la présence des insectes dans les littératures sud-américaines et espagnoles. Helène Valotteau dressera des ponts entre les petites bêtes d’Antoon Krings et ses inspirateurs. Et je me pencherai sur la figure de l’entomologiste dans les ouvrages de Thierry Dedieu, interviewé ici https://miniphlit.hypotheses.org/7183.
Pour assister en distanciel : catherine.sablonnière@univ-rennes2.fr
Remy Charlip, Marie Beth et George Ancona ont signé plusieurs ouvrages photographiques destinés à l’apprentissage de la langue des signes.
Remy Charlip (1929-2012) est danseur, chorégraphe et l’auteur ou l’illustrateur de 38 livres pour enfants dont David’s Little Indian de Margaret Wise Brown (Young Scott Books, 1956), Dress Up and Let’s Have a Party, (Young Scott Books, 1956). Les critiques ont salué le travail de Charlip pour ses jeux de mots créatifs, son humour et, dans le cas de Thirteen en 1975 sa « magie visuelle absolue », selon Milton Glaser dans le New York Times Book Review.
Sa collaboration avec le National Theater for the Deaf en tant que metteur en scène lui a inspiré deux livres d’images sur la langue des signes, Handtalk : An ABC of Finger Spelling and Sign Language (Parents’ Magazine Press, 1974) et Handtalk Birthday : A Number and Story Book in Sign Language (Four Winds Press, 1987), réalisés avec Mary Beth Miller ( – 2019), actrice, écrivaine et enseignante et membre originale du National Theatre of the Deaf et le photographe Georges Ancona ( 1929-2021), auteur de nombreux documentaires et ouvrages photo-illustrés pour enfants publiés des années 1970 à 2010.
“Vous n’avez pas besoin d’utiliser votre voix pour parler. Vous pouvez parler avec vos yeux, votre visage, vos mains, votre corps… C’est le premier livre de ce genre pour les jeunes sur les deux façons dont les sourds parlent : S’ÉLANCER AVEC LES DOIGTS, former des mots lettre par lettre avec les doigts d’une main, et SIGNER, faire une image ou un signe avec une ou deux mains pour chaque mot ou idée.“
Mary Beth Miller et les autres acteurs de la compagnie prêtent leurs traits expressifs, leurs grimaces et leurs mains agiles à ces imagiers en langue des signes destinés à tous. Dans Handtalk : An ABC of Finger Spelling and Sign Language, le lecteur apprend à former des mots lettre par lettre avec les doigts puis à faire des signes avec une ou deux mains pour chaque mot ou idée. Les premières double-pages accueillent d’abord un abécédaire illustré, puis deux pages associant lettre, mot en langue des signes et lettres et la photographie en couleur d’un acteur interprétant le mot. Les pages à suivre proposent aux lecteurs de deviner les mots, puis de mimer des phrases entières en reproduisant des modèles. La chronophotographie permet de décomposer et d’observer le geste à reproduire. Dans Handtalk Birthday : A Number and Story Book in Sign Language, Mary Beth Miller est réveillée par une lampe au dessus de sa tête. Ses amis sont à la porte et viennent lui souhaiter un “Joyeux anniversaire”, l’occasion de partager bonbons et gâteaux et le voeu de pouvoir voler de l’héroïne du jour. Les lecteurs apprennent à signer les nombres et le vocabulaire joyeux de la fête d’anniversaire, grâce aux mots et aux photographies très colorées sur lesquelles les invités miment avec entrain les mots de la fête. Avec ces deux ouvrages, apprendre une nouvelle langue n’a rien de barbant !
Handtalk Birthday a été classé parmi les meilleurs livres pour enfants de l”année 1987 par le New York Times.
Le nouveau numéro de la revue Mémoires du livre/Studies in Book Culture, sous la direction de David Martens, est consacré aux “Portraits phototextuels de pays (XIXe – XXIe siècles).”
J’y signe un article qui remet en lumière les ouvrages pour enfants de Laure Albin-Guillot.
Résumé : Entre les deux guerres, la photographie fait une entrée remarquée dans les livres de lecture pour la jeunesse, de l’imagier au livre de catéchisme. Quelques récits de voyage illustrés de photographies voient timidement le jour parmi lesquels, en 1934, Hors du nid, de Charles ab der Halden. Il est illustré par la photographe Laure Albin Guillot, figure majeure de la photographie de l’entre-deux-guerres. Cet article se propose de cerner le genre de cet ouvrage, entre roman scolaire, récit de voyage et portrait de pays. Il examine comment les photographies participent de ce genre et analyse la collaboration des mots et des illustrations photographiques.
“Depuis la fin du xixe siècle, le récit de voyage illustré par des photographies est souvent l’occasion de nourrir un imaginaire de l’ailleurs, de construire le regard porté sur des contrées lointaines. Aux États-Unis, dès le début du xxe siècle, les ouvrages situés dans d’autres pays et illustrés de photographies font l’objet de multiples publications. Ils prennent alors la forme de récits de voyage, comme ceux, tirés de ses explorations en Arctique, du commandant Robert Peary[1], ou bien de journaux de bord, comme celui de Cardenio Flournoy King Jr.[2], qui fait le récit de son tour en Europe, ou encore de romans d’aventures fictives[3] comme dans les collections « Little People of Other Lands Series », « Our Little Cousin Series », « Children of the World Series », « Little People Everywhere », « Children of Other Lands Books », « Everyland Children Series », « Children of All Lands Stories ». La photographie qui accompagne ces récits, réalisée par les voyageurs eux-mêmes ou fournie par les sociétés de géographie, donne à voir les personnages, les populations rencontrées et les paysages traversés, documente sur les us et coutumes.”
Du 1er mars au 31 mai 2024, la Maison de la photographie Robert Doisneau de Gentilly (juste de l’autre côté du périphérique parisien) accueille l’exposition Regarde ! 150 ans de livres de photographies pour les enfants et présente plus d’une centaine d’ouvrages photolittéraires dans un parcours chronologique et thématique.
Le séminaire consacré aux petites bêtes dans la littérature jeunesse reprend à Rennes 2.
Séminaire du Greces-Cellam : Drôles de petites Bêtes 2.
