L’exposition Regarde ! 150 ans de livres de photographies pour enfants, conçue en partenariat avec la Maison de la Photographie Robert Doisneau et avec le soutien du Fonds patrimonial Heure Joyeuse de la Médiathèque Sagan et de collectionneurs privés, s’installe à la Bibliothèque francophone Multimédia de Limoges, avec de nouveaux ouvrages, des vidéos et une journée d’étude le 16 janvier.
Inscription : BFM@limoges.fr
“Au Japon, on croit que toute chose a une âme, même les objets. Passé 100 ans, ils deviennent de bons ou de mauvais esprits selon l’attention et le soin qu’on leur a accordé durant leur vie”.
Et voici chez Seuil Jeunesse le quatrième album né de la collaboration de Pierre-Jacques et Jules Ober. Après nous avoir conté les aventures de Pierre, soldat de la Première Guerre mondiale, puis de Jacqueline, fillette emportée dans la tourmente de la seconde, et encore de la princesse Mimi, sœur de la future reine Marie-Antoinette, c’est une re-création du conte d’Andersen Le Stoïque Soldat de plomb que nous proposent les auteurs. Il était une fois un soldat de plomb amoureux d’une geisha au pays du soleil levant…
Comment est né le projet du vaillant petit soldat ? Et pourquoi le choix de ce conte ?
On avait vraiment envie de faire quelque chose de différent pour notre quatrième album. Nous trouvions excitant d’essayer de mettre en scène des figurines dans des décors à notre échelle au lieu de décors miniatures. Un choix qui du coup introduisait automatiquement le fantastique dans notre réalité.
Après avoir jonglé avec quelques idées d’histoire originale, je me suis souvenu de quelque chose que j’avais découvert dans votre livre “150 ans de Photolittérature pour les enfants“. Hans Christian Andersen avait collaboré avec un ami photographe pour créer ce qui est considéré comme le premier album pour enfant illustré avec des photographies de la vie réelle.
Cela m’a instantanément rappelé l’histoire du Stoïque Soldat de Plomb car elle raconte les mésaventures d’un personnage miniature dans le monde à notre échelle. Non seulement ce conte correspondait exactement à ce que je recherchais mais il nous permettait également de rendre hommage à Andersen en explorant un de ses contes à travers la photographie.
Pourquoi avoir choisi de le placer dans cet univers ?
Les contes incitent le lecteur à croire à l’irruption du surnaturel dans un cadre réaliste, quotidien. Voulant faire une adaptation à partir de photos du réel, il fallait pouvoir le faire dans un contexte culturel dans lequel le surnaturel est présent. Nous avons tout de suite pensé au Japon.
Le cadre animiste construit par Andersen correspond aux croyances animistes du Shintoïsme japonais. C’est un conte dans lequel humains et objets ont une voix et le shintoïsme croit que les êtres animés et inanimés ont une âme. Cela correspondait parfaitement.
Et puis le personnage du conte se situe à l’opposé du héros d’action. Au contraire, le soldat de plomb incarne en fait une posture proche de celle d’un moine bouddhiste faisant zazen, lorsqu’il est interdit de bouger un muscle.
Enfin, les contes d’Andersen datent du 19ème siècle et sont toujours illustrés par des images recréant les décors, costumes et ambiances de cette époque. Voulant faire une adaptation à partir de photos du réel, il était important que les décors, bien que photographiés de nos jours, ne soient pas modernes. D’où Kyoto, ville du Japon traditionnel. Tout cela nous permettaient de donner une autre dimension à cette adaptation et d’emmener les enfants dans un autre univers pour cette histoire danoise.
Qu’est ce qui est gardé du conte original ?
Je dirais que notre adaptation est en fait assez fidèle à l’histoire originale.
J’ai gardé le schéma narratif de l’histoire: situation initiale, élément perturbateur, péripéties, élément de résolution, situation finale. Et les quatre éléments ( l’air, la terre, l’eau et le feu) qui font avancer l’histoire.
Mais dans l’original, Andersen cultive le doute. Tout n’est que hasard et coïncidences. La passivité des personnages et leur acceptation aveugle des aléas du destin causent leur perte. C’est l’histoire d’un amour qui n’existe que dans l’imagination du personnage.
Nous avons préféré créer un conte à lire comme une poignante histoire d’amour.
Angèle Cambournac, notre éditrice chez Seuil Jeunesse, ne voulait pas laisser le lecteur avec un simple tas de cendres désespérant. Mais n’étant pas Walt Disney, nous voulions rester néanmoins fidèles à la fin tragique du conte d’Andersen. Nous avons donc construit celle-ci comme le climax romantique d’une belle histoire dans laquelle rien n’est jamais perdu, rien ne disparaît. Seulement continue à exister sous une autre forme. En y apportant le cinquième élément primordial présent dans la culture Japonaise – le vide. Associé au ciel, à la foudre ou au paradis. Au Japon, les éléments sans formes telles que la sensation, l’identification, la conscience n’ont pas de vacuité. Elles existent, pures, hors du domaine des sens. Ce cinquième élément primordial peut très bien représenter l’amour pur, éternel, seul survivant des flammes qui détruisent le soldat et la geisha.
Connaissiez-vous déjà les légendes et monstres japonais ?
Oui. J’ai toujours adoré les monstres et j’ai toujours trouvé l’animisme beaucoup plus logique, compréhensible et poétique que les religions, surtout monothéistes. A l’occasion de précédents voyages au Japon, nous avons découvert que dans ce pays, monstres et animisme faisaient partie de la vie quotidienne. Les concepts japonais se vivent et s’éprouvent davantage qu’ils ne s’expliquent. Cela a été facile pour nous de les ressentir. Et puis nous adorons les histoires loufoques et les japonais ont une imagination débridée.
Un de mes regrets sur ce projet est de ne pas avoir pu donner plus de place à Kappa, une créature rencontrée au fil de l’eau par le soldat de plomb.
Ce monstre des rivières a un bol sur la tête, rempli de son liquide de vie. Mis à part lui offrir un concombre dont il raffole, la seule manière de lui échapper est de le saluer en faisant la courbette japonaise. Etant extrêmement poli, il fait aussi la courbette et du coup verse son liquide de vie hors de son bol et devient incapable de bouger. Ce qui donne le temps de lui échapper. Notre soldat de plomb ne pouvant que rester droit et stoïque, refuse de se courber… C’était une scène drôle que nous n’avons pas eu la place de garder dans l’histoire.
Le Kappa est un Yōkai. Les Yōkai sont des êtres flottant à la frontière entre fiction et réalité, entre doute et conviction, entre bien et mal. Ils constituent un bestiaire complexe de créatures mystiques que les Japonais ont craint pendant des siècles. Ils peuplent encore de nos jours la culture populaire du Japon et leurs représentations font partie de la vie quotidienne. Ils ne sont pas seulement des monstres. Ils ont une fonction. Celle de permettre aux parents de donner des leçons, conseils et principes moraux aux enfants. Pour avertir les enfants de ne pas trop s’approcher de l’eau, on trouve encore aujourd’hui d’anciens panneaux près des rivières avec l’inscription « Attention à Kappa ».
Je me suis servi d’eux comme éléments perturbateurs et créateurs de mouvement.
Comment avez-vous choisi le décor des aventures du petit soldat ?
Pour le décor intérieur, j’ai trouvé la boutique en faisant une recherche sur le net. Je cherchais soit un magasin de jouets anciens ou d’antiquités. Quand j’ai découvert des images de la boutique Maïko Antiques j’en suis tombé par terre. C’est un endroit tellement extraordinaire, tellement unique, il fallait absolument que l’histoire se déroule là. D’autant que la boutique se trouvait dans le quartier de Gion, le quartier des geishas, un des plus vieux de Kyoto au niveau architectural.
Pour les décors extérieurs, Jules a fait beaucoup de repérages à travers la ville.
Qui est ce monsieur Isekai ?
Mr Isekai est le propriétaire de Maïko Antiques, la boutique dans laquelle nous avons travaillé. Son véritable nom est Hōga Shōto (Hōga étant le nom de famille ). Monsieur Hōga ne sonnant pas très bien, nous avons cherché un nom qui sonne bien et qui en plus a une signification intéressante pour l’histoire. Nous avons décidé d’appeler le propriétaire de la boutique Monsieur Isekai. Isekai signifie “autre monde”, “monde parallèle“. Isekai est aussi un genre de manga, à la mode au Japon, qui s’est largement développé sur l’idée que monsieur tout-le-monde pouvait se réincarner et avoir droit à une vie plus excitante.
Il était tout à fait naturel que Shōto San joue son propre rôle. Pour commencer nous ne voulions pas d’un vieil oncle Gepetto et il est relativement jeune (la quarantaine). Mais surtout, dans son cas, la réalité dépasse la fiction. Chaque matin en ouvrant la boutique, il salue respectueusement les objets qui la remplissent pour leur souhaiter une excellente journée et, pour certains d’entre eux, une nouvelle vie. Chaque soir à la fermeture, il les remercie pour leur participation à son business. Leur souhaitant une bonne nuit et en leur demandant de ne pas faire trop de bêtises.
Qu’est-ce qui différencie cet album des précédents ? le format déjà…
Oui en effet, il est de format carré. Mais c’est l’objet lui-même qui est particulier.
Jules a émis le souhait d’avoir une reliure à plat permettant de pouvoir regarder une double page sans l’effet en V des reliures normales. Angèle, notre éditrice, a passé beaucoup de temps à trouver la solution idéale. Le livre a ce qui s’appelle une reliure tibétaine. Sa tranche est brodée ! C’est magnifique. Même le titre et un petit soldat de plomb sont brodés sur la tranche et dans les pages intérieures c’est un fil rouge qui sert de reliure. C’est vraiment un hommage à l’amour de l’objet, de l’esthétique, de l’attention au détail des japonais.
Quelle difficulté avez-vous rencontré au cours de sa conception ? Ou quelle heureuse surprise ?
Nous avions un grand respect à la fois pour l’œuvre originale et pour la culture d’accueil que nous avions choisie. Une réflexion a donc été nécessaire sur comment adapter ce conte et s’approprier l’histoire sans dénaturer un chef-d’œuvre. Et comment utiliser une culture très riche sans pour autant faire de la “cultural appropriation“ comme disent les anglo-saxons.
C’est grâce à une bourse de création que nous avons pu réaliser cet ouvrage. Nous n’aurions pas eu les moyens de passer deux mois à Kyoto pour raconter cette histoire sans le soutien du CNL.
