« Hors du nid » de Laure Albin Guillot

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En 1934, paraît Hors du nid, roman scolaire destiné aux élèves de Cours Moyen. L’ouvrage, destiné aux élèves de cours moyen, est écrit par Charles ab der Halden, inspecteur d’académie et spécialiste de littérature canadienne. Il a déjà publié  plusieurs ouvrages de morale et d’instruction civique, ainsi que deux autres romans scolaires La Chaumine (1932) et Fauvette et ses frères (1933). Les illustrations de celui-ci sont confiées à Laure Albin-Guillot.

Pourquoi ce recours à la photographie ?

Depuis les années 20, la photographie envahit la mode, la presse, les méthodes éducatives et bientôt l’édition. Les éditeurs se lancent dans le renouvellement de leur catalogue, cherchent de nouveaux lecteurs, repensent le livre pour l’enfant dans son format et ses images. Delagrave publie en 1933 Alphabet et en 1935 15 petites histoires avec des photographies de Pierda. Mame renouvelle ses livres de catéchèse, avec les photographies d’Yvopno pour Heures enfantines et Chrétiennes en 1937. D’autres romans scolaires sont aussi illustrés de photographies. Nathan publie en 1926, Avec l’oncle Emile à travers la France. Images du monde, aventures de deux enfants paraît aux PUF en 1930 et La joie des yeux, lectures suivies sort chez L. Michelet, en1935. L’éditeur Bourrelier, propagandiste des méthodes actives d’enseignement et partisan de la modernisation de la littérature jeunesse, a déjà fait appel à des illustrateurs en vogue comme Gerda Muller. Il s’adresse cette fois à la photographe Laure Albin Guillot, déjà connue pour ses portraits de célébrités, sa photographie décorative, ses nombreux clichés pour la publicité et la presse et ses expositions dans tous les salons de la photographie et  galeries parisiennes. Il sait sans doute qu’elle porte un intérêt à tout ce qui est éducation nouvelle, qu’elle réalise des photographies dans des écoles mixtes, écoles novatrices, et qu’elle expose la même année, au XXIVème salon des artistes décorateurs, un projet de salle de travail et de jeux pour enfant, ainsi que des puzzles, jeux de  cubes et décorations murales. D’autre part, Laure Albin-Guillot a effectué un voyage au Maghreb dans les années 30 et en a ramené de nombreux clichés photographiques qu’elle  destinait à un projet de publication, Alger, Maison carrée, Bou-Saada,  qui ne verra pas le jour. Sa production pouvait donc répondre au texte de Charles Ab Der Halden.

Pourquoi cette dernière se lance-t-elle dans l’aventure ?

La participation a ce projet est, sans doute, en premier lieu, un moyen de gagner de l’argent dans une époque où la photographie, même si elle envahit tous les champs, ne rapporte pas encore suffisamment aux photographes et dans une période de sa vie difficile, après le décès de son mari.

Hors du Nid est sans doute  aussi un premier pas dans le monde de l’édition, un premier rapprochement avec des textes littéraires, avant de travailler avec Chevallier (Nativité en 1946), Daniel-Rops (Missa est en 1951), Montherlant (La déesse Cypris en 1946) et Valéry (Narcisse en 1936).  Une tentative pour faire rivaliser beauté littéraire et beauté plastique, de faire prendre conscience du pouvoir narratif de l’image photographique ?

Lorsque paraît Hors du Nid, Laure Albin Guillot a déjà publié deux ouvrages en 1931 et 1933, Micrographie décorative et Photographie publicitaire,  mais ce dernier s’adresse  aux professionnels de la publicité, pour annoncer le rôle que la photographie va désormais jouer.

Son nom n’apparaît pas sur la couverture, même si son statut d’illustratrice est officialisé à la deuxième page, avec la mention « Illustration photographique de Laure Albin Guillot ». Charles Ab der Halden parle, lui, de « parure » de son texte, dans la préface et remercie conjointement tous les « artistes ».

Cinq des treize photographies semblent avoir été créées spécialement pour ce roman. Elles reproduisent des scènes du récit dans une continuité narrative, avec photographies des personnages récurrents, Marguerite et Jacques, à qui la photographe donne ainsi corps. Tentatives d’introduire la fiction dans le réel, de passerelle entre la fiction et la réalité, car ces photographies, même si elles se réfèrent à l’histoire, sont trop peu dynamiques, pour être réalistes. Il n’y a qu’à voir les poses figées des enfants dans des attitudes accablées ou la photographie en studio de Jacques, skiant. Il n’y a qu’à lire aussi les questions qui accompagnent les photographies et qui s’évertuent à faire le lien avec le texte. Ainsi à propos de la photographie d’une vitrine de boulangerie, l’auteur demande au lecteur à la page 76 : « A quoi peut bien penser le petit garçon derrière la vitre ? Quelle est la personne qui l’accompagne ? A qui vous-fait-il penser ? ». Le lecteur est obligé de penser au héros du livre par cette question, car rien dans la photographie ne s’y réfère.

Les autres clichés sont de l’ordre du documentaire. Les vues de la Suisse et du port d’Alger ont un pur rôle informatif, comme les cartes qui accompagnent le récit, et, même si Charles Ab der Halden s’en défend dans la préface,  « Il ne faut pas chercher dans ces aventures des prétentions encyclopédiques », nous sommes bien en présence d’un ouvrage destiné à la classe. D’autres photographies, clichés de mains qui cousent, gros plan sur un stylo et du papier à lettre, semblent avoir été puisées dans un stock que la photographe aurait pu réaliser pour la publicité, pratique courante à l’époque.Les archives Roger-Violet ne nous apportent aucune information complémentaire, à ce sujet.