Pour chaque séance, lien zoom sur demande à : catherine.sablonniere@univ-rennes2.fr
Jeudi 15 février : 16h-18h, salle L.146.
Catherine Sablonnière (Cellam, Rennes 2) : Etat des lieux : insectes et TSE dans la littérature jeunesse (Espagne/ Amérique).
Jeudi 28 mars : 16h-18h, salle L. 142.
Laurence Le Guen (Cellam, Rennes 2) : Du professeur Tatsu Nagata à Edmond de Garenne, Figures de l’entomologiste dans les albums de Thierry Dedieu.
Hélène Valotteau (Médiathèque Françoise-Sagan-Fonds patrimonial Heure Joyeuse) : De Granville à Corentin, les ancêtres et cousins des Drôles de petites bêtes d’Antoon Krings.
Vendredi 5 avril : 15h45-17h45, salle L. 142.
Julia Peslier (ELLIADD, Université de Franche-Comté) : Fourmis d’albums, lisibles, visibles: ce qu’elles découvrent pour nous quand nous les découvrons.
Myriam Guillevic, Cédric Choplin (Celtic-BLM, université Rennes 2) : Merien : un travail de fourmis.
Désormais, il n’est plus seulement une fois, mais bien mille fois! Que ce soit dans l’édition jeunesse, en littérature pour petits et grands, au cinéma ou au théâtre, les contes patrimoniaux font l’objet de réécritures infinies, dans des genres différents, comme si la matrice initiale était inépuisable.
Ce nouveau numéro de la revue Captures, dirigé par Christine Rivalan Guégo et moi-même, explore les déplacements de sens qui résultent de l’illustration de récits pour enfants à l’aide d’un médium associé à l’art, au journalisme, au documentaire.
La rubrique « Document » accueille les confidences de la photographe Marie Liesse, qui revient sur sa collaboration avec l’écrivain Timothée de Fombelle pour leur album Le jour où je serai grande. Une autre histoire de Poucette (2020). Le petit fantôme, une proposition inédite de Marie Liesse d’un conte photographique pour enfants complète son témoignage. Enfin, en dialogue avec les articles qui la précèdent, la section de contrepoints « Variations » présente une nouvelle version photographique de La petite fille aux allumettes (Christiane Connan-Pintado). Au détour des rayons des cavistes, elle illustre également le rapprochement entre stratégie de vente et patrimoine littéraire (Christine Rivalan Guégo). Elle dévoile l’intérêt du peintre Emmanuel de la Villéon pour les contes populaires (Clarisse Bailleul) et offre aussi un coup de projecteur sur deux mises en scène théâtrales de contes (Inès Guégo Rivalan). Deux entretiens concluent cette section : la comédienne Avril Bénard revient sur sa participation au court-métrage Le fil rouge de Sarah Moon, tandis qu’Arnaud Guillou de la compagnie « Les Voix élevées, les mains dans le cambouis » décortique ses mises en scène pour enfants de contes et de mythes.
La recherche en photolittérature pour la jeunesse c’est notamment découvrir et analyser des ouvrages qui font l’histoire passée et présente de cette production, questionner ses créateurs, photographes, écrivains…. et éditeurs. Parole à David-Alexandre Guéniot, co-fondateur de la maison GHOST à Lisbonne.
Peut-on présenter rapidement votre maison d’édition ?
Elle a été créée en 2011 à Lisbonne par mon épouse Patricia Almeida, qui était photographe, et moi-même. Je viens plutôt de l’univers de la danse et de la chorégraphie. Ghost est l’acronyme de Guest et Host, manière de montrer la circularité de la position de l’auteur entre le photographe, l’écrivain, le designer, l’éditeur. Le livre est une réunion de plusieurs compétences et de plusieurs apports créatifs. Nous éditons des livres en lien avec la photographie et les arts visuels, notamment la performance.
Quand vous recevez un projet photographique, qu’est-ce qui retient d’abord votre attention ?
Nous avons avant tout une pensée critique sur l’image, sur les modes de réception et de production d’une image photographique. Cela ne recouvre pas forcément une esthétique particulière. Nous avons une certaine défiance par rapport à la belle image ou à l’image impactante, esthétisante. Nous retenons plutôt des photographies qui intègrent à leur pratique une pensée critique de la représentation photographique.
Je publie deux ou trois projets par année et souvent il s’agit d’artistes que je connais depuis longtemps, avec lesquels il y a une confiance et qui connaissent ma conception du livre, d’une approche éditoriale active, peut-être intrusive pour certains. J’aime créer des livres qui sont le résultat d’un processus éditorial, et non la production de décisions prises par l’auteur au préalable. J’entends l’édition comme un processus de création. Le plaisir que j’ai à éditer un livre, c’est la partie active de collaboration avec l’auteur, le designer.
Quelle est votre approche de la collaboration texte-image ?
Nous éditons plutôt des livres qui n’ont pas de texte. Il s’agit vraiment d’une réflexion autour de la narration visuelle et comment articuler un discours qui va passer par le montage d’images. Nous avons édité un livre de Catarina Botelho, À sombra do Sol [À l’ombre du Soleil] tiré de sa résidence au Cap vert. Elle y a photographié les rues désertes où seuls sont présents des chiens qui dorment. Ces images de chiens assoupis collaborent avec des morceaux d’architecture. Nous avons intercalé des extraits de son journal de création, réminiscences de moments de sa vie, comme une narration parallèle, à la manière d’un conte. Elle nous raconte avec cet assemblage son voyage dans un pays où le temps s’est arrêté, où la vie est occupée par des chiens. Les images se promènent sur la double page conçue comme un espace à occuper, à l’image de cette ville désertée. Elles sont toujours en mouvement.
Est-ce que les photographies de vos livres ont fait l’objet d’expositions ? Comment passe-t-on de la des murs à l’espace du livre ?
On n’en tient pas compte du tout. Il y a une autonomie du medium. Exposer, publier, ce ne sont pas les mêmes logiques. Dans un espace, il y a une dramaturgie de l’espace, une échelle qui tient compte de celle du corps humain en mouvement. lorsque l’on monte une exposition, on tient compte de la place de la porte, de la hauteur des murs, de la configuration de l’espace. On organise des itinéraires. Dans le livre, il y a d’autres conventions qui ne sont pas celles d’un espace architectural. La relation proposée au lecteur est aussi différente. Même si le corps du lecteur est toujours présent, il n’est pas dans la même relation physique avec les photographies. On prend en compte les conventions propres au livre en termes de séquençage, de rythme de lecture, d’effets de narration, de relation à l’objet, son format, la technique d’impression utilisée, le type de papier.
