Docteure en littérature française, je suis l'autrice d'une thèse soutenue en 2019 et intitulée "Littératures de jeunesse et photographie, mise à jour et étude analytique d'un corpus éditorial européen et américain, de 1860 à aujourd'hui", publiée dans sa version grand public aux éditions MeMo sous le titre "150 ans de photolittérature pour les enfants". Je fais membre du laboratoire CELLAM, de l'université de Rennes 2 et de l'Afreloce.
Je suis également Directrice de la collection photolittérature aux éditions MeMo.
Dans ce livre découvert sur un site d’ouvrages anciens, les images très colorées d’Etienne Delessert, les textes de Betty Jean Lifton et les photographies de Norma Holt collaborent pour raconter les aventures du jeune Ken qui souffre de ne pas avoir de secret, jusqu’à sa rencontre avec un étrange personnage.
Sur le site des éditions MeMo qui ont plusieurs fois réédité ses ouvrages on peut lire : “Né en 1941, Etienne Delessert est un auteur-illustrateur traduit en quinze langues. Dans les années 60 et 70, il travaille dans la publicité en Suisse et aux États-Unis, et son travail d’affichiste est reconnu internationalement. Le musée des Arts décoratifs de Paris lui consacre une rétrospective. En 1967 paraît son premier livre pour enfants. Il a collaboré avec Jean Piaget à plusieurs reprises, une expérience qui l’a rendu familier des profondeurs de l’âme enfantine. Depuis, plus de 80 titres ont été publiés et plusieurs expositions ont fait découvrir la richesse de son trait au plus grand nombre.” https://www.editions-memo.fr/auteurs/delessert-etienne/
Hasard qui n’en est pas un, on découvre également sur le site des éditions MeMo les publications de Betty Jean Lifton : “Betty Jean Lifton (1926-2010) s’est prise de passion pour la culture et le folklore du Japon lorsqu’elle s’y expatria avec son mari, le psychiatre Robert Jay Lifton, au début des années 1960. De cet intérêt sont nés de nombreux livres d’enfants, notamment Kap the Kappa, Joji and the Dragon, The Rice-Cake Rabbit et The Dwarf Pine Tree. En 1967, paraît Taka-chan et moi, le premier ouvrage de Betty Jean Lifton et Eikoh Hosoe. Trois livres photo-illustrés suivront, mettant tous en scène Runcible : A Dog’s Guide to Tokyo, A Place Called Hiroshima et Return to Hiroshima. En 1975, elle publie Twice Born: Memoirs of an Adopted Daughter, qui marque le début d’une seconde carrière en tant qu’autrice, conseillère et défenseure des droits des enfants et adultes adoptés.”https://www.editions-memo.fr/livre/taka-chan-et-moi/
Quant à Norma Holt, je découvre sa photographie : “Norma Holt (1918-2013) was known for her intimate visual style as a photographer. The children, the women, and the hardworking ordinary people she photographed for over 50 years capture the complete integration of her eye for faces and places with her personal humanity and her desire for social justice. Her non-commissioned photography had its roots in New York’s early street photographers of the 1930s and 40s. This style of photography sought to reveal ordinary people and the often poverty-stricken world they inhabited. Holt initially adopted their documentary-style and retained a shared belief that photography could be an instrument for social awareness and progress. Norma’s photos reveal her social activism, her belief in racial equality and women’s rights.” A lire ici https://poba.org/poba_artists/norma-holt/
The Secret Seller est un ouvrage de 58 pages. Il compte 22 photographies en noir et blanc, imprimées presque en pleine page, tant la bande blanche dévolue au texte est minime. Certaines photographies sont imprimées sur l’entièreté de la double-page, d’autres sont détourées.
Il s’agit de portraits d’enfants ou de groupes d’enfants. Les courtes phrases imprimées en regard, au dessus ou en dessous des images, donnent à lire ce que se disent les personnages.
Les illustrations qui vont succéder à cette double-page entièrement photographique vont accueillir progressivement de la couleur avec l’arrivée soudaine d’un drôle de personnage dessiné “The Secret Seller”. Dans une interview de 2011, Etienne Delessert raconte la naissance de ce personnage ancêtre de Yok-Yok, le lutin au chapeau rouge né d’une noix qui emmène les enfants à la découverte de la nature : ” Presque dix ans plus tôt, j’avais réalisé un livre, «The Secret Seller», où un petit personnage intervenait. Une sorte de nain avec un chapeau de champignon, rouge, avec des pustules blanches. J’ai commencé à dessiner ce que pourrait être Yok-Yok. Puis le chapeau a grandi, grandi, pour devenir une sorte de logo.”
Insérées entre ces deux photographies figurant le jeune Ken assis seul sur son banc, sont insérées 12 planches très colorées, entièrement dessinées, dans le style caractéristique d’Etienne Delessert. Ces images et le dialogue entre les deux protagonistes révèlent les secrets et beautés de la nature : écureuils et oiseaux dans leurs nids, fleurs exubérantes butinées par des abeilles, poissons, taupes et rongeurs s’activant sous la surface.
Comme dans de nombreux autres ouvrages, le dessin intervient donc pour donner à voir ce qui se joue dans la tête d’un enfant ou ce que l’on ne peut voir aisément. Ainsi, lorsque Ken retrouve sa nourrice et les enfants du square, les doubles-pages redeviennent entièrement photographiques. On se surprend pourtant à chercher dans la dernière image de l’ouvrage, entre les feuilles de la plante, un petit bonnet rouge à pois blancs.
The Secret Seller est publié par W.W. Norton Company à New York en 1968. C’est un des rares ouvrages photographiques publiés au tournant des années 70. Il s’inscrit dans la suite des ouvrages des années 50 qui donnent la part belle à l’image photographique et précède ceux qui accueilleront plus tard une collaboration de la photographie et du dessin.
Sougez, Doisneau, Horvat, Riboud, Lartigue… nombreux sont les maîtres du 8ème art à avoir collaboré à l’histoire de la photolittérature jeunesse et la liste s’allonge aujourd’hui avec la découverte des ouvrages pour enfants du photographe engagé Hans Silvester, de nombreuses fois exposé et primé. Nous lui avons posé quelques questions au sujet de son incursion dans le monde de la littérature jeunesse qui n’est pas sans rappeler celle de Frank Horvat lorsqu’il réalisa son chat botté. Charles Perrault à l’ère du numérique | Revue Captures
Monsieur Silvester, pourriez-vous me présenter les albums Les chats jonglent avec les chiffres,Les chats s’amusent dans la nature, Les chats sont fous les nuis de lune publiés en 1996 chez La Martinière Jeunesse ?
Ils sont réalisés à partir de photographies de chats transformées avec l’ordinateur. J’étais aux États-Unis l’année précédant leur parution et j’y ai reçu le premier Macintosh, offert par Apple. Avec mon ami Rémi Michel, on s’est amusé avec cet ordinateur. On a détouré mes photographies de chats et ajouté des couleurs. Chaque page du livre est réalisée à partir d’une de mes photographies. En voyant le résultat on s’est dit que c’était pour les enfants. J’ai montré nos créations aux éditions La Martinière qui étaient très emballées et on a réalisé les trois livres à quelques mois d’intervalle. J’avais déjà collaboré avec cette maison pour Les chats du soleil qui a très bien fonctionné.
Pourquoi n’avez vous pas inséré de “vraies” photographies dans ces albums ?
C’était un vrai choix ! Nous voulions vraiment réaliser quelque chose avec les premiers ordinateurs. C’était un jeu passionnant d’essayer de détourer une photographie de chat et de la transformer en un animal abstrait. Cela nous a pris beaucoup de temps. Aujourd’hui c’est fait instantanément mais à l’époque, tout était plus long. C’était le début de cette technologie.
On trouve quand même quelques “vraies” images de plantes dans Les chats s’amusent dans la nature, non ?
Ce sont des plantes que nous avons directement scannées. Notre but à l’époque était d’essayer de jouer avec la technologie. C’était très nouveau et nous étions très en avance là-dessus. Ensuite le nouveau Mac est sorti avec beaucoup plus de possibilités et on l’a utilisé autrement. Moi je suis parti vivre en Éthiopie.
Avez-vous participé à l’écriture des textes ?
J’ai un peu participé à l’écriture des textes de cette série mais, en général, c’est plutôt l’éditeur qui choisit l’auteur des mots. Moi je sélectionne les photographies dans mes livres, à chaque fois.
Comme pour les autres livres pour enfants ? Quels sont-ils ?
Oui ! Il y a eu d’autres livres encore pour les enfants, comme celui sur les chevaux de Camargue ou sur l’Ethiopie. D’abord La Martinière publiait les livres pour adultes, en gros volumes. Ils réalisaient ensuite les livres pour enfants. Ce sont des livres plutôt documentaires.
Aimeriez-vous faire d’autres livres pour enfants ?
C’est très difficile de faire des livres photographiques en ce moment peu importe qu’ils soient pour adultes ou enfants. Le monde du livre est en crise. On peut dire que les livres photos ont presque disparu. Si vous allez dans les librairies, vous ne trouverez presque plus de livres de photos ou de livre d’art. Ils sont chers et il n’y a pas toujours de la place chez les libraires. Evidemment, je continue d’en faire, mais il faut d’abord une exposition, trouver un sponsor. Ce n’est plus du tout comme avant. Le monde de l’édition est devenu très compliqué pour les photographes.
Quelle est votre actualité ?
Je continue d’exploiter mon travail réalisé en Ethiopie, pour témoigner de sa culture populaire qui est en train de disparaître. En ce moment j’expose à Gordes. Cela s’appelle Hans Silvester, le baladin du monde. Il y a un catalogue, réalisé par le village. Mes livres pour enfants n’y seront pas.
Merci Hans Silvester !
Les photographies des pages intérieures sont reproduites avec l’autorisation de l’artiste.
En furetant chez les libraires, j’ai découvert le travail de Judith Chomel qui mêle photographies anciennes et images actuelles pour imaginer des univers joyeux et fantaisistes où tradition et modernité se répondent. Entretien.