La photographie, si elle illustre le texte, n’a pas, dans cet ouvrage, un haut pouvoir narratif. Il faudra attendre d’autres ouvrages de Laure Albin Guillot pour trouver une cohérence esthétique entre l’écriture photographique et l’écriture romanesque.

Biographie de Laure Albin Guillot sur le site internet de l’agence Roger-Violet.fr :

Née en 1879, Laure Albin Guillot se distingue par la longévité et la variété de sa production. Epouse d’un diplômé en médecine, elle invente dans les années 1920 le terme de « micrographie » pour qualifier ses œuvres nées de photographies réalisées au microscope. Elle reçoit en 1922 la médaille d’or du concours de la Revue française de photographie et organise rapidement de nombreuses expositions personnelles, exposant dès 1925 à l’exposition des Arts industriels et modernes. Elle devient dès lors une photographe de renom, publiant ses travaux dans les revues Arts et métiers graphiques et Vu. Pendant les années 1930, elle multiplie les portraits et les nus, tout en travaillant de manière lucrative pour la publicité, la mode et comme photographe de quartier. Proche des artistes, musiciens et écrivains, elle réalise de nombreuses illustrations de tirés à part comme le Narcisse de Paul Valéry (1936), les Chansons de Bilitis de Pierre Louÿs (1937) ou les Préludes de Debussy (1948). Archiviste en chef du service des Archives photographiques de la direction des Beaux-Arts, elle milite en faveur de la reconnaissance officielle de la photographie et organise dès 1933 le projet de Cinémathèque nationale au Palais de Chaillot, envisageant même la création d’un Musée de la Photographie. Laure Albin Guillot disparaît en 1962, laissant une œuvre riche de quelques 50.000 photographies acquises par l’Agence Roger-Viollet.

 

« Enorme », d’ Arno Bertina

9782364740266

L’ouvrage paru en 2009, aux Editions Thierry Magnier, s’inscrit dans la collection Photo Roman, dont le concept est défini au verso du livre  : « Une série de photographies dont il ignore tout est confiée à un écrivain. Il s’aventure alors dans l’écriture d’un roman, où ces photographies croiseront la vie du héros pour la transformer.»

Arno Bertina a travaillé avec les élèves d’une classe de quatrième pour écrire ce texte, mais a finalement publié sa propre version chez Thierry Magnier. On retrouve dans cet ouvrage des thèmes qui lui sont chers : la solitude, le mouvement, la transformation des êtres, leur confrontation au monde qui les entoure. Il a écrit d’autres romans en liens avec des travaux photographiques, La Borne SOS 77 et Numéro d’écrou 362573, parus aux éditions du Bec en l’air[1].

Mat Jacob, photographe du collectif Tendance Floue, a opéré un choix, parmi les clichés de plusieurs photographes, pour proposer ces images, sans lien chronologique entre elles, sans personnage récurrent et avec des styles différents. Point communs entre ces clichés ? La vie bouillonnante, la jeunesse, l’incertitude qu’induit l’usage du flou, la capture d’instants dans la vie des sujets. Elles sont placées dans le livre, à intervalles irréguliers : portraits, photos de groupe, noir et blanc ou couleur, photos de mouvements, réel qui bouge.

Le livre entremêle plusieurs récits : celui de Marion, collégienne, qui écrit à la première personne, à la manière d’un journal intime, le journal intime du père, que la narratrice lit en cachette, la biographie de Christine de Pizan racontée par la narratrice et la voix des images.

Comment la photographie se mêle-t-elle au verbe ? Comment le texte travaille-t-il avec l’image ?

Photo / Roman. La photographie est le point de départ. Elle doit déclencher, inspirer le récit. Elle est le pré-texte. Ces photographies mélancoliques, esthétiques, floues, fragments volés au temps qui passe, à la vie de sujets,  donnent à l’auteur l’occasion de broder la vie de personnages, de dépasser ce qui saute aux yeux à la première rencontre avec le cliché, de déclencher un imaginaire que l’on dénie en général à la photographie dans le livre pour la jeunesse.

Le verbe va pourtant prendre le dessus. L’écriture fait le lien, comble le vide des photographies elles-mêmes, le vide entre elles. D’ailleurs, le roman commence par la voix de la jeune fille. Son image n’interviendra que plus tard. Cette photo est floue, comme le personnage, sujet pas bien défini, paralysé au milieu des mouvements des autres, qui va se construire au fil du récit, rassembler son être par le biais du journal intime. Est-ce elle qui a retenu l’attention de l’écrivain dans le paquet de photographies ?

Une a été « féconde », selon les propos de l’auteur, « celle des deux jeunes filles, cheveux au vent : « La découvrant je me suis dit : je voudrais écrire un roman qui raconte comment on peut en venir à un si bel éclat de rire, à un si beau moment d’amitié ou d’adolescence. »

Parfois, certaines photographies semblent embarrasser l’auteur qui s’impose d’écrire une scène pour satisfaire à la présence forcée de l’image. Avec une photo d’un doigt qui dessine dans la buée sur la vitre d’un abribus, il imagine une scène sentimentale, dans laquelle le propriétaire de la main trace le contour du visage de la jeune fille. Avec une photographie de néons en forme d’étoiles, il situe le récit au moment de Noël, dans un centre commercial, à moins que ce ne soit les étoiles que voient les victimes des jeunes filles, après avoir été frappés. Le lecteur, habitué à la correspondance entre l’image et le texte, peut être perplexe, déstabilisé. Tant mieux.