Comment la production pour la jeunesse s’insère-t-elle dans votre production ?
C’est en devenant parents que nous avons eu la préoccupation de familiariser notre enfant à la photographie. Quand on pense la photo pour les enfants, il y a l’idée de remettre les choses à plat, d’explorer le degré zéro de la photographie. Les enfants la découvrent. Il y a l ‘idée (utopique) que tout est possible. A travers la façon dont l’objet est pensé, on pense la réception du lecteur enfant. Je m’interroge beaucoup sur le fait que ce sont les adultes qui conçoivent des livres pour l’enfant alors qu’ils sont sortis de l’enfance. L’adulte projette énormément de choses de lui-même, alors que l’enfant n’a pas vraiment voix au chapitre. Pour résoudre ce dilemme j’ai eu envie de créer des livres jeux.
Nous avons d’abord publié Ollie Ollie Oxen Free – www.ghost.pt, dont le titre vient de l’expression populaire anglaise qui dit dans le jeu de cache-cache que les autres enfants peuvent sortir de leur cachette. Pour créer ce livre, j’ai joué avec mon fils et d’autres enfants dans des environnements domestiques. Ils se cachaient et je les prenais en photo. L’appareil avait la capacité à les capturer, à les figer. Le livre témoigne de ce jeu-là. Le livre est façonné de façon à ce que les enfants soient cachés dans le livre. Il présente des cachettes possibles, penderies, tables lits, et le lecteur doit trouver lui-même les enfants. Les pages sont reliées de façon à laisser un espace avec des enfants cachés.
J’ai réalisé un autre ouvrage inspiré de la façon dont mon fils s’installe pour jouer avec sa console de jeux portable. Je repensais à l’ouvrage de Munari et ses images de positions inconfortables provoquées par les chaises de designer. Seeking Comfort – www.ghost.pt est un peu un remake de cette plaisanterie de Munari sur l’inconfort des chaises. Mais c’est surtout la création d’une partition chorégraphique créée à partir de mouvements générés par un artefact technologique qui n’a pas pour but de créer du mouvement.
Seriez-vous tenté de développer une collection de livres pour enfants ?
A partir du moment où je reçois une proposition qui permet de penser un objet ou qui apporte une manière d’entrer une relation avec un contenu, cela m’intéresse toujours. Tout est possible dès qu’on entre dans un dialogue critique sur la manière de créer pour l’enfant, de faire de la photo pour l’enfant. Il n y a pas de limite thématique.
Je n’aime pas trop l’idée de collection. Je préfère penser le livre comme une rencontre qui débouche sur une forme unique.
Quelle est selon vous la réception du livre photo pour enfants ?
C’est difficile. Il y a vraiment une tradition du livre pour enfant avec illustration. Le livre photo pour enfant est souvent mal compris. Il souffre de préjugés, liés à la façon dont les parents pensent la photo. Dès trois ans, l’enfant a un rapport au dessin plus direct, alors que la photo peut sembler imposée à l’enfant. Le dessin permet de partager un monde imaginaire de l’ordre de l’irréel, de l’immatériel, alors que la photo impose un effet de réalisme, restreint la capacité de naïveté. C’est une perception adulte de la photographie restreinte par les adultes. J’ai l’impression (c’est plutôt une intuition) que les adultes invitent les enfants à partager un monde qui est contrôlé par le point de vue de l’adulte. André Bazin disait du cinéma qu’il “substitue à notre regard un monde qui s’accorde à nos désirs”, c’est la question que je me pose avec les livres photo pour enfants: Ne substituent-ils pas au regard de l’enfant un monde qui s’accorde aux désirs de l’adulte? Cela pose des questions non seulement esthétiques mais aussi éthiques et politiques sur la place de l’enfant dans la société, sur le statut de “sa minorité”, par exemple.
Qu’est-ce qui pourrait améliorer la vision des adultes à l’égard de cette production ?
Faire des workshops pour les familiariser à l’utilisation de la photo, installer la photo dans des schémas ludiques, former les parents eux-mêmes.
Est-ce que l’exposition peut être un moyen de vulgariser, de faire découvrir la photolittérature ?
Toutes les occasions sont bonnes pour montrer la richesse du livre photo pour enfants ainsi que tous les schémas narratifs que l’on peut inventer. J’ai monté une exposition à partir de ma collection à Lisbonne en 2015. J’avais envie de faire mieux connaître ces ouvrages. J’avais envie d’habituer les enfants à lire les photographies, les amener à collaborer, critiquer, jouer avec les images. Plusieurs animations étaient proposées. Cela a bien fonctionné.
Jan von Holleben et moi-même avons le plaisir d’accueillir Charles Fréger, Claire Dé, Carine Picaud de la BNF, David-Alexandre Gueniot des éditions Ghost Books pour une table ronde consacrée aux ouvrages photographiques pour enfants sur la péniche de Polycopies samedi 11h novembre à 11H !
Nous dédicacerons ensuite nos livres sur le stand Setantia Books.
Le livre photographique pour enfants fait son entrée à Paris Photo ! Réjouissons-nous !
Depuis le début de mes recherches, je suis intriguée par le travail de Bernadette Gervais. J’ai longtemps cru que ses imagiers étaient photographiques tant ses dessins étaient hyper-réalistes. La parution de Mes saisons aux éditions (Les Grandes Personnes), un mixe de dessins et de photographies en noir et blanc, autant de zooms sur des petites bêtes ou des fleurs et mis en page dans un imagier grand format, m’offre enfin l’occasion d’un entretien.
Bernadette Gervais, est-ce votre premier livre de photographies pour enfants ?
Non, j’ai réalisé l’imagier Légumes, chez Albin Michel avec Hélène Vincent.
Quel est votre rapport à la photographie ?