Judith Chomel, quel est votre parcours ? J’ai une maîtrise d’histoire de l’art. Je me suis spécialisée dans l’art contemporain, j’ai un master de gestion de conservation et diffusion des œuvres d’art du 20e siècle où j’ai travaillé sur l’édition du livre d’artistes. Ensuite, j’ai travaillé dans une forteresse médiévale. Ensuite j’ai travaillé en ambassade à Rome, en Italie. Et puis je suis devenue musicienne pendant 10 ans, j’ai fait des concerts et des tournées. Je suis arrivée à l’illustration par hasard.
Comment êtes-vous tombée dans la littérature jeunesse ? Je suis tombée dans la littérature jeunesse parce que mon fils a avalé une dent un jour au petit déjeuner. Je lui raconté que j’avais avalé un clou quand j’étais petite. Il l’a expliqué à son institutrice et celle-ci m’a suggéré d’en faire un livre. Je ne savais pas du tout dessiner et je ne savais pas trop comment raconter cela dans un livre. Je me suis dit que le collage était vraiment le médium qui me permettait de tester . J’ai donc réalisé mon premier manuscrit et je l’ai envoyé à plusieurs maisons d’édition, dont Le Poisson soluble qui a répondu positivement et c’est devenu Gloups qui est maintenant épuisé. C’était un petit coup de poker pour cet éditeur de travailler avec moi parce que je n’étais pas du tout du milieu. Depuis, on en a fait deux autres.
Parlons de La vie Rocambolesque de Léon Plouhinec. J’avais envie de parler depuis longtemps des gardiens de phare et du monde de la mer. Je fais beaucoup de projets de territoire sur notre rapport à la mer, à la solitude, à l’imaginaire. Et donc voilà Léon est né de ce travail sur la mer, avec toujours cette ligne de front qu’est la place de l’imaginaire dans notre vie quotidienne et comment on s’évade des problématiques quotidiennes par l’imaginaire.
Dans votre livre, vous remerciez les deux gardiens de phare et écrivains Louis Cozan et Jean Pierre Abraham. Quels ont été leurs apports à ce travail ? J’ai lu leurs livres, notamment celui de Louis Cozan, Un feu sur la mer et ensuite je l’ai rencontré. Il m’a raconté ses 50 années de gardiens de phare, ce que j’ai trouvé extraordinaire. J’avais envie de partager cela et j’ai adapté ce livre en spectacle de papiers découpés. Sur scène, je filme du papier découpé. Je suis accompagnée d’un comédien et un musicien et j’essaie de faire vivre le livre d’une nouvelle manière.
Comment est constitué le livre ? Les livre est construit du matin jusqu’au soir, du pied du phare jusqu’au sommet du phare et du calme jusqu’à la tempête. La double page mère est consacrée à la vie quotidienne réelle des gardiens de phare avec des informations très techniques. Un tout petit détail fait basculer notre héros dans un monde imaginaire. Soit c’est une petite lumière dans le ciel, ou bien des poissons volants, ou encore un container. C’est l’élément de la vie réelle qui permet au personnage principal de “switcher” sur les pages suivantes. Aux informations pratiques sur la vie au phare se succèdent les information sur la personne à qui sont destinées ces lettres. Dans la double page suivante on découvre une aventure rocambolesque. Il y a un systématisme dans la construction du livre et il y a à peu près 200 papiers découpés par Photoshop de manière numérique par page.
D’où viennent les images ? Est-ce que ce sont des photos de famille ? Il y a des photos que j’ai prises, des photos glanées sur Internet, des photos anciennes, et puis surtout c’est énormément de photomontages. Ainsi, pour un personnage, la tête, c’est une photo, et le chapeau, c’est une autre. Sur un personnage, il y a à peu près 6 niveaux d’images différentes. J’ai glané énormément d’images et c’était extrêmement long de faire ce livre.
Je crois que vous animez des ateliers ?
J’anime en effet beaucoup d’ateliers, soit de construction de maquettes, soit de collage. Je travaille aussi beaucoup avec les images d’archives également. Quand je vais sur un territoire, j’appelle les archives afin de constituer un corpus iconographiques des lieux où vivent les enfants. Après on les retravaille, on fait des cartes postales rocambolesques, autour de maquettes loufoques.
Vous venez de publier un nouveau livre.
Il est sorti en 2025, en janvier de cette année. Il s’agit encore une fois de remettre de l’imaginaire dans la vie quotidienne, avec peu d’humour et de légèreté. Dans cet ouvrage, un petit garçon voit sa grand-mère rentrer dans une pièce qu’il ne connaît pas et il imagine plein de choses. Et en fait, la grand-mère est aux toilettes et c’est le moment pour lui de quitter les couches et de découvrir tout ce qui peut se passer dans les toilettes. Ce livre s’appelle Tohu Bohu. Pour la première fois, j’ai utilisé des photos qui m’appartiennent pour les personnages principaux parce que j’avais trop de difficultés à trouver suffisamment d’expressions de visage dans les images anciennes glanées.
Quelles sont vos influences en littérature jeunesse ?
J’ai grandi avec les livres de Frederic Clement, dont Le magasin zinzin qui était mon livre de chevet. C’est une esthétique surannée mais qui m’a marquée. Chez moi il y avait aussi des livres de Max Ernst. Le photomontage était déjà présent dans ma culture visuelle.
Au printemps 2025, La Petite Bibliothèque Ronde lance un tout nouveau format en invitant plusieurs spécialistes pour partager leur expérience de la photographie lors de quatre conférences dispensées dans ses locaux entre mars et mai (de 19h30 à 21h).
Ce cycle de conférences fera écho à une série d’ateliers et de rencontres à la bibliothèque avec Lucile Casanova et Florent Pommier, pour concevoir ensemble des imagiers photographiques et s’initier aux rudiments de la photographie.
Ateliers, lectures et conférences affineront le regard des enfants et celui des adultes sur leur quotidien en mêlant exploration visuelle, sensibilisation artistique et découverte des potentialités de la photo dans les livres pour enfants.
Les conférences sont gratuites et ouvertes à tous, curieux de mettre entre les mains des enfants des ouvrages photographiques.
La 21ème édition du salon du livre d’Erdre et Gesvres en Loire- Atlantique a fait la part belle cette année à l’édition photographique pour la jeunesse, proposant exposition, table ronde, ateliers et rencontres avec les photographes et éditeurs. Jan von Holleben, Claire Dé, Brigitte Morel des (Grandes Personnes) et bien sûr les éditions MeMo ont présenté leur travail d’édition ou de réédition de livres photographiques. Ce fut l’occasion de faire découvrir celle toute nouvelle de l’album à compter 1,2,3,4,5 Compter en s’amusant de Robert Doisneau et Albert Plécy, dont je signe la postface.
L’exposition Regarde ! 150 ans de livres de photographies pour enfants, conçue en partenariat avec la Maison de la Photographie Robert Doisneau et avec le soutien du Fonds patrimonial Heure Joyeuse de la Médiathèque Sagan et de collectionneurs privés, s’installe à la Bibliothèque francophone Multimédia de Limoges, avec de nouveaux ouvrages, des vidéos et une journée d’étude le 16 janvier.
“Au Japon, on croit que toute chose a une âme, même les objets. Passé 100 ans, ils deviennent de bons ou de mauvais esprits selon l’attention et le soin qu’on leur a accordé durant leur vie”.
Et voici chez Seuil Jeunesse le quatrième album né de la collaboration de Pierre-Jacques et Jules Ober. Après nous avoir conté les aventures de Pierre, soldat de la Première Guerre mondiale, puis de Jacqueline, fillette emportée dans la tourmente de la seconde, et encore de la princesse Mimi, sœur de la future reine Marie-Antoinette, c’est une re-création du conte d’Andersen Le Stoïque Soldat de plomb que nous proposent les auteurs. Il était une fois un soldat de plomb amoureux d’une geisha au pays du soleil levant…
Comment est né le projet du vaillant petit soldat ? Et pourquoi le choix de ce conte ? On avait vraiment envie de faire quelque chose de différent pour notre quatrième album. Nous trouvions excitant d’essayer de mettre en scène des figurines dans des décors à notre échelle au lieu de décors miniatures. Un choix qui du coup introduisait automatiquement le fantastique dans notre réalité.
Après avoir jonglé avec quelques idées d’histoire originale, je me suis souvenu de quelque chose que j’avais découvert dans votre livre “150 ans de Photolittérature pour les enfants“. Hans Christian Andersen avait collaboré avec un ami photographe pour créer ce qui est considéré comme le premier album pour enfant illustré avec des photographies de la vie réelle. Cela m’a instantanément rappelé l’histoire du Stoïque Soldat de Plomb car elle raconte les mésaventures d’un personnage miniature dans le monde à notre échelle. Non seulement ce conte correspondait exactement à ce que je recherchais mais il nous permettait également de rendre hommage à Andersen en explorant un de ses contes à travers la photographie.
Pourquoi avoir choisi de le placer dans cet univers ? Les contes incitent le lecteur à croire à l’irruption du surnaturel dans un cadre réaliste, quotidien. Voulant faire une adaptation à partir de photos du réel, il fallait pouvoir le faire dans un contexte culturel dans lequel le surnaturel est présent. Nous avons tout de suite pensé au Japon. Le cadre animiste construit par Andersen correspond aux croyances animistes du Shintoïsme japonais. C’est un conte dans lequel humains et objets ont une voix et le shintoïsme croit que les êtres animés et inanimés ont une âme. Cela correspondait parfaitement. Et puis le personnage du conte se situe à l’opposé du héros d’action. Au contraire, le soldat de plomb incarne en fait une posture proche de celle d’un moine bouddhiste faisant zazen, lorsqu’il est interdit de bouger un muscle. Enfin, les contes d’Andersen datent du 19ème siècle et sont toujours illustrés par des images recréant les décors, costumes et ambiances de cette époque. Voulant faire une adaptation à partir de photos du réel, il était important que les décors, bien que photographiés de nos jours, ne soient pas modernes. D’où Kyoto, ville du Japon traditionnel. Tout cela nous permettaient de donner une autre dimension à cette adaptation et d’emmener les enfants dans un autre univers pour cette histoire danoise.