Deux mois semblent confortables mais les premières semaines ont été consacrées à faire la connaissance du propriétaire de la boutique et de son épouse. Sans pouvoir communiquer par le langage ! Les règles de politesse au Japon prennent beaucoup de temps et nous voulions être les plus respectueux possibles. Avoir un impact minimal.
Jules s’est donc retrouvée sous pression car nous avions au final un temps limité. La boutique est extraordinaire mais c’est un décor très étroit, débordant d’objets du sol au plafond. Sans compter qu’elle était fermée les journées de pluie ! En extérieur il y a toujours le problème des raccords de lumière et les prises de vues se déroulaient souvent au milieu d’une foule. Les japonais sont très curieux et n’hésitaient pas à se mettre à quatre pattes ou même allongé au sol avec nous pour voir ce qu’on voyait. Souvent ils demandaient à regarder dans l’objectif. Il fallait donc rester concentré tout en acceptant l’intérêt que l’homme de la rue a pour la créativité. C’était toujours joyeux et respectueux mais cela prend plus de temps. Au final, l’approche légère et instinctive que Jules a de la photographie lui a fait surmonter tous les obstacles. Mais le travail fut intense. On construit toujours l’histoire au fur et à mesure. Ce qui veut dire passer la journée à photographier et les nuits à débattre et à éditer à l’ordinateur.
Quand aux heureuses surprises, il y a eu avant-tout la rencontre de cœur et d’esprit entre nous et ce couple japonais. Sans pouvoir communiquer autrement que par le regard, l’émotion, le feeling. C’était absolument magique. Nous leur avons offert nos livres et à partir de là, il n’y a eu que du ressenti. Pas de contrat, pas d’assurances, juste une relation basée sur la confiance pure. La reconnaissance immédiate d’âmes-soeurs. Rien que de l’écrire j’en ai la chair de poule. Si rare de nos jours…
Qu’est ce que la collaboration de la conteuse a changé à votre travail ? à quel moment est-elle intervenue dans sa réalisation ?
La collaboration avec Muriel Bloch, la conteuse, n’a pas changé notre travail car elle est intervenue tard dans le projet. L’idée était d’ajouter une sonorité finale à cette adaptation. Sa tâche ne fut donc pas facile car il lui a fallu harmoniser une volonté d’oralité dans le cadre de notre technique de narration visuelle à partir d’une histoire en fait déjà racontée. Finalement, le texte se lit bien. J’imagine assez facilement un père ou une mère lisant le texte pendant que l’enfant regarde les images. Cela pour les plus petits. Pour les plus grands, j’imagine que les images viendront en premier, soulignées ensuite par le texte et retour à l’image. Comme pour nos précédents albums.
Merci Pierre-Jacques !
Les photographies sont publiées avec l’autorisation des auteurs.
“Il reste aujourd’hui environ 350 000 éléphants sauvages en Afrique (l’équivalent de la population de la ville de Nice) –ils étaient encore plus d’un million il y a quarante ans… Cet album grand format, tout carton, avec des photographies pleine page, part à la rencontre de cet animal extraordinaire dans son environnement naturel.” lit-on sur le site de la maison d’édition (Les Grandes Personnes).
Ce livre est d’abord un ouvrage militant. Au-delà de l’invitation à redécouvrir les éléphants, il nous met aussi en garde contre leur extinction prochaine.
Cet album ravive ensuite le souvenir de collections entières de livres photographiques consacrés à la présentation d’animaux domestiques ou sauvages et publiés des années 60 à 80, la collection “Ami-amis” chez Hatier en tête. A la différence de ces ouvrages, on ne partage plus ici le point de vue d’un enfant mais celui d’un photographe amoureux de la nature. Les grandes doubles pages accueillent uniquement des photographies et non plus des vignettes. Le texte est relégué en fin d’ouvrage et sa lecture ne rivalise plus avec celle des images. Le lecteur, plus ou moins jeune, a donc ainsi toute liberté pour s’émerveiller à haute voix, sans être guidé par les mots, devant les belles images du photographe animalier Franck Bordas.
Rencontre.
Quel est votre métier ?
Après avoir appris très jeune le métier de lithographe auprès de mon grand-père, j’ai ouvert mon propre atelier de litho. D’abord imprimeur, je suis vite devenu éditeur, pour réaliser avec des artistes les projets d’estampes et de livres d’art dont j’avais envie. Après plus de vingt ans d’activités en litho, au tournant des années 2000, je me suis orienté vers les techniques alors nouvelles de l’impression numérique, pour travailler avec d’autres outils et rencontrer de nouveaux créateurs. C’est à cette époque que j’ai collaboré avec de nombreux photographes. Parallèlement, j’ai toujours pratiqué la photo et j’ai réalisé deux livres-photos avec Ianna Andréadis. Une année en forêt (Édition du Panama en 2006) et Bêtes de brousse, (Éditions des Grandes Personnes en 2012), un livre réalisé avec nos enfants durant plusieurs voyages au Parc Kruger, en Afrique du Sud. Aujourd’hui, j’ai cessé mon activité d’atelier d’impression pour me consacrer à mes projets personnels, entre autres, l’observation et l’étude de la faune sauvage en Afrique.
Copyright Ianna Andréadis
Quel est votre lien à la littérature pour la jeunesse ? professionnellement et personnellement ?
Les livres jeunesse ont accompagné toute mon enfance, dans les années 60 et 70. J’ai découvert la faune africaine dans les albums illustrés, mais aussi la bande dessinée dont j’étais passionné. Né dans une famille d’éditeur, il y avait beaucoup de livres à la maison et je me nourrissais de tous les univers graphiques des illustrateurs et photographes de cette époque. Professionnellement, j’ai édité un livre de contes pour enfants du peintre suédois Bengt Lindström, Histoires d’Orren Jarka. Il s’agissait d’un album en litho avec des histoires inspirées des contes de Laponie inventés par l’artiste. J’ai également travaillé avec Paul Cox, qui a réalisé en litho un livre pour les enfants, Ces Nains portent quoi ???????, édité aux Éditions du Seuil. Avec Ianna Andréadis, nous avons édité des coloriages que j’imprimais en lithographie et le Bestiaire de la préhistoire, édité aux Éditions des Trois Ourses et à la Fabrique du Pont d’Aleyrac.
Après Bêtes de brousse et la savane d’Afrique du sud, vous faites découvrir aux plus jeunes la beauté et la vie des éléphants. Pourquoi cet animal plus qu’un autre ?
Les éléphants m’ont toujours fasciné. Le plus grand mammifère terrestre, un animal extraordinaire, une espèce clé de voûte de toute la faune sauvage. La fascination pour les éléphants a toujours été très présente dans l’humanité et depuis les origines, des peintures rupestres, jusqu’aux divinités indiennes et statuaires et masques des cultures africaines, en passant par les albums de Babar ! Aujourd’hui, où le monde sauvage et tout l’équilibre des écosystèmes de notre planète sont tellement menacés, il me semble essentiel, plus que jamais de présenter ces animaux extraordinaires aux enfants et leur faire ressentir cette fascination pour le monde sauvage qui subsiste dans les derniers espaces protégés de la planète.
Où ont été prises les photographies ? Cet album est-il une compilation de vos photos de pachydermes ou le fruit d’un reportage unique ?
Les photos de cet album font partie d’un ensemble d’images que je réalise depuis maintenant plusieurs années. Il s’agit pour moi d’une sorte d’inventaire, ou plutôt de campagne des principaux sites, parcs nationaux et réserves, dans plusieurs pays d’Afrique, en Afrique de l’Est et en Afrique australe, où vivent encore les derniers rassemblements de ces grands animaux. Je voyage très régulièrement et depuis des années en Afrique et je poursuis mes visites, tout spécialement sur les traces des populations d’éléphants. Chacune a une histoire différente, selon les lieux, l’environnement, l’histoire et l’évolution des pays et des régions où ils vivent.
Combien de photographies avez vous prises initialement ? Et comment s’est opérée la sélection pour le livre ?
Ce sont des milliers d’images d’éléphants que j’ai faites lors de nombreuse observations depuis ces 10 dernières années. Certaines sont à propos de comportements spécifiques, d’autres sont des vues des animaux dans leurs différents paysages. La sélection s’est faite autour de la construction du livre, je voulais à la fois restituer leur apparition dans le paysage, tel qu’on les découvre quand lors des rencontres à bonne distance, mais aussi pouvoir s’approcher au plus près, pour montrer les relations entre les différents individus d’un groupe. Il s’agit d’une espèce très sociale, avec beaucoup d’interactions entre les membres d’une même famille. Pour restituer en quelques images, à la fois la sensation de l’approche, la fascination face à ces géants, mais aussi la sensation de proximité à l’intérieur d’un groupe, comme si l’on pouvait communiquer avec eux.
Quelle part a pris l’ONG Save the elephants dans la réalisation de ce livre ?
Durant mes voyages, j’ai pu rencontrer différents chercheurs, ONG et organisations qui étudient et protègent les éléphants. Leurs recherches ont permis de découvrir de nombreuses facultés de communication ou d’organisation sociale qui étaient tout à fait méconnues il y a encore quelques années. Les études d’éthologie poussées sur le terrain n’ont vraiment commencé que dans les années 60. Cette génération de chercheurs a été pionnière dans la meilleure connaissance des espèces sauvages. À l’instar de Jane Goodall pour les chimpanzés, ou de Dian Fossey pour les gorilles, Iain Douglas-Hamilton a été l’un des premiers chercheurs à étudier le déplacement des éléphants, les routes ancestrales qu’ils utilisent. C’est lui qui a créé l’ONG Save The Elephants qui aujourd’hui fait beaucoup pour la meilleure cohabitation des animaux sauvages avec les communautés humaines qui vivent à proximité des réserves. Je tenais donc à ce que ce livre contribue à l’effort des cette ONG. Beaucoup de photographes, de cinéastes, de voyageurs et de touristes viennent en Afrique pour admirer ces animaux. Je trouve important de pouvoir ainsi contribuer à leur protection et à la conservation du monde sauvage. Les réserves africaines aident à développer le tourisme, mais il est difficile de faire cohabiter développement, amélioration des conditions de vie pour les habitants et protection de la faune. Cela devient même l’un des principaux enjeux de la conservation avec le développement des zones urbaines et de l’agriculture. Les autorités des pays concernés font face à des problématiques politiques extrêmement complexes. Les ONG aident à la meilleure connaissance et donc à la meilleure organisation des politiques locales. Quand on compare avec ce qui se passe en France, à propos des pressions pour faire abattre les 200 loups qui circulent en France, on se dit que les pays africains pourraient beaucoup nous apprendre à propos du partage et de la cohabitation avec les espèces sauvages…
Est-ce que les animaux se sont laissés approcher facilement ?