La photographies est apparue dans une période compliquée de ma vie, il y a une dizaine d’années. Elle a fonctionné comme un échappatoire pour moi. Je partais dans la campagne et je photographiais la nature, avec un petit appareil photo. Je n’avais pas et je n’ai toujours pas d’appareil professionnel. A partir de ce moment-là c’est devenu presque obsessionnel ! J’ai toujours un petit appareil avec moi. Je prends des photos tout le temps.
Avez-vous des maîtres en photographie ?
Il y a des photographes qui m’ont influencée, dont Adget ou Sudek. Ce que j’aime en photographie, c’est le noir et blanc. Leur manière de créer est très émotive et sensuelle. Ils jouent avec la lumière et je trouve cela émouvant. Karl Blossfeldt me plaît énormément avec ses photographies de végétaux. Lors d’une residence au Père Castor, j’ai découvert la série du Montreur d’images et j’ai été séduite à la foi par les photographies et l’intention pédagogique. C’est à partir de cela que j’ai eu envie de faire intervenir la photographie dans un imagier pour enfants. J’ai découvert en bouquinerie de très beaux livres comme ceux d’Ylla et celui de Doisneau Compter en s’amusant.
Parlons de Mes saisons. Quelle a été votre méthode ? Avez-vous établi une liste d’éléments de la nature à ne pas oublier ?
Il n’est pas simple de parler de mon organisation. Je réfléchis beaucoup en amont sans faire de projet papier. Quand j’ai décidé d’utiliser des photos noir et blanc et des dessins, j’ai construit mon livre. J’ai organisé le livre sur cette collaboration dessins/images. Chaque double page accueille une photographie et son dessin correspondant, en miroir. J’ai été guidée par mon stock de photographies de la nature emmagasinées depuis des années. Je tenais à utiliser certaines photographies, comme celle du paysage dans le brouillard et elles m’ont aidée à construire le livre.
Cercope, Clytre, Sympétrome, Tétragnathe, Argiope, certains noms sont bien compliqués. Avez-vous une formation de biologiste ? Et ne craignez-vous pas les difficultés de prononciation ?
J’ai un amour de la nature qui me vient des balades dans la nature avec mon père. On observait tout. J’avais envie de recréer une balade dans la nature, avec des zooms. Quand on se balade on voit des éléments qu’on ne connaît pas et j’avais envie de faire figurer dans mon ouvrage des choses inconnues. Tout le monde connaît le Coquelicot mais peu de gens savent nommer la Silène enflée. C’est vraiment une fleur que l’on rencontre régulièrement tout le temps et j’avais envie de la mettre dans le livre. Les enfants retiennent des choses imprononçables tout le temps et je ne pense pas que les noms scientifiques les dérangent.
Comment faites-vous pour être si précise même avec vos animaux au pochoir ?
Quand j’interviens dans les classes et que je montre Les choses qui piquent, il y a une guêpe. Les enfants me disent tout le temps “abeille”. J’avais donc envie d’une page qui détaille bien ces insectes différents mais très courants. Je recherche de la documentation sur internet pour pouvoir faire des dessins très précis.
N’êtes vous jamais frustrée de ne pas expliquer davantage ?
Non, je suis vraiment dans la création d’un imagier. Il s’agit de regarder et de nommer les choses. Ce n’est pas un documentaire. J’étais très frustrée de m’être limitée par contre ! J’avais beaucoup de matière et le choix a été difficile. J’en fais tellement ! Je peux photographier douze fois un champignon et avoir du mal à choisir la bonne.
Mes saisons est-il différent de vos précédents imagiers ?
Ils sont bien différents. Le premier était d’inspiration conventionnelle et j’avais envie de rompre avec cet aspect conventionnel en travaillant le graphisme. Pour le suivant j’avais envie de présenter des objets et j’ai rassemblé des choses improbables dans un classement rigolo et poétique. Pour celui-ci je voulais un imagier-balade, très narratif.
A l’occasion de vos prises de vue, avez-vous constaté que la nature évoluait ?
J’ai trouvé beaucoup de coquelicots ce qui m’a rassurée. J’étais dans des coins de nature assez fantastique et je ne me suis pas dit qu’elle souffrait.
Travaillerez-vous de nouveau avec les photos ?
Je vais faire un jeu de loto, avec dessins et photos, sur les chiffres. Je l’espère très graphique et c’est un projet qui m’emballe. Maintenant je compte les choses tout le temps ! Dernièrement, j’ai photographié un paquet avec six œufs pour le chiffre six.
Du noir et blanc encore ?
Oui ! La couleur, je la réserve pour le dessin. Je trouve que le contraste entre photographies en noir et blanc et dessins en couleurs fonctionne très bien.
Bernadette Gervais sur le site des (Grandes Personnes)
Nous poursuivons notre enquête sur les lieux de transmission de l’art photographique, avec une interview d’Alice Rougeulle, médiatrice à l’Institut pour la photographie des Hauts-de-France .
Présentez-nous l’Institut pour la photographie.
Il a été créé en 2018. Il est né de la volonté de la région Hauts de France de doter le territoire d’un lieu dédié à l’image, en lien avec les questions d’enjeux sociaux que l’image représente. La région a travaillé avec les Rencontres d’Arles afin de définir au mieux les missions d’un nouveau lieu dédié à la photographie. L’institut a cinq grandes missions. D’abord, celle de la conservation. Il n’y a pas de collections permanentes mais nous accueillons des fonds d’archives de photographes. Il y a ensuite une mission de diffusion, qui passe par les expositions sur toute la région. La question de la recherche et de la création est le troisième point : nous accordons quatre bourses par an. Les deux dernières missions sont liées à votre sujet de recherche : le livre photographique et la transmission artistique et culturelle. Notre bibliothèque est bien fournie et s’est enrichie à partir de dons de collectionneurs.
Je travaille à l’Institut depuis cinq ans. Je ne viens pas de la photographie mais du spectacle vivant. Je travaillais dans la médiation liée à la danse contemporaine. Quand les premiers postes ont été proposés à l’Institut, j’y ai vu une façon d’explorer d’autres chemins, d’autres questionnements. Je m’occupe du volet transmission culturelle qui s’adresse à de multiples publics. Il s’agit de développer les liens avec différents secteurs, de développer des outils autour de la photo, de coordonner les visites et ateliers pendant notre programmation. La micro-édition y a une place particulière.