Qu’est ce qui est gardé du conte original ? Je dirais que notre adaptation est en fait assez fidèle à l’histoire originale. J’ai gardé le schéma narratif de l’histoire: situation initiale, élément perturbateur, péripéties, élément de résolution, situation finale. Et les quatre éléments ( l’air, la terre, l’eau et le feu) qui font avancer l’histoire. Mais dans l’original, Andersen cultive le doute. Tout n’est que hasard et coïncidences. La passivité des personnages et leur acceptation aveugle des aléas du destin causent leur perte. C’est l’histoire d’un amour qui n’existe que dans l’imagination du personnage. Nous avons préféré créer un conte à lire comme une poignante histoire d’amour. Angèle Cambournac, notre éditrice chez Seuil Jeunesse, ne voulait pas laisser le lecteur avec un simple tas de cendres désespérant. Mais n’étant pas Walt Disney, nous voulions rester néanmoins fidèles à la fin tragique du conte d’Andersen. Nous avons donc construit celle-ci comme le climax romantique d’une belle histoire dans laquelle rien n’est jamais perdu, rien ne disparaît. Seulement continue à exister sous une autre forme. En y apportant le cinquième élément primordial présent dans la culture Japonaise – le vide. Associé au ciel, à la foudre ou au paradis. Au Japon, les éléments sans formes telles que la sensation, l’identification, la conscience n’ont pas de vacuité. Elles existent, pures, hors du domaine des sens. Ce cinquième élément primordial peut très bien représenter l’amour pur, éternel, seul survivant des flammes qui détruisent le soldat et la geisha.
Connaissiez-vous déjà les légendes et monstres japonais ? Oui. J’ai toujours adoré les monstres et j’ai toujours trouvé l’animisme beaucoup plus logique, compréhensible et poétique que les religions, surtout monothéistes. A l’occasion de précédents voyages au Japon, nous avons découvert que dans ce pays, monstres et animisme faisaient partie de la vie quotidienne. Les concepts japonais se vivent et s’éprouvent davantage qu’ils ne s’expliquent. Cela a été facile pour nous de les ressentir. Et puis nous adorons les histoires loufoques et les japonais ont une imagination débridée. Un de mes regrets sur ce projet est de ne pas avoir pu donner plus de place à Kappa, une créature rencontrée au fil de l’eau par le soldat de plomb. Ce monstre des rivières a un bol sur la tête, rempli de son liquide de vie. Mis à part lui offrir un concombre dont il raffole, la seule manière de lui échapper est de le saluer en faisant la courbette japonaise. Etant extrêmement poli, il fait aussi la courbette et du coup verse son liquide de vie hors de son bol et devient incapable de bouger. Ce qui donne le temps de lui échapper. Notre soldat de plomb ne pouvant que rester droit et stoïque, refuse de se courber… C’était une scène drôle que nous n’avons pas eu la place de garder dans l’histoire. Le Kappa est un Yōkai. Les Yōkai sont des êtres flottant à la frontière entre fiction et réalité, entre doute et conviction, entre bien et mal. Ils constituent un bestiaire complexe de créatures mystiques que les Japonais ont craint pendant des siècles. Ils peuplent encore de nos jours la culture populaire du Japon et leurs représentations font partie de la vie quotidienne. Ils ne sont pas seulement des monstres. Ils ont une fonction. Celle de permettre aux parents de donner des leçons, conseils et principes moraux aux enfants. Pour avertir les enfants de ne pas trop s’approcher de l’eau, on trouve encore aujourd’hui d’anciens panneaux près des rivières avec l’inscription « Attention à Kappa ». Je me suis servi d’eux comme éléments perturbateurs et créateurs de mouvement.
Comment avez-vous choisi le décor des aventures du petit soldat ? Pour le décor intérieur, j’ai trouvé la boutique en faisant une recherche sur le net. Je cherchais soit un magasin de jouets anciens ou d’antiquités. Quand j’ai découvert des images de la boutique Maïko Antiques j’en suis tombé par terre. C’est un endroit tellement extraordinaire, tellement unique, il fallait absolument que l’histoire se déroule là. D’autant que la boutique se trouvait dans le quartier de Gion, le quartier des geishas, un des plus vieux de Kyoto au niveau architectural. Pour les décors extérieurs, Jules a fait beaucoup de repérages à travers la ville.
Qui est ce monsieur Isekai ? Mr Isekai est le propriétaire de Maïko Antiques, la boutique dans laquelle nous avons travaillé. Son véritable nom est Hōga Shōto (Hōga étant le nom de famille ). Monsieur Hōga ne sonnant pas très bien, nous avons cherché un nom qui sonne bien et qui en plus a une signification intéressante pour l’histoire. Nous avons décidé d’appeler le propriétaire de la boutique Monsieur Isekai. Isekai signifie “autre monde”, “monde parallèle“. Isekai est aussi un genre de manga, à la mode au Japon, qui s’est largement développé sur l’idée que monsieur tout-le-monde pouvait se réincarner et avoir droit à une vie plus excitante. Il était tout à fait naturel que Shōto San joue son propre rôle. Pour commencer nous ne voulions pas d’un vieil oncle Gepetto et il est relativement jeune (la quarantaine). Mais surtout, dans son cas, la réalité dépasse la fiction. Chaque matin en ouvrant la boutique, il salue respectueusement les objets qui la remplissent pour leur souhaiter une excellente journée et, pour certains d’entre eux, une nouvelle vie. Chaque soir à la fermeture, il les remercie pour leur participation à son business. Leur souhaitant une bonne nuit et en leur demandant de ne pas faire trop de bêtises.
Qu’est-ce qui différencie cet album des précédents ? le format déjà… Oui en effet, il est de format carré. Mais c’est l’objet lui-même qui est particulier. Jules a émis le souhait d’avoir une reliure à plat permettant de pouvoir regarder une double page sans l’effet en V des reliures normales. Angèle, notre éditrice, a passé beaucoup de temps à trouver la solution idéale. Le livre a ce qui s’appelle une reliure tibétaine. Sa tranche est brodée ! C’est magnifique. Même le titre et un petit soldat de plomb sont brodés sur la tranche et dans les pages intérieures c’est un fil rouge qui sert de reliure. C’est vraiment un hommage à l’amour de l’objet, de l’esthétique, de l’attention au détail des japonais.
Quelle difficulté avez-vous rencontré au cours de sa conception ? Ou quelle heureuse surprise ? Nous avions un grand respect à la fois pour l’œuvre originale et pour la culture d’accueil que nous avions choisie. Une réflexion a donc été nécessaire sur comment adapter ce conte et s’approprier l’histoire sans dénaturer un chef-d’œuvre. Et comment utiliser une culture très riche sans pour autant faire de la “cultural appropriation“ comme disent les anglo-saxons. C’est grâce à une bourse de création que nous avons pu réaliser cet ouvrage. Nous n’aurions pas eu les moyens de passer deux mois à Kyoto pour raconter cette histoire sans le soutien du CNL. Deux mois semblent confortables mais les premières semaines ont été consacrées à faire la connaissance du propriétaire de la boutique et de son épouse. Sans pouvoir communiquer par le langage ! Les règles de politesse au Japon prennent beaucoup de temps et nous voulions être les plus respectueux possibles. Avoir un impact minimal. Jules s’est donc retrouvée sous pression car nous avions au final un temps limité. La boutique est extraordinaire mais c’est un décor très étroit, débordant d’objets du sol au plafond. Sans compter qu’elle était fermée les journées de pluie ! En extérieur il y a toujours le problème des raccords de lumière et les prises de vues se déroulaient souvent au milieu d’une foule. Les japonais sont très curieux et n’hésitaient pas à se mettre à quatre pattes ou même allongé au sol avec nous pour voir ce qu’on voyait. Souvent ils demandaient à regarder dans l’objectif. Il fallait donc rester concentré tout en acceptant l’intérêt que l’homme de la rue a pour la créativité. C’était toujours joyeux et respectueux mais cela prend plus de temps. Au final, l’approche légère et instinctive que Jules a de la photographie lui a fait surmonter tous les obstacles. Mais le travail fut intense. On construit toujours l’histoire au fur et à mesure. Ce qui veut dire passer la journée à photographier et les nuits à débattre et à éditer à l’ordinateur. Quand aux heureuses surprises, il y a eu avant-tout la rencontre de cœur et d’esprit entre nous et ce couple japonais. Sans pouvoir communiquer autrement que par le regard, l’émotion, le feeling. C’était absolument magique. Nous leur avons offert nos livres et à partir de là, il n’y a eu que du ressenti. Pas de contrat, pas d’assurances, juste une relation basée sur la confiance pure. La reconnaissance immédiate d’âmes-soeurs. Rien que de l’écrire j’en ai la chair de poule. Si rare de nos jours…
Qu’est ce que la collaboration de la conteuse a changé à votre travail ? à quel moment est-elle intervenue dans sa réalisation ? La collaboration avec Muriel Bloch, la conteuse, n’a pas changé notre travail car elle est intervenue tard dans le projet. L’idée était d’ajouter une sonorité finale à cette adaptation. Sa tâche ne fut donc pas facile car il lui a fallu harmoniser une volonté d’oralité dans le cadre de notre technique de narration visuelle à partir d’une histoire en fait déjà racontée. Finalement, le texte se lit bien. J’imagine assez facilement un père ou une mère lisant le texte pendant que l’enfant regarde les images. Cela pour les plus petits. Pour les plus grands, j’imagine que les images viendront en premier, soulignées ensuite par le texte et retour à l’image. Comme pour nos précédents albums.
Merci Pierre-Jacques !
Les photographies sont publiées avec l’autorisation des auteurs.
“Il reste aujourd’hui environ 350 000 éléphants sauvages en Afrique (l’équivalent de la population de la ville de Nice) –ils étaient encore plus d’un million il y a quarante ans… Cet album grand format, tout carton, avec des photographies pleine page, part à la rencontre de cet animal extraordinaire dans son environnement naturel.” lit-on sur le site de la maison d’édition (Les Grandes Personnes).
Ce livre est d’abord un ouvrage militant. Au-delà de l’invitation à redécouvrir les éléphants, il nous met aussi en garde contre leur extinction prochaine.