La rencontre se fait entre texte et image surtout lorsque ils ne disent pas la même chose, lorsque d’un portrait photographique d’une jeune fille blanche, il écrit celui de « Manthita la Renoi », lorsque d’un fauteuil jaune, il fait un fauteuil vert. Arno Bertina le dit lui-même : « Dans un duo, si les deux chanteurs chantent le même texte tout au long de la chanson, et en même temps, quelque chose cloche. La dimension polyphonique est sabotée si les voix disent la même chose et de la même façon, au lieu de se compléter en prenant chacune en charge différents pans du réel, au lieu de s’enrichir et d’enrichir l’œuvre en se posant des problèmes l’une à l’autre[2] »

Cette distorsion n’est-elle pas, celle qui existe parfois entre le souvenir qui s’imprime dans notre mémoire et la réalité telle qu’elle est rendue par l’appareil photographique ?

Ces photographies, un peu flou, de moments partagés, de gens rencontrés, fonctionnent comme des traces enregistrés par la narratrice, photographies qu’elle aurait pu prendre elle-même ou impressions qui se seraient imprimées dans sa mémoire. D’autres photographies, glissées entre les pages, ravivent l’émotion qu’elle a ressentie devant une photo scannée dans un livre de classe, devant une couverture de roman. Elle les glisse là, dans son journal intime, en guise de madeleine, rappel de ses émotions, compléments à ses mots, comme d’autres collent des pétales de fleurs, ou des billets de concert.

C’est un tour de force de la part de l’auteur. Point de départ de l’écriture, les photographies viennent, au final,  compléter les mots.

 

Autres ouvrages d’Arno Bertina :

Le dehors ou la migration des truites, Actes Sud, 2001.

Appoggio, Actes Sud, 2003.

J’ai appris à ne pas rire du démon, Naïve, 2006.

Anima Motrix, Verticales, 2006.

Ma solitude s’appelle Brando, Verticales, 2008.

Dompter la baleine, Thierry Magnier, 2012.

 

 

[1] La Borne SOS 77, Le bec en l’air, 2009.

Numéro d’écrou 362573, Le bec en l’air, 2013.

[2] Arno Bertina, SebecoroChambord, Ciclic, 2013, p.16.

 

William Wegman, the »dog artist »

 

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William Wegman est peintre, vidéaste et photographe. Photographié dans dans des vêtements et des attitudes très humaines, son chien, Man Ray, en hommage au célèbre photographe, est au centre de son oeuvre .

William Wegman a publié de nombreux livres photographiques pour enfants , abécédaires, livres à compter et réadaptation de contes populaires,  Little Red Riding Hood (Le Petit Chaperon rouge  ) ou Cindirella ( Cendrillon), dans lesquels les successeurs de Man Ray jouent les personnages. L’humour y est souvent au rendez-vous comme lorsque le chien-petit chaperon rouge dit au loup « Grand mother, she said, you look different » et « What big ears you have ! »

Dans sa série Flo & Wendell, il combine photographie et peinture.

Sur le blog de l’artiste :

http://www.wegmanworld.com/about-the-artist/

« William Wegman was born in 1943, in a small town in Massachusetts. He spent most of his time in the woods with his dog Wags, looking for rabbits, squirrels, deer, and chickadees. He fished, built tree houses, searched for quicksand, and painted watercolors with his mother. He loved the Hardy Boys, a series of mystery novels, and stayed up late reading them by flashlight. In school, he was shy, and known for his artwork.

Thanks to the encouragement of his high school art teacher, Mrs. Laramee, Wegman went to art school where he studied painting. He then went to graduate school and became interested in many things besides painting. He began doing performance art, and making videos, some of which featured his first Weimaraner Man Ray. Soon he began taking photographs, too, first starting with making black-and-white prints, and then experimenting with an enormous Polaroid camera the size of a refrigerator.

After Man Ray, he adopted a dog he called Fay Ray, and began photographing her using the Polaroid camera. Fay had puppies, Fay’s puppies had puppies, and Wegman photographed, and made videos, of them all. He made a series of children’s books, beginning with fairy tales: Cinderella and Red Riding Hood. His videos were featured on Sesame Street.

During this time with Fay, and her daughter Batty, Wegman began painting again, finding subject matters similar to the guide books and encyclopedias he had pored over as a child. Over the next few years, the paintings evolved and he began using images he found, like pages from books, images from magazines, and postcards.

Now, Wegman continues to paint and take photographs of his dogs Bobbin, Candy, Flo and Topper, who were the inspiration for his new book. Flo & Wendell combines Wegman’s photographs and his painting, and was inspired by his dogs Flo and Topper. »

Harry Whittier Frees, bien avant William Wegman

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En interrogeant la base de la Library of Congress, j’ai découvert de très intéressants clichés d’Harry Whittier Frees, (1879-1953), tombé dans la photographie d’animaux par accident, en photographiant un chat affublé d’un chapeau de papier, au cours d’une fête d’anniversaire, au début du siècle dernier.

Le cliché ayant rencontré le succès auprès d’un marchand de cartes postales qui lui en commanda d’autres, Frees consacra sa vie à photographier chiens, chats et lapins, et même cochons, habillés comme des humains et prenant la pose dans des situations très humaines, faisant la cuisine, de la balançoire, jouant du piano, prenant des photographies, ….ou réinterprétant des scènes tirés de la littérature classique américaine.