A qui transmettez-vous la photographie et comment vous adressez-vous aux enfants ?
On travaille beaucoup avec des écoles. Notre enjeu est d’éveiller les enfants à la lecture des images, pas à apprendre à faire des photos. Il s’agit de réfléchir aux images que l’on voit, de développer l’imaginaire en lien avec ces images, de travailler sur l’interprétation qu’on en fait. J’insiste beaucoup sur la lecture de l’image. Cela en passe par des visites d’expos, mais aussi par les ateliers et jeux de société autour des images, notamment avec les livres photos de la section jeunesse de notre bibliothèque. Nous n’utilisons pas des livres spécifiquement destinés aux enfants. Nous explorons tous les livres photos. Nous questionnons la mise en page, le papier, et nous envisageons le livre comme un tout. Quand nous organisons un atelier dans la bibliothèque, nous sélectionnons une trentaine d’ouvrages que l’on feuillette. Je demande aux enfants de s’arrêter sur une image qui leur parle en particulier et qui leur permet de se présenter, d’évoquer un souvenir, une émotion du moment. Le livre permet de parler de soi avec les images des autres. Ils cherchent, fouillent, tournent les pages et il y a une dimension physique de rapport au livre dans ces moments-là.
Leur proposez-vous d’autres thématiques ? Découvrent-ils des livres anciens ?
Les enfants explorent d’autres thèmes après cette séance de présentation. Ils prennent ainsi conscience de la diversité des formes esthétiques que peuvent prendre les photos : documentaires, fictionnelles, retravaillées. Concernant la vieille photographie, nous avons peu de livres anciens accessibles. Nous achetons des photographies vernaculaires en vrac pour qu’ils les manipulent et s’expriment à leur contact. Parfois c’est la première fois qu’ils sont en contact avec ces photographies en noir et blanc aux bords dentelés.
Nous leur proposons aussi des ateliers de cyanotype, des ateliers de photographie tactile où ils traduisent des photos par des matières. Ils peuvent aussi travailler avec des appareils numériques sur un sujet donné. Nous avons beaucoup, beaucoup de projets et propositions chaque année.
Rencontrent-ils des auteurs ?
Assez peu. Sauf si on travaille avec un photographe. Nous avons travaillé avec Jean-Michel André après l’ouvrage Border publié chez Actes sud. Il y a eu atelier d’écriture et atelier de prise de vue puis réalisation d’une micro édition.
Parlez-vous d’histoire de la photographie ? Connaissent-ils de grands noms de la photo ?
La manipulation de livres photos est l’occasion de les découvrir. Si on travaille sur l’enfance, on ira chercher des photographies de Doisneau ou de Boubat, mais si on travaille sur le développement durable, il faudra leur présenter d’autres photographes. Nous ne leur présentons pas ce qui serait une sorte de synthèse d’histoire de la photo. Si nous travaillons sur un thème, nous découvrons des auteurs qui ont travaillé sur cette question-là.
Les enfants qui viennent sont ils vierges de tout bagage photographique ?
Ils ne sont pas vierges de tout bagage, mais leur approche passe en fait par le smartphone. On a beau voir des images partout tout le temps, ils sont quand même intéressés. En fait, dès qu’il y a une image, elles continuent de susciter de l’intérêt. Le livre photo convient assez bien aux enfants allophones, parce que la photo fonctionne comme un langage universel.
Quel bilan tirez-vous de ces quelques années de médiation ?
Le bilan est positif mais il reste beaucoup à faire. Ce qui est très intéressant dans le fait de travailler avec des enfants ou des adolescents, c’est que cela nous permet de nous rendre compte qu’il y a toujours des lectures multiples d’une image et que nous les adultes avons beaucoup à apprendre de la façon dont les enfants voient les images. La photographie permet une réciprocité des savoirs.
Quels sont les projets en cours avec vos jeunes publics ?
Nous construisons actuellement un atelier qui mettra en lien jeunes visiteurs et résidents d’un Ehpad. Nous avons aussi le dispositif “les classes cultures” qui offre à une classe de passer une semaine dans un musée. Les élèves découvrent la structure, ses métiers, vont travailler avec une photographe, vont explorer la bibliothèque.
Il y a aussi des formations proposées aux enseignants sur leur temps de vacances, complétées de projets mis en place avec leur classe.
“Je vous transfère ce mail qui peut vous intéresser” m’écrivait il y a quelques semaines Raphaële Botte, au-dessus de l’annonce de la parution de Murmures aux éditions Le diplodocus.
En forme de mise en bouche, la phrase “La ville affiche sa liberté et sa poésie dans un album photo de collages géants” voisinait avec des double-pages extraites de l’album. La rentrée 2023 s’annonçait photolittéraire.
Rencontre avec Lucie Albon.
Quelle est votre profession Lucie Albon ?
Je me présente comme autrice-illustratrice mais j’ai pas mal de casquettes : je fais de la fresque également et j’explore tout ce qui touche à la création.
J’ai conçu mes premières maquettes d’album jeunesse lorsque j’avais quinze ans et la première fois que je suis allée voir un éditeur jeunesse, j’en avais seize. C’était un livre avec du papier déchiré. Il n’a pas été retenu car l’éditeur cherchait de l’aquarelle. Mais cela m’a plu d aller au bout de la démarche de création d’un livre pour enfants.
Et quel est votre premier ouvrage édité ?
C’était de la photo ! Un lapin dans la main en 2000. Il s’agissait de photographies de mes mains. Je peignais sur mes doigts et je me servais de mes mains un peu comme de marionnettes. Il fallait que je gère la photo, la lumière et mes mains. On était en argentique à l’époque et j’ai beaucoup recommencé parce que, quand je recevais mes photos, ce n’était pas exactement ce que je voulais. Il fallait souvent tout refaire. J’avais une idée très précise de ce que je voulais obtenir. J’ai beaucoup appris sur la technique photographie à ce moment là.
Quelle est votre relation à la photographie ?
Enfant, je faisais de la photo en noir et blanc avec les appareils de mon papa et également de la peinture en parallèle. Mais je ne me suis jamais dit que j’allais être photographe. J’aimais toutefois jouer avec les cadrages et les contrastes.