Cet album ravive ensuite le souvenir de collections entières de livres photographiques consacrés à la présentation d’animaux domestiques ou sauvages et publiés des années 60 à 80, la collection “Ami-amis” chez Hatier en tête. A la différence de ces ouvrages, on ne partage plus ici le point de vue d’un enfant mais celui d’un photographe amoureux de la nature. Les grandes doubles pages accueillent uniquement des photographies et non plus des vignettes. Le texte est relégué en fin d’ouvrage et sa lecture ne rivalise plus avec celle des images. Le lecteur, plus ou moins jeune, a donc ainsi toute liberté pour s’émerveiller à haute voix, sans être guidé par les mots, devant les belles images du photographe animalier Franck Bordas.
Rencontre.
Quel est votre métier ?
Après avoir appris très jeune le métier de lithographe auprès de mon grand-père, j’ai ouvert mon propre atelier de litho. D’abord imprimeur, je suis vite devenu éditeur, pour réaliser avec des artistes les projets d’estampes et de livres d’art dont j’avais envie. Après plus de vingt ans d’activités en litho, au tournant des années 2000, je me suis orienté vers les techniques alors nouvelles de l’impression numérique, pour travailler avec d’autres outils et rencontrer de nouveaux créateurs. C’est à cette époque que j’ai collaboré avec de nombreux photographes. Parallèlement, j’ai toujours pratiqué la photo et j’ai réalisé deux livres-photos avec Ianna Andréadis. Une année en forêt (Édition du Panama en 2006) et Bêtes de brousse, (Éditions des Grandes Personnes en 2012), un livre réalisé avec nos enfants durant plusieurs voyages au Parc Kruger, en Afrique du Sud. Aujourd’hui, j’ai cessé mon activité d’atelier d’impression pour me consacrer à mes projets personnels, entre autres, l’observation et l’étude de la faune sauvage en Afrique.
Copyright Ianna Andréadis
Quel est votre lien à la littérature pour la jeunesse ? professionnellement et personnellement ?
Les livres jeunesse ont accompagné toute mon enfance, dans les années 60 et 70. J’ai découvert la faune africaine dans les albums illustrés, mais aussi la bande dessinée dont j’étais passionné. Né dans une famille d’éditeur, il y avait beaucoup de livres à la maison et je me nourrissais de tous les univers graphiques des illustrateurs et photographes de cette époque. Professionnellement, j’ai édité un livre de contes pour enfants du peintre suédois Bengt Lindström, Histoires d’Orren Jarka. Il s’agissait d’un album en litho avec des histoires inspirées des contes de Laponie inventés par l’artiste. J’ai également travaillé avec Paul Cox, qui a réalisé en litho un livre pour les enfants, Ces Nains portent quoi ???????, édité aux Éditions du Seuil. Avec Ianna Andréadis, nous avons édité des coloriages que j’imprimais en lithographie et le Bestiaire de la préhistoire, édité aux Éditions des Trois Ourses et à la Fabrique du Pont d’Aleyrac.
Après Bêtes de brousse et la savane d’Afrique du sud, vous faites découvrir aux plus jeunes la beauté et la vie des éléphants. Pourquoi cet animal plus qu’un autre ?
Les éléphants m’ont toujours fasciné. Le plus grand mammifère terrestre, un animal extraordinaire, une espèce clé de voûte de toute la faune sauvage. La fascination pour les éléphants a toujours été très présente dans l’humanité et depuis les origines, des peintures rupestres, jusqu’aux divinités indiennes et statuaires et masques des cultures africaines, en passant par les albums de Babar ! Aujourd’hui, où le monde sauvage et tout l’équilibre des écosystèmes de notre planète sont tellement menacés, il me semble essentiel, plus que jamais de présenter ces animaux extraordinaires aux enfants et leur faire ressentir cette fascination pour le monde sauvage qui subsiste dans les derniers espaces protégés de la planète.
Où ont été prises les photographies ? Cet album est-il une compilation de vos photos de pachydermes ou le fruit d’un reportage unique ?
Les photos de cet album font partie d’un ensemble d’images que je réalise depuis maintenant plusieurs années. Il s’agit pour moi d’une sorte d’inventaire, ou plutôt de campagne des principaux sites, parcs nationaux et réserves, dans plusieurs pays d’Afrique, en Afrique de l’Est et en Afrique australe, où vivent encore les derniers rassemblements de ces grands animaux. Je voyage très régulièrement et depuis des années en Afrique et je poursuis mes visites, tout spécialement sur les traces des populations d’éléphants. Chacune a une histoire différente, selon les lieux, l’environnement, l’histoire et l’évolution des pays et des régions où ils vivent.
Combien de photographies avez vous prises initialement ? Et comment s’est opérée la sélection pour le livre ?
Ce sont des milliers d’images d’éléphants que j’ai faites lors de nombreuse observations depuis ces 10 dernières années. Certaines sont à propos de comportements spécifiques, d’autres sont des vues des animaux dans leurs différents paysages. La sélection s’est faite autour de la construction du livre, je voulais à la fois restituer leur apparition dans le paysage, tel qu’on les découvre quand lors des rencontres à bonne distance, mais aussi pouvoir s’approcher au plus près, pour montrer les relations entre les différents individus d’un groupe. Il s’agit d’une espèce très sociale, avec beaucoup d’interactions entre les membres d’une même famille. Pour restituer en quelques images, à la fois la sensation de l’approche, la fascination face à ces géants, mais aussi la sensation de proximité à l’intérieur d’un groupe, comme si l’on pouvait communiquer avec eux.
Quelle part a pris l’ONG Save the elephants dans la réalisation de ce livre ?
Durant mes voyages, j’ai pu rencontrer différents chercheurs, ONG et organisations qui étudient et protègent les éléphants. Leurs recherches ont permis de découvrir de nombreuses facultés de communication ou d’organisation sociale qui étaient tout à fait méconnues il y a encore quelques années. Les études d’éthologie poussées sur le terrain n’ont vraiment commencé que dans les années 60. Cette génération de chercheurs a été pionnière dans la meilleure connaissance des espèces sauvages. À l’instar de Jane Goodall pour les chimpanzés, ou de Dian Fossey pour les gorilles, Iain Douglas-Hamilton a été l’un des premiers chercheurs à étudier le déplacement des éléphants, les routes ancestrales qu’ils utilisent. C’est lui qui a créé l’ONG Save The Elephants qui aujourd’hui fait beaucoup pour la meilleure cohabitation des animaux sauvages avec les communautés humaines qui vivent à proximité des réserves. Je tenais donc à ce que ce livre contribue à l’effort des cette ONG. Beaucoup de photographes, de cinéastes, de voyageurs et de touristes viennent en Afrique pour admirer ces animaux. Je trouve important de pouvoir ainsi contribuer à leur protection et à la conservation du monde sauvage. Les réserves africaines aident à développer le tourisme, mais il est difficile de faire cohabiter développement, amélioration des conditions de vie pour les habitants et protection de la faune. Cela devient même l’un des principaux enjeux de la conservation avec le développement des zones urbaines et de l’agriculture. Les autorités des pays concernés font face à des problématiques politiques extrêmement complexes. Les ONG aident à la meilleure connaissance et donc à la meilleure organisation des politiques locales. Quand on compare avec ce qui se passe en France, à propos des pressions pour faire abattre les 200 loups qui circulent en France, on se dit que les pays africains pourraient beaucoup nous apprendre à propos du partage et de la cohabitation avec les espèces sauvages…
Est-ce que les animaux se sont laissés approcher facilement ?
Les éléphants sont des animaux sauvages dotés d’une force extraordinaire, il faut donc respecter les distances et les approcher très prudemment. Cela dit, ce sont des animaux extrêmement intelligents, qui savent parfaitement apprécier les intentions de ceux qui les approchent. Si l’on est très calme, apaisé et qu’ils vous ont vu arriver, on peut très bien être entouré par des familles dont les petits, toujours curieux viennent vous renifler de la trompe. Mais ce sont eux qui décident, il ne faut pas s’imposer et surtout pas les prendre par surprise. Avec l’expérience, on peut très bien reconnaitre l’humeur d’un groupe ou d’un individu. Quand ils sont calmes ou nerveux. Il ne faut pas s’approcher d’une mère avec ses petits qui sera sur la défensive. Il y a aussi des mâles qui parfois sont dans des périodes d’intenses activités hormonales et qui peuvent être agressifs si on se trouve sur leur passage. Il peut y avoir malheureusement des accidents, ce sont souvent lors de rencontres fortuites, mais si l’on respecte des mesures de précautions évidentes, on peut très bien approcher les éléphants, spécialement dans les zones dans lesquelles ils sont protégés et où ils ne craignent pas de se faire tuer par des chasseurs ou des braconniers. C’est tout à fait différent dans les zones de chasse où ils s’enfuient dès qu’ils entendent une voiture ou la voie humaine. Il y a des régions où on les appelle des “éléphants fantômes”, car on sait qu’ils sont là, mais on ne les voie jamais. C’est d’ailleurs incroyable le don qu’ils ont pour se cacher et se rendre furtifs dans les zones boisées.
Qui signe les textes en fin d’ouvrage ? Pourquoi ce choix d’une postface plutôt que d’un texte qui accompagnerait le tournage de pages ?
J’ai écrit ce texte, pour donner des informations à propos du mode de vie des animaux. Après l’émerveillement de la rencontre, par les photos et la sympathie immédiate pour ces « bons géants », je voulais donner des précisions supplémentaires à propos des connaissances récentes sur leur comportement. L’idée est de faire une première lecture, où on les découvre, puis de pouvoir le relire en comprenant ce que les photos illustrent. Chaque image révèle une attitude typique de l’espèce. Pour réaliser que derrière chacun de ces grands animaux, il y a une personnalité, un caractère et un monde de langage, bien différent de celui des humains, mais très élaboré et ce que l’on pourrait appeler des « super-pouvoirs » qui nous échappent complètement.
A qui s’adresse donc ce livre ?
Je crois que les très jeunes lecteurs peuvent très bien comprendre le monde des éléphants, les adultes qui leur font la lecture pourront, eux aussi, en apprendre davantage et j’espère réaliser à quel point les espèces animales sont précieuses pour notre monde. La carte de l’Afrique permet aussi de situer où vivent encore ces animaux, il n’y a plus d’éléphants sur tout le continent, mais seulement dans quelques zones qu’il faut absolument préserver.
Pourquoi ce format d’ouvrage ? Est-ce une idée de l’éditeur ?