Dès 1915, il publia son premier ouvrage pour enfants, accompagné de ses propres textes Little Folks of Animal Land chez Lothrop, Lee and Shepard. De multiples titres suivirent chez Rand McNally entre autres, dont Four Little KittensFour Little Puppies and Four Little Bunnies, des années 30 à 50.

Dans la préface de Animal Land on the Air, publié en 1929, il s’explique sur son travail :

« Rabbits are the easiest to photograph in costume, but incapable of taking many ‘human’ parts. Puppies are tractable when rightly understood, but the kitten is the most versatile animal actor, and possesses the greatest variety of appeal. The pig is the most difficult to deal with, but effective on occasion. The best period of young animal models is a short one, being when they are from six to ten weeks of age. An interesting fact is that a kitten’s attention is best held through the sense of sight, while that of a puppy is most influenced by sound, and equally readily distracted by it. The native reasoning powers of young animals are, moreover, quite as pronounced as those of the human species; and relatively far surer. »

 

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Figure 1 : Article du magazine Life, mars 1937

 

L’artiste dans l’atelier

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http://www.petitpalais.paris.fr/fr/expositions/dans-latelier :

Extrait du dossier de presse :

« Le Petit Palais propose avec cette exposition de pénétrer dans le monde secret des ateliers d’artistes : plus de 400 photographies mais également des peintures, sculptures et vidéos permettent de s’approcher au plus près du processus de création de l’artiste, depuis Ingres, en passant par Picasso, Matisse, Bourdelle, Zadkine, Brancusi, jusqu’à Joan Mitchell, Miquel Barceló ou encore Jeff Koons. Jamais une exposition n’a traité à grande échelle et de façon aussi spectaculaire de ce regard photographique sur l’atelier. Cette entrée dans l’atelier, grâce à la photographie, invite à un voyage dans l’esprit des créateurs. Depuis les débuts de la photographie, les ateliers d’artistes fascinent les photographes. Qu’elle documente les intérieurs et tire les portraits des artistes en vogue, qu’elle s’intéresse au geste créateur ou qu’elle prenne l’atelier comme métaphore de la naissance des images, la photographie n’a de cesse depuis le XIXe siècle de pénétrer et d’explorer ces espaces où s’élabore l’œuvre d’art. Photographier l’atelier est l’occasion d’approcher l’artiste à l’œuvre, et de rendre palpable le processus de création, mais c’est aussi le prétexte à une réflexion sur la photographie elle-même à travers cette fascination pour les lieux de création. Pour aborder ces différents aspects, le parcours de l’exposition suit trois grands thèmes : L’artiste en majesté, La vie dans l’atelier et Méditations photographiques. Dès l’entrée de l’exposition, le public pénètre d’emblée dans l’intimité de la création. Tirages anciens et modernes, en noir et blanc ou en couleurs montrent comment la photographie célèbre l’Art et les artistes, mettant ainsi en valeur leur personnalité et valorisant leur puissance créatrice. Ici le public découvre les portraits mis en scène d’artistes de la fin du XIXe siècle jusqu’à des figures plus contemporaines comme Nicolas de Staël, Piet Mondrian, Joan Mitchell, ou encore Paul Rebeyrolle. Puis c’est la vie dans l’atelier qui est évoquée. Les photographes sont aussi les témoins privilégiés des activités et des rencontres qui y prennent place. »

Mame, éditeur religieux et éditeur pour la jeunesse

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La maison d’édition Mame, éditeur religieux et éditeur pour la jeunesse, s’est lancée dans la production d’albums pour enfants vers 1880, avec deux albums de catéchèse, L’alphabet de l’enfant Jésus en 1887 et La très sainte bible à l’usage de l’enfance en 1889.

La photographie fait son entrée dans sa collection d’albums avec Heures enfantines et chrétiennes, en 1936, réédition de La journée de deux enfants chrétiens ouvrage datant de 1914. Cette nouvelle version, au prix de 7, 50 frs, est rééditée en 1937, 1940, 1950.

Pourquoi les éditions Mame ont-elles recours à ce médium dans leurs ouvrages d’apprentissages de la foi ?

La stratégie éditoriale de la maison est-elle de moderniser sa production ? Sur la même période paraissent en effet les premiers albums illustrés de photographies pour enfants, ceux de Sougez et Pierda, ancrés dans la modernité. Les photographies d’Heures enfantines et chrétiennes renouvellent totalement les dessins de la première édition en mettant, au centre des images, l’enfant et sa famille, les jeux, les objets du quotidien.

Est-ce une façon de concurrencer les ouvrages produits pour l’école républicaine qui suit les influences de la Nouvelle Pédagogie ? Mame ne peut ignorer ce courant qui vient d’Allemagne, associant pédagogie par la photographie et apprentissage du monde.

L’usage de la photographie est-elle une façon de témoigner des bienfaits de Dieu ? Nombreuses sont en effet les photographies de la nature qui accompagnent le récit.

Les photographies de cérémonies, de Français au travail, que l’on peut relever, s’inscrivent-elles dans le courant photographique humaniste ? Dans la photographie de reportage ?

Le recours à ce médium permet-il de voir l’invisible, d’atteindre au sacré ? Notons que la photographie a été très peu utilisée pour illustrer les ouvrages d’autres catégories produits par cet éditeur.

Toutes ces questions feront l’objet d’une étude plus précise.