Est-ce que vos ouvrages photographiques ont toujours reçu un bon accueil par les éditeurs à qui vous les proposiez ?
Oui, mais sans doute parce que je photographiais de l’illustration. Ma main était un volume. Je composais une saynète, un peu comme un théâtre. Les images étaient dessinées sur mes mains et je les prenais en photo.
Par la suite, j’ai réalisé un livre de coloriage. Quand je fais des grands dessins dans la rue, ils interagissent avec le lieu, avec les gens. La photographie est idéale pour fixer dans la mémoire ces dessins réalisés au papier collé et qui sont éphémères. Plusieurs fois, mes créations ont été gribouillées, peintes, coloriées. Cela m’a donné l’idée de créer un livre de coloriages à partir de ces grands dessins sur les murs. Il s’appelle Des villes à colorier chez Le diplodocus. (Image ci-dessus)
Comment définiriez-vous votre univers créatif ?
Toujours un peu mélangé et curieux. Je compose actuellement des livres avec des reflets et des miroirs. C’est le cas du prochain chez Albin Michel. J’en ai fait beaucoup avec ce principe de prolongement d’une page sur l’autre par le biais du reflet. C’est souvent par la manipulation, l’expérimentation que j’avance avec une technique. J’aime explorer tout ce qui existe, sans être attachée à l’une ou l’autre en particulier. On peut dire que la main a occupé un long moment mon univers. Il y a eu les mains peintes, les empreintes de la main. J’essaye aussi de faire un livre en céramique. J’ai également créer des ouvrages de bande dessinée en carte à gratter. La photo est un outil parmi les autres outils.
Parlons du dernier livre, de son aventure, de votre collaboration avec un photographe.
Les photographies de Murmures sont signées Matthieu Perret. Elles ne reflètent pas forcément l’étendue ni la beauté de son travail car elles sont très didactiques. Pour l’album, elles montrent, de façon neutre, et laissent le personnage dessiné sur les murs prendre la place. Très souvent j’aide Matthieu sur ses prises de vue et il m’aide sur mes projets. On a énormément d’échanges. Il a aussi une carrière en photographie et en vidéo.
Murmures est né d’une rencontre avec l’auteur Thomas Scotto sur un salon. Nous avons beaucoup aimé nos univers respectifs et décidé de faire un ouvrage ensemble, Nous avions envie d’un ouvrage à partir des images que je réalise pour la rue. A cause du confinement, nous avons travaillé d’une drôle de façon. J’ai créé mon histoire de mon côté, en repérant des murs dans la ville de Lyon avec Matthieu Perret. J’ai posé mes personnages sur ces espaces. Je ne lui ai pas donné à lire immédiatement mon histoire. Matthieu l’a prise en photo et c’est cette matière qui a été confiée à Thomas. Il en a fait une histoire complètement différente de celle que j’avais imaginée. Pour moi c’était l’histoire d’un personnage qui s’émancipe, sort des murs, est accepté comme art et retourne en galerie. Une allégorie du Steet Art. Thomas en a fait une histoire poétique, une quête plutôt.
En avez-vous terminé avec la photographie ?
Non, j’y ai à peine touché ! Je connais le travail de François Delebecque et de Mathieu Saintier, qui ont réalisé des ouvrages photographiques pour les tout-petits. Grâce à votre travail, je découvre petit à petit beaucoup d’autres jolies choses sur le livre photographique !
Avec Matthieu Perret nous réfléchissons depuis plusieurs années à croiser nos univers (photo /illustration).
Les photographies de cet entretien sont extraites de Des villes colorier et de Murmures et ne sont pas libres de droit. Elles sont reproduites avec l’accord de l’artiste.
“Although it does not appear under this name on the shelves of bookshops or libraries, the literary genre of the phototextual country portrait has an effective reality in children’s literature, with a wide variety of publications. These works are regularly published in periods when children’s books are seen as the engine of a new pacifist humanism. They flourished in different parts of the world after the two world wars, all carrying the same message of hope, transmitting the conviction that the world, in its diversity and complexity, is one: our world. This article juxtaposes the works of the 1920s series “Children of all Lands Stories”, by the American photographer and filmmaker Madeline Brandeis, with those of the “Enfants du monde” collection, carried by photographs by French photographer Dominique Darbois, to discuss how photographs and texts are combined to offer the young reader new views of the Other and thus promote peace between peoples through children’s literature.”
La suite du chapitre que je signe est à lire dans cet ouvrage issu des communications du colloque 2021 de Stockholm. https://benjamins.com/catalog/clcc.17
Le jeu duQui Tu Fus / poèmes de David Dumortier / éditions møtus / 2024 .
(Les images qui illustrent cet entretien sont publiées avec l’autorisation d’Aude Léonard et ne sont pas libres de droits)
Avant l’été, les éditions MeMo reçurent un mail de protestation signé Aude Léonard. La monographie 150 ans de photolittérature pour les enfants avait négligé de signaler la contribution de la maison d’édition møtus à l’histoire de la photolittérature jeunesse.
Cette erreur nous permet aujourd’hui de découvrir avec bonheur le travail de la photographe Aude Léonard.
Aude Léonard, quel est votre parcours ?
Mon entrée dans la filière artistique s’est faite par les arts appliqués : un baccalauréat STI AA à Saint-Etienne, puis un BTS communication visuelle à Besançon. J’aurais adoré fréquenter les grandes écoles d’art comme les arts décoratifs ou les écoles publiques parisiennes, je n’ai pas eu ce privilège, alors j’ai pris les chemins buissonniers. Je n’ai pas étudié la photographie, mais après Besançon, j’ai passé un an aux beaux-arts d’Epinal, et c’est là que je me suis mise à passer de plus en plus de temps au sous-sol, dans le labo-photo.
Comment êtes-vous venue à la littérature de jeunesse ?