Les éléphants sont des animaux sauvages dotés d’une force extraordinaire, il faut donc respecter les distances et les approcher très prudemment. Cela dit, ce sont des animaux extrêmement intelligents, qui savent parfaitement apprécier les intentions de ceux qui les approchent. Si l’on est très calme, apaisé et qu’ils vous ont vu arriver, on peut très bien être entouré par des familles dont les petits, toujours curieux viennent vous renifler de la trompe. Mais ce sont eux qui décident, il ne faut pas s’imposer et surtout pas les prendre par surprise. Avec l’expérience, on peut très bien reconnaitre l’humeur d’un groupe ou d’un individu. Quand ils sont calmes ou nerveux. Il ne faut pas s’approcher d’une mère avec ses petits qui sera sur la défensive. Il y a aussi des mâles qui parfois sont dans des périodes d’intenses activités hormonales et qui peuvent être agressifs si on se trouve sur leur passage. Il peut y avoir malheureusement des accidents, ce sont souvent lors de rencontres fortuites, mais si l’on respecte des mesures de précautions évidentes, on peut très bien approcher les éléphants, spécialement dans les zones dans lesquelles ils sont protégés et où ils ne craignent pas de se faire tuer par des chasseurs ou des braconniers. C’est tout à fait différent dans les zones de chasse où ils s’enfuient dès qu’ils entendent une voiture ou la voie humaine. Il y a des régions où on les appelle des “éléphants fantômes”, car on sait qu’ils sont là, mais on ne les voie jamais. C’est d’ailleurs incroyable le don qu’ils ont pour se cacher et se rendre furtifs dans les zones boisées.
Qui signe les textes en fin d’ouvrage ? Pourquoi ce choix d’une postface plutôt que d’un texte qui accompagnerait le tournage de pages ?
J’ai écrit ce texte, pour donner des informations à propos du mode de vie des animaux. Après l’émerveillement de la rencontre, par les photos et la sympathie immédiate pour ces « bons géants », je voulais donner des précisions supplémentaires à propos des connaissances récentes sur leur comportement. L’idée est de faire une première lecture, où on les découvre, puis de pouvoir le relire en comprenant ce que les photos illustrent. Chaque image révèle une attitude typique de l’espèce. Pour réaliser que derrière chacun de ces grands animaux, il y a une personnalité, un caractère et un monde de langage, bien différent de celui des humains, mais très élaboré et ce que l’on pourrait appeler des « super-pouvoirs » qui nous échappent complètement.
A qui s’adresse donc ce livre ?
Je crois que les très jeunes lecteurs peuvent très bien comprendre le monde des éléphants, les adultes qui leur font la lecture pourront, eux aussi, en apprendre davantage et j’espère réaliser à quel point les espèces animales sont précieuses pour notre monde. La carte de l’Afrique permet aussi de situer où vivent encore ces animaux, il n’y a plus d’éléphants sur tout le continent, mais seulement dans quelques zones qu’il faut absolument préserver.
Pourquoi ce format d’ouvrage ? Est-ce une idée de l’éditeur ?
Il fallait un beau et grand format pour le plus grand animal terrestre !
C’est l’éditrice, Brigitte Morel, qui dès notre première discussion a imaginé ce grand format. Elle voulait ces grandes images et qu’on puisse voir tous les détails sur les photos, de la texture de la peau, des défenses, mais aussi des paysages dans lesquels vivent ces animaux. Elle voyait ce livre avant qu’il existe, quelle chance de s’entendre aussi bien et de voir grand !
Merci cher Franck !
Les photographies sont reproduites avec l’autorisation du photographe.
Nombreux sont les ouvrages de littérature jeunesse permettant d’appréhender les notions de famille, de transmission des savoir-faire et des traditions. Ce faisant, un certain nombre s’appuient sur les écrits du for privé et sur les objets vecteurs de mémoire que sont les albums et les photographies de famille. L’article s’attache à deux ouvrages particuliers, Incroyable mais vrai d’Éva Janikovszky et László Réber paru en 1966 aux éditions Móra Könyvkiadó, réédité par La Joie de lire en 2011, et L’album de famille de Frédéric Kessler et Princesse Camcam, paru aux éditions Autrement en 2012. Il examine l’usage particulier que ces livres font des collections de photographies familiales, et analyse comment le dispositif photolittéraire est mis au service de l’écriture du récit familial et du tissage des liens intergénérationnels.
A lire dans la revue Mémoires du livre https://www.erudit.org/fr/revues/memoires/2024-v15-n1-memoires09558/1113716ar/
Le numéro de la revue Mémoires du livre/Studies in Books consacré aux livres photographiques pour enfants est désormais en ligne !https://www.erudit.org/fr/revues/memoires/2024-v15-n1-memoires09558/
“Depuis la fin du XIXème siècle, le livre photo-illustré ou entièrement réalisé en photographies, a conquis tous les genres de la littérature pour la jeunesse et a révélé les mille potentialités que contient la photographie pour dessiller le regard, développer l’imaginaire et emporter les enfants de l’autre côté du miroir.
En collaboration avec des écrivains ou seuls, les photographes ont fait preuve d’une inventivité toujours renouvelée pour conquérir l’espace d’une double page traditionnellement dominée par le dessin. Usant des dernières avancées techniques, mêlant images graphiques et photographiques, jouant avec les détourages et photomontages, les plans et les cadrages, les formes et la lumière, ils ont donné à voir avec poésie le monde proche ou lointain, renouvelé le genre des contes et proposé des histoires surréalistes.
Du 18 septembre au 4 novembre, la galerie Immix propose une immersion dans l’univers créatif de sept artistes représentatifs de la photolittérature internationale d’aujourd’hui ainsi qu’une redécouverte de la littérature jeunesse patrimoniale.
Pour Qui veut jouer avec moi ?, Claire Dé s’amuse avec les couleurs, les graphismes, les distances, le net et le flou et célèbre les inventions de l’enfance. Dans Bêtes de Brousse, Ianna Andréadis emmène le spectateur à la découverte d’une nature sud-Africaine poétique et souvent violente. François Delebecque propose des variations photographiques de ses imagiers-devinettes reconnaissables à leur silhouette en noir et blanc en couverture et à leurs volets que l’on soulève. Les illustrations de Marianna Balducci pour La vita nascosta delle cose révèle l’ histoire cachée de nos vieux objets domestiques. Pour Cache-Cache Cauchemars, Jean Lecointre joue sur le rapport qu’entretient la photographie avec la réalité dans un jeu de ping-pong entre l’œil et la logique. Les petits films du photographe Jan von Holleben dévoilent les secrets de fabrication de ses mondes oniriques et ludiques dans lesquels les enfants sont des aventuriers. Yveline Loiseur explore les contes traditionnels et nous offre sa propre version des Musiciens de Brême avec ce grand livre déployé dans l’espace. Enfin, la curiosité actuelle pour l’album photographique a entraîné la redécouverte d’un patrimoine photolittéraire signé des maîtres du 8èmeart. Les jeunes lecteurs peuvent désormais admirer la profondeur du noir et blanc des images du photographe japonais Eikoh Hosoe dans Taka-Chan et moi. Les aventures d’un chien au Japon, ou les images drôlatiques du classique de la littérature jeunesse allemande Paulina et moi d’Hans Limmer et David Crossley.
Laurence Le Guen”
Galerie Immix : https://immixgalerie.fr/
Et si les objets autour de nous ne voulaient bien montrer qu’un aspect de leur existence ? Et si en vérité ils pouvaient parler, échanger entre eux, se déplacer ? Dans La Realtà diminuita, Roberto Grassilli explore ce topos de la littérature et du cinéma pour enfants qui donne vie aux objets inanimés et ce faisant dévoile le petit théâtre intérieur de l’enfant lorsqu’il joue. Il explore aussi les coulisses de la création et donne à voir aux enfants les secrets de fabrication de ses personnages.
Cette semaine, on continue notre découverte de la photolittérature jeunesse italienne qui n’a pas fini de nous séduire.
Roberto, qual è la tua formazione?
Quelli della mia età hanno iniziato tutti “sul campo”; intendo dire che non esistevano corsi per diventare che so, fumettisti (il mio obiettivo) o illustratori. Si iniziava a provare copiando gli altri, si cercava di conoscere gli autori già inseriti nell’ambiente nelle rare occasioni pubbliche poi si cominciava a tormentarli col telefono o con irruzioni nei loro studi.Veniva poi il momento di affacciarsi, intimiditi, nella redazione di una rivista, nella sede di un editore. E da lì si proseguiva. Io ho cominciato sulle riviste con storie a fumetti di cui ero anche l’autore. Avevo alle spalle una infanzia di quaderni pieni di disegni, un grande amore per il mondo a baloon e per quello dei carton i animati. Ho frequentato il Liceo Artistico Statale di Bologna, Ho iniziato poi il famoso DAMS, un dipartimento della facoltà di Lettere e Filosofia, ma poi ho decise che dovevo provare a vivere di disegni. E dintorni.
Non era strano per i miei coetanei tentare la strada del cartonist e contemporaneamente che so, lavorare in una radio privata e avere una band con cui fare musica propria. Per intenderci: quella band c’è ancora, si chiama Lino e i Mistoterital e ci siamo esibiti anche sabato scorso .
Come ti sei avvicinato alla letteratura per l’infanzia?
Anche questo era un mondo che avevo amato da lontano. Andavo già da ragazzo in pellegrinaggio alla Bologna Children Book Fier per poter ammirare le meravigliose tavole originali di autori di tutto il mondo. Non esisteva ancora un circuito di librerie per ragazzi, i libri belli, ben disegnati, per i piccoli bisognava andarli a cercare nelle vacanze all’estero, dove l’editoria specializzata era molto più avanti.
Dagli anni ’80 anche in Italia è iniziato un certo fermento, un periodo in cui a noi fumettisti di allora si chiedeva di re-interpretare che so, fiabe classiche, miti letterari. Ho fatto qualche tentativo ma il mio lavoro di allora era più legato alla grafica e alla satira. Disegnavo vignette e strisce per pubblicazioni periodiche. Poi ci furono gli anni dell’irruzione di Internet, dove ho imparato a disegnare per la rete. Solo in tempi recenti ho deciso di provare a proporre progetti all’editoria per ragazzi, che nel frattempo è diventata molto importante anche qui in Italia e ho trovato di nuovo un mondo vivace, pieno di persone appassionate al proprio lavoro. Per me una ennesima rinascita.