Il fallait un beau et grand format pour le plus grand animal terrestre ! C’est l’éditrice, Brigitte Morel, qui dès notre première discussion a imaginé ce grand format. Elle voulait ces grandes images et qu’on puisse voir tous les détails sur les photos, de la texture de la peau, des défenses, mais aussi des paysages dans lesquels vivent ces animaux. Elle voyait ce livre avant qu’il existe, quelle chance de s’entendre aussi bien et de voir grand !
Merci cher Franck !
Les photographies sont reproduites avec l’autorisation du photographe.
Nombreux sont les ouvrages de littérature jeunesse permettant d’appréhender les notions de famille, de transmission des savoir-faire et des traditions. Ce faisant, un certain nombre s’appuient sur les écrits du for privé et sur les objets vecteurs de mémoire que sont les albums et les photographies de famille. L’article s’attache à deux ouvrages particuliers, Incroyable mais vrai d’Éva Janikovszky et László Réber paru en 1966 aux éditions Móra Könyvkiadó, réédité par La Joie de lire en 2011, et L’album de famille de Frédéric Kessler et Princesse Camcam, paru aux éditions Autrement en 2012. Il examine l’usage particulier que ces livres font des collections de photographies familiales, et analyse comment le dispositif photolittéraire est mis au service de l’écriture du récit familial et du tissage des liens intergénérationnels.
“Depuis la fin du XIXème siècle, le livre photo-illustré ou entièrement réalisé en photographies, a conquis tous les genres de la littérature pour la jeunesse et a révélé les mille potentialités que contient la photographie pour dessiller le regard, développer l’imaginaire et emporter les enfants de l’autre côté du miroir.
En collaboration avec des écrivains ou seuls, les photographes ont fait preuve d’une inventivité toujours renouvelée pour conquérir l’espace d’une double page traditionnellement dominée par le dessin. Usant des dernières avancées techniques, mêlant images graphiques et photographiques, jouant avec les détourages et photomontages, les plans et les cadrages, les formes et la lumière, ils ont donné à voir avec poésie le monde proche ou lointain, renouvelé le genre des contes et proposé des histoires surréalistes.
Du 18 septembre au 4 novembre, la galerie Immix propose une immersion dans l’univers créatif de sept artistes représentatifs de la photolittérature internationale d’aujourd’hui ainsi qu’une redécouverte de la littérature jeunesse patrimoniale.
Pour Qui veut jouer avec moi ?, Claire Dé s’amuse avec les couleurs, les graphismes, les distances, le net et le flou et célèbre les inventions de l’enfance. Dans Bêtes de Brousse, Ianna Andréadis emmène le spectateur à la découverte d’une nature sud-Africaine poétique et souvent violente. François Delebecque propose des variations photographiques de ses imagiers-devinettes reconnaissables à leur silhouette en noir et blanc en couverture et à leurs volets que l’on soulève. Les illustrations de Marianna Balducci pour La vita nascosta delle cose révèle l’ histoire cachée de nos vieux objets domestiques. Pour Cache-Cache Cauchemars, Jean Lecointre joue sur le rapport qu’entretient la photographie avec la réalité dans un jeu de ping-pong entre l’œil et la logique. Les petits films du photographe Jan von Holleben dévoilent les secrets de fabrication de ses mondes oniriques et ludiques dans lesquels les enfants sont des aventuriers. Yveline Loiseur explore les contes traditionnels et nous offre sa propre version des Musiciens de Brême avec ce grand livre déployé dans l’espace. Enfin, la curiosité actuelle pour l’album photographique a entraîné la redécouverte d’un patrimoine photolittéraire signé des maîtres du 8èmeart. Les jeunes lecteurs peuvent désormais admirer la profondeur du noir et blanc des images du photographe japonais Eikoh Hosoe dans Taka-Chan et moi. Les aventures d’un chien au Japon, ou les images drôlatiques du classique de la littérature jeunesse allemande Paulina et moi d’Hans Limmer et David Crossley.
Et si les objets autour de nous ne voulaient bien montrer qu’un aspect de leur existence ? Et si en vérité ils pouvaient parler, échanger entre eux, se déplacer ? Dans La Realtà diminuita, Roberto Grassilli explore ce topos de la littérature et du cinéma pour enfants qui donne vie aux objets inanimés et ce faisant dévoile le petit théâtre intérieur de l’enfant lorsqu’il joue. Il explore aussi les coulisses de la création et donne à voir aux enfants les secrets de fabrication de ses personnages.
Cette semaine, on continue notre découverte de la photolittérature jeunesse italienne qui n’a pas fini de nous séduire.
Roberto, qual è la tua formazione?
Quelli della mia età hanno iniziato tutti “sul campo”; intendo dire che non esistevano corsi per diventare che so, fumettisti (il mio obiettivo) o illustratori. Si iniziava a provare copiando gli altri, si cercava di conoscere gli autori già inseriti nell’ambiente nelle rare occasioni pubbliche poi si cominciava a tormentarli col telefono o con irruzioni nei loro studi.Veniva poi il momento di affacciarsi, intimiditi, nella redazione di una rivista, nella sede di un editore. E da lì si proseguiva. Io ho cominciato sulle riviste con storie a fumetti di cui ero anche l’autore. Avevo alle spalle una infanzia di quaderni pieni di disegni, un grande amore per il mondo a baloon e per quello dei carton i animati. Ho frequentato il Liceo Artistico Statale di Bologna, Ho iniziato poi il famoso DAMS, un dipartimento della facoltà di Lettere e Filosofia, ma poi ho decise che dovevo provare a vivere di disegni. E dintorni.
Non era strano per i miei coetanei tentare la strada del cartonist e contemporaneamente che so, lavorare in una radio privata e avere una band con cui fare musica propria. Per intenderci: quella band c’è ancora, si chiama Lino e i Mistoterital e ci siamo esibiti anche sabato scorso .
Come ti sei avvicinato alla letteratura per l’infanzia?
Anche questo era un mondo che avevo amato da lontano. Andavo già da ragazzo in pellegrinaggio alla Bologna Children Book Fier per poter ammirare le meravigliose tavole originali di autori di tutto il mondo. Non esisteva ancora un circuito di librerie per ragazzi, i libri belli, ben disegnati, per i piccoli bisognava andarli a cercare nelle vacanze all’estero, dove l’editoria specializzata era molto più avanti.
Dagli anni ’80 anche in Italia è iniziato un certo fermento, un periodo in cui a noi fumettisti di allora si chiedeva di re-interpretare che so, fiabe classiche, miti letterari. Ho fatto qualche tentativo ma il mio lavoro di allora era più legato alla grafica e alla satira. Disegnavo vignette e strisce per pubblicazioni periodiche. Poi ci furono gli anni dell’irruzione di Internet, dove ho imparato a disegnare per la rete. Solo in tempi recenti ho deciso di provare a proporre progetti all’editoria per ragazzi, che nel frattempo è diventata molto importante anche qui in Italia e ho trovato di nuovo un mondo vivace, pieno di persone appassionate al proprio lavoro. Per me una ennesima rinascita.
Quali sono le tue influenze nella letteratura per l’infanzia?
Tutto l’universo anglosassone, da Carrol a Chris Riddell, da Jill Barklem a Dave Mc Kean, tanti autori che hanno lavorato per l’infanzia ma non solo. Un nome su tutti: Neil Gaiman. E anche se non direttamente connesso, sono stato molto influenzato dalla sintesi grafica dei disegni animati, dalla capacità che ha quest’arte di rendere molto concreti certi universi fantastici. In tempi recenti, sono rimasto folgorato dal lavoro di Shaun Tan.
Come è nata l’idea de La Realtà diminuita?
Mi serviva una trovata grafica-visiva da poter ripetere ogni giorno, per circa un mese, senza impiegare molto tempo nel realizzarla. Partecipavo a uno dei primi INkTober, ero confinato in casa per ragioni di ristrutturazione del mio studio, così, guardandomi intorno, ho cominciato a vedere negli oggetti domestici delle possibili identità alternative, dei prolungamenti della loro esistenza. Ma volevo fosse un gioco palese: così ho deciso che nelle immagini doveva essere visibile anche la mia mano che reggeva un disegno sovrapposto all’oggetto fotografato. Fogli, penne, pennarelli, scatti rigorosamente in media definizione, fatti con il mio telefono. Raggiunto un certo numero di soggetti sono arrivati i nomi di questi personaggi e la definizione “Realtà Diminuita”, ovvero un mondo opposto alla potenza del digitale (realtà aumentata), un piccolo mondo che la realtà la “diminuisce”, la vede con lo sguardo che tutti abbiamo avuto da piccoli, quando facevamo parlare le sedie, le pentole, le cose che avevamo attorno, come fossero vive.
È stato difficile far accettare questo libro?
In realtà no, perché quando ho cominciato a pensare che tutte quelle immagini avrebbero potuto raccontare una storia unica, è arrivato Giorgio Arcari, editore di Sabir Edizioni che ha spostato subito il progetto. Ci siamo trovati pienamente d’accordo su come il libro sarebbe dovuto essere e nonostante le difficoltà del Covid lo abbiamo realizzato abbastanza velocemente. E considerato che è in libreria da qualche tempo, ristampato alcune volte, penso di poter dire che quando viene scoperto da qualcuno difficilmente rimane sullo scaffale.
Qual è il tuo progetto per i lettori? Immaginare cosa c’è dall’altra parte dello specchio? O cosa non riusciamo a vedere?
Da vecchio innamorato di “Alice: attraverso lo specchio” di Lewis Carroll ho come il bisogno di andare a vedere cosa c’è nella stanza accanto, oltre quella porta da cui arriva una certa musica, dentro alle finestre di quel villaggio in miniatura. Sogno sempre che oltre quella collina ci possano essere personaggi straordinari che desiderano raccontarmi una storia. Storia che poi io disegnerò, scriverò, mentre da sotto il tavolo arriva già una nuova vocetta che ride e che mi aspetta.
In quale momento la fotografia entra in gioco nel suo lavoro?