À la fin du BTS, même si j’avais pris plaisir à explorer les différents champs de la communication (graphisme, publicité,…) j’ai ressenti la frustration de m’être trop éloignée d’une pratique artistique manuelle, tangible. J’avais envie de dessiner davantage. J’aimais la photographie, la magie du labo car à cette époque on utilisait encore du matériel argentique, mais à aucun moment je n’ai imaginé que je ferai de la photographie mon métier. Cette quête de matérialité m’a conduite au livre. Le livre est devenu objet de désir, et être « illustratrice jeunesse » le rêve à réaliser. Le moment décisif a été la rencontre avec François David, fondateur des éditions Møtus. En découvrant les livres publiés par Møtus, j’ai immédiatement eu un sentiment d’appartenance. J’ai eu le bonheur de signer un premier contrat. Et c’est par la poésie que je suis venue à la littérature jeunesse.
Quelle est la place de la photographie dans votre création ? Dans vos ouvrages ?
Mon médium artistique est la photographie. Mais je me définis plus facilement comme illustratrice que comme photographe, même si j’ai toujours du mal à assumer l’un ou l’autre statut. Pour moi la photographie véhicule encore la nécessité d’une technicité que je n’ai pas. Et quand je me place du côté de l’illustration, j’éprouve le syndrome de l’imposteur lorsque je dois « avouer » que je travaille avec de la photographie ! Ce qui m’a fait douter de ma légitimité d’illustratrice au début, c’est l’absence d’ « originaux » : pas de belles encres ou gouaches à exposer ! Depuis, le numérique ayant permis de tout dématérialiser, les codes ont changé. Mais il y a dix-sept ans, lorsque j’ai commencé à bricoler des images numériquement, l’argentique devenant trop chronophage et onéreux, il était important pour moi de conserver une étape artisanale : je reproduisais mes photos-montages numériques par contact, en argentique; j’obtenais des tirages « uniques », numérotés.
Par ailleurs, je dessine un peu, et dans mon plus récent projet, j’ai intégré du dessin, pour les éléments que je ne pouvais pas photographier (un mammouth par exemple). Mais mon matériau est le réel. Que je transforme, certes. C’est une photographie très travaillée, composée, au moyen de mises en scène et de montages. Je réalise toutes les prises de vues. Et comme j’aime le dire aux enfants, les personnages de mes images sont de vrais gens.
Dernièrement j’ai fait évoluer mon processus de mise en scène vers le pop-up, une technique qui me permet d’installer mes sujets photographiés dans un espace tridimensionnel. Je manipule des photos, mais aussi du papier ; ça répond à mon besoin de matérialité.
Le jeu du Qui Tu Fus / poèmes de David Dumortier / éditions møtus / 2024
Qui sont les grands maîtres qui vous inspirent ? Vous sentez-vous proche d’un photographe en particulier ?
Je n’ai pas une grande culture photographique mais je me souviens avoir été très émue en découvrant le travail de Sarah Moon, particulièrement ses adaptations de contes populaires, dans lesquelles elle mêle images fixes et vidéo, et propose un regard singulier loin des versions édulcorées habituelles. Je pense que les images de Jan Saudek m’ont beaucoup influencée : la composition frontale, la théâtralisation des mises en scène avec un arrière-plan réduit souvent à un mur, une fenêtre : un décor rudimentaire mais très expressif, dont il a fait de multiples variations. Et puis il y a Gilbert Garcin : son travail me touche car il se met en scène dans ses photographies, ainsi que sa femme, et je me retrouve dans cette intimité-là, cette économie de moyen. Ses images sont d’une efficacité redoutable, et tellement drôles !
Comment définiriez-vous votre univers créatif ?
Poétique par définition car j’ai illustré plusieurs recueils de poèmes. C’est très agréable pour moi d’illustrer de la poésie. Il y a beaucoup d’espace pour les images.
On peut aussi définir mon univers comme onirique puisque je transforme le réel, comme si je matérialisais un songe.
Pour moi, il est surtout intimiste, car j’ai toujours travaillé avec des moyens modestes, photographiant mon environnement, mes proches, mes objets. Je me suis beaucoup mise en scène, costumée, jouant tous les rôles. Ma pratique est assez théâtrale. Le spectacle vivant me nourrit. L’atmosphère de mes images est un peu désuète.
En général, vos images viennent-elles avant ou après les mots ? Quelle est la part de co-création avec les écrivains ?
Tout dépend de s’il s’agit d’une commande. Dans ce cas, les mots préexistent, et je procède comme un dessinateur, je fais des esquisses. Puis comme un metteur en scène ou un décorateur, je collecte ce dont j’ai besoin : accessoires, costumes, etc. Puis je réalise des prises de vues. Et pendant ce temps-là, je ne suis pas en relation avec les auteurs des textes. À l’exception des binômes qui ont l’habitude de travailler à quatre mains, dans le monde de l’édition jeunesse la coutume veut que ce soit l’éditeur qui choisisse l’illustrateur d’un texte dont il a acquis les droits. L’auteur du texte n’a pas vraiment droit de regard. On peut questionner cette pratique… Mon constat, c’est qu’un bon éditeur saura trouver l’accord parfait. Et généralement, même si je peux me sentir un peu fébrile, c’est toujours une joie lorsque les images sont dévoilées à l’auteur.
J’ai ressenti l’envie d’écrire mes propres textes.
Comme alors il ne s’agit plus de commandes, c’est l’image qui vient en premier. J’ai de cette façon réalisé plusieurs séries, qui auraient pu devenir des livres si elles avaient fait l’objet de contrats d’édition. Pour l’heure elles ont plutôt été destinées à l’accrochage, pour des expositions.
Et finalement, les textes qui naissent d’une véritable nécessité intérieure, je me suis rendue compte que je ne me sentais pas forcément capable de les illustrer moi-même. J’ai sans doute besoin qu’ils m’échappent. Très vite, en écrivant, d’autres univers graphiques que le mien m’ont entêtée. C’est une sensation étonnante.
Avez-vous rencontré des difficultés à vous faire publier ? Quel est votre regard sur la place actuelle de la production photolittéraire ?
Je n’ai pas eu de difficultés à publier un premier ouvrage car j’ai eu la chance de faire la bonne rencontre au bon moment. En revanche, il m’a été difficile de convaincre d’autres éditeurs par la suite. J’ai perçu de la frilosité vis à vis de la photographie, notamment d’une photographie créative, de fiction, que j’oppose à une photographie documentaire, « d’inventaire ». La photographie a sa place dans les imagiers, et il en existe de très beaux, mais en dehors de cette catégorie de livres, elle est rare, en tous cas depuis quelques décennies. Ayant beaucoup travaillé en noir et blanc, j’ai rencontré une difficulté supplémentaire.