Quali sono le tue influenze nella letteratura per l’infanzia?
Tutto l’universo anglosassone, da Carrol a Chris Riddell, da Jill Barklem a Dave Mc Kean, tanti autori che hanno lavorato per l’infanzia ma non solo. Un nome su tutti: Neil Gaiman. E anche se non direttamente connesso, sono stato molto influenzato dalla sintesi grafica dei disegni animati, dalla capacità che ha quest’arte di rendere molto concreti certi universi fantastici. In tempi recenti, sono rimasto folgorato dal lavoro di Shaun Tan.
Come è nata l’idea de La Realtà diminuita?
Mi serviva una trovata grafica-visiva da poter ripetere ogni giorno, per circa un mese, senza impiegare molto tempo nel realizzarla. Partecipavo a uno dei primi INkTober, ero confinato in casa per ragioni di ristrutturazione del mio studio, così, guardandomi intorno, ho cominciato a vedere negli oggetti domestici delle possibili identità alternative, dei prolungamenti della loro esistenza. Ma volevo fosse un gioco palese: così ho deciso che nelle immagini doveva essere visibile anche la mia mano che reggeva un disegno sovrapposto all’oggetto fotografato. Fogli, penne, pennarelli, scatti rigorosamente in media definizione, fatti con il mio telefono. Raggiunto un certo numero di soggetti sono arrivati i nomi di questi personaggi e la definizione “Realtà Diminuita”, ovvero un mondo opposto alla potenza del digitale (realtà aumentata), un piccolo mondo che la realtà la “diminuisce”, la vede con lo sguardo che tutti abbiamo avuto da piccoli, quando facevamo parlare le sedie, le pentole, le cose che avevamo attorno, come fossero vive.
È stato difficile far accettare questo libro?
In realtà no, perché quando ho cominciato a pensare che tutte quelle immagini avrebbero potuto raccontare una storia unica, è arrivato Giorgio Arcari, editore di Sabir Edizioni che ha spostato subito il progetto. Ci siamo trovati pienamente d’accordo su come il libro sarebbe dovuto essere e nonostante le difficoltà del Covid lo abbiamo realizzato abbastanza velocemente. E considerato che è in libreria da qualche tempo, ristampato alcune volte, penso di poter dire che quando viene scoperto da qualcuno difficilmente rimane sullo scaffale.
Qual è il tuo progetto per i lettori? Immaginare cosa c’è dall’altra parte dello specchio? O cosa non riusciamo a vedere?
Da vecchio innamorato di “Alice: attraverso lo specchio” di Lewis Carroll ho come il bisogno di andare a vedere cosa c’è nella stanza accanto, oltre quella porta da cui arriva una certa musica, dentro alle finestre di quel villaggio in miniatura. Sogno sempre che oltre quella collina ci possano essere personaggi straordinari che desiderano raccontarmi una storia. Storia che poi io disegnerò, scriverò, mentre da sotto il tavolo arriva già una nuova vocetta che ride e che mi aspetta.
In quale momento la fotografia entra in gioco nel suo lavoro?
Ogni volta che la “disubbidienza” mi reclama! Amo ovviamente anche le illustrazioni interamente disegnate, ma grazie alla fotografia, che per convenzione dovrebbe catturare il mondo così com’è, posso creare quelle illusioni che, per contrasto, aggiungono un po’ di meraviglia alla storia. Mio padre faceva il proiezionista come mestiere e spesso dalla cabina del cinema portava a casa apparecchi ottici, lenti, cineprese. Ricordo lo stupore nel guardare nello schermo verticale di quelle vecchie macchine fotografiche. Già in quei momenti credo di aver cominciato a immaginare che il mondo dentro al mirino della camera e quello fuori non fossero lo stesso. E allora… Quanti mondi esistevano, in realtà?
Riesce a immaginare altri universi da sviluppare? Il giardino? La strada? La città?
Oh si certo. Appena mi “distraggo” un attimo può accadere.
Ad esempio ho lavorato sulla segnaletica stradale per dei laboratori con i bambini. Immaginando delle funzioni diversi per questi segni. Diventava poi facile tornare alla ragione per cui esistono e fissarli bene nella memoria. Ho fatto qualcosa del genere anche con monumenti e parti antiche dalla mia città, Rimini. L’idea che non ci sia un limite per lo sviluppo di queste altri mondi mi diverte parecchio.
Hai prodotto altri lavori per i giovani?
“Orlando e il Pinguino“, albo scritto da Sara Galli e illustrato da me. Bertoni editore 2018
Pinno, un tuffo in aria, albo scritto da Elisa Mazzoli e illustrato da me. Bertoni editore 2020
La Polizia della Nanna, scritto e illustrato da me. Sabir Editore 2021.
I famosi gomitoli di Arianna. scritto e illustrato da me, da un racconto di Lia Celi. Sabir Editore 2022.
Bononia e la testa di Nerone scritto da Lia Celi e Andrea Santangelo, illustrato da me, Minerva Editore 2023.
Roberto, quelle est ta formation ?
Ceux de mon âge ont tous commencé « sur le terrain », c’est-à-dire qu’il n’y avait pas de cours pour devenir, je ne sais pas, dessinateur (mon but) ou illustrateur. On s’essayait en copiant les autres, on essayait de connaître les auteurs qui étaient déjà dans le métier lors de rares occasions publiques, puis on commençait à les harceler par téléphone ou en dévalisant leurs ateliers 😉 Puis est venu le temps de se présenter, intimidé, dans la rédaction d’un magazine, dans les bureaux d’un éditeur. Et c’est parti de là. J’ai commencé dans des magazines avec des histoires dessinées dont j’étais aussi l’auteur. J’avais derrière moi une enfance de carnets remplis de dessins, un grand amour pour le monde des ballons et le monde de la bande dessinée. J’ai fréquenté le Liceo Artistico Statale de Bologne, puis j’ai commencé le fameux DAMS, un département de la faculté de lettres et de philosophie, mais j’ai ensuite décidé qu’il fallait que j’essaie de vivre du dessin. Et de l’environnement.
Il n’était pas étrange que mes pairs tentent la voie du cartoon et en même temps, je ne sais pas, travaillent dans une station de radio privée et aient un groupe avec lequel ils font leur propre musique. D’ailleurs, ce groupe existe toujours, il s’appelle Lino and the Mistoterital et nous nous sommes également produits samedi dernier.
Comment es-tu arrivé à la littérature pour enfants ?
C’est aussi un monde que j’ai aimé de loin. Enfant, je me rendais en pèlerinage à la Foire du livre pour enfants de Bologne pour admirer les magnifiques planches originales d’auteurs du monde entier. Le circuit des librairies pour enfants n’existait pas encore ; les beaux livres bien dessinés pour les petits devaient être recherchés à l’étranger, où l’édition spécialisée était beaucoup plus avancée.
Depuis les années 1980, une certaine effervescence s’est également installée en Italie, une période au cours de laquelle on nous a demandé, à nous les dessinateurs de l’époque, de réinterpréter, je ne sais pas, des contes de fées classiques, des mythes littéraires. J’ai fait quelques tentatives, mais mon travail à l’époque était davantage lié au graphisme et à la satire. Je dessinais des bandes dessinées et des dessins pour des périodiques. Puis sont venues les années Internet, où j’ai appris à dessiner pour le net. Ce n’est que récemment que j’ai décidé d’essayer de proposer des projets à l’édition pour enfants, qui est devenue entre-temps très importante ici en Italie, et j’ai retrouvé un monde vivant, plein de gens passionnés par leur travail. Pour moi, ce fut une nouvelle renaissance.
Quelles sont tes influences en matière de littérature jeunesse ?
Tout l’univers anglo-saxon, de Carrol à Chris Riddell, de Jill Barklem à Dave Mc Kean, beaucoup d’auteurs qui ont travaillé pour les enfants mais pas seulement. Un nom avant tout : Neil Gaiman. Et bien que cela ne soit pas directement lié, j’ai été très influencé par la synthèse graphique des dessins animés, par la capacité de cet art à rendre très concrets certains univers fantastiques. Récemment, j’ai été enchanté par le travail de Shaun Tan.
Comment est née l’idée de La Realtà diminuita ?
J’avais besoin d’un gimmick graphique et visuel que je puisse répéter tous les jours, pendant environ un mois, sans passer beaucoup de temps à le réaliser. Je participais à l’un des premiers INkTober, j’étais confiné chez moi pour des raisons de restructuration de mon atelier, alors, en regardant autour de moi, j’ai commencé à voir dans les objets domestiques des identités alternatives possibles, des extensions de leur existence. Mais comme je voulais que ce soit un jeu manifeste, j’ai décidé que ma main tenant un dessin superposé à l’objet photographié serait également visible dans les images. Feuilles, stylos, marqueurs, des clichés strictement en moyenne définition pris avec mon téléphone. Ayant atteint un certain nombre de sujets, les noms de ces personnages et la définition “Diminished Reality” sont arrivés, c’est-à-dire un monde opposé à la puissance du numérique (réalité augmentée), un petit monde qui ” diminue » la réalité, la voit avec le regard que nous avions tous enfant, quand nous faisions parler les chaises, les casseroles, les choses qui nous entouraient, comme si elles étaient vivantes.
A-t-il été difficile de faire accepter ce livre ?
Pas vraiment, car lorsque j’ai commencé à penser que toutes ces images pouvaient raconter une histoire unique, Giorgio Arcari, éditeur de Sabir Edizioni, est arrivé et a immédiatement fait avancer le projet. Nous nous sommes mis d’accord sur la forme que devrait prendre le livre et, malgré les difficultés rencontrées par Covid, nous l’avons réalisé assez rapidement. Et si l’on considère qu’il est en librairie depuis un certain temps et qu’il a été réimprimé plusieurs fois, je pense pouvoir dire que lorsqu’il est découvert par quelqu’un, il reste difficilement sur l’étagère.
Quel est tonprojet pour les lecteurs ? Imaginer ce qu’il y a de l’autre côté du miroir ? Ou ce que nous ne pouvons pas voir ?