Ogni volta che la “disubbidienza” mi reclama! Amo ovviamente anche le illustrazioni interamente disegnate, ma grazie alla fotografia, che per convenzione dovrebbe catturare il mondo così com’è, posso creare quelle illusioni che, per contrasto, aggiungono un po’ di meraviglia alla storia. Mio padre faceva il proiezionista come mestiere e spesso dalla cabina del cinema portava a casa apparecchi ottici, lenti, cineprese. Ricordo lo stupore nel guardare nello schermo verticale di quelle vecchie macchine fotografiche. Già in quei momenti credo di aver cominciato a immaginare che il mondo dentro al mirino della camera e quello fuori non fossero lo stesso. E allora… Quanti mondi esistevano, in realtà?
Riesce a immaginare altri universi da sviluppare? Il giardino? La strada? La città?
Oh si certo. Appena mi “distraggo” un attimo può accadere.
Ad esempio ho lavorato sulla segnaletica stradale per dei laboratori con i bambini. Immaginando delle funzioni diversi per questi segni. Diventava poi facile tornare alla ragione per cui esistono e fissarli bene nella memoria. Ho fatto qualcosa del genere anche con monumenti e parti antiche dalla mia città, Rimini. L’idea che non ci sia un limite per lo sviluppo di queste altri mondi mi diverte parecchio.
Hai prodotto altri lavori per i giovani?
“Orlando e il Pinguino“, albo scritto da Sara Galli e illustrato da me. Bertoni editore 2018
Ceux de mon âge ont tous commencé « sur le terrain », c’est-à-dire qu’il n’y avait pas de cours pour devenir, je ne sais pas, dessinateur (mon but) ou illustrateur. On s’essayait en copiant les autres, on essayait de connaître les auteurs qui étaient déjà dans le métier lors de rares occasions publiques, puis on commençait à les harceler par téléphone ou en dévalisant leurs ateliers 😉 Puis est venu le temps de se présenter, intimidé, dans la rédaction d’un magazine, dans les bureaux d’un éditeur. Et c’est parti de là. J’ai commencé dans des magazines avec des histoires dessinées dont j’étais aussi l’auteur. J’avais derrière moi une enfance de carnets remplis de dessins, un grand amour pour le monde des ballons et le monde de la bande dessinée. J’ai fréquenté le Liceo Artistico Statale de Bologne, puis j’ai commencé le fameux DAMS, un département de la faculté de lettres et de philosophie, mais j’ai ensuite décidé qu’il fallait que j’essaie de vivre du dessin. Et de l’environnement.
Il n’était pas étrange que mes pairs tentent la voie du cartoon et en même temps, je ne sais pas, travaillent dans une station de radio privée et aient un groupe avec lequel ils font leur propre musique. D’ailleurs, ce groupe existe toujours, il s’appelle Lino and the Mistoterital et nous nous sommes également produits samedi dernier.
Comment es-tu arrivé à la littérature pour enfants ?
C’est aussi un monde que j’ai aimé de loin. Enfant, je me rendais en pèlerinage à la Foire du livre pour enfants de Bologne pour admirer les magnifiques planches originales d’auteurs du monde entier. Le circuit des librairies pour enfants n’existait pas encore ; les beaux livres bien dessinés pour les petits devaient être recherchés à l’étranger, où l’édition spécialisée était beaucoup plus avancée.
Depuis les années 1980, une certaine effervescence s’est également installée en Italie, une période au cours de laquelle on nous a demandé, à nous les dessinateurs de l’époque, de réinterpréter, je ne sais pas, des contes de fées classiques, des mythes littéraires. J’ai fait quelques tentatives, mais mon travail à l’époque était davantage lié au graphisme et à la satire. Je dessinais des bandes dessinées et des dessins pour des périodiques. Puis sont venues les années Internet, où j’ai appris à dessiner pour le net. Ce n’est que récemment que j’ai décidé d’essayer de proposer des projets à l’édition pour enfants, qui est devenue entre-temps très importante ici en Italie, et j’ai retrouvé un monde vivant, plein de gens passionnés par leur travail. Pour moi, ce fut une nouvelle renaissance.
Quelles sont tes influences en matière de littérature jeunesse ?
Tout l’univers anglo-saxon, de Carrol à Chris Riddell, de Jill Barklem à Dave Mc Kean, beaucoup d’auteurs qui ont travaillé pour les enfants mais pas seulement. Un nom avant tout : Neil Gaiman. Et bien que cela ne soit pas directement lié, j’ai été très influencé par la synthèse graphique des dessins animés, par la capacité de cet art à rendre très concrets certains univers fantastiques. Récemment, j’ai été enchanté par le travail de Shaun Tan.
Comment est née l’idée de La Realtà diminuita ?
J’avais besoin d’un gimmick graphique et visuel que je puisse répéter tous les jours, pendant environ un mois, sans passer beaucoup de temps à le réaliser. Je participais à l’un des premiers INkTober, j’étais confiné chez moi pour des raisons de restructuration de mon atelier, alors, en regardant autour de moi, j’ai commencé à voir dans les objets domestiques des identités alternatives possibles, des extensions de leur existence. Mais comme je voulais que ce soit un jeu manifeste, j’ai décidé que ma main tenant un dessin superposé à l’objet photographié serait également visible dans les images. Feuilles, stylos, marqueurs, des clichés strictement en moyenne définition pris avec mon téléphone. Ayant atteint un certain nombre de sujets, les noms de ces personnages et la définition “Diminished Reality” sont arrivés, c’est-à-dire un monde opposé à la puissance du numérique (réalité augmentée), un petit monde qui ” diminue » la réalité, la voit avec le regard que nous avions tous enfant, quand nous faisions parler les chaises, les casseroles, les choses qui nous entouraient, comme si elles étaient vivantes.
A-t-il été difficile de faire accepter ce livre ?
Pas vraiment, car lorsque j’ai commencé à penser que toutes ces images pouvaient raconter une histoire unique, Giorgio Arcari, éditeur de Sabir Edizioni, est arrivé et a immédiatement fait avancer le projet. Nous nous sommes mis d’accord sur la forme que devrait prendre le livre et, malgré les difficultés rencontrées par Covid, nous l’avons réalisé assez rapidement. Et si l’on considère qu’il est en librairie depuis un certain temps et qu’il a été réimprimé plusieurs fois, je pense pouvoir dire que lorsqu’il est découvert par quelqu’un, il reste difficilement sur l’étagère.
Quel est tonprojet pour les lecteurs ? Imaginer ce qu’il y a de l’autre côté du miroir ? Ou ce que nous ne pouvons pas voir ?
En tant que vieil amateur du livre « Alice : de l’autre côté du miroir » de Lewis Carroll, j’ai envie d’aller voir ce qu’il y a dans la pièce d’à côté, au-delà de cette porte d’où provient une certaine musique, à l’intérieur des fenêtres de ce village miniature. Je rêve toujours qu’au-delà de cette colline se trouvent des personnages extraordinaires qui souhaitent me raconter une histoire. Une histoire que je dessinerai, que j’écrirai, tandis que, sous la table, une nouvelle petite voix se fait entendre, qui rit déjà et m’attend.
À quel moment la photographie intervient-elle dans ton travail ?
Dès que la « désobéissance » s’impose à moi ! J’aime évidemment les illustrations entièrement dessinées, mais grâce à la photographie, qui par convention est censée capturer le monde tel qu’il est, je peux créer ces illusions qui, par contraste, ajoutent un peu de merveilleux à l’histoire. Mon père était projectionniste de métier et ramenait souvent à la maison du matériel optique, des lentilles, des caméras provenant de la cabine du cinéma. Je me souviens de l’étonnement que j’éprouvais en regardant l’écran vertical de ces vieilles caméras. Déjà à cette époque, je pense que j’ai commencé à imaginer que le monde à l’intérieur du viseur de la caméra et le monde à l’extérieur n’étaient pas les mêmes. Alors… combien de mondes existent réellement ?
Pourrais-tu imaginer d’autres univers à développer ? Le jardin ? La rue ? La ville ?
Oh oui, bien sûr. Dès que je me « distrais » un instant, cela peut arriver 😉
Par exemple, j’ai travaillé sur des panneaux de signalisation pour des ateliers avec des enfants. J’ai imaginé différentes fonctions pour ces panneaux. Il est alors devenu facile de revenir à la raison d’être de ces panneaux et de bien les fixer dans la mémoire. J’ai également fait quelque chose de similaire avec les monuments et les parties anciennes de ma ville, Rimini. L’idée qu’il n’y a pas de limite au développement de ces autres mondes m’amuse beaucoup.
As-tu publié d’autres ouvrages pour la jeunesse ?
“Orlando e il Pinguino“, albo scritto da Sara Galli e illustrato da me. Bertoni editore 2018
C’est le temps de la rentrée pour Miniphlit, avec dans notre besace quelques jolis souvenirs photolittéraires des vacances, le moment propice pour la découverte et la rencontre. Avec la très jolie production photolittéraire éditions italiennes Sabir, d’abord, avec Teresa Porcella ensuite, l’une des deux conceptrices de ce petit livre (15 x 15 cm mais 80 pages ! ) qui se propose d’explorer le mystère de l’ombre grâce au dialogue entre la photographie et la poésie : Filo Filo d’ombra.
Entretien en italien puis en français.
Qual è il tuo background e la tua formazione?
Sono laureata in filosofia del Rinascimento, e, nel frattempo, ho studiato danza, teatro, violino e canto. Poi mi sono specializzata in Progettazione editoriale multimediale con un Master dell’Università di Firenze e della Rai Toscana. Per molti anni ho lavorato come caporedattore o capoporgetti in diversi settori dell’editoria (Multimediale, Scolastica, Varia ragazzi), dove continuo a lavorare come progettista e autrice freelance. Al lavoro come professionista ho sempre affiancato l’insegnamento. Per 3 anni ho insegnato Letteratura per l’infanzia all’Università di Cagliari e, per 1 anno, ho tenuto un corso speciale all’università di Firenze. Da molti anni insegno Progettazione editoriale agli illustratori all’Accademia TheSign di Firenze. Ho avuto anche per 10 anni una libreria specializzata per ragazzi a Firenze (Libreria Cuccumeo).
Quando ha iniziato a lavorare con i bambini?