D’autres ouvrages pour l’apprentissage du catéchisme chez Mame :

1940 : Le Bon Dieu a dit… si vous m’aimez observez mes commandements.

1940 : Explique-moi la messe.

1956 : Je crois en Dieu

A lire :

Cécile Boulaire (dir.), Mame, deux siècles d’édition pour la jeunesse, Rennes, PUR, 2012.

Le site de recherche : http://mameetfils.hypotheses.org/

« Le Petit Chaperon rouge » dans l’objectif de Sarah Moon

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Le conte de Charles Perrault, publié en 1697, a fait l’objet de nombreuses réécritures, adaptations ou illustrations. Parmi ces dernières, celles de Sarah Moon, pour un livre de la collection Monsieur Chat, chez Grasset, paru en 1983, puis 2002, ont fait couler beaucoup d’encre et suscité un certain émoi.

Cet ouvrage est intéressant à plusieurs titres. En effet, la photographie y a un haut pouvoir d’évocation et de narration. Sarah Moon garde mais actualise le conte, le reformule dans son langage, celui de la photographie. Elle l’ancre aussi dans une réalité contemporaine, dans la lecture des faits divers, éloigne donc le lecteur du monde féérique des contes, pour se rapprocher du texte originel de Perrault, très sombre.

Malgré ses qualités artistiques, le livre a obtenu d’ailleurs le Prix Graphique à la foire de Bologne en 1985, l’ouvrage n’a pas reçu un accueil favorable de la part du public, dérangé par cette adaptation novatrice des contes traditionnels. L’usage de la photographie dans cet ouvrage a peut-être aussi déclenché un rejet général du public pour le livre de jeunesse illustré par ce médium. C’est ce que sous-entendait Tieri Briet, fondateur de la maison d’édition « où sont les enfants ? »[1], 

«   Lors de l’étude de marché que nous avons réalisé pour la création d’ « Où sont les enfants ? », nous entendions souvent de la part des libraires jeunesse et des bibliothécaires que la photo est un langage qui ne fonctionne pas chez les plus petits… Nous avons donc cherché à comprendre d’où venait cette idée reçue avec laquelle nous n’étions pas d’accord. Au gré des conversations, le nom de Françoise Dolto s’est imposé à nous. Nous avons alors compris que ce principe était né des propos qu’elle avait tenu sur France Inter au début des années 80. À cette époque, elle y animait une émission dans laquelle elle conseillait les parents. Françoise Dolto était alors une pédo-psychiatre reconnue, qui avait de l’influence, et qui était un prescripteur important en littérature jeunesse. Elle faisait des constats très intéressants mais ce jour-là, elle a dénoncé un peu vite le caractère traumatisant, selon elle, de l’album de Sarah Moon, Le Petit Chaperon rouge, un des rares album à utiliser la photo à cette époque.
Les attaques de Françoise Dolto portaient essentiellement sur les images en noir et blanc et l’association du dévorement du personnage par le loup à l’inceste et à l’occupation… (c’est un univers très chargé et angoissant.) Mais avec sa virulence de femme passionnée, elle a profondément marqué les spécialistes et les parents qui ont associé ses propos à la photographie en général.»

Ce n’est sans doute pas la photographie qu’il faut remettre en cause, mais chercher plutôt l’échec du livre du côté du thème abordé, celui de la pédophilie. Pour exemple, La petite fille en rouge[2], une autre réécriture du Petit Chaperon rouge, est totalement illustré par le dessin. Il met en scène dans un décor très urbain, une petite fille, que la police ne parviendra pas à sauver des griffes du prédateur. Ce livre n’a pas plus fonctionné que celui de Sarah Moon.

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La photographe Sarah Moon est connue du grand public, comme photographe de mode et réalisatrice de films publicitaires. Compagne de l’éditeur Robert Delpire, elle est aussi l’auteure d’une importante oeuvre personnelle qui a fait l’objet d’une rétrospective en 2013, « Alchimie[3] », et elle a illustré plusieurs contes pour enfants.

[1] Article relevé sur le site de photographie.com :  http://www.photographie.com/archive/publication/104823.

[2] Roberto Innocenti, La petite fille en rouge, Gallimard, 2013.

[3]  novembre 2013, au Muséum d’histoire naturelle, rue Cuvier, à Paris.

The Lonely Doll

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« Once there was a little doll. Her name was Edith. She lived in a nice house and had everything she needed, except somebody to play with. She was very lonely, »

« Il était une fois une petite poupée. Son nom était Edith. Elle vivait dans une très belle maison, et elle avait tout ce dont elle avait besoin, excepté quelqu’un pour jouer avec elle. Elle était très seule ».

Ainsi commence The Lonely Doll, publié en 1957, chez Doubleday à New York, écrit et illustré par les très belles photographies en noir et blanc de Dare Wright, photographe, écrivain et mannequin.

Trois générations de fillettes ont été élevées avec la lecture des aventures d’Edith et de ses deux amis ours en peluche, Mr Bear et Little Bear, père et fils. Les critiques s’accordent pour dire que les photographies et la narration expriment au mieux les angoisses et attentes des enfants, ce qui explique son succès. Le livre a été republié en 1998 . A cette occasion, il a fait l’objet de débats virulents, en raison de son atmosphère angoissante et ses scènes de fessées, mais il a reçu le soutien de nombreux lecteurs nostalgiques.

Il s’est d’ailleurs immédiatement classé en tête des ventes et a été élu par The Guardians, en 2010, parmi les plus beaux livres pour enfants, de tous les temps.