En tant que vieil amateur du livre « Alice : de l’autre côté du miroir » de Lewis Carroll, j’ai envie d’aller voir ce qu’il y a dans la pièce d’à côté, au-delà de cette porte d’où provient une certaine musique, à l’intérieur des fenêtres de ce village miniature. Je rêve toujours qu’au-delà de cette colline se trouvent des personnages extraordinaires qui souhaitent me raconter une histoire. Une histoire que je dessinerai, que j’écrirai, tandis que, sous la table, une nouvelle petite voix se fait entendre, qui rit déjà et m’attend.
À quel moment la photographie intervient-elle dans ton travail ?
Dès que la « désobéissance » s’impose à moi ! J’aime évidemment les illustrations entièrement dessinées, mais grâce à la photographie, qui par convention est censée capturer le monde tel qu’il est, je peux créer ces illusions qui, par contraste, ajoutent un peu de merveilleux à l’histoire. Mon père était projectionniste de métier et ramenait souvent à la maison du matériel optique, des lentilles, des caméras provenant de la cabine du cinéma. Je me souviens de l’étonnement que j’éprouvais en regardant l’écran vertical de ces vieilles caméras. Déjà à cette époque, je pense que j’ai commencé à imaginer que le monde à l’intérieur du viseur de la caméra et le monde à l’extérieur n’étaient pas les mêmes. Alors… combien de mondes existent réellement ?
Pourrais-tu imaginer d’autres univers à développer ? Le jardin ? La rue ? La ville ?
Oh oui, bien sûr. Dès que je me « distrais » un instant, cela peut arriver 😉
Par exemple, j’ai travaillé sur des panneaux de signalisation pour des ateliers avec des enfants. J’ai imaginé différentes fonctions pour ces panneaux. Il est alors devenu facile de revenir à la raison d’être de ces panneaux et de bien les fixer dans la mémoire. J’ai également fait quelque chose de similaire avec les monuments et les parties anciennes de ma ville, Rimini. L’idée qu’il n’y a pas de limite au développement de ces autres mondes m’amuse beaucoup.
As-tu publié d’autres ouvrages pour la jeunesse ?
“Orlando e il Pinguino“, albo scritto da Sara Galli e illustrato da me. Bertoni editore 2018
Pinno, un tuffo in aria, albo scritto da Elisa Mazzoli e illustrato da me. Bertoni editore 2020
La Polizia della Nanna, scritto e illustrato da me. Sabir Editore 2021.
I famosi gomitoli di Arianna. scritto e illustrato da me, da un racconto di Lia Celi. Sabir Editore 2022.
Bononia e la testa di Nerone scritto da Lia Celi e Andrea Santangelo, illustrato da me, Minerva Editore 2023.
Merci Roberto !
Les images sont reproduites avec l’autorisation de l’auteur.
C’est le temps de la rentrée pour Miniphlit, avec dans notre besace quelques jolis souvenirs photolittéraires des vacances, le moment propice pour la découverte et la rencontre. Avec la très jolie production photolittéraire éditions italiennes Sabir, d’abord, avec Teresa Porcella ensuite, l’une des deux conceptrices de ce petit livre (15 x 15 cm mais 80 pages ! ) qui se propose d’explorer le mystère de l’ombre grâce au dialogue entre la photographie et la poésie : Filo Filo d’ombra.
Entretien en italien puis en français.
Qual è il tuo background e la tua formazione?
Parenti serpenti, avec Roberta Balestrucci et Marianna Balducci, Rizzoli, 2024.
Che ruolo ha la fotografia nel suo lavoro?
Grazie Teresa !
Quels sont votre parcours et votre formation ?
Je suis diplômée en philosophie de la Renaissance et j’ai aussi étudié la danse, le théâtre, le violon et le chant. Je me suis ensuite spécialisée dans la conception éditoriale multimédia et j’ai obtenu une maîtrise à l’université de Florence et à la Rai Toscana. Pendant de nombreuses années, j’ai travaillé comme rédactrice en chef ou chef de projet dans différents secteurs de l’édition (Multimédia, Scholastic, Children’s Variety), où je continue à travailler en tant que conceptrice et auteure indépendante. Parallèlement à mon activité professionnelle, j’ai toujours travaillé comme enseignante. Pendant trois ans, j’ai enseigné la littérature pour enfants à l’université de Cagliari et, pendant un an, j’ai donné un cours spécial à l’université de Florence. Pendant de nombreuses années, j’ai enseigné le design éditorial à des illustrateurs à l’Académie TheSign de Florence. J’ai également été propriétaire d’une librairie spécialisée pour enfants à Florence (Libreria Cuccumeo) pendant 10 ans.
Quand avez-vous commencé à travailler avec les enfants ?
Il y a environ 25 ans, parallèlement à mon travail éditorial, j’ai commencé à organiser des ateliers et des spectacles et j’ai organisé ou coordonné des festivals littéraires nationaux qui leur étaient consacrés. Ensuite, j’ai combiné le travail d’auteur avec le travail de spectacle : j’écris souvent les scénarios musicaux ou théâtraux de mes livres, que je mets volontiers en scène avec l’auteur des images ou avec d’autres acteurs ou musiciens. La poésie est le langage dans lequel je me sens le plus à l’aise.
Avez-vous publié d’autres titres pour la jeunesse ?
Oui, environ 25. J’aime écrire pour tous les âges, de la petite enfance à l’âge adulte. Je suis d’ailleurs convaincue qu’écrire puis « mettre en scène » des livres, c’est-à-dire les partager à partir du corps sonore des mots, et des gestes induits par l’émotion qui occupent et font vivre un espace, est l’une des meilleures façons d’investiguer sa voix intérieure, de la conformer et de la durcir à travers l’écoute de l’autre. Et j’entends l’écoute dans les deux sens, c’est-à-dire de l’auteur et du lecteur vers l’auditeur et vice versa. Parce que dans le partage des mots et des images, il se trouve que la personne qui les a partagés en premier (l’auteur) n’a plus d’importance. Parce que les mots et les images partagés peuvent être lus par quiconque s’en approche, en prenant à chaque fois de nouvelles significations.
Ainsi, écrire pour les garçons et les filles, pour les filles et les garçons, amplifie le pouvoir relationnel de chacun d’entre nous d’une manière extraordinaire. Parce que les adultes et les enfants, du point de vue de leur parcours biographique, sont complémentaires : les petits ont la mémoire courte et les désirs longs, alors que les adultes ont l’inverse : la mémoire longue et les désirs « courts ». Le dialogue permanent entre les différences permet d’élargir la mémoire des premiers et les désirs des seconds. Une ressource immense.
Come cane e gatto, Telos edizioni, 2022.
Quel rôle joue la photographie dans votre travail ?
Je l’aime, depuis mon plus jeune âge, comme un langage fertile et prolifique, capable de synthèse et de densité de vision. Je l’ai toujours sentie proche de la poésie. Je ne suis pas photographe, même si j’aime prendre des photos, et je regarde souvent des photographies de toutes sortes (photos anciennes, photos de famille, photographies professionnelles…) car c’est pour moi un puissant détonateur de pensées et d’émotions, et donc d’écriture. Je m’en sers comme outil de recherche personnel ou même pour faire écrire les autres lorsque je donne des cours ou des ateliers.
Comment est née l’idée du Filo d’ombra ? Qui produit les images ? Qui écrit le texte ?
Maria Giulia Berardi et moi sommes amies et Maria Giulia est une photographe exceptionnelle qui me touche. Elle travaille parfois par fils, par thèmes, en faisant des recherches passionnées et profondes. En regardant sa page Facebook il y a quelque temps, j’ai été subjuguée par ses photos sur l’ombre, très fortes, non seulement par leur beauté, mais aussi parce qu’elles touchaient à un thème qui m’est cher. J’ai vu que j’avais envie d’écrire à chaque fois que je les regardais. Je disais à Giulia : « Tes photos me font écrire… », et elle : « Ecris… », mais c’était comme une sorte de jeu entre nous. Au moins pour elle, pour moi c’était comme si je sentais tout de suite que cela deviendrait un livre (en tant que designer, avant d’être écrivain, je sens quand quelque chose me vient déjà d’une manière architecturale…). Après que j’ai travaillé sur le projet pendant un certain temps – et que le graphiste Mauro Luccarini a travaillé avec moi et qu’il est tombé amoureux de l’idée – Giulia y a également cru : cela deviendrait un livre…
L’idée, pour moi, était claire, dès le début : faire un véritable ALBUM ILLUSTRÉ, où le texte et les images étaient interdépendants. Mes poèmes, sans les photos de Giulia qui les ont générés, n’ont pas de sens. Il en va de même pour ses photos (nées avant mes mots et présentées dans diverses expositions), qui, sans mes textes, prennent des significations radicalement différentes. Ainsi, si le lecteur a l’impression que mes poèmes « déploient en mots » les photos de Giulia et que ses photos « condensent mes mots en un instantané », la vérité est que le rapport entre les langages que chacun de nous a mis en jeu, contribue à créer une synthèse poétique d’un sentiment trop individuel.
Qui sont les lecteurs de votre livre ? Comment les imaginez-vous interagir avec votre livre ?
Je crois que le livre, par vocation et par méthode, traverse les genres, les âges, les cultures. Il met en jeu des réactifs qui peuvent donner lieu à des résultats totalement différents : c’est un livre qui peut être lu dans son intégralité ou seulement en partie, de manière séquentielle ou aléatoire, ou en choisissant des groupes de pages apparentées. Les poèmes sur l’enfance, par exemple, seront entendus par les enfants d’une certaine manière, par les adultes d’une autre. De même, les poèmes plus philosophiques ou plus complexes en termes de langage et de conceptualisation peuvent être abordés d’une manière moins conceptuelle ou laissés de côté (pour le moment) par les plus jeunes.
C’est un livre de seuils et de frontières, peut-être, et c’est pourquoi je le sens proche des adolescents (qui l’ont d’ailleurs vécu, dès avant sa naissance, dans les ateliers expérimentaux qui l’ont testé), comme un livre qui les concerne.
Pourquoi a-t- il un petit format ?