Circa 25 anni fa, parallelamente al lavoro editoriale ho cominciato a fare laboratori e spettacoli e ho organizzato o coordinato Festival letterari nazionali a loro dedicati. Poi ho messo insieme il lavoro autoriale con quello performativo: scrivo spesso le musiche o i copioni teatrali dei miei libri, che metto in scena volentieri insieme a chi è autore o autrice delle immagini o con altri attori o musicisti. La poesia è il linguaggio dove mi sento più a mio agio.
Ha altri titoli per ragazzi?
Sì, 25 o poco più. Amo scrivere per tutte le età, a partire dalla primissima infanzia fino all’età adulta. In realtà, sono convinta che scrivere e poi “mettere in scena” i libri, ovvero condividerli a partire dal corpo sonoro delle parole, e dalla gestualità indotta dalle emozioni che occupa e rende vivo uno spazio, sia uno dei migliori modi per indagare la propria voce interna, facendo sì che si conformi e irrobustisca attraverso l’ascolto dell’altro. E intendo l’ascolto nel doppio senso di marcia, ovvero da chi scrive e chi legge a chi ascolta e viceversa. Perché nella condivisione di parole e immagini accade che non conta più chi le ha messe in condivisione per primo (l’autore). Perché parole e immagini condivise riescono a leggere chiunque ad esse si avvicini, assumendo, ogni volta, nuovi significati.
Ecco, scrivere per ragazzi e ragazze, per bambine e bambine, amplifica in modo straordinario il potere relazionale di ciascuno di noi. Perché adulti e bambini, da un punto di vista del bagaglio biografico hanno dotazioni complementari: i piccoli hanno memoria corta e desideri lunghi, mentre gli adulti sono montati al contrario: memoria lunga e desideri “corti”. Tenere le diversità in dialogo costante aiuta a dilatare la memoria dei primi e i desideri dei secondi. Una risorsa immensa.
Parenti serpenti, avec Roberta Balestrucci et Marianna Balducci, Rizzoli, 2024.
Che ruolo ha la fotografia nel suo lavoro?
La amo, sin da piccolissima, come linguaggio fertile e prolifico, capace di regalare sintesi e densità di visione. L’ho sempre sentita affine alla poesia. Non sono una fotografa, anche se mi piace fotografare, e guardo spesso le fotografie di tutti i tipi (foto antiche, foto di famiglia, fotografia professionale…) perché per me è un detonatore potente di pensieri ed emozioni e, dunque, di scrittura. La uso come strumento di ricerca personale o anche per far scrivere altri, quando faccio corsi o workshop.
Come è nata l’idea di filo d’ombra? Chi produce le immagini? Chi scrive il testo?
Maria Giulia Berardi e io siamo amiche e Maria Giulia è una fotografa eccezionale, che mi commuove. A volte lavora per filoni, per temi, facendo una ricerca appassionata e profonda. Guardando nella sua pagina facebook, tempo fa, ero rimasta imbrigliata nelle sue foto sull’ombra, potentissime, non solo per la loro bellezza, ma anche perché toccavano un tema a me caro. Ho visto che mi veniva da scrivere ogni volta che ci impattavo. L’ho detto a Giulia ” Le tue foto mi fanno scrivere…”, E lei ” Scrivi…”, ma era come una sorta di gioco tra noi. Almeno per lei, per me era come se da subito avessi sentito che sarebbe diventato un libro (da progettista, prima ancora che da scrittrice, sento quando qualcosa mi arriva già in modo architettonico…). Dopo un po’ che ci lavoravo – e che con me ha lavorato il grafico Mauro Luccarini, che si è innamorato dell’idea – anche Giulia ci ha creduto: sarebbe diventato un libro…
L’idea, per me, era chiara, fin dal principio: fare un vero e proprio ALBO ILLUSTRATO, dove testo e immagini fossero interdipendenti. Le mie poesie, senza le foto di Giulia che le ha generate, non hanno senso. Così pure le sue foto (che sono nate prima delle mie parole ed esposte in diverse mostre), senza i miei testi assumono significati radicalmente diversi. E dunque, se chi legge ha l’impressione che le mie poesie “dispieghino in parole” le foto di Giulia e le sue foto “condensino in un’istantanea” le mia parole, la verità è che la relazione tra i linguaggi che ognuna di noi ha messo in campo, concorre a creare una sintesi poetica di un sentire sovraindividuale, dove può posizionarsi il lettore.
Chi sono i lettori del suo libro? Come li immagina interagire con il suo libro?
Credo che il libro, per vocazione e per metodo, sia trasversale a generi, età, culture. Mette in campo dei reagenti che possono dare luogo a esiti totalmente differenti: è un libro che può essere letto tutto o solo in parte, in modo sequenziale o casuale, oppure scegliendo gruppi di pagine affini tra loro. Le poesie sull’infanzia, per esempio, saranno sentite dai bambini in un modo, dagli adulti in un altro. Così come le poesie più filosofiche o complesse per linguaggio e concettualizzazione, possono essere avvicinate in modo meno concettuale o tralasciate (al momento) di chi, più giovane.
é un libro di soglie e confini, forse, per questo lo sento vicino agli adolescenti (che infatti lo hanno vissuto, fin da prima che nascesse, nei laboratori sperimentali fatti per testarlo), come un libro che li riguarda.
Perché ha un formato piccolo?
è stato il risultato di un percorso. Eravamo partite, insieme al grafico, Mauro Luccarini (che ha saputo creare un progetto straordinario), con un formato più grande. Poi, quando abbiamo deciso di farne una mostra (prima ancora che nascesse il libro per Sabir) Gino, il responsabile della Tipografia Lampo di Campobasso, cui mi sono rivolta per una stampa di prova mi ha detto: “Secondo me piccolo verrebbe più bello, più delicato: posso mandarle una prova?” E così ha fatto. Quando l’abbiamo visto abbiamo capito ciò che intendeva: in quella dimensione contenuta c’era l’intimità della poesia e dell’ombra, che non urlano mai, anche quando parlano forte. Così abbiamo lavorato dentro quella suggestione, a un libro piccolo e rifinito (compresa la labbratura arancione), come un portagioie che dicesse anche nella confezione editoriale, che la poesia e la fotografia sono, anzitutto, cura, pazienza, attenzione.
Tutte qualità che Giorgio e Valentina, gli editori Sabir, hanno messo ampiamente in campo quando hanno deciso di pubblicare il libro e hanno fatto un lavoro certosino per trovare la carta e la rilegatura giuste perché il libro venisse valorizzato, comunicato e diffuso in modo adeguato.
Come avete scelto le immagini e poi collaborato ai testi e alle immagini?
Dopo il primo periodo in cui ho scritto, a partire dalle foto che trovavo sulla pagina Facebook di Giulia, ho deciso che avevo bisogno di più materiale. Così , una sera, mi sono autoinvitata a cena a casa sua e l’ho “costretta” a mostrarmi tutto ciò che aveva sul tema “ombra” nel suo computer. Man mano che guardavo, le dicevo; “Vorrei questa, e questa, e questa…” Insomma chiedevo di poter avere con me le foto che sentivo mi avrebbero fatto dire qualcosa. Non tutte sono finite nel libro, ovviamente, con molte di loro continuo a dialogare… Dopo una prima selezione e una prima scrittura (che ho sempre condiviso con Giulia) ho buttato via i testi che non mi convincevano e che non corrispondevano neanche a lei e ho identificato i 4 fili che costituiscono il libro: Ombre in gioco (l’infanzia), Ombre in cammino (adolescenza, giovinezza e compagni di viaggio nella crescita), Cuori di ombre (gli amori dell’età matura: di coppia, filiale, genitoriale, ecc.), Ombre di ombre (la metariflessione sulla vita e sull’arte attraverso la metafora dell’ombra). Le ho poi messe in ordine anche nin base ai cromatismi che volevo segnassero un quinto filo (non dichiarato, ma riconoscibile), sentro il percorso.
Grazie Teresa !
Quels sont votre parcours et votre formation ?
Je suis diplômée en philosophie de la Renaissance et j’ai aussi étudié la danse, le théâtre, le violon et le chant. Je me suis ensuite spécialisée dans la conception éditoriale multimédia et j’ai obtenu une maîtrise à l’université de Florence et à la Rai Toscana. Pendant de nombreuses années, j’ai travaillé comme rédactrice en chef ou chef de projet dans différents secteurs de l’édition (Multimédia, Scholastic, Children’s Variety), où je continue à travailler en tant que conceptrice et auteure indépendante. Parallèlement à mon activité professionnelle, j’ai toujours travaillé comme enseignante. Pendant trois ans, j’ai enseigné la littérature pour enfants à l’université de Cagliari et, pendant un an, j’ai donné un cours spécial à l’université de Florence. Pendant de nombreuses années, j’ai enseigné le design éditorial à des illustrateurs à l’Académie TheSign de Florence. J’ai également été propriétaire d’une librairie spécialisée pour enfants à Florence (Libreria Cuccumeo) pendant 10 ans.
Quand avez-vous commencé à travailler avec les enfants ?
Il y a environ 25 ans, parallèlement à mon travail éditorial, j’ai commencé à organiser des ateliers et des spectacles et j’ai organisé ou coordonné des festivals littéraires nationaux qui leur étaient consacrés. Ensuite, j’ai combiné le travail d’auteur avec le travail de spectacle : j’écris souvent les scénarios musicaux ou théâtraux de mes livres, que je mets volontiers en scène avec l’auteur des images ou avec d’autres acteurs ou musiciens. La poésie est le langage dans lequel je me sens le plus à l’aise.
Avez-vous publié d’autres titres pour la jeunesse ?
Oui, environ 25. J’aime écrire pour tous les âges, de la petite enfance à l’âge adulte. Je suis d’ailleurs convaincue qu’écrire puis « mettre en scène » des livres, c’est-à-dire les partager à partir du corps sonore des mots, et des gestes induits par l’émotion qui occupent et font vivre un espace, est l’une des meilleures façons d’investiguer sa voix intérieure, de la conformer et de la durcir à travers l’écoute de l’autre. Et j’entends l’écoute dans les deux sens, c’est-à-dire de l’auteur et du lecteur vers l’auditeur et vice versa. Parce que dans le partage des mots et des images, il se trouve que la personne qui les a partagés en premier (l’auteur) n’a plus d’importance. Parce que les mots et les images partagés peuvent être lus par quiconque s’en approche, en prenant à chaque fois de nouvelles significations.