De nombreuses analyses insistent sur l’aspect autobiographique de la lonely doll Edith. En effet, si la poupée porte le nom de la mère de Dare Wright, c’est bien l’enfance  tourmentée et  solitaire de Dare qui est mise en scène. La ressemblance entre la créatrice et son personnage ne réside pas seulement dans l’expression des angoisses d’abandon, de solitude et la crainte des châtiments corporels exprimées par la petite poupée, mais aussi par  la troublante proximité physique avec la photographe.

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Dare Wright est née en 1914 au Canada, mais a passé son enfance à Cleveland. Ses parents ont divorcé alors qu’elle était petite et elle a été élevée par sa mère, la portraitiste Edith Stevenson Wright, tandis que son frère, Blaine, allait vivre avec son père, Ivan Wright. Frère et sœur ne se sont retrouvés qu’à l’âge adulte.

Très proche de sa mère, Dare Wright vécut très mal le décès de cette dernière en 1975, puis celui de son frère, en 1985. Elle termina sa vie seule, dans son appartement de la cinquième avenue, en 2001.

http://www.darewright.com/

D’autres livres pour enfants de Dare Wight :

  • Holiday for Edith and the Bears. Doubleday, 1958.
  • The Little One, Doubleday, 1959.
  • The Doll and the Kitten, Doubleday, 1960.
  • Date with London. Random House, 1961.
  • The Lonely Doll Learns a Lesson. Doubleday, 1961.
  • Lona, a Fairy Tale. Random House, 1963.
  • Edith and Mr. Bear. Random House, 1964.
  • Take Me Home. Random House, 1965.

« Une autre façon de raconter » de John Berger et Jean Mohr

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Sur le site de jean Mohr, http://www.jeanmohr.ch/ :

« Environ 30 ans après la première parution de l’essai majeur de l’artiste sur la photographie, L’écarquillé a choisi de rééditer ce texte essentiel bien que méconnu.

L’ensemble se compose de deux œuvres complémentaires: un livre réédité (Une autre façon de raconter, 1981) et un film édité pour la première fois en dvd et jamais sorti en France (Joue-moi quelque chose, 1989) avec, pour les relier, un essai d’Anne Michaels (2013).

Le livre s’articule autour d’un essai majeur sur la photographie qui constitue une réflexion théorique (Apparences, chapitre 2 du livre par John Berger) et une œuvre de fiction (chapitre 3), véritable cœur du livre (photos de Jean Mohr, narration de John Berger et Jean Mohr) qui constitue une tentative d’ordre littéraire et poétique de raconter d’une autre façon une histoire.

Il s’agit de donner à lire un montage photographique. »

Ce livre est riche à tout point de vue : Comment raconter par la photographie ? Est-ce que le roman-photo est une histoire racontée par les photographies ?  Quel est le langage des apparences ? Quel rapport la photographie entretient-elle avec le temps ? Quelles sont les différences entre le dessin et la photographie ? La photographie peut-elle apporter la vérité ? Pourquoi une photographie peut-elle nous émouvoir ?… Les auteurs nous proposent des éléments de réponses. L’ouvrage est riche aussi de ses  innombrables et très belles photographies en noir et blanc.

John Berger est peintre, romancier, poète, scénariste, historien et critique d’art. Il est né à Londres en 1926 et vit en France.

Jean Mohr est photographe. Il est né en Suisse en 1925.

« Sam et Julia dans la maison des souris » de Karina Schaapman

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L’ouvrage de Karina Schaapman est  sorti en 2011, sous le titre Het Muizenhuis-Sam & Julia, chez Rubinstein Publishing B.V, à Amsterdam, au Pays-Bas. Il a fait l’objet de publications dans 14 autres pays, dont la France, en 2012, chez Gallimard, dans la collection « Giboulées ».

Les deux personnages sont deux petites souris de laine, Sam et Julia, qui vivent dans un immeuble de plus de cent pièces.  Au cours de leur journée, les deux souriceaux rencontrent les différents habitants des lieux,  un musicien, un chiffonnier, un marin, les différents membres de la famille de Sam et vivent de petites aventures.

Si le texte est un peu simpliste, l’ouvrage est remarquable par la qualité des photographies de Ton Bouwer, qui permettent de découvrir une pièce à la fois et les mille petits détails du décor réalisé par Karina Schaapman.

La maison existe réellement et est entièrement composée d’objets de récupération. Elle est exposée à la mairie d’Amsterdam.

Karina Schaapman, dont c’est le premier ouvrage pour enfants, explique ses motivations dans une interview publiée  sur le site de Ricochet :

« En imaginant cette histoire et en créant cette maison, je souhaitais offrir l’image d’une société idéale, ma propre vision de la société idéale, où tout le monde serait le bienvenu. Un endroit où les personnages pourraient faire la connaissance de toutes sortes de gens différents, où ils pourraient grandir dans un lieu sans menace, un lieu privilégié ».

En 2012, Karina Schaapman a obtenu le prix néerlandais « Pinceau d’argent » pour cet ouvrage, qui s’est classé en tête des ventes aux Pays bas, dès sa sortie.

D’autres ouvrages ont donné vie à Sam et Julia :

Sam et Julia au théâtre, Gallimard, 2013.

Sam et Julia au cirque, Gallimard, 2014.

Sam et Julia font les courses, Gallimard, 2014.