Je regrette que la photographie n’occupe pas davantage de place dans la production littéraire aujourd’hui, car j’aime la photographie, tout simplement. Néanmoins, sa rareté la rend précieuse, et j’aime l’idée d’avoir une pratique singulière.
A quelle occasion rencontrez-vous votre public ? Quel est en général sa réaction face à la présence de photographies ? Réalisent-ils immédiatement qu’il s’agit de photographies ?
Je rencontre mon public lors de salons du livre jeunesse, d’expositions, ou lors d’ateliers avec des enfants. Avec les enfants il est très intéressant de questionner leur interprétation des images, leur relation à la photographie ou au dessin, leur compréhension des processus de fabrication. Peut-être qu’au premier regard, pour un enfant d’aujourd’hui, la photographie, banalisée par l’usage du smartphone, n’est pas aussi séduisante qu’un dessin. Mais dès lors qu’on propose un récit, qu’on suggère qu’il pourrait jouer le personnage de l’histoire, et qu’on expérimente le collage, la photographie devient attractive pour l’enfant. Et il est important d’être sensibilisé à la lecture des images.
Pour le regard des adultes, mes images sont ambiguës. Ils ne comprennent pas toujours s’ils voient du dessin ou de la photographie. Ils sont déstabilisés parce que ce n’est pas de la photographie brute. Et le plus difficile, c’est lorsque je dois expliquer mon travail sans pouvoir le montrer ! Mais au bout du compte, je pense pouvoir dire que mes images ont rencontré leur public, peu importe que ce soit dans le champ de l’illustration ou de la photographie.
MAQUETTES POP-UP / Le jeu du Qui Tu Fus / poèmes de David Dumortier / éditions møtus / 2024
Voulez-vous nous présenter votre dernier ouvrage et l’usage que vous faites de la photographie ?
Mon dernier ouvrage est une nouvelle collaboration avec les éditions Møtus. J’ai illustré des poèmes de David Dumortier qui vont être publiés sous la forme d’un jeu de cartes, dans un joli étui, avec pour titre Le jeu du Qui Tu Fus. C’est un projet qui fait suite au Jeu de la bonne aventure (2014, même auteur, même éditeur), dont je n’avais fait que l’habillage graphique. Là, il y aura trente-trois cartes illustrées.
Pour ce projet, en couleur, et toujours en photographie, j’ai exploré le volume. J’ai fabriqué trente-trois petites maquettes en pop-up. La technique du pop-up me permet de mettre en scène des photographies découpées. Ces pop-up, que l’on peut définir comme mes « originaux », je les re-photographie, et ce sont des images en 2D qui seront imprimées. L’intérêt, c’est que la gestion des ombres, de la profondeur de champ, se fait naturellement. Ça revient à faire du photo-montage manuel. Et surtout, j’ai pris beaucoup de plaisir à manipuler le papier. Les étapes successives de prises de vues et d’impressions, en altérant légèrement la définition de l’image, donnent un grain singulier aux images définitives. Le rendu est doux.
C’est donc un travail méticuleux, très long. Pendant la réalisation, j’avais à l’esprit et à cœur d’en faire un objet de transmission : je pense qu’il y aura de multiples façons de partager cela avec des enfants, jeunes et vieux.
Pour les personnages, ça a été une petite entreprise familiale, j’ai sollicité mes enfants. Il est important pour moi de mêler ce quotidien familial à mon activité professionnelle, car être artiste et femme et mère demeure une lutte de chaque jour. Il est impossible de cloisonner. L’usage de la photographie pose la question du droit à l’image, et du consentement. C’est pourquoi pendant longtemps, mon propre corps a été le matériau le plus accessible. Aujourd’hui, avoir des enfants dans mon environnement simplifie les choses. Mais je veille à user de leur image avec délicatesse. Les personnages sont pudiques. Souvent grimés, masqués pour ce projet-ci.
Lisiez-vous des ouvrages photo-illustrés quand vous étiez enfant ?
Et bien, pas vraiment à priori. Il y avait peu d’albums illustrés chez moi.
Par contre, j’ai lu pas mal de presse jeunesse, et de mémoire, la photo documentaire avait la part belle. Je me souviens de beaux reportages photographiques dans Images Doc, que d’ailleurs je prenais plaisir à découper pour les mises en pages de magazines de ma création, auxquels j’abonnais clandestinement ma sœur cadette !
Et pour l’anecdote, je fabriquais aussi des roman-photos en découpant les poupées dans les catalogues de jouets de grands magasins.
En 1975, Marion Durand prétendait qu’aucun album n’avait été confié à un photographe de talent. Les recherches récentes autour de la photolittérature jeunesse, ont permis de contrarier cette sentence sans appel et de mettre dans la lumière l’importante contribution des maîtres du 8ème art à la littérature pour l’enfance.
La liste est longue des photographes, amateurs ou professionnels, tentés par l’aventure du livre pour enfant. Si nombre d’entre eux ne passeront pas à la postérité, bon nombre sont plutôt habitués des cartels des musées ou des pages de magazines : Berenice Abbott, Ansel Adams, Claude Cahun, Edouard Curtis, Dominique Darbois, Robert Doisneau, Tana Hoban, Frank Horvat, Eikoh Hosoe, André Kertész, Ergy Landau, Annette Messager, Duane Michals, Sarah Moon, Alexandr Rodtchenko, Marc Riboud, Emmanuel Sougez, Edward Steichen, Cindy Sherman, William Wegman et bien d’autres.
Pourquoi ces maîtres de la photographie ont-ils un jour décidé de s’adresser à de jeunes lecteurs ? Comment ces ouvrages se sont-ils inscrits dans leur œuvre ? Quelle a été la réaction du public ? C’est en parcourant, en quelques noms, plus d’un siècle d’histoire de la photolittérature que cet article tente de répondre à ces questions.
Dans la Revue des Livres pour enfantsdu CNLJ/ BNF de septembre/octobre 2023, en librairie ce matin, je signe l’article “Grands maîtres de la photographie et littérature jeunesse.”