Ainsi, écrire pour les garçons et les filles, pour les filles et les garçons, amplifie le pouvoir relationnel de chacun d’entre nous d’une manière extraordinaire. Parce que les adultes et les enfants, du point de vue de leur parcours biographique, sont complémentaires : les petits ont la mémoire courte et les désirs longs, alors que les adultes ont l’inverse : la mémoire longue et les désirs « courts ». Le dialogue permanent entre les différences permet d’élargir la mémoire des premiers et les désirs des seconds. Une ressource immense.
Come cane e gatto, Telos edizioni, 2022.
Quel rôle joue la photographie dans votre travail ?
Je l’aime, depuis mon plus jeune âge, comme un langage fertile et prolifique, capable de synthèse et de densité de vision. Je l’ai toujours sentie proche de la poésie. Je ne suis pas photographe, même si j’aime prendre des photos, et je regarde souvent des photographies de toutes sortes (photos anciennes, photos de famille, photographies professionnelles…) car c’est pour moi un puissant détonateur de pensées et d’émotions, et donc d’écriture. Je m’en sers comme outil de recherche personnel ou même pour faire écrire les autres lorsque je donne des cours ou des ateliers.
Comment est née l’idée du Filo d’ombra ? Qui produit les images ? Qui écrit le texte ?
Maria Giulia Berardi et moi sommes amies et Maria Giulia est une photographe exceptionnelle qui me touche. Elle travaille parfois par fils, par thèmes, en faisant des recherches passionnées et profondes. En regardant sa page Facebook il y a quelque temps, j’ai été subjuguée par ses photos sur l’ombre, très fortes, non seulement par leur beauté, mais aussi parce qu’elles touchaient à un thème qui m’est cher. J’ai vu que j’avais envie d’écrire à chaque fois que je les regardais. Je disais à Giulia : « Tes photos me font écrire… », et elle : « Ecris… », mais c’était comme une sorte de jeu entre nous. Au moins pour elle, pour moi c’était comme si je sentais tout de suite que cela deviendrait un livre (en tant que designer, avant d’être écrivain, je sens quand quelque chose me vient déjà d’une manière architecturale…). Après que j’ai travaillé sur le projet pendant un certain temps – et que le graphiste Mauro Luccarini a travaillé avec moi et qu’il est tombé amoureux de l’idée – Giulia y a également cru : cela deviendrait un livre…
L’idée, pour moi, était claire, dès le début : faire un véritable ALBUM ILLUSTRÉ, où le texte et les images étaient interdépendants. Mes poèmes, sans les photos de Giulia qui les ont générés, n’ont pas de sens. Il en va de même pour ses photos (nées avant mes mots et présentées dans diverses expositions), qui, sans mes textes, prennent des significations radicalement différentes. Ainsi, si le lecteur a l’impression que mes poèmes « déploient en mots » les photos de Giulia et que ses photos « condensent mes mots en un instantané », la vérité est que le rapport entre les langages que chacun de nous a mis en jeu, contribue à créer une synthèse poétique d’un sentiment trop individuel.
Qui sont les lecteurs de votre livre ? Comment les imaginez-vous interagir avec votre livre ?
Je crois que le livre, par vocation et par méthode, traverse les genres, les âges, les cultures. Il met en jeu des réactifs qui peuvent donner lieu à des résultats totalement différents : c’est un livre qui peut être lu dans son intégralité ou seulement en partie, de manière séquentielle ou aléatoire, ou en choisissant des groupes de pages apparentées. Les poèmes sur l’enfance, par exemple, seront entendus par les enfants d’une certaine manière, par les adultes d’une autre. De même, les poèmes plus philosophiques ou plus complexes en termes de langage et de conceptualisation peuvent être abordés d’une manière moins conceptuelle ou laissés de côté (pour le moment) par les plus jeunes. C’est un livre de seuils et de frontières, peut-être, et c’est pourquoi je le sens proche des adolescents (qui l’ont d’ailleurs vécu, dès avant sa naissance, dans les ateliers expérimentaux qui l’ont testé), comme un livre qui les concerne.
Pourquoi a-t- il un petit format ?
C’est le résultat d’un cheminement. Nous avions commencé, avec le graphiste Mauro Luccarini (qui a su créer un projet extraordinaire), avec un format plus grand. Puis, lorsque nous avons décidé d’en faire une exposition (avant même que le livre pour Sabir ne soit né), Gino, le directeur de Tipografia Lampo à Campobasso, à qui je m’étais adressé pour un essai d’impression, m’a dit : « Je pense que le petit format serait plus beau, plus délicat : puis-je t’envoyer une épreuve ? Et c’est ce qu’il a fait. Lorsque nous l’avons vue, nous avons compris ce qu’il voulait dire : dans cette dimension contenue se trouvait l’intimité de la poésie et de l’ombre, qui ne crient jamais, même lorsqu’elles parlent fort. Nous avons donc travaillé dans le cadre de cette suggestion, sur un petit livre fini (y compris la lèvre orange), comme une boîte à bijoux qui dirait, même dans son emballage éditorial, que la poésie et la photographie sont, avant tout, soin, patience, attention. Autant de qualités que Giorgio et Valentina, les éditeurs de Sabir, ont mis à profit lorsqu’ils ont décidé de publier le livre, et ils ont effectué un travail minutieux pour trouver le bon papier et la bonne reliure afin que le livre soit valorisé, communiqué et diffusé comme il se doit.
Comment avez-vous choisi les images, puis collaboré sur les textes et les images ?
Après la première période d’écriture, à partir des images trouvées sur la page Facebook de Giulia, j’ai décidé que j’avais besoin de plus de matériel. Un soir, je me suis invitée à dîner chez elle et je l’ai « forcée » à me montrer tout ce qu’elle avait sur le sujet de l’ombre sur son ordinateur. En regardant, je lui ai dit : « J’aimerais ceci, et cela, et cela… ». Bref, je demandais à avoir avec moi les photos qui me faisaient dire quelque chose. Toutes n’ont pas fini dans le livre, bien sûr, mais je continue à converser avec beaucoup d’entre elles…. Après une première sélection et rédaction (que j’ai toujours partagée avec Giulia), j’ai jeté les textes qui ne me convainquaient pas et qui ne lui correspondaient pas non plus, et j’ai identifié les quatre fils conducteurs qui composent le livre : Ombres au jeu (l’enfance), Ombres en chemin (l’adolescence, la jeunesse et les compagnons de route de la croissance), Cœurs d’ombres (les amours de l’âge adulte : de couple, filial, parental, etc.), Ombres d’ombres (la métaréflexion sur la vie et l’art à travers la métaphore de l’ombre). Je les ai ensuite mis en ordre, également sur la base des chromatismes que je voulais marquer d’un cinquième fil (non déclaré, mais reconnaissable), en sentant le chemin.
Merci beaucoup Teresa !
Les images extraites de l’album sont publiées avec l’accord de la maison d’édition.
Rendez-vous en septembre pour de nouveaux articles et interviews, un numéro de revue internationale consacrée à la photolittérature d’ici et d’ailleurs, une exposition à Paris et de passionnantes conférences…
“En 1988, l’éditeur du Rouergue, Olivier Douzou associe les paroles d’une chanson de Thomas Fersen et les photographies de Robert Doisneau pour l’album Bucéphale. Dès le seuil de l’ouvrage, le lecteur plonge au cœur du monde hippique. La couverture du livre reprend les motifs d’un plateau de jeu de petits chevaux, sur lequel s’inscrivent les noms des deux artistes et le titre évoque le nom de la monture d’Alexandre le grand. Les premières pages de garde accueillent un panneau « Attention chevaux de course » en regard de la liste des chevaux de race trotteuse pour une épreuve hippique à Vincennes, en date du 15 février 1955. On y découvre, comme entouré au crayon de papier, le nom de Hourra Bucéphale, parmi les chevaux de 4 ans. En préambule, quelques lignes de Thomas Fersen finissent de nous préparer à la réception de l’œuvre :
«En décembre 1997, Olivier Douzou m’a envoyé un livre aux pages blanches, sur la couverture duquel il avait écrit mon nom. Il s’agissait de faire un livre pour les enfants. A la même époque, Annette Doisneau me proposait de passer à Montrouge pour consulter les archives de son père. L’idée s’est mise à trotter : à Montrouge, j’ai ouvert la boîte « chevaux…».
Le texte de la chanson, que le lecteur retrouvera dans son intégralité en fin d’ouvrage, narre les aventures d’un parieur qui mise sur les prouesses du cheval Bucéphale. Dans le corps de l’album, la chanson est tronçonnée en strophes ou vers qui courent de page de gauche en page de gauche, en regard d’une sélection de photographies en noir et blanc, tantôt chevaux au galop, tantôt images du monde turfistes, du milieu des années 1940 aux années 1970, d’après les dates figurant à quelques centimètres des images.
Dans le corps de l’ouvrage, la première photographie, placée au centre de la page blanche de droite, donne à voir un cheval et un jeune garçon. En regard, le texte, inscrit au centre de la page blanche, fictionnalise l’image : « Si ce maudit canasson remportait cette courses, ça renflouerait ma bourse et noierait le poisson ». Ce dispositif contribue à faire du jeune garçon le narrateur du premier couplet. Quant au cheval, il ne s’appelle plus autrement que Bucéphale depuis la couverture.
Dans les doubles pages suivantes apparaissent d’autres personnages : spectateurs, parieurs, jockey, lad. Les images sont sélectionnées afin de correspondre à un élément du couplet en placé en regard : le « melon » en regard d’un homme à chapeau-melon, « je fume clope sur clope », en regard d’un maréchal-ferrant allumant une cigarette à l’aide d’un fer à cheval rougeoyant… Parfois, le lecteur ne sait pas bien où se situe le point de rencontre entre le texte et l’image. De pages en pages, citations extraites de la chanson et photographies collaborent pour nous faire entendre les pensées des spectateurs de la course.
Si cet ouvrage nous fait découvrir un pan de l’œuvre de Robert Doisneau, ses photographies, dégagées de leurs attributs artistiques que sont les titres et légendes, deviennent illustrations d’un livre de littérature jeunesse.”
L’ensemble de l’article sera à lire bientôt dans une revue scientifique…