D’autres informations sont audibles sur le site de France Culture : https://www.franceculture.fr/emissions/jusqua-la-lune-et-retour-12-13/sam-et-julia-dans-la-maison-des-souris-de-karina-schaapman

 

La collection « Children of all Lands »

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La collection voit le jour en 1928, chez Grosse & Dunlap, à New York. Certains ouvrages ont été numérisés grâce au projet Gutenberg et sont donc consultables en ligne.  Madeline Brandeis, (1897-1937), réalisatrice et productrice de films pour enfants, est l’auteure  de la majorité des ouvrages.

Il s’agit de romans pour enfants et adolescents, illustrés par environ 40  photographies  en noir et blanc. La ligne éditoriale,  clairement rappelée dans la préface de chaque ouvrage, est de promouvoir la paix entre les peuples, par la connaissance de l’autre : « We think the children of other lands are really  a lot like us after all ».

Les histoires, à destination des jeunes lecteurs américains, sont écrites dans  un langage simple. Une carte du pays, des photographies documentaires  des principaux monuments ou endroits typiques,  une page de prononciation de vocabulaire, accompagnent le texte.

Dans la préface , Madeline Brandéis précise que ses ouvrages sont inspirés par ses découvertes et rencontres faites lors de ses voyages, en compagnie de Marie Madeline, sa fille, et Ref, son appareil photo. Une des particularités de la collection est la présence de clichés mettant en scène des enfants-acteurs, réalisés par l’auteure elle-même. Certains ouvrages sont accompagnés lors de leur sortie d’un petit film produit par Madeline Brandeis’ Production.

Madeline Brandeis

 

Quelques titres  de la collection :

  • The Little Indian Weaver (1928)
  • Shaun O’Day of Ireland (1929)
  • The Wee Scotch Piper (1929)
  • Little Jeanne of France (1929)
  • The Little Swiss Wood Carver (1929)
  • The Little Dutch Tulip Girl (1929)
  • Little Philippe of Belgium (1930)
  • Little Anne of Canada (1931)
  • The Little Mexican Donkey Boy (1931)

 

Ergy Landau

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Ergy Landau est née en 1896 dans une riche famille de marchands hongrois. Elle commence à étudier la photographie sous la houlette de différents photographes, dont  Olga Maté, son amie. Elle ouvre un studio, en 1919, dans le 4ème arrondissement de Budapest, quai Jozsef Ferenc. Son travail est largement inspiré par le style pictorialiste.

A partir de 1923, elle s’installe à Paris, ouvre le studio Landau, rue Lauriston, se consacre aux portraits, aux nus et aux photographies de paysages, jouant sur la lumière et les détails. Ylla et Nora Domas se forment chez elles. Son salon rassemble des photographes, des écrivains, et les artistes de la colonie hongroise installée à Paris.

Elle est la première en France à acheter un Rolleiflex 4×4, puis 6×6, qui lui permet de saisir plus aisément les expressions des enfants qu’elle photographie. Ses portraits d’enfants paraissent dans des revues d’arts, sont utilisées dans la publicité puis dans la presse. Elle expose également ses clichés dans des galeries, comme le Studio Saint Jacques en 1934 ou  la galerie Escalle en 1936, aux côtés d’Ylla et Jahan. Elle fait partie du groupe « Les Dix »qui expose en 1936 à la Galerie du décorateur Jules Leleu.

Progressivement, Ergy Landau évolue vers un style humaniste. Membre du « Groupe des XV », elle expose régulièrement au Salon national de la photographie, à la Bibliothèque Nationale, au côté de ses confrères Doisneau, Izis, Ronis … En 1936, elle participe à la première grande exposition officielle consacrée à la photographie dans un musée de l’Etat, au pavillon de Marsan, au Louvre. En 1936, encore, le Daily Mirror lui commande 365 photographies d’une petite fille pour illustrer l’actualité politique au quotidien. Elle renonce rapidement à ce projet.

Elle réalise trois albums pour enfants  :  Le Petit chat,  Enfants et Horoldamba le petit Mongol.

Elle décède à Paris en 1967.

Références des ouvrages pour enfants :

Enfants, Ergy Landau, Paris, O.E.T, 1936.

Le Petit Chat,  , Ergy Landau, Maurice Genevoix, Paris, Arts et métiers Graphiques, 1957.

Horoldamba le petit Mongol, Ergy Landau, Yves Bonnieux, Paris, Calmann-Levy, 1957.

 

Littérature de jeunesse et altérité dans les documentaires fictionnels des années 50

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Après deux guerres mondiales, la découverte des massacres perpétués dans les camps nazis, le monde s’engage dans une nouvelle voie, celle d’une communion humaine et de la paix. C’est l’époque de la création des grandes organisations mondiales avec l’Onu qui doit garantir aux générations futures le maintien de la paix, l’Unesco qui gèrera les problèmes culturels ou scientifiques, l’Unicef qui se consacrera à l’enfance.

Les arts et la culture seront les alliés de cet élan pacifiste. Pour la photographie, c’est la pleine époque de la photographie dite « humaniste », dont la tendance était déjà amorcée avant-guerre, avec des photographes comme Brassaï, Kertesz, Kollar en France. Les tenants de ce courant exaltent la nature humaine, chantent sa dignité, avec des thèmes précis : la famille, le travail, le bonheur familial, la beauté des paysages français, dans un premier temps, puis avec une dimension internationale, car l’Europe n’est plus le centre du monde. L’exposition « The Family of Man[1] », présentée en 1955 au Moma, sous la houlette de Steichen,  est l’exposition phare de ces années pendant lesquelles la photographie, langage compréhensible par tous, doit montrer l’unité de l’homme, dans sa diversité.