C’est le résultat d’un cheminement. Nous avions commencé, avec le graphiste Mauro Luccarini (qui a su créer un projet extraordinaire), avec un format plus grand. Puis, lorsque nous avons décidé d’en faire une exposition (avant même que le livre pour Sabir ne soit né), Gino, le directeur de Tipografia Lampo à Campobasso, à qui je m’étais adressé pour un essai d’impression, m’a dit : « Je pense que le petit format serait plus beau, plus délicat : puis-je t’envoyer une épreuve ? Et c’est ce qu’il a fait. Lorsque nous l’avons vue, nous avons compris ce qu’il voulait dire : dans cette dimension contenue se trouvait l’intimité de la poésie et de l’ombre, qui ne crient jamais, même lorsqu’elles parlent fort. Nous avons donc travaillé dans le cadre de cette suggestion, sur un petit livre fini (y compris la lèvre orange), comme une boîte à bijoux qui dirait, même dans son emballage éditorial, que la poésie et la photographie sont, avant tout, soin, patience, attention.
Autant de qualités que Giorgio et Valentina, les éditeurs de Sabir, ont mis à profit lorsqu’ils ont décidé de publier le livre, et ils ont effectué un travail minutieux pour trouver le bon papier et la bonne reliure afin que le livre soit valorisé, communiqué et diffusé comme il se doit.
Comment avez-vous choisi les images, puis collaboré sur les textes et les images ?
Après la première période d’écriture, à partir des images trouvées sur la page Facebook de Giulia, j’ai décidé que j’avais besoin de plus de matériel. Un soir, je me suis invitée à dîner chez elle et je l’ai « forcée » à me montrer tout ce qu’elle avait sur le sujet de l’ombre sur son ordinateur. En regardant, je lui ai dit : « J’aimerais ceci, et cela, et cela… ». Bref, je demandais à avoir avec moi les photos qui me faisaient dire quelque chose. Toutes n’ont pas fini dans le livre, bien sûr, mais je continue à converser avec beaucoup d’entre elles…. Après une première sélection et rédaction (que j’ai toujours partagée avec Giulia), j’ai jeté les textes qui ne me convainquaient pas et qui ne lui correspondaient pas non plus, et j’ai identifié les quatre fils conducteurs qui composent le livre : Ombres au jeu (l’enfance), Ombres en chemin (l’adolescence, la jeunesse et les compagnons de route de la croissance), Cœurs d’ombres (les amours de l’âge adulte : de couple, filial, parental, etc.), Ombres d’ombres (la métaréflexion sur la vie et l’art à travers la métaphore de l’ombre). Je les ai ensuite mis en ordre, également sur la base des chromatismes que je voulais marquer d’un cinquième fil (non déclaré, mais reconnaissable), en sentant le chemin.
Merci beaucoup Teresa !
Les images extraites de l’album sont publiées avec l’accord de la maison d’édition.
Miniphlit part en pause estivale.
Rendez-vous en septembre pour de nouveaux articles et interviews, un numéro de revue internationale consacrée à la photolittérature d’ici et d’ailleurs, une exposition à Paris et de passionnantes conférences…
“En 1988, l’éditeur du Rouergue, Olivier Douzou associe les paroles d’une chanson de Thomas Fersen et les photographies de Robert Doisneau pour l’album Bucéphale. Dès le seuil de l’ouvrage, le lecteur plonge au cœur du monde hippique. La couverture du livre reprend les motifs d’un plateau de jeu de petits chevaux, sur lequel s’inscrivent les noms des deux artistes et le titre évoque le nom de la monture d’Alexandre le grand. Les premières pages de garde accueillent un panneau « Attention chevaux de course » en regard de la liste des chevaux de race trotteuse pour une épreuve hippique à Vincennes, en date du 15 février 1955. On y découvre, comme entouré au crayon de papier, le nom de Hourra Bucéphale, parmi les chevaux de 4 ans. En préambule, quelques lignes de Thomas Fersen finissent de nous préparer à la réception de l’œuvre :
«En décembre 1997, Olivier Douzou m’a envoyé un livre aux pages blanches, sur la couverture duquel il avait écrit mon nom. Il s’agissait de faire un livre pour les enfants. A la même époque, Annette Doisneau me proposait de passer à Montrouge pour consulter les archives de son père. L’idée s’est mise à trotter : à Montrouge, j’ai ouvert la boîte « chevaux…».
Le texte de la chanson, que le lecteur retrouvera dans son intégralité en fin d’ouvrage, narre les aventures d’un parieur qui mise sur les prouesses du cheval Bucéphale. Dans le corps de l’album, la chanson est tronçonnée en strophes ou vers qui courent de page de gauche en page de gauche, en regard d’une sélection de photographies en noir et blanc, tantôt chevaux au galop, tantôt images du monde turfistes, du milieu des années 1940 aux années 1970, d’après les dates figurant à quelques centimètres des images.
Dans le corps de l’ouvrage, la première photographie, placée au centre de la page blanche de droite, donne à voir un cheval et un jeune garçon. En regard, le texte, inscrit au centre de la page blanche, fictionnalise l’image : « Si ce maudit canasson remportait cette courses, ça renflouerait ma bourse et noierait le poisson ». Ce dispositif contribue à faire du jeune garçon le narrateur du premier couplet. Quant au cheval, il ne s’appelle plus autrement que Bucéphale depuis la couverture.
Dans les doubles pages suivantes apparaissent d’autres personnages : spectateurs, parieurs, jockey, lad. Les images sont sélectionnées afin de correspondre à un élément du couplet en placé en regard : le « melon » en regard d’un homme à chapeau-melon, « je fume clope sur clope », en regard d’un maréchal-ferrant allumant une cigarette à l’aide d’un fer à cheval rougeoyant… Parfois, le lecteur ne sait pas bien où se situe le point de rencontre entre le texte et l’image. De pages en pages, citations extraites de la chanson et photographies collaborent pour nous faire entendre les pensées des spectateurs de la course.
Si cet ouvrage nous fait découvrir un pan de l’œuvre de Robert Doisneau, ses photographies, dégagées de leurs attributs artistiques que sont les titres et légendes, deviennent illustrations d’un livre de littérature jeunesse.”
L’ensemble de l’article sera à lire bientôt dans une revue scientifique…
Et voici le nouveau livre d’Isabelle Ricq qui avait déjà signé Une forêt dans un verre d’eau https://miniphlit.hypotheses.org/4311.
Le terrain de jeu n’est plus la forêt mais l’eau du bain qui se transforme en un profond océan où se croisent ours blanc, morses, manchots, méduses et poissons de toutes tailles. Le format de l’ouvrage, qui s’ouvre dans la hauteur, donne de la profondeur à l’océan et permet à l’image de jouer sur la plongée en eaux profondes, et la remontée vers la surface, en reversant le livre.
Encore une fois Isabelle Ricq nous plonge au coeur des beautés de la nature, avec ses photographies d’animaux marins évoluant dans les bleus de l’océan, et au coeur de l’imaginaire enfantin ici célébré avec cet enfant qui rêve d’un bain plein d’aventures.
“Cette histoire est née de la peur que l’eau inspirait à ma deuxième fille. L’heure du bain était compliquée, alors, pour détourner son attention et lui donner envie de se joindre à lui, son petit nageur mécanique faisait des courses et des acrobaties incroyables avec les autres jouets. L’histoire du livre est plus positive encore car là, l’enfant prend plaisir à vivre lui-même de grandes aventures dans sa petite baignoire. Sa témérité et sa joie sont réelles, bien que son odyssée ne le soit pas – d’où la citation de Boris Vian “Cette histoire est entièrement vraie, puisque je l’ai imaginée d’un bout à l’autre”. Isabelle Ricq, 19 juin 2024.
Le site d’Isabelle Ricq https://isabellericq.fr/
Voici le dernier né de la maison Le Diplodocus : Cru Cuit, un imagier qui célèbre les aliments et la cuisine et qui titille les cinq sens des plus jeunes lecteurs. Rencontre avec son auteur.
Matthieu Saintier, quel est votre parcours ?
J’ai étudié la musicologie, période qui m’a permis de réfléchir sur l’art et je me suis ensuite orienté vers le graphisme. Lorsque ma femme a créé sa maison d’édition, j’ai réalisé le logo puis me suis occupé du graphisme des livres. Petit à petit, j’ai pris de plus en plus de place dans la maison et maintenant j’en suis membre à part entière.
Parlons un peu du Diplodocus. De quand date la maison d’édition ? quelle est sa ligne éditoriale ? https://www.le-diplodocus.fr/
2015. Nous disons qu’il n’y a pas de ligne éditoriale. Nous publions des livres que nous aimons. C’est le principal moteur de nos choix. Quand on reçoit un livre, s’il nous plaît, si on le trouve intéressant ou beau, on y va. Il n’y a pas de thématique imposée, ni de format. Nos livres s’adressent aux enfants de 0 à 10 ans mais nous n’avons publié que de l’album illustré. En ce moment, nous En ce moment, nous essayons de publier de la BD. https://www.le-diplodocus.fr/catalogue/la-tempete
Quelle est la place des livres photos dans votre catalogue ?
Ils ont fait partie de notre catalogue dès le départ. Quand on a monté la maison, nous cherchions des projets. J’ai découvert le site de Tineke Meirink Meirink | le diplodocus (le-diplodocus.fr), une artiste hollandaise. On pouvait ajouter des détails sur des photographies d’éléments d’une ville en bougeant la souris. On s’est dit que cela pourrait faire un super livre pour enfants. De là est née l’envie de développer une collection sur le Street art, afin de favoriser l’accès à cet art. Nous avons donc commencé par l’album Dans la rue, suivi de Dans la ville. https://www.le-diplodocus.fr/catalogue/dans-la-rue
Nous avons eu un peu de mal à trouver d’autres street-artistes parce qu’ils ne pensent pas forcément à se tourner vers la littérature jeunesse. Nous avons publié ensuite un album de coloriage avec Lucie Albon, puis Murmures autour de ses collages photographiques. https://miniphlit.hypotheses.org/7469
Parlons de Cru Cuit. Comment en est venue l’idée ?
Nous réfléchissions à réaliser un livre de recettes de cuisine pour les enfants. Ma femme, Floriane Charron, en a déjà écrit pour d’autres maisons. Plus le projet avançait, plus on se disait qu’il fallait aller à l’essentiel. Nous avons donc eu assez rapidement l’idée du cru et du cuit. Je voulais que les enfants soient en interaction avec les aliments. J’ai beaucoup de mal avec la nature morte. Il y manque quelque chose. J’avais besoin de la vie autour des aliments. Le personnage principal de la photographie, c’est l’enfant. Je faisais en sorte de prendre les photos au moment où les enfants touchaient les aliments ou bien j’installais de petites mises en scènes. On trouvait également ensemble des moments pour des petites séances photos.
On trouve un mot par double page, dans un coin en bas à droite et en petite taille. Pourquoi ce choix ?
Pour faciliter la lecture des parents. On se rend compte que les albums muets les déstabilisent énormément, bien plus que les professionnels de la petite enfance ou du livre. Pourtant je trouve que les images font venir les mots et les phrases : “qu’est que tu penses ?” “Est que tu as déjà mangé ça ?”. L’enfant verbalise, entre en interaction avec les photos.
Aviez-vous établi une liste d’aliments ?
Oui. Nous avons essayé avec une liste de dépasser les aliments évidents ou simplement graphiques. On s’est dit aussi qu’on ne pouvait pas parler uniquement du végétal puisque les gens mangent aussi des animaux. Pour autant, je n’avais pas envie de faire figurer une vache en face d’un steack haché car un animal n’est pas un aliment cru mais un être vivant. J’avais essayé de faire des choses avec l’œuf, mais je n’ai pas été séduit. D’où la page du poisson.
Y a-t-il eu des modifications lors de cette nouvelle édition ?
Il fallait profiter de cette nouvelle édition pour l’améliorer. Je le trouvais un peu petit lors de mes lectures en classe. Il fait désormais 18 x 18, ce qui reste tout à fait manipulable par un petit et facilite sa lecture en classe. On a aussi modifié quelques photographies et donc l’ordre des pages pour ne pas avoir à la suite deux photos sur lesquelles l’enfant coupe par exemple. C’est tout un équilibre à trouver.
Est-ce que vous envisagez de réaliser un autre imagier ?
On m’en a souvent parlé après la sortie de Cru Cuit mais je n’avais alors pas trop d’idées et puis mes enfants ont grandi, du coup je n’avais plus les acteurs sous la main. Cela m’embêtait un petit peu de devoir travailler avec des enfants que je connaissais pas. J’ai ensuite eu d’autres projets de livres photographiques mais il me faut trouver du temps. Nous aimerions bien développer la collection de Street Art.
Merci Matthieu !
Un lion précédant un bataillon de Crs dans les rues d’une grande ville accueille le lecteur, au dessus du titre « LA PHOTO, en questions ». Après les deux ouvrages consacrées aux Histoires vraies des grandes PHOTOS, qui revenaient sur l’histoire des photographies iconiques et Les images disent-elles la vérite ? qui déjà sensibilisait aux photos truquées, le nouveau-né de la collaboration David Groison et Pierangélique Schouler, publié une nouvelle fois chez Actes Sud junior, continue d’explorer notre rapport à la photographie avec 30 questions. Essentiel pour s’en sortir dans la jungle des images omniprésentes.
De « Sommes-nous plus beaux sur les selfies ? » à « Un journaliste a-t-il le droit de me photographier ? », en passant par « La photo peut-elle être une preuve ? » et « Qui choisit les photos dans les médias ?, les deux auteurs questionnent dans chaque court chapitre l’usage des photographies par les médias, le respect de la législation, les questions de lecture, de cadrage, de manipulation et de circulation de l’image, de l’intelligence artificielle…
L’ouvrage est riche des témoignages des professionnels de l’image, photographes, iconographes, spécialistes du droit d’auteur, scientifiques, journalistes. Il est également abondamment illustré de photographies sur lesquelles figurent des personnages habitués des médias et susceptibles de retenir l’attention des jeunes lecteurs : l’acteur Vincent Lacoste, le footballeur Mbappé, le mannequin Emily Ratajkowski, etc… ou qui ont servi à illustrer des évènements récents : l’attaque du Capitole, la Covid, la guerre en Ukraine, la fonte des pôles…
Chaque chapitre se clôt avec la rubrique « Mode d’emploi », qui invite les lecteurs à appliquer des réflexes de protection et de bon sens face aux images qui nous entourent. A mettre dans les mains des adolescents… mais pas que.
Qu’est-ce qu’une photographie iconique ? Les deux volumes de l’Histoire vraie des grandes photos, signés David Groison et Pierangélique Schouler, tentent de répondre à cette question en proposant pour chaque opus une sélection de 20 images, sélectionnées dans plus d’un siècle de production photographique.
Chaque image est décodée, analysée, autant d’un point de vue esthétique que symbolique, et replacée dans son contexte historique. Les auteurs ou les acteurs de ces photographies viennent parfois raconter l’histoire de ces prises de vue et ajoutent un supplément d’humanité à ces clichés que nous croyions déjà connaître.
Entretien avec David Groison.
Comment est née L’Histoire vraie des grandes photos ?
Pierangélique Schouler et moi-même sommes partis du constat suivant : il y a une méconnaissance de la photographie, à la fois chez les journalistes et chez les ados. L’école nous apprend à décrypter des textes patrimoniaux, mais ne nous apprend rien sur l’image alors que nous baignons dans un monde d’images, où il y a plein de règles d’écriture, comme dans les textes. On a donc voulu réfléchir aux vingt questions à se poser pour regarder les images et cela a donné Prises de vue, décrypter la photo d’actu, chez Actes Sud Junior. Nous avons ensuite réalisé Photos chopées, sur les photos truquées, qui montre comment et pourquoi certaines photographies sont trafiquées.
Après avoir travaillé sur la grammaire et les coulisses de la photographie, il semblait naturel de présenter les grandes photos, aussi bien que le ferait un cursus littéraire. Ces grandes photos, notre œil les connait, les repère partout, analyse la répétition des motifs, mais, en fait, nous n’en savons pas grand-chose, et surtout pas dire à quelle réalité elles se rapportent. Aller chercher les coulisses de la prise de vue nous a permis de voir combien cela éclairait les débats d’aujourd’hui sur la place de la photo, la preuve qu’elle apporte.
Pourquoi cette compilation de photographies a-t-elle ce format carré, un peu petit ? C’est un peu surprenant pour un livre de photographies. On s’attend plus à de grandes images et en plus grand nombre.
Nous ne voulions pas un beau livre de photos hyper impressionnant. Les deux premiers ont même une couverture souple. Ces deux volumes consacrés à l’histoire vraie des grandes photos s’inscrivent dans une série de cinq ouvrages et en ont donc la forme.
Nous ne voulions pas non plus réaliser un livre qui présenterait les grands moments historiques. Nous n’avons aucune photo qui concerne la Première Guerre mondiale par exemple, et c’est bien normal car il n’en reste pas de photo iconique. L’idée était vraiment de faire figurer des photos présentes dans la pop culture ou dans notre imaginaire. En rigolant, quand on en parle devant des ados, on leur demande si telle image a été détournée par les Simpson. Un des critères pour identifier une photo iconique serait finalement le détournement ou sa présence dans une série. C’est un bon indicateur.
On s’est arrêté à vingt photographies pour ne pas faire un livre trop volumineux. Il était important de garantir le plaisir de lecture. Assez vite nous avons proposé d’en faire un deuxième, avec cette limite de l’année 1965 et l’arrivée de la couleur. De la même façon, chaque histoire que nous racontons autour de chaque photo a un nombre de signes limité. Lire l’histoire d’une photo ne devait pas devenir impressionnant.
Comment s’est opérée cette sélection de photos ? Chacun de votre côté d’abord avant une mise en commun ?
C’est cela ! Nous avons chacun notre culture : Pierangélique est iconographe de presse et a un parcours en rapport avec l’image et moi je viens de l’écrit et de l’école du journalisme. C’est l’alliance du néophyte et de l’expert, avec chacun sa grille de lecture et chacun son avis. Certaines photos, très connues des étudiants en photo, ne me semblaient pas du tout connues du grand public par exemple. Finalement le choix s’est porté sur des images qui racontaient plus qu’elles-mêmes, comme celle réalisée sur le Rockefeller Center. (Construction Workers Eating Lunch, 1932). Elle est à la fois allégorie de l’amitié, tout en étant le symbole du moment où NY devient NY. La bonne surprise a été de découvrir que chaque photo avait une histoire dingue.
Comment avez-vous pris en compte les auteurs de ces images et leurs ayants droit ?
Pour obtenir le droit de publier ces images, il suffit de payer en fait ! La surprise a été de découvrir que certaines photos valaient plus que d’autres. Le baiser de L’hôtel de ville vaut plus que celui pris à Times Square !
On a essayé, à chaque fois que cela été possible, d’interviewer les gens qui les ont prises ou ceux qui sont sur la photo. Celle d’Arthus Bertrand m’a frappé. Le pilote de l’hélicoptère était heureux d’en parler. L’enquête pour retrouver les gens sur les photos a été passionnante.
Pourquoi le volume 1 est-il proposé avec deux couvertures différentes, une avec Marilyn Monroe de 1954, l’autre avec des ouvriers de 1932 ?
Lors de la première édition, le directeur artistique s’interrogeait sur la difficulté de réduire ce travail à une seule image… Dès la réimpression, il a été convenu de ne garder que celle des ouvriers.
Quels retours avez-vous des lecteurs ?
J’ai animé récemment un atelier avec des petits, et je leur ai proposé des extraits découpés des photos. Tout de suite, ils étaient capables de saisir l’essence des photos et d’imaginer leur hors-champ. Pour celle de Dorothea Lange (Migrant Mother, 1936), par exemple, ils ont imaginé le père, car cela leur semblait impossible que celui-ci soit absent.
Ce qui est génial avec des ces publics éloignés du livre, c’est qu’ils rentrent soudain dedans à fond. Certains adolescents ont écrit des slams pour accompagner la photo des ouvriers sur la poutre (Construction Workers Eating Lunch, 1932). C’est réjouissant pour moi comme pour les éducateurs.
Serait-il possible d’imaginer un troisième tome ?
Nous nous sommes arrêtés à 2015 avec la photo de la Place de la nation. Il est compliqué de choisir des images sur lesquelles le temps n’a pas laissé sa patine. Les trois dernières photos sont certainement facilement contestables, parce qu’il manque le recul de 50 années. Aujourd’hui, la photo est omniprésente et la photo iconique est plus difficile à isoler. Les photos ont moins le temps de s’imposer et d’écraser tout le reste. Il faut donc du temps dans l’œil de celui qui la voit pour qu’elle devienne iconique.
Avez-vous des regrets ?
Non. C’est notre choix à tous les deux. Ceci étant, j’aurais bien mis la photo de John Lennon et Yoko Ono prise par Leibowitz juste avant qu’il se fasse assassiner, mais Pierangélique trouvait qu’elle ne rentrait pas dans le corpus et en plus elle était hors de prix ! Ceci étant la question du prix n’a jamais été un sujet pour l’éditrice.
Merci David Groison !
Enfin un documentaire pour enfants consacré à un photographe !
Poursuivant son excellente collection de documentaires dédiée aux courants ou figures du patrimoine artistique mondial, la maison d’édition Milan vient de publier un nouvel ouvrage consacré au grand photographe humaniste Robert Doisneau.
Bien connue des jeunes lecteurs et des enseignants, la collection “Mes docs art” permet aux enfants de découvrir, dès cinq ans, l’œuvre de peintres, Van Gogh, Magritte ou encore Miro, ainsi que des courants artistiques, les impressionnistes ou le Street art. Elle s’autorise aussi quelques incursions vers d’autres arts : le cinéma avec un titre consacré à Charlot à l’occasion des 100 ans du film The Kids ou la sculpture avec les œuvres colorées de Gaudi.
Ce pas de côté en direction de la photographie prend les traits de Robert Doisneau, qui, l’œil bleu malicieux tendu vers le viseur de son appareil et doigt sur le déclencheur, nous accueille en couverture. Quel meilleur choix pour faire découvrir la photographie aux plus jeunes que celui de ce photographe qui a fixé les multiples aspects de l’enfance et que tout le monde connait ? « Ce qui est fascinant avec Robert Doisneau, explique Anne Vila des éditions Milan, c’est que, quel que soit leur âge, les gens le connaissent et l’aiment. Le nom de Robert Doisneau est un nom fort en France ». Un nom symbole d’images iconiques des Français.
Les doubles pages du documentaire accueillent, sur un fond blanc qui la met en valeur, la collaboration des mots, des illustrations et des treize photographies. Clémence Simon, qui signe le texte, est une habituée des titres de la collection. Son récit est écrit dans un langage très simple, même s’il accueille ça et là quelques notions spécifiques au 8ème art : composition, lumière, Rolleiflex, laboratoire, développement…. Pour sa première collaboration avec la maison Milan, l’illustratrice Juliette Boutant donne à voir, avec des illustrations au plus près de la réalité, les lieux, les véhicules, les costumes et les visages des personnes rencontrées. Toutes les deux se sont plongées avec passion dans la vie et l’œuvre de l’artiste et se sont abondamment documentées. Pour les aider, Annette Doisneau et Francine Deroudille, les deux filles du photographe, ont généreusement ressorti les photographies de l’album de famille et partagé leurs connaissances sur les techniques de développement ou les appareils utilisés par leur père.
© Éditions Milan. Autrice : Clémence Simon. Illustratrice : Juliette Boutant.Photographies Robert Doisneau : © Atelier Doisneau.
Comme il est de tradition dans les ouvrages de la collection « mes docs. art » consacrés à un créateur, la première double-page accueille les premières années du photographe. Le jeune lecteur découvre ainsi qu’avant d’être célèbre, l’artiste a eu lui aussi un papa, une maman et connu les joies et malheurs propres à l’enfance.
Au fil du tournage de page, le jeune lecteur avance dans le temps et poursuit sa rencontre avec l’artiste. Il apprend comment Robert Doisneau s’est formé à la photographie. Il découvre qu’il a commencé par réaliser des photographies publicitaires pour des médicaments. Il sait désormais comment il a obtenu ses premières commandes officielles, ses premiers gains avec ses images, comment il a développé des travaux plus personnels. Il découvre aussi son engagement auprès des résistants, sa première collaboration photolittéraire avec Cendrars… Ce faisant, le jeune lecteur plonge dans l’histoire de la photographie du XXème siècle.
© Éditions Milan. Autrice : Clémence Simon. Illustratrice : Juliette Boutant. Photographies Robert Doisneau : © Atelier Doisneau.
Les treize photographies, sélectionnées par l’autrice et l’éditrice Anne Vila dans un demi-siècle de production photographique, sont légendées, installées sur la belle page et accompagnées d’une jeune mascotte incollable sur la vie de l’artiste. Elles offrent une déambulation dans ses sujets de prédilection et sont susceptibles de séduire ou surprendre les enfants : décontraction de l’ouvrier dans La Pause (1938), joie des vacanciers Sur la Dordogne (1939), curiosité des passants dans Le Cheval tombé (1942)… Autant de scènes de la vie quotidienne des français des années 30 à 80. Bien évidemment, les autrices n’ont pu faire l’impasse sur le portrait de Picasso à Vallauris (Les pains de Picasso, 1952), ni sur le Baiser de l’hôtel de ville (1950), Le Cadran scolaire (1956) ou Le Pigeon indiscret (1964) devenus iconiques. La photographie couleur fait aussi son apparition dans le livre avec les Bigoudis du peintre (1960).
Si l’on s’étonne de ne pas rencontrer de portrait ni autoportrait de l’artiste, Anne Vila explique qu’il s’agit de donner à voir au jeune lecteur une production d’un artiste tourné vers les autres et que cela correspond bien au caractère plein d’humilité de l’homme.
Les dernières pages de l’ouvrage rappellent combien l’œuvre de l’artiste a fait l’objet de livres, de films, d’expositions et combien ses photographies narratives et poétiques ont su séduire bien des spectateurs à travers le temps, en France et bien au-delà de nos frontières.
Souhaitons que cet ouvrage rencontre le succès et contribue à faire découvrir aux plus jeunes l’art photographique. Croisons les doigts pour que la maison Milan ne s’arrête pas en si bon chemin…
Merci chères Francine et Annette de ce très joli cadeau.
Merci chère Anne Vila pour ce bel entretien.
Pour la première fois, un lieu dédié à la photographie accueille jusque fin mai une exposition dédiée aux livres photographiques pour enfants.
Extrait du dossier de presse :
“Née au XIXème siècle, la photographie investit très tôt le livre, afin de pouvoir être diffusée efficacement au plus grand nombre. Loin de réserver ce canal de diffusion aux adultes, les photographes voient la possibilité de conquérir un nouveau public : les enfants. Collaborant avec des écrivains, ils s’essaient avec entrain à la création d’ouvrages pour la jeunesse, et font preuve d’une très grande inventivité pour créer autour de leurs images des fictions, des livres d’apprentissage ou des albums novateurs.
Ces créations dites photolittéraires sont le reflet de leur époque, témoignent de la variété des courants pédagogiques, esthétiques et politiques, mais aussi des avancées techniques qui accompagnent le développement de la photographie. Longtemps la photographie fut la mal aimée des livres pour enfants. Aujourd’hui encore, la photographie reste marginale en littérature jeunesse et le livre photo-illustré souffre toujours d’un manque de reconnaissance.
Pourtant, depuis quelques années, on redécouvre l’importance et la variété de cette abondante production. On se rend compte que bon nombre de grands photographes ont contribué activement à son histoire : Ansel Adams,Laure Albin-Guillot,Claude Cahun,Edward Curtis, Dominique Darbois, Robert Doisneau, Hannah Höch, Frank Horvat, André Kertész, François Kollar, Ergy Landau, Jacques-Henri Lartigue, Thérèse Le Prat, Duane Michals, Annette Messager, Sarah Moon, Marc Riboud, Alexander Rodtchenko, Cindy Sherman, Emmanuel Sougez,Edward Steichen,WilliamWegman,pour lesquels ces livres font pleinement partie de leurs œuvres.
Bien plus, des titres signés des maîtres de la photographie sont réédités et figurent désormais dans les rayonnages des bibliothèques enfantines. Ainsi, les assemblages d’objets hétéroclites de la photographe surréaliste Claude Cahun (1894-1954) pour le Cœur de Pic sont de nouveau accessibles. La fourrure des oursons de la photographe animalière Ylla (1911-1955) est plus soyeuse que jamais. Et les jeunes lecteurs peuvent désormais admirer la profondeur du noir et blanc des images du photographe japonais Eiköh Hosoe (né en 1933) dans Taka-Chan et moi.
La Maison de la Photographie Robert Doisneau invite aujourd’hui le public à redécouvrir l’histoire de cette production rarement présentée au public par les institutions. Regarde ! 150 ans de livres de photographies pour les enfants propose aux visiteurs de circuler dans une centaine d’ouvrages publiés du milieu XIXe siècle jusqu’à nos jours. Pensé aussi bien pour les enfants que pour les adultes, la scénographie offre un parcours chronologique, allant de 1866 à 2023 et permet de découvrir les premiers ouvrages du genre puis l’évolution du livre de photographie jeunesse en Europe et aux Etats-Unis. Le parcours détaille également sous forme de focus quelques catégories structurantes de la photolittérature pour les enfants : l’imagier, le livre de cinéma, le livre de conte ou encore le livre de voyage.
D’hier ou d’aujourd’hui, ces livres ont marqué plusieurs générations et façonné bien des regards. À ce titre, ils font partie intégrante de l’histoire collective et méritent d’être découverts ou redécouverts.”
Cette exposition est conçue pour s’adresser aux adultes, professionnels de la littérature jeunesse ou de la photographie, comme aux plus jeunes lecteurs, avec des espaces de lecture qui leur sont réservés, des accrochages, une signalétique et des cartels adaptés.
Bien plus, des ateliers, conçus par Claire Le Moine et Lou Burillier-Peltier du service pédagogique de la Maison Doisneau, leur font découvrir l’histoire de ces productions et leur offrent la possibilité de s’exercer à leur tour à la création photolittéraire : découpage-collage, photomontage, écriture d’histoires… D’étranges personnages sont ainsi apparus ces dernières semaines, à la manière de ceux de Jean Lecointre, d’Hannah Höch ou encore de Jan von Holleben.
La Maison Doisneau propose également un cycle de visites guidées et de visites en famille.
En marge de l’exposition, la médiathèque de Gentilly, en face de la Maison Doisneau, accueille l’exposition de la photographe Nathalie Seroux. La conférence 1,2, 3 … Regarde ! Découvrir le monde dans les imagiers photographiques a permis mercredi dernier au public de Gentilly de découvrir l’évolution et la finalité de cette catégorie importante de la photolittérature jeunesse.
L’exposition est présentée jusqu’à la fin du mois de mai à la Maison Robert Doisneau et s’envolera ensuite, avec des évolutions scénographiques, vers d’autres lieux d’accueil… Il reste un mois pour en profiter.
Sur le site de la Maison Doisneau https://maisondoisneau.grandorlyseinebievre.fr/informations-transversales/agenda/150-ans-de-livres-de-photographies-pour-les-enfants-7087
Dans la presse : Libération, Like, Télérama, France Fine Arts et bientôt d’autres en parlent : https://francefineart.com/tag/laurence-le-guen/