C’est l’époque des grandes agences de photographes qui envoient leurs photographes-reporters aux quatre coins du monde, à une époque où on ne voyage pas encore. Le public a soif d’images et découvre le monde dans des périodiques comme Paris Match, créé en 1949, auquel Cartier Bresson participe avec un reportage sur Changaï, Brassaï sur Séville, mais aussi Réalités[2], créé en 1946, qui fait découvrir, grâce à Cartier-Bresson, Bischof et Boubat, l’Inde, le Japon, la Mongolie, des territoires encore mal connus.

L’édition est un autre vecteur de diffusion de la photographie et souvent les photographes s’allient à de grands écrivains, à l’initiative de grands éditeurs tels Robert Delpire, Claude Arthaud ou Albert Mermoud à Lausanne, pour faire connaître le monde et abolir les frontières. La Guilde du Livre réunit ainsi Doisneau et Cendrars pour La Banlieue de Paris, en 1949, Izis et Prévert pour Charmes de Londres, en 1952, Malraux et Izis pour Israël en 1955.

Dans ce contexte, l’édition pour la jeunesse ne peut-pas être en reste dans la diffusion des idées humanistes. L’enfant étant l’avenir de demain, il faut le former. En France, en 1944, les membres de l’association « Pour le livre[3] » s’engagent « à coopérer par tous les moyens à leur disposition à l’œuvre d’éducation et de formation d’une pensée libre qui doit préparer un avenir meilleur[4] ». Une exposition « L’enfant et le livre », est présentée à la Bibliothèque nationale de novembre 1951 à janvier 1952 : « Les représentants des nations qui participent à cette conférence auront le loisir de confronter les légendes, les traditions, les coutumes, les mœurs des pays qui ont envoyé des livres […] et, à travers les réseaux de ces contes et de ces images de montrer la solidarité de tous les petits enfants de la planète [5]». Un Prix de l’enfance[6] est créé en 1954.

L’international Board on Books for Young peopole (IBBY) est fondé en Suisse, en 1953, avec pour objectif de « permettre aux enfants de lire des livres de toutes les cultures pour favoriser l’entente entre les peuples [7]».

L’image étant le langage le plus simple pour parler aux enfants, la photographie ne peut que servir ce projet. La photographie doit donc, dans ces ouvrages pour la jeunesse, servir de documents, informer le jeune lecteur, témoigner de la réalité de l’Autre, l’emmener à sa rencontre, lui permettre de dépasser les frontières, et faire en sorte que l’Autre et lui soient semblables.  Des collections consacrées aux enfants du monde voient ainsi le jour chez les éditeurs, avec la publication d’albums photographiques. Nathan lance la collection « Enfants du monde » avec les nombreux livres de la photographe Dominique Darbois qui,  à partir de 1952, fait découvrir aux jeunes lecteurs la vie d’autres enfants : « Tous divers ils se ressemblent, s’enrichissant-et nous enrichissant de leurs différences. Un petit indien d’Amazonie ouvre le ban en 1952, rejoint au fil des années, par un Africain, un Esquimau, un mexicain, une japonaise…Après tout ce temps passé à explorer les lieux et les humains, j’espère avoir réussi à transmettre ma conviction que ce mode, dans sa diversité et sa complexité, est un : le nôtre, notre monde à tous[8]». La maison Hatier lance la collection « Connais-tu mon pays », « reportage à peine romancé sur la vie et les coutumes d’un pays [9]» avec des titres comme En Iran avec Reza, en 1963,  Au Japon avec Harumi. La maison Geldage publie des romans illustrés de photographies documentaires, comme Annie au Danemark  en 1957 et la maison Hachette sort Deux enfants autour du monde, en 1955, récit de voyage illustré par la photographie.

Hélas, ce projet, si louable soit-il, reste à la frontière des pays qu’il tente de faire découvrir…

 

 

[1] En 1955, Edward Steichen, responsable du département de  photographie au Museum of Modern Art de New york, réunit 530 photographies déjà publiées dans la presse, dans un grand dessein humaniste.

[2] « Réalités », mensuel d’actualités avec reportages photographiques publie un numéro spécial « Tour du monde » en 1955, avec des photographies de J-P Charbonnier. Boubat publie des reportages sur la vie de tous les jours en Chine, Moyen orient, Russie. .. . En 1978, le mensuel cesse sa publication.

[3] Livre mon ami, catalogue de l’exposition des Bibliothèques de la ville de Paris,  établi et dirigé par Annie Renonciat, 1991, p. 99.

[4] Parmi les Membres fondateurs : Bourrelier, Hartmann, Berger-Levrault et Geldage.

[5] Catalogue de l’exposition  « L’enfant et les livres », BnF, 1951, cité dans l’ouvrage Livres mon ami, 1914-1954, 1991, p. 100.

[6] A l’initiative du Centre International de l’Enfance. Georges Duhamel est  président du jury. Le premier prix est attribué à Paul Jacques Bonzon pour Les orphelins de Sumatra, Hachette.

[7] Yvan von Arx, « Littérature de jeunesse et altérité », projet de l’ISJM, parole, 1/2006.

[8] Flash sur les livres de photographie pour enfants des années 2 à nos jours, Paris, Bibliothèque de la Joie par les livres, 2001, p. 28.

[9] Marc Soriano, « Les livres pour enfants », Enfance, tome 13, n°4-5, 1960, pp.  501-512.

 